情景之美有哪些不一样

情景之美的不同之处：

1、情是人对客观事物的一种心理体验，是欣赏者从艺术品的接受中的情感体验这种情感或深或浅,或强或弱,或浓或淡,或大或小,或明或暗,或远或近。景是客观之物,这里的景主要是指由艺术家加工之后的艺术之景，艺术品在接受过程中，产生了欣赏者对艺术美所传达的情感的理解和偏离。在这个过程中,生成了欣赏者对艺术的美感。而这种美感和艺术家所要传达的艺术美可能一致，也可能偏离的。

2、景是以相对独立和稳定为特征，而情是主体的意识流动。

情景交融,情中有景,景中生情。王国维曰:“一切景语皆情语”,这在古诗词中有很好的见证。情景的交融生成艺术美感。这样的例子很多,譬如林黛玉的一首《葬花吟》可说是她自己身世的真实写照，从某种意义上甚至可说是“一诗成派”。

艺术情感的作用：

①艺术情感的表达需求构成了文学创作的动力。

②艺术情感的再度体验构成了艺术创作的核心。

③艺术情感是艺术形象的重要组成部分。

古今中外的艺术家们，都十分看重情感的作用和地位。罗丹说“艺术即感情”。列夫·托尔斯泰在《论艺术》中说：“人们用语言互相传达思想，而人们用艺术互相传递情。”符号美学代表人物苏珊·朗格认为“艺术是人类情感的符号形式的创造。”

毕加索曾说：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些情感一致的艺术形式。”在毕加索的艺术创作中，情感的变化使他在艺术创作出现不同时期。早年的蓝色时期，粉红色时期，盛年的黑色时期，立体主义时期，后来的超现实主义时期等，都与他的个人情感密不可分。

艺术传达的情感仅仅是作家个人的情感对。根据查询相关公开信息显示：艺术家的情感和他们的作品是不可分的，情感通过艺术创作得以表现，任何事物在艺术家的笔下都是有情的，古今中外的艺术杰作，都深刻地表现着艺术家真挚和强烈的情感。

情感和艺术之间关系为：艺术是情感的载体，情感是抽象的，通过艺术这一相对具象的形式表现出来，让人感知、引起人的共鸣。文学、音乐、舞蹈、戏剧等都通过人内心的感情，使之升华，当然，艺术产生之后，也会有自己的发展轨迹，偶尔脱离情感。

情感谁都有，不学艺术同样有，那只是艺术创作的前提，不是艺术研究的主要问题，艺术是要看成品的，再深的情感、再好的创意，最终也要依靠艺术手法物化出来，否则是没有任何意义的。

古今中外的艺术家们，都十分看重情感的作用和地位。罗丹说：“艺术即感情”。列夫·托尔斯泰在《论艺术》中说：“人们用语言互相传达思想，而人们用艺术互相传达感情。”符号论美学的代表人苏珊·朗格认为：“艺术是人类情感的符号形式的创造” 。

在毕加索的艺术创作中，情感的变化使他在他的艺术创作出现了不同的时期，早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“立体主义时期”、后来的“超现实主义时期”等，都与他的个人情感密不可分。

以情感人的方式，是艺术教育与其他教育之间最鲜明的区别。 艺术的教育作用决不是干巴巴的道德说教，更不是板着面孔的道德训诫，而是以情感人、以情动人，通过艺术强烈的感染性，使欣赏者自觉自愿地受到教育。

艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。

（一）艺术美的形象性

艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。

艺术形象是内容与形式的统一。艺术美应当具有深刻的思想内涵和完美的艺术形式，二者有机统一，才能具有令人惊叹的艺术魅力。19世纪末叶，法国著名雕塑家罗丹应邀为去世的大文豪巴尔扎克创作雕像，罗丹为此亲自到巴尔扎克的故乡采访，翻阅了大量有关资料，甚至专程去找当年为巴尔扎克制衣的裁缝，经过这样艰苦的创作准备，罗丹终于有了创作的冲动和灵感，选择了巴尔扎克在深夜穿着睡袍写作的形象作为雕像的外形轮廓，摈弃了一切细枝末节，将大文豪的手和脚都掩盖在长袍之中，使观众的注意力集中到雕像的头部，尤其是巴尔扎克那双炯炯有神、气宇不凡的眼睛，突出表现了这位伟大的批判现实主义作家与众不同的气质。罗丹的《巴尔扎克像》以朴实、简洁的艺术手法，来突出这位大文豪内在的精神气质，通过内容和形式的完美统一，真正在形似的基础上达到了神似的高峰，使这座雕像成为世界名作。

艺术形象是个性与共性的统一。综观中外艺术宝库中浩如烟海的艺术作品，凡是成功的艺术形象，无不具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的共性，从而使得艺术美具有不朽的生命力。艺术美中这种个性与共性的统一，最集中地体现为艺术典型。所谓艺术典型，就是艺术家运用典型化的方法，创造出来的具有鲜明个性和普遍意义的典型形象。例如鲁迅先生塑造的阿Q这一艺术形象，就是中国现代文学宝库中一个不可多得的艺术典型。阿Q这个人物身上，不仅具有活生生的个性，还有反映他所处的特定时代整个民族的国民性特点。在阿Q这个典型人物形象面前，任何人都不可能无动于衷，他会使人震惊，使人猛醒。

（二）艺术美的主体性

艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。

一方面，艺术创作具有主体性特点。艺术生产是一种特殊的精神生产，艺术创作更是一种创造性的劳动，艺术家作为创作主体对于艺术创作起着决定性的作用。艺术创作的主体性，集中体现在艺术家的创作活动具有能动性和独创性。艺术家面对大千世界浩瀚的生活素材，必须进行选择、提炼、加工、改造，并且将自己强烈的思想、情感、愿望、理想等等主观因素“物化”到自己的艺术作品之中。正是艺术创作的这种能动性，使得每一件艺术作品必然打上艺术家作为创作主体的烙印。艺术创作更具有独创性的特点，任何优秀的艺术作品都应当是独一无二、不可重复的。或许这正是艺术生产的产品和物质生产的产品二者之间最根本的区别特征。每一件优秀的作品，总是凝聚着艺术家个人的主观色彩和独特的艺术追求，体现出艺术家鲜明的创作风格和艺术个性，具有强烈的创造性与创新性特色。由于艺术的独创性，甚至面对同一个题材，作家艺术家们也完全可以创作出不同的作品来。20世纪20年代，朱自清和俞平伯两位散文家同游秦淮河之后，各自写出一篇同名散文《桨声灯影里的秦淮河》，这两篇散文不但取材范围相同，时间地点相同，甚至命题也完全相同，但这两篇散文却有各自鲜明的艺术特色，都成为中国现代散文的名篇。正是由于两位作家面对同一景物时，由于不同主体的审美感受不同，艺术风格上的追求不同，才使得这两篇打上了创作主体烙印的散文具有了各自不同的艺术特色。

另一方面。艺术欣赏也具有主体性特点。美感既有共同性，又有差异性；既有社会功利性，又有个人直觉性，具有千差万别的个性特征。尤其是艺术鉴赏，不是消极被动地接受，而是读者、观众、听众凭借艺术作品而展开的一种积极主动的审美再创造活动。由于欣赏者的生活经验与人生阅历不同，审美能力和艺术修养不同，使得审美感受形成了鲜明的个性差异，使艺术欣赏也打上了欣赏主体的烙印。正因为如此，西方人常说“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，我们经常说“有一千个读者，就有一千个林黛玉”。

（三）艺术美的审美性

艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。

艺术美作为艺术家创造性劳动的产物，它比现实生活中的美更加集中、更加典型，能够更加充分地满足人的审美需求。艺术美注重形式，但并不脱离内容，艺术的审美性是内容美和形式美的有机统一。艺术贵在创新，随着艺术实践的不断发展，形式美的法则也在不断变化和发展，然而，不管怎么变化，艺术的形式美都不能脱离艺术的内容美，因为艺术的形式美正在于它鲜明生动地体现出内容。就拿举世闻名的悉尼歌剧院来讲，这座历时15年、耗资巨大的建筑，设计十分独特，刻意追求造型美和形式美。它远看像是一支迎风扬帆的船队，近看又像一组巨大的贝壳，从空中飞机上望下去又像是一朵巨大的白荷花，真是具有独特的形式美和别具匠心的造型美。与此同时，作为当代艺术与现代科技相结合的产物，悉尼歌剧院又体现出具有当代色彩的建筑理念，成为著名的环境艺术或有机建筑的典型作品。它的设计师、丹麦建筑学家伍重认为，现代建筑应当从属于自然环境，推崇“有机建筑”理论，认为建筑应与周围环境有机融合在一起，仿佛是自然而然地“生长”出来的一样。在海滩上设计建造悉尼歌剧院，不管像帆船、贝壳，还是白莲花，都与大海的万顷波涛融为一体，展现出“有机建筑”的魅力。悉尼歌剧院这个例子充分证明，艺术的审美性是内容美与形式美的有机统一。

与此同时，艺术美的审美性又体现为真、善、美的结晶。艺术美之所以高于现实美，正是由于通过艺术家的创造性劳动，把现实生活中的真善美凝聚到艺术作品中了。艺术中的“真”并不等于生活真实，而是需要通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是“化真为美”。艺术中的“善”更不是什么道德说教，而是要通过有血有肉的艺术形象来以情感人，以情动人，也就是“化善为美”。好莱坞大片《泰坦尼克号》并不拘泥于生活中真实发生过的冰海沉船事件，而是将在巨型游轮上邂逅的一对青年男女之间的爱情作为主要线索，重点表现在即将沉船之时，男主人公将生的希望留给了恋人，自己却不幸遇难的故事。这部影片正是通过爱情片与灾难片的结合，并且充分运用了现代高科技的成果，努力打动人们的心灵深处对于真善美的渴求，从而在全世界赢得了亿万观众，取得了巨大的票房收益。显而易见，艺术的审美性是艺术作品具有巨大魅力的根源。

经过长期的人类艺术活动实践，人类创造了多种多样的艺术形式和丰富无比的艺术作品。中外许多美学家、艺术理论家等都对艺术进行过体裁和分类研究，根据当时的艺术实践，提出了各种各样的分类原则或具体分类，如中国古代文论《毛诗序》对中国古典艺术区分为诗、歌、舞三种不同艺术种类，古希腊亚理斯多德根据艺术的媒介、对象、方式的不同区分了绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧等。到近现代，艺术分类理论已较为成熟，形成了从不同方面、为不同目的的艺术分类体系。我们认为，从本质上讲，艺术作品就是以物态化的方式传达出艺术家的审美经验和审美意识，因此，根据艺术分类的美学原则，应当把艺术形态的物质存在方式与审美意识物态化的内容特征作为根本的依。据此我们可以将艺术分为五大类别：即造型艺术（绘画、雕塑、摄影、书法）、实用艺术（建筑、园林、实用工艺）、表情艺术（音乐、舞蹈）、文学艺术（诗歌、散文、小说）、综合艺术（戏剧、戏曲、**、电视）。

艺术与美的关系：

1、艺术美是美分类中的的一部分——并不是所有美的东西都是艺术。

在美的分类中所说的美涵盖的范围很广，包括了很多内容，具体可以概括分为三部分:自然美、社会美和艺术美。只有人为创造的才叫艺术，大自然的美显然不能归为艺术，所以并不是所有美的事物就是艺术。但是人类可以将所有美通过人类的指挥加工以艺术的形式表现出来。

2、艺术都是具有审美性的。

由于对美的定义很广泛，所有能够引起人们愉悦、舒畅、振奋或使人感到和谐、圆满、轻松、快慰、满足或让人产生爱（或类似爱）的情感、欣赏享受感、心旷神怡感或有益于人类、有益于社会的客观事、物的一种特殊属性都称为美。

而且不同的人在不同的艺术作品中理解不同，或许每个艺术品都有被认为是美的可能性，都能找到美，所以我们无法否定所有的艺术都是美的，但是所有的艺术都是具有审美性的。

3、艺术美只是艺术的一个特性——研究艺术不能只研究艺术的美。

在欣赏艺术时，人人似乎习以为常的仅仅从艺术美的这一方面来对艺术评价艺术的好坏，仅仅从艺术是否是美的来研究评判。但是这种方式并不是正确的。

自18世纪以来，人们开始用哲学思想探讨艺术问题，“美学”一词一直作为“艺术哲学”的同义词进行探讨。但是理想主义黑格尔提出了有关艺术哲学的问题。对艺术哲学的探讨的问题，之处不应该仅仅局限在对美的探讨，艺术的本身不仅仅专注于美。

当欣赏一件艺术作品时，不应该只从这一点入手。艺术重在于情感的传达。艺术家创作艺术，最终传达出的真情实感才是我们欣赏艺术的终极目标，据对不应该停留在美这个浅显的部分。

由此可见，美与艺术的关系应该属于一种交集的关系，彼此相关但都有不能完全重叠的地方。

艺术与美的关系问题，是美学史上长期争论的一个问题。车尔尼雪夫斯基坚持认为，美不能完全包括艺术的内容，艺术除不表现美以外，还表现其他非常广泛的内容；因此，“历史上还没有专门以美的观念创造出来的艺术作品”。

普列汉诺夫的观点是，艺术的确不限于表现美，还广泛地表现美以外的许多追求，但这些追求必须表现在艺术家的“美的观念”中，美学就要说明它“怎样表现”，和它怎样在社会发展中发生改变。

普列汉诺夫认为，对于有机体的艺术作品来说，并非只一部分表现美的观念一部分则表现对于真理、道德和改善生活等等的愿望，而是“美的概念本身就渗透着这些愿望，并且本身表现出这些愿望。”这就是肯定艺术作为整体，是“表现”和“渗透着”美的观念的。

他进一步指出，如果被表现的某些道德的和实际的愿望环依赖于美的观念”，那么，这样的艺术和批评，“它就必然具有道德说教的性质。”就是认为游离于“美的观念”之外，单纯地表现道德的和实际的愿望，那样的作品是非艺术的东西。

艺术的内容，包括进入作品的客体世界与主体世界，不都是美的，却应该都是审美的。具体到艺术创作来说，艺术家总是根据其审美观、审美理想，从审美角度去认识、反映和能动地改造世界的。

创造艺术美，不仅包括使原本就是美的东西获得艺术美的品格，而且包括使那些丑和非美非丑的东西获得艺术美的品格。

扩展资料：

美的分类：

美涵盖的范围很广，包括了很多内容，具体可以概括分为三部分:自然美、社会美、自然美与社会美。

自然美：主要是指人所生活的自然环境，即大自然存在的美。自然又包含了有生命的自然和无生命的自然。自然美一直都是人类设计重要的灵感来源。

社会美：包含了人类个人生活和社会生活中的一切，例如人体美，行为美、生活美、语言美 和实践美等等。由此可见，社会美与人类生活息息相关。

艺术美：现代人类运用智慧创造的一切可以分为两大类，实用性的满足人类的日常生活，精神享乐型的归位艺术。艺术的受众者往往可以欣赏艺术的过程中得到美的享受，这种由艺术作品给人带来的美被称为艺术美。目前人类欣赏艺术品，大多还停留在欣赏艺术作品，艺术美的层面。

柏拉图“艺术即模仿”、亚里士多德“艺术即认识”、休谟“艺术即品位的对象”、康德“艺术即可传递的快感”、叔本华“艺术即展现”、黑格尔“艺术即理想”等等。对于艺术的定义多种多样，但是要追溯艺术的本源，试图给艺术下定义的时候。

艺术重在于情感的传达，就像书本对知识的传达一样，艺术在于创作者和受众者之间情感的传达，在这种传达过程中，并不是单单的传达了作者自身的情感，受众者在欣赏艺术时往往在感受创作者的情感的同时也会产生自己的不同的情感。

这应该是艺术的真谛，和人类创造艺术的最终目的。当然在传递的情感中也包含了美感，但绝对不是只有美感。对于艺术的界定还有一点是必须强调的，艺术是人类有意识创作的，人类智慧的产物，所有非人为产生或无意识的行为都不应该界定为艺术。

艺术的特性：

艺术的最主要的特性可以总结为三种：人文性、情感性和传达性。

人文性：所有的艺术都是人类的产物，都是人类有意识的行为加工所创造的。即使是反应大自然的艺术，也都是通过人的眼、人的手来捕捉的，与原始的大自然有别。所以艺术总是建立在人的需要，人的意识，人的思维与人的立场基础之上，与人息息相关。

情感性：艺术与科学不同，科学需要冷静，艺术需要激情。艺术家们投入丰富的情感，用各种艺术形式将情感淋漓尽致的表现出来，从而感染到其他人，好的艺术更需要艺术家们投入丰富的情感。

艺术要出自人的真性情，人的性情出自社会和自然。受众者也会通过艺术，体会艺术家的情感以及产生自己的情感体会。

传达性：艺术重在于情感的传达。艺术家创作艺术，传达自身的情感。艺术作为中间的载体，将情感依附于直观的形式，即可感知的，具体的作品的形式，最终实现情感的传达。也不仅仅是对美的传达。

同样艺术还具有，可感知性，独创性等特性。

-美

人民网-文艺复兴艺术与科学观念下的丢勒