油画中色彩的明暗与冷暖运用思考论文

关于油画中色彩的明暗与冷暖运用思考论文

　摘要作为我国最常见的绘画表现形式，油画凭借着自身的写实性以及艺术性而获得了人们的喜爱，并具有较为广泛的市场前景。事实上，画家在油画创作过程中为了表现自身的情感往往加强了对于色彩明暗以及冷暖的运用。本文基于此，着重论述色彩冷暖、明暗在油画绘制过程中的运用，并就色彩的运用所起到的作用进行了论述，最终为我国油画艺术的发展提供经验借鉴。

　关键词油画;色彩;明暗;冷暖

　画家在进行油画创作的过程中，为了增强画作的对比性并抒发自身的情感，往往加强了对于色彩的冷暖与明暗的合理运用。事实上，色彩的冷暖与明暗往往具有明显的关联性，且其在运用的过程中不仅实现了画作内容的丰富性，还能够体现出画作内在的情感寄托。本文基于此，着重论述画家在油画创作的过程中，如何进行色彩冷暖、明暗的搭配，并就色彩运用所起到的效果进行表述。

　一、明确油画主体

　在进行油画创作的过程中，为了确保色彩冷暖表现具有多样性，需要画家明确画作主体环境。一般而言，绘画对象的冷暖变化会受到外在因素以及光源照射角度的影响。诸如在白炽灯光的照射下，物体的受光面往往会呈现出冷光色的效果，而背光面则出现偏暖色的色彩效果。基于此，绘画者在进行作品创作时往往需要对光源的'来源以及角度进行预估，从而实现了绘画色彩的正确选择，确保作品的写实性更高。

　诸如白墙在太阳光的直射下往往会呈现出偏橙色(**)的暖色效果，但是物体的投影部分则呈现出冷紫灰的效果。不仅如此，墙面即使处在相同的阴影，其所表现出的冷灰调仍旧具备多样性。事实上，这种冷调的变化尽管不受画家的主观控制，但是其与绘画者的心理以及生理视觉角度具有较为密切的关联。绘画者在进行油画创作的过程中，不仅需要对色彩的多样性进行把握，还需要确保整个画作的色调保持协调统一。

　二、加强对优秀作品创作思想的学习

　通过对油画作品进行对比分析不难发现：不同时期、流派的油画作品对色彩的处理方面存在着差异性。为此，绘画者在进行油画创作的过程中需要加强对于各流派以及各时期著名画作的创作思想进行了解以及临摹。

　在印象派之前，画家在进行油画创作的过程中往往注重色彩的明暗状况，而对其冷暖色调则较为忽略。以伦勃朗油画作品为例，其在创作的过程中往往借助“光”这一元素抒发自身的情感，并加强了对于色彩明暗、冷暖对比的运用，从而增强了画作的戏剧性。事实上高亮度光线的运用，能够有效地突出作品的主题，并进一步增强了画作的空间感。以其作品《夜巡》为例，其在绘画创作时就借助光线手法突出表现了几个人的身体，并将另外部分的人员安放在阴暗背景之中。这种色彩的明暗对比在一定程度上凸显出了作品中的戏剧性以及深邃性。此外，在该画作中，小姑娘裙子的米**、库克上尉军装的黑色，在一定程度上都为整幅画作的平衡性以及过渡性起到了推动作用，并增加了画面色彩的层次感以及多样性。

　印象派的出现在很大程度上改变了油画在创作过程中的色彩对比运用。印象派在绘画的过程中更加偏爱对于条件色的运用，注重色彩表现。不仅如此，印象派的画家在作品创作的过程中更加注重绘画与光学关系的研究，并注重运用色彩对比、冷暖、互补等方式进行画面色彩的凸显。

　以雷诺阿的油画作品《阳光下的女人体》为例，画家在进行创作时，选用绿色、蓝色进行人体颜色的填充，但是这种有违常规的用色方法却凸显出画作的美观性以及协调性。不仅如此，雷诺阿还借助冷暖色彩的对比使用，从而凸显出阳光的光感，实现了阳光色彩的真实性。

　除此之外，在画作中的暗面采用了较多的冷灰色，这一色彩的运用主要是为了凸显出树荫的斑驳。而雷诺阿在阳光的表现上也动了小心思，采用少量的暖色可表现出树叶缝隙下的阳光。事实上，这种鲜明的颜色对比能够凸显出整个画面的趣味性。

　总而言之，印象派的出现在很大程度上改变了传统，优化了创作中色彩的明暗对比状况，而更多地关注到色彩冷暖的应用，从而突出了主观色彩感受的主导地位。

　三、融入画家独特的个性

　在油画创作中，为了确保油画色彩明暗、冷暖的合理运用，画家还需要加强对于自我个性的运用，从而确保画作中的色彩效果能够反映出观者情感。一般而言，油画作品中的冷暖色调能够引导观赏者对画家情感的了解，成为画家表达自我情感的媒介。这种色彩运用的方法实现了主客观的完美结合，故而能够充分展现出画家的情感，引发观赏者的共鸣。

　此外，画家的情绪往往与油画的冷暖色存在明确的关系，但是如果画家完全凭借主观进行色彩运用，往往会导致观赏者无法产生共鸣。基于此，画家在色彩明暗、冷暖的运用过程中需要确保色彩的统一以及变化性，确保画面反映出人们的共感，从而帮助观赏者对于油画魅力的欣赏。

　四、色彩明暗与冷暖应用的注意事项

　为了确保绘画者能够创造出高品质的绘画作品，需要其在油画创造的过程中加强对于色彩明暗以及冷暖方式的运用。此外，为了确保各项作业效率的提升，工作人员需要遵循油画创作的相关事项。关于色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项，笔者进行了相关总结，具体内容如下。

　画家在进行油画创作之前，需要对画作的色调进行明确，并对主体、背景的冷暖色彩处理状况进行确定，并选择正确的观察方法。在这一过程中，作业人员需要对绘画对象的整体以及对此物进行观察，并通过对比方法进行判断，合理确定各画面的关系。事实上，物体的色彩往往会受到光源色的影响，故而画家需要对光源色进行分析。一般情况下，在冷色光源的影响下，画作的亮部呈现出冷色，但是其暗部则呈现出暖色，反之则不同。

　基于此，在画作处理的过程中需要在固有色考量的前提之下，加强对于环境分析探讨，从而实现了环境色与固有色关系的协调、一致，并凸显出冷暖色调的韵律感I实现整个画面的和蒜裔在这一过程中，绘画人员若无法对光冷暖色进行明确划分，其可以依据两个色彩的强弱程度进行相关的划分作业。一般而言，早晚的日光、火光、灯光等色调都为暖色系，而中 -午的阳光、天光等则属于冷光系列。

　结语

　为了进一步促进我国油画创作质量的提升，相关的人员需要在实际的作业过程中强调油画色彩的明暗以及冷暖。本文基于此，分析、探讨、明确油画主体，加强对于优秀作品创作思想的学习，融入画家独特的个性，并就色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项进行论述。笔者认为，随着相关措施的落实到位，我国的油曩裂作必将获得长足的发展，并由此促进相关的取得，确保我国的文化艺术事业的长足发展，满足社会居民的文化艺术需求，有助于促进我 。

　参考文献：

　1]杜昱兴，浅析色彩的明暗与冷暖在油画中的运用U]美与时代(中)，2015(7)

　[2]杨浩石论油画艺术中的主观性色彩Ⅱ]厦门大学学报(哲学社会科学版)，1999(3)

　[3]王霄塞尚的色彩造型观念对油画写生教学的启发Ⅱ]美术教育研究，2012(5)

　[4]盛梅冰，戚灵岭，张春华论欧洲油画中协调性的色彩表现U新美术，2012(5)

　[5]张华清谈油画色彩写生训练U]南京艺术学院学报，1985(2)

　6]马克油画风景写生教学谈D]赤峰学院学报(汉文哲学社会科学版)，2006(4)

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　　外国美术简史

　　旧石器时代美术{1}

　　1母神雕像 迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，但在很多欧洲国家都出土了一大批圆雕和浮雕女裸体雕像这些女性雕像的共同特征是夸张女性的生理特点,突出表现女性的乳房、腹部、大腿等,体现出原始时期人们对于母性生殖的崇拜,被人们称为 “原始的维纳斯”在维也纳的威伦道夫出土的女性雕像是其中最著名的代表作

　　新石器时代的美术{2}

　　2巨石建筑 是新石器时代艺术的代表它是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念物巨石建筑盛行于欧洲,包括石柱、石台、石栏等形式英格兰南部的圆形巨石栏“斯通亨治”是最典型的代表，以其宏伟的环形结构、宗教的庄严肃穆和悲剧性的壮美而引人瞩目

　　巴比伦美术{3}

　　3汉漠拉比法典石碑 汉漠拉比是巴比伦王国鼎盛时期的国王,他在位期间颁布了汉漠拉比法典汉漠拉比法典刻在黑色的玄武岩石碑上,上部为浮雕,下部为文字浮雕刻画了太阳神向汉漠拉比授予权杖,汉漠拉比肃然而立太阳神的威严和汉漠拉比的谦恭形成有力的对比,整个场面充满了宗教的拘谨和严肃

　　埃及古王国美术{4}

　　4埃及古王国时期形成的雕刻程式,浮雕和壁画形式

　　雕刻程式有:

　　①姿势必须保持直立,双臂紧靠躯体,正面直对观众;

　　②根据人物地位的尊卑决定比例的大小;

　　③人物着重刻画头部,其他部位都非常简略;

　　④面部轮廓写实,又有理想化修饰,表情庄严,感情表现很少;

　　⑤雕像着色,眼睛描黑,有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌,以达到逼真的效果

　　浮雕和壁画有着共同的程式:

　　①正面律,人物头部为正侧面,眼为正面,肩为正面,腰部以下为正侧面;

　　②横带状排列结构,用水平线划分画面;

　　③根据人物尊卑安排比例大小和构图位置;

　　④填充法,画面充实,不留空白;

　　⑤固定的色彩程式,男子皮肤多为褐色,女子多为浅褐色和淡**,头发为蓝黑色,眼睛为黑色

　　古代希腊美术{5-9}

　　5希腊艺术是在怎样的条件下产生的

　　希腊艺术的形成、发展与其社会历史、民族特点、自然条件有着密切的关系:

　　①城邦国家的奴隶主民主政体为文化艺术的发展提供了有利条件,城邦国家要求公民具有健壮的体格和完美的心灵,希腊艺术中的理想形象就是既有典雅宁静的气质,又有运动员一样的体魄,这种审美标准使希腊艺术产生了古代世界理想美的典范;

　　②贸易和航海业的发展造就了希腊人的坚强、机智灵活以及勇于追求理想的积极性格,也使希腊人得到接触两河、埃及等地区文化的机会,因而孕育了一大批最优秀的艺术家;

　　③希腊神话使希腊艺术的土壤,希腊神话包含着人们对自然奥秘的理性探索,它孕育着历史和哲学观念的萌芽希腊神话中的“ 神人同形同性”的特点使神袛具有人的面貌和感情,成为促使艺术与生活息息相通的有利因素;

　　④温和的希腊气候使希腊人有广阔的露天活动和运动场所四年一度的奥林匹克运动会上,运动员裸体竞技为艺术家提供了塑造健美人体的条件,是他们对于人体美有较早的领悟和表现希腊艺术家正是在这种环境下创造出古代世界最杰出的艺术,给人类文化宝库留下了最珍贵的遗产

　　6巴底农神庙 献给雅典娜女神的巴底农神庙采用了希腊建筑中最典型的长方形圆柱式建筑,神庙建立在一个长约70米、宽约30米的三级台基上它的屋顶是人字形坡顶,东西两端有山墙,是古希腊最基本的形式它的柱子采用了多利亚式,列柱的比例为17:8,柱高105米,东西三角楣有高浮雕装饰,檐壁采用了浮雕饰带它结构匀称、比例合理,有丰富的韵律感和节奏感建筑结构和装饰因素、纪念性和装饰性、内容和形式取得了高度的统一,是世界艺术史上最完美的建筑典范之一

　　7《命运三女神》 是希腊古典时期著名的雕刻杰作之一，它原是巴底农神庙东三角楣右角末端的高浮雕，题材来自希腊神话 三位女神是克罗索、克拉西斯和阿特罗波斯现存的这三个女神的雕像，头部和四肢都已失去，但那健美的身躯，恬静而潇洒的姿态，仍给人以极其优美的形象。三女神姿态优美，薄而柔软的衣服下透出丰满的胸和结实的身体,斜倚的女神有着柔软而富有弹性的小腹女神的衣纹处理特别精彩,纤细而繁密的衣褶随着人体结构而起伏,仿佛不是冰冷的石头而是轻盈的纺织物包裹着温暖的肉体

　　8《萨莫色雷斯的胜利女神》 它是为了纪念打败托勒密舰队的海战而建造的作者将底座做成战舰的船头,雕像面对着大海,迎面吹来的海风使女神的衣服紧贴身体,向后扬起女神张开的双翅像是在欢呼胜利,体现出胜利的喜悦和豪迈的心情女神的衣纹刻得很深,造成较强的阴影衣纹贴在身体上的螺旋形变化加强了人物的动感和生命力

　　9《米洛斯的阿佛罗底德》 它的造型具有古典的理想美，它融合了希腊古典雕刻中优美与崇高两种风格，既有菲狄亚斯的庄严崇高，又有普拉克西特列斯的优美抒情它以其空间的体积感和女人体的柔美而具有永恒的魅力

　　罗马美术{10-11}

　　10科洛西姆竞技场 它代表了罗马建筑的顶峰它是古罗马最大的椭圆形竞技场,可容纳5000多人设计者巧妙地安排了一系列环形拱和放射状的拱,对观众的坐席和通道都做了精心的安排它建有内外圈环形走廊,外圈供观众出入和休息用,内圈供前排的观众使用楼梯安排在反射形墙垣之间,分别通向各观众席从外形看,这是一座大型蜂窝式建筑,共有4层拱门,1、2、3层分别是多利亚式、伊奥尼亚式、科林斯式3种柱式装饰拱券门,第4层是饰有半圆柱的围墙竞技场的形制对现代体育场建筑产生了深远的影响

　　11君士坦丁凯旋门 它是罗马城现存最晚的凯旋门,它建于公元315年,是罗马为庆祝君士坦丁大帝彻底战胜强敌马克森提、统一帝国而建的这是一座晚期三跨式凯旋门,它有3个拱门,两边各有4根复合柱式装饰,柱基和门墙上都装饰着浮雕,歌颂君士坦丁的功绩由于装饰过于堆积,显得有些臃肿,其中有些雕刻是从以前的建筑上拆下来的装饰雕刻,虽然规模雄壮,但已经失去了早期的简洁之美

　　欧洲中世纪艺术{12}

　　12怎样理解中世纪艺术 欧洲中世纪文化中,基督教的影响占有统治地位,决定了当时的社会生活方式和社会意识形态,艺术也不可避免地具有浓厚的宗教色彩,充当着上帝与教会的代言人的角色,因此也成基督教艺术但中世纪艺术仍然是丰富多彩的,十多中文化源流的综合,并未近代欧洲文化艺术的发展奠定了基础欧洲中世纪艺术不能单纯理解为宗教艺术,而是在东方文化、古希腊罗马文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教艺术

　　意大利文艺复兴早期的美术{13}

　　13波提切利 桑德罗·波提切利是意大利文艺复兴早期的佛罗伦萨画派的最后一位大师他注重用线造型,强调优美典雅的节奏和富丽鲜艳的色彩他的画多取材于文学作品和古代神话传说,不再局限于宗教题材,这就能更自由地抒发个性和世俗的感情他的名作《维纳斯的诞生》和《春》充满了柔情的诗意,尽情表达了画家对美好事物的爱恋,洋溢着人文主义的乐观精神到了晚年,由于佛罗伦萨社会动荡, 波提切利的艺术又开始向宗教情绪回归,反映了他精神上的危机,以前的抒情色彩已不复存在,取而代之的是戏剧性的激情,以前柔和的线条和细腻的情绪渲染也相继为挺硬朴拙的轮廓和表情的高度明确性所代替

　　意大利文艺复兴盛期美术{14}

　　14达·芬奇 米开朗基罗 拉斐尔

　　①列昂纳多·达·芬奇,是意大利文艺复兴盛期的现实主义画家,也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一他不仅是一位美术家、雕塑家,还在数学、机械工程、医学、地质学等方面有所成就 达·芬奇的艺术实践和艺术理论都是人类文化史上最珍贵的遗产

　　代表作:《岩间圣母》《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》

　　②米开朗基罗·博那罗蒂,意大利文艺复兴盛期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人, 他表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰

　　代表作: 《酒神巴库斯》《哀悼基督》《大卫》

　　③拉斐尔·桑西是意大利文艺复兴盛期著名画家和建筑家文艺复兴意大利艺坛三杰之一他的画面上始终洋溢着明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感拉斐尔与达·芬奇、米开朗基罗的不同之处在于他以优美的、诗一般的绘画语言体现了人文主义的理想,他对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大的影响,他所确立的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一

　　代表作:《雅典学院》《西斯庭圣母》

　　威尼斯画派{15-16}

　　15乔尔乔纳 贝利尼的学生乔尔桥纳是著名的意大利威尼斯画派成熟时期的代表人物他是从贝利尼风格过渡到威尼斯画派全盛时期的人物乔尔乔纳不仅善于描绘风景,人物造型也很有新创他吸取了达芬奇艺术特别重视的烟雾状笔法和含蓄表情,使自己创作的人物形象既有恬静优雅的神态,又有微妙丰富的诗意乔尔乔纳诗一般的画面,并不单纯是一种优美的视觉效果,而且有丰富的人文主义内涵他是第一个严格意义上的威尼斯画派的画家在他的作品中也有高度的抒情,但这种抒情却总是为一种奇特的理性精神所统领,同时他进一步延续了贝利尼的探索,大自然在作品中开始起着日益重要的作用

　　代表作：《沉睡的维纳斯》

　　16提香 意大利文艺复兴盛期威尼斯画派的代表性画家是贝利尼的学生,并受乔尔乔纳的影响青年时代在人文主义思想的主导下,继承和发展了威尼斯画派的绘画艺术,把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的阶段,作品并不像乔尔乔内那样抒情和宁静,而是显得壮丽、热情、富于想象,色彩强烈,用笔奔放他笔下的人物更为粗犷,更加意气风发,也更完整在油画技法上对后期欧洲油画的发展有较大影响

　　代表作:《天上与人间的爱》

　　意大利17世纪美术{17}

　　17巴洛克及其艺术特点

　　产生于意大利的巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格,巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括绘画、音乐、建筑、装饰艺术等,内涵也极为复杂

　　巴洛克艺术的特点:

　　①它有豪华的特色,它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩;

　　②它是一种激情的艺术,它打破理性的宁静和谐,具有浓郁的浪漫主义色彩,非常强调艺术家的丰富想象力;

　　③它极力强调、运动,运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂;

　　④它很关注作品的空间感和立体感;

　　⑤综合性巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段;

　　⑥它有着浓重的宗教色彩,宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位;

　　⑦大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向

　　代表人物:贝尼尼、鲁本斯

　　17世纪佛兰德斯美术{18}

　　18鲁本斯 彼得·保尔·鲁本斯,是巴洛克画派早期的代表人物他广泛深入地研究了文艺复兴兴盛期意大利大师的作品,威尼斯画派对其影响尤甚鲁本斯的作品数量惊人,题材十分广泛他将宏伟华丽的巴洛克艺术风格与尼德兰民族艺术传统融为一体,形成了具有浪漫主义倾向的独特风格,对欧洲近代绘画产生了深远影响他的作品形象生动,色彩明亮,装饰性很强,并往往有一股澎湃的动势他发挥丰富的想象力,大胆的创造精神,画了许多现实剧烈冲突的场面,画上充满强烈动感,气势磅礴,情感奔放

　　代表作:《抢劫留西帕斯的女儿》

　　17世纪荷兰美术{19-20}

　　19伦勃朗 欧洲17世纪伟大的现实主义画家他一生经历坎坷,勇敢坚定地坚持现实主义的创作道路,为欧洲现实主义艺术的发展做出了极其光辉的贡献,也使17世纪的荷兰绘画在世界美术史上放射出夺目的光彩 伦勃朗笔下的人物皆取自生活中实实在在的形象,即使描绘宗教故事,也体现了宗教题材的生活化 伦勃朗的肖像画生动传神、独具风采他描绘的老人尤其感人,纳苍老的容颜和深邃的眼神仿佛展现了他们饱经沧桑的经历,也蕴含着深刻的思想与生活哲理一生中伦勃朗以惊人的才智与勤奋创作了大量作品,为人类留下了极其丰富的艺术遗产

　　代表作:《夜巡》

　　20荷兰小画派 被称为“荷兰小画派”的原因:

　　①作品的画幅比较小,适宜于市民阶层悬挂室内以装饰居室之用;

　　②不表现重大的社会题材,特别注重对生活细节的描写,迎合市民阶层的审美趣味画面上多表现妇女梳妆打扮、弹琴唱歌、读书写信或做轻微的家务劳动,表明荷兰艺术在蓬勃发展的过程中的局限性

　　代表人物:格拉尔德·特鲍赫、皮特·德·霍赫、加布里尔·梅蒂绥(sui2)

　　18世纪法国绘画{21-22}

　　21洛可可艺术 洛可可艺术是法国18世纪的艺术样式,发端于路易十四时代晚期,流行于路易十五时代,风格纤巧、精美、浮华、繁琐被称为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期,它以上流社会男女的享乐生活为对象,描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰

　　它一方面不免浮华做作,缺乏对于神圣力量的感受;

　　另一方面却以法国式的轻快优雅使画面完全摆脱了宗教的题材愉悦亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难,从而在反映现实上向前大大地迈进了一步

　　代表人物:华多、布歇、弗拉戈纳

　　22夏尔丹 法国画家静物画《鳐鱼》展出，一举成名他的大量静物画都追求装饰效果和表面趣味,能赋予静物以生命,给人以动感晚期以家庭风俗画为主,表现第三等级 “小人物”的日常生活,画风平易、朴实,有平和亲切之感,反映了城市平民和善、友好、勤劳、俭朴的美好品德

　　法国浪漫主义美术{23}

　　23德拉克洛瓦 法国著名浪漫主义画家只要拿起画笔,他的浪漫主义激情就像火山一样迸发出来,发出巨大的叫啸,他画画就像狮子吞食猎物一样,一气呵成,所以人们把他叫做“浪漫主义的狮子” 他是浪漫主义画派的典型代表其题材多样的画作对后期崛起的印象派画家和梵·高的画风有很大的影响

　　代表作品:《但丁造舟》

　　法国批判现实主义美术{24-26}

　　24杜米埃 奥诺雷·杜米埃是法国19世纪最伟大的现实主义讽刺画大师,是反映现实生活的巨匠他以漫画开始艺术生涯,以尖锐的艺术语言揭露和讽刺社会的黑暗在创作中，杜米埃从来都毫不迟疑地略去与主题没有直接关系的一切这种纯然独创的“写意”对后世的艺术发展起了不可估量的作用

　　代表作品:《高康大》《三等车箱》

　　25米勒 让·弗朗索瓦·米勒是19世纪法国最杰出的以表现农民题材而著称的现实主义画家他创作的作品以描绘农民的劳动和生活为主,具有浓郁的农村生活气息他用新鲜的眼光去观察自然,反对当时学院派一些人认为高贵的绘画必须表现高贵人物的错误观念米勒艺术的深刻社会意义恰恰在于史诗所不能达到的质朴平凡

　　代表作品:《拾穗者》《晚祷》

　　26罗丹 奥古斯特·罗丹是法国现实主义雕塑大师虽有旷世奇才,却一生坎坷但就在困厄的环境中,罗丹不断地出示新颖、精彩的创作, 终于登上了继米开朗基罗之后的又一高峰他善于用丰富多样的绘画手法塑造出神态生动、富有力量的艺术形象他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响

　　代表作品:《沉思着》《地狱之门》《巴尔扎克纪念碑》

　　法国印象主义{27-28}

　　27印象主义 19世纪后半期到20世纪初期流行于法国、欧美乃至世界的一种艺术流派和文艺思潮印象主义反对古典画派和浪漫主义,注重在绘画中对外光的研究和表现,提倡户外写生,表现微妙的色彩变化作为一种美术思潮,印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位,它推动了以后美术技法的革新与观念的转变,对欧美、日本及中国的画家产生过或大或小的影响

　　代表人物及作品:莫奈^《日出印象》、塞尚、德加

　　28马奈 他是法国印象主义画派中的著名画家尽管马奈从未参加过印象派画展,仍被认为是印象主义画派的奠基人马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家

　　代表作品:《草地上的午餐》《奥林匹亚》

　　新印象主义29

　　29新印象主义 它由修拉发起强调不在调色板上调和各种颜色,严格地从色彩规律出发,把各种单纯的单色通过细小的笔触并列在画面上,经过观者的视觉作用达到自然调和,给人以冷漠和静止的感觉因此也被称作“分割主义”新印象主义表现纯客观的对象,制约了画家的情感传达,它必然导致极端的变革——后印象主义的诞生

　　代表人物及作品:修拉^《大碗岛星期天的下午》

　　后印象主义30

　　30后印象主义 后印象主义是指塞尚、梵·高和高更的艺术观念和艺术创造后印象主义的画家曾一度受印象主义影响,但又不满足于印象主义的法则,试图另辟蹊径,他们从各自不同的角度,探讨艺术表现的本质强调结构美的塞尚、强调线条美的梵·高、强调装饰美的高更后印象主义直接影响了20世纪初法国画坛几乎同时出现的两大新思潮:注重画结构的立体主义;注重色彩、线条动力与节奏的野兽主义

　　代表人物及作品:塞尚、^《向日葵》、高更^《我们从哪来？我们是什么？我们往哪去？》

　　西方现代美术31

　　31二战前的西方现代美术画派

　　①野兽主义 法国盛行一时的一个现代绘画潮流野兽派是对学院派的背叛,他们对感动力稀薄,表现不够深入的印象派画风持一种反抗的态度,继续着后印象主义的探索,追求更为强烈的艺术表现

　　②立体主义 源于法国的立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面,展现许多组合的碎片型态

　　代表人物及作品:毕加索^《弹曼陀铃的少女》

　　③未来主义 现代文艺思潮之一1909年意大利的马利奈蒂倡始1911年至1915年广泛流行于意大利第一次世界大战期间传布于欧洲各国以尼采﹑柏格森哲学为根据认为未来的艺术应具有“现代感觉”并主张表现艺术家进行创作时的所谓“心境的并发性”

　　④表现主义 20世纪初至30年代盛行于欧美一些国家的文学艺术流派第一次世界大战后在德国和奥地利流行最广它首先出现于美术界,后来在音乐、文学、戏剧以及**等领域得到重大发展

　　代表人物及作品:蒙克^《呐喊》

　　⑤俄国的至上主义和构成主义

　　⊙至上主义 1912年由俄国艺术家马列维奇创立的画派至上主义绘画彻底抛弃了绘画的语义性及描述性成份,也抛弃了画面对于三度空间的呈现那些平面的几何形,不具有丝毫的体积感和深度感

　　⊙构成主义 构成主义是兴起于俄国的艺术运动它是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合成的雕塑它强调的是空间中的动势,而不是传统雕塑着重的体积量感

　　⑥荷兰风格派 1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派因以《风格》杂志为中心而得名创始人为杜斯堡,主要领袖为蒙德里安风格派又称作新造型主义风格派它完全拒绝使用任何的具象元素,主张用纯粹的抽象几何形来表现纯粹的精神,它认为抛开具体描绘、抛开细节,才能避免个别性和特殊性并获得人类共通的纯粹精神表现

　　代表人物及作品:蒙德里安^《百老汇爵士乐》

　　⑦巴黎画派 是指20世纪初在巴黎活动的、未参加现代主义流派的艺术家他们并无社团,风格各部相同但基本采用写实的手法,或多或少受到野兽主义和未来主义思潮的影响

　　代表人物及作品:夏加尔^《我与我的村子》

　　⑧达达主义和超现实主义

　　⊙达达主义 达达主义是20世纪初在欧洲各国产生的一种资产阶级的文艺流派是一种无政府主义的艺术运动达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度,试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望

　　⊙超现实主义 现实主义是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义超现实主义运动波及各个文艺领域, 并且对于视觉艺术的影响力深远超现实主义者的宗旨是离开现实、返回原始、否认理性的作用、强调人们的下意识或无意识活动超现实主义文艺思潮的出现,反映了第一次世界大战后欧洲资产阶级青年一代对现实的恐惧心理和狂乱不安的精神状态

夜的意象及表达的情感

夜的意象及表达的情感。在古代的诗词中，我们经常可以看见诗人写的关于夜的相关的诗词，夜这个字在古诗中的寓意是非凡的。下面一起来看看夜的意象及表达的情感吧。

夜的意象及表达的情感1

时间，空间，心灵都宁静幽远，朦胧。这种幽远朦胧的意境与诗人的情感以及夜本身的时空特色相得益彰。

中国古代是一个农耕社会，日出而作，日落而息，对日夜交替循环的观察，使得日和夜成为人们最早最直观的时间认识。

在中国的文学传统中，夜一直是非常重要的时间意象。

日落而息是大自然普遍的规律，在夜里万物都会结束一天的工作和活动，飞鸟不再歌唱，动物不再跑跳，人们也减少出门和喧闹。因此，夜显得寂静、幽远、冷清。

夜的这一自然特质，很容易引发词人孤单、凄凉、惆怅、落寞的情感，因而形成一种饱含孤苦凄凉之情的夜意象。

夜是一个具有多重象征意义的符号。诗人热爱夜晚，对夜晚有着特殊的感情；对夜色也有着敏锐的洞察，在夜间，诗人的情感活动十分丰富。夜意象在衣郎诗歌中的反复出现是与客观社会现实、诗人主观意识以及创作思维等有着一定联系的。在衣郎的诗歌中，“夜”意象，有以下三个象征意义：

1、夜意象，是形象化的社会背景（“夜意象”包括作者对自然、社会和人生的独特体验、思想领悟以及审美感受）。

2、夜意象，是诗人审美理想的寄托。

3、夜晚是诗人的家园。

夜的意象及表达的情感2

《夜》表达了诗人怎样的感情

1、作者抒发了一种思乡念亲、怀想故的'感情。

诗中一、二两句写梧叶飘飞，寒声阵阵，秋风瑟瑟，江船漂泊，有力地烘托出诗人客居他乡、辗转漂泊的凄凉心境。三、四两句描写儿童挑灯夜游、捉弄蟋蟀的生活场景，自然容易引发诗人的联想。他会想起自己童年时代也是如此天真浪漫，开心有趣；他会想起故土家园的温馨美好；他会想起亲人朋友的音容笑貌……一种如归故里，如返童年的亲切感油然而生。

2、诗歌抒发了作者客居他乡、归无定所的孤寂落寞之感。

一二两句写景，借落叶飘飞、秋风瑟瑟、寒气袭人烘托游子漂泊流浪、孤单寂寞的凄凉之感。一江秋水，满天黑暗，触耳寒声，诗人彻夜难眠必定是心有郁结，意有不顺。三四两句写儿童夜捉蟋蟀，兴致高昂，巧妙地反衬悲情，更显客居他乡的孤寂无奈。

3、诗歌抒发了作者对童年生活的怀念留恋的思想感情。

通观全诗，整体而论，三、四两句写诗人客舟所见。儿童夜捉蟋蟀，兴致勃动，忘记了瑟瑟秋风、阵阵寒意，忽略了落木纷纷、秋江冷冷，深更半夜了，还津津有味地抓蟋蟀。那份专注痴迷，那份谨慎小心，那份起落不定的敏感，全在一举手一投足的举止中展露无遗。这种欢快有趣的生活场景自然容易勾起诗人对自己童年生活的追亿、留恋。一二两句也可以作这样的理解，萧萧寒声、梧叶摇落的秋景，流露出一种漂泊不定、愁绪莫名的感觉，更反衬出诗人客居他乡对童年无忧无虑生活的留恋、思念。

夜的意象及表达的情感3

古诗中常见意象及其表达情感

古诗中常见的意象，主要有月、杜鹃、鸿雁、杨柳、菊花、梅花、兰花等。它们在诗中表达了作者相应的情感。

1、月：对月思乡，思念亲人。如杜甫《月夜忆舍弟》中“露从今夜白，月是故乡明”。同时，望月思故国，表现亡国之痛。如李煜《虞美人》中“小楼昨夜又东风，故国不堪回首明月中”。另外，月夜用来抒发盛衰无常、物是人非的感慨。如刘禹锡《石头城》中“淮水东边旧时月，夜深还过女墙来”。

2、杜鹃：孤独悲苦的意象，又名子规、杜宇。如李白《闻王昌龄左迁龙标遥有此寄》中“杨花落尽子规啼，闻道龙标过五溪”。另外，也是乡愁的象征。如秦观《踏莎行》中“可堪孤馆闭春寒，杜鹃声里斜阳暮”。

3、鸿雁：代指书信，寄托思念之情。如晏殊《清平乐》中“鸿雁在云鱼在水，惆怅此情难寄”。

4、杨柳：“柳”与“留”谐音，古人有折柳送别习俗。如王维《渭城曲》中“渭城朝雨浥轻尘，客舍青青柳色新”。

5、菊花、梅花、兰花：坚强、清高人格的写照。例如：屈原《离骚》：“朝饮木兰之坠露兮，夕餐秋菊之落英。”诗人以饮露餐花象征自己品行的高尚和纯洁。又如王安石《梅花》：“遥知不是雪，为有暗香来。“含蓄地表现了梅花的纯洁洁白。

迪丽热巴在电视剧《公诉精英》中的台词水平可以从以下几个方面进行评价：

1 语言表达：迪丽热巴在剧中的台词表达清晰，语言流畅，没有出现明显的口音或语音问题。她能够通过语调和语气来表现出不同的情感和态度，比如在检察官的角色中，她的台词严谨、有力，表现出对法律的尊重和坚定，而在其他场景中，她的台词则更加轻松、自然，能够让观众更好地理解角色的情感和内心。

2 角色符合度：迪丽热巴在剧中的台词与角色形象相符，她能够通过台词表现出角色的职业素养、性格特点和情感变化。比如在办案过程中，她的台词严谨、逻辑清晰，展现出检察官的专业素养，而在面对家庭和感情时，她的台词则更加真实、自然，能够让观众更好地理解角色的内心世界。

3 情感表达：迪丽热巴在剧中的台词情感表达较为丰富，她能够通过不同的语气和语调来表现出不同的情感，比如在表达愤怒、悲伤、喜悦等情感时，她的台词表现力较强，能够让观众感受到角色的情感变化。

4 法律专业性：作为一部以检察官为主角的电视剧，《公诉精英》中的法律专业性要求较高。从台词方面来看，迪丽热巴在剧中的法律术语表达较为准确，没有出现明显的错误或漏洞。同时，她在办案过程中的台词表现也较为专业，展现出了检察官的职业素养和法律精神。

综上所述，迪丽热巴在电视剧《公诉精英》中的台词水平表现出色，她能够通过语言表达、角色符合度、情感表达和法律专业性等方面来展现出角色的个性和特点，让观众更好地理解和感受到剧情的深度和张力。

　　正如派脱所言“一切的艺术都是趋向音乐的状态”,西方绘画中也体现着趋向音乐之美的状态。虽然在理论上看,绘画和音乐似乎是完全没有关联的两个艺术学科,但是在西方绘画中,色彩的变化能够体现出“节奏性”;色彩的构图能够体现出“旋律性”;色彩的体验能够体现出“和弦性”。即透过绘画艺术可以发现节奏、旋律、和弦这些具有音乐特征的色彩表现。

　　一、色彩变化的“节奏性”

　　色彩的变化能够体现出“节奏性”。节奏是构成艺术的重要元素,朱光潜先生曾说:“节奏是一切艺术的灵魂”。西方绘画艺术中色彩的节奏性通过色彩的强弱感觉、明暗关系以及冷暖关系得以体现。

　　色彩的强弱感觉体现出节奏性。人们看到高纯度色会有强感,低纯度色会有弱感:彩色系具有强感,无彩色系具有弱感:对比度大的具有强感,对比度小的具有弱感:正是这种强弱感使得西方色彩画较之中国水墨画更具有视觉冲击力。而这种感受就如同音乐中强弱节奏的体验。例如,曲子是2/4拍节奏,就会给人以“强弱”的感受;在3/4拍节奏中就会有“强弱弱”的感受。由此看来,色彩的强弱和音乐的强弱虽然分别为视觉和听觉上的感受。但是从人接受的强弱感觉上来说是相似的。

　　色彩的明暗关系体现出节奏性。西方绘画色彩中的明暗关系可以让人感受到光的变化。凸现出画面的层次感和秩序感,并在明暗关系的对比衬托下。使物象在光影的变化中主次分明。意大利画家达·芬奇首先使用了“明暗对照法”,这种明暗对照是对自然光的巧妙运用,营造出画面的立体感。在他的传世之作《最后的晚餐》中这种对照法得以完美体现。

　　在作品中,他把窗户里透出的光作为整体的主线引入房间,进而拉长了画面的空间距离,给人以视觉上的纵深感。可以说,达·芬奇对光的巧妙运用是整幅画面的点睛之笔,不仅使画面有了明暗的对比,而且营造出了画面的立体感,使整个画面的效果更加灵动、逼真、自然。17世纪荷兰的著名艺术家伦勃朗把“明暗对照法”发扬光大,使它成为自己标志性的技法。在伦勃朗的许多作品中。大多以深色为背景。自由巧妙地用强光凸现出画面的主要形象,使次要部分消融在暗部。在这种明暗关系的对比之下,整个画面浑然一体。呈现出整体的节奏性。例如,伦勃朗最负盛名的作品《夜巡》,画面中运用光的效果,使画面的主体——市民卫队队长(弗兰斯·班宁·科克)突出地显现在画面的中央而且最亮的位置,建筑物作为次要部分被隐约埋藏在黑暗中。

　　西方绘画中的这种明暗层次的对比与音乐中强弱拍的结合是相似的。正如曲子中强弱拍的结合才使曲子呈现出轻重缓急、变化多样的姿态。从而凸现出曲子的主题部分,使曲子成为一个有机的统一体。

　　色彩的冷暖关系体现出节奏性。绘画中冷暖色调的运用与音乐中节奏的运用也有着异曲同工之妙。绘画中,如果整个画面暖色调的面积比较大,就会给人以跳跃、欢快、喜庆的感觉:反之。冷色调的面积比较大,就会给呈现出沉静、理智的感觉。这就如同在音乐中,快板节奏型比较多,会给人以愉悦、跳动、欢庆的感觉;慢板节奏型比较多会给人以舒缓、悠长、抒情性的感觉。

　　绘画中讲究画面冷暖色调的搭配,同样在音乐中也注重快慢节奏的结合。如鲁本斯《劫夺吕西普的女儿们》,将背景的冷色调与人物、马匹的暖色调魔术般地融合在一起,成为一个自然的整体。

　　同样,捷克作曲家德沃夏克最著名的《自新大陆交响曲》中,序奏部分运用了大量的慢板节奏,当进行到引子部分。几个快板节奏的运用成为曲子的一个亮点。从而将快慢对比统一于第一乐章中。由此可见。绘画中冷暖色彩的运用与音乐中节奏的运用也是极其相似的。

　　通过以上对西方绘画中色彩的剖析。就可以发现并证明色彩变化中体现着音乐的节奏性。

　　二、色彩构图的“旋律性”

　　色彩的构图能够体现出“旋律性”。绘画中色彩构图与音乐中旋律构成在强调对比、和谐搭配以及表现力上都有着及其相似的共性。

　　色彩与和弦在强调对比效果上是一致的。色彩对比与和弦对比在色彩构图与旋律线构成中都是客观存在的,只是表现程度的时强时弱而已。

　　在色彩构图中,无论是色相、明度还是纯度都强调对比,对比程度越大,效果就越明显。如果色彩中色相的差别比较小。色彩的对比效果就会比较弱,这样的配色会使整个画面显得呆板、单调、缺乏变化。影响了画面的表达效果;如果色彩中明暗对比效果很弱,那么物象的轮廓就会很模糊,画面就会比较混沌。缺乏层次感。再者,如果色彩中色相、明度、纯度的变化相等,那么整个画面就会显得无重点,无主次,无对比。例如,梵高1887年创作的《向日葵》,整个画面是明亮的**与阴暗的浅蓝色形成鲜明的对比。从而呈现出虚幻的、非现实之美。

　　此外,毕加索的《格尔尼卡》是以黑、白、灰三色为调子,体现了较大的色彩反差,突出了一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象,使得画面效果突出、鲜明,极具震撼力。

　　另外,莫奈于1873年创作的《阿戎堆的**园》,画面描绘一派田园风光,值得注意的是。莫奈将小块的红色点在暗绿的背景上,增强了色彩的对比效果,也正是那一小片红色为整个画面带来了生机和活力。

　　同样在音乐中,旋律线的构成强调“和弦要反向、斜向进行,避免平行结构”。也是强调对比效果。避免平淡、重复的旋律出现。只有和弦反向、斜向进行,这样组成的旋律才会跌宕起伏、富于变化,从而使旋律有起伏。有强弱,进而增强了音乐的新鲜感和表现力。避免了旋律的单调与乏味。在旋律线的构成中,同样也要避免和弦进行的无变化、无对比所造成乐曲中无主题、无快慢、无高潮现象的出现。

　　由此可以看出,色彩构图中的色彩与旋律线中的和弦,无论构成原则还是强调对比效果都有着异曲同工之妙。

　　色彩构图与旋律进行在避免不和谐搭配上是一致的。和谐,是最普遍、最易被人接受的美感形态。绘画中在色彩搭配上应尽量使整个画面呈现出稳定、协调的完美组合,避免出现不和谐的搭配。例如,应当避免色相中补色交叉;纯度里出现灰、脏……虽然这种不和谐的搭配有时会用于表示恐惧、惊悚、刺激的画面中,但是在大多数的情况下,还是强调整个画面的和谐程度、协调程度。和谐的画面易于人们的审美接受,符合人们通常的审美习惯。例如,现代主义的杰出代表蒙德里安,于1912年创作的《灰树》,整个 画面以中性的灰、黑为主调,虽然这幅画极具造型魅力。但是这样的画面并不易被广大的人们所欣赏、接受。

　　同样在旋律线的构成中,也是尽量避免和弦进行相交的情况。进而避免旋律中出现杂乱无章、刺耳的不和谐因素,进而维护整个旋律的秩序,使旋律的表达更加流畅。

　　色彩中的线条与音乐的旋律线在表现力上是一致的。线条是绘画构图的基础,旋律同样也是音乐作品中的主要构成部分。可以说。线条是以“音符”为画笔,在不同的音高位置上构成的旋律:旋律则是以“色彩”为灵感,在不同的构图位置勾画出的线条。因此在绘画中,当画面是以暖色调为主的情况下,线条多是动态的、向上升起的。

　　例如,梵高于1888年创作的《花瓶中的十四朵向日葵》。以**调为主,加以青色和绿色的点缀。构成了黄与绿的交响诗画。显得生机勃勃。在这样一幅极具生命力的画面中,梵高运用的线条多是上扬的、向上升起的。

　　同样,在音乐中,当旋律多是明亮的大小三和弦或大小六和弦占优势的情况下,那么旋律线多是上扬的。当画面的色彩产生冷与暖相平衡的效果时,线条多是比较平缓的:如果旋律是表现沉静、柔和、暗淡的情感时。旋律线也多是趋向“横”的方向,比较舒缓。同理。如果画面以冷色调为主,线条通常是向下运动的:若旋律中要表达悲伤、忧愁、无奈的情感时,旋律线通常也是下滑的。例如,梵高于1890年创作的《暴风雨似的天空和麦田》。在这一时期,梵高心事重重,很忧虑。因此画面以蓝、绿冷色调为主,含有深深地静谧之感,画面中的线条也多是横向运动。

　　由此可见,无论是线条还是旋律线在表现情感时,其构成有着突出的相似性。可以说,色彩中的线条进一步强化了色彩的音乐效果。

　　三、色彩体验的“和弦性”

　　在绘画中人们对色彩的体验与音乐中人们对和弦的感受在接受效果方面有着相似的特性。

　　色彩体验是人们的一种心理反应,例如,人们可以普遍地体验到冷暖色彩的差别,但是。所谓冷暖色彩的差别是人们赋予它的,是高级的心理反应。红、**之所以称为暖色调,是因为人们在色彩体验中,将红、**联想到太阳、火炉、烈火等类似的视觉特征,因而就有温暖、热烈、明亮的感觉:同样,我们会将蓝色联想到冰山、湖泊、流水等。因此我们就会有寒冷、冰冻的感觉。

　　例如,上面提到的毕加索的《格尔尼卡》,整个画面给人以痛苦、恐惧、惊悚的感觉。另外,奥古斯特·雷诺阿的作品《游艇上的午餐会》。以暖色调为主,给人以温暖柔媚、闲散舒适的感受。

　　同样在音乐和弦中也有着不同感情色彩的差异。一般来说,大三和弦会让人联想到部队行进、战斗场面……所以,给人的感觉是明亮、刚劲、奋发顽强的;小三和弦会让人联想到安静的夜晚、皎洁的月光……所以,给人的感觉是暗淡、柔和、无强烈感、内向不外露的。

　　另外,在19世纪后期,以惠斯勒为代表的一批美国画家形成一个色调主义画派,他们的作品多数属于中性色调或冷色调,也有一些是暖色调。不同的色调给人的视觉感受是不同的,如惠斯勒的《白色交响曲》系列之一、之二、之三,都是以白色作为主色调,而白色作为中性色,给人以清新、平静、雅致的感受,这种感受就像聆听轻音乐一般舒缓、流畅、宁静。

　　相比之下可以说,绘画中色调和音乐中和弦的运用在心理的接受效果方面有着相似的特性。

　　四、结语

　　作为视觉艺术的绘画与作为听觉艺术的音乐。两者虽属艺术门类中的不同学科,但它们之间是存在着相通性与共性的。从绘画艺术的角度出发,以色彩变化的“节奏性”、色彩构图的“旋律性”、色彩体验的“和弦性”三个方面探寻了西方绘画色彩中的音乐之美。绘画中这些典型音乐因素的存在,使得绘画艺术与音乐艺术的在相互融入的同时形成一种有机联系,从而开拓了艺术表现领域的新境界。为绘画艺术和音乐艺术的长期发展增添了新的活力和发展契机。

一看构图，二看色彩，三看光影，四看笔触。

1、构图

对我们而言，构图的美感经验是最直接的。合理的构图形式能通过视觉作用的强弱对比，对观众的第一眼印象产生支配作用，引导视觉顺序，使观众能在一定的思维上基本按照作者构思的线索去浏览画面。构图基本上有这几种：三角构图、平行构图和十字构图。当然，作为一幅完整的油画，会将多种构图方式联合起来使用，使画面丰富、饱满。

2、色彩

构图如果是大纲，那么色彩就是一幅画的语言，也是绘画诸要素中最具情感特征，是绘画者表达自己与观赏者交流的一种独特方式。

3、光影

光影是画面中物体受光、背光、反光部分的明暗变化以及对这种变化的表现方法。印象派对这种光影的变化可谓是有着极其敏感的捕捉能力。伦勃朗处理场面宏大，在人物众多的《夜巡》构图时，便是以光影完成其构图安排的，他将光线集中于中央的两个人物，以复杂的次光描绘周围人物。因此，画面节奏变化丰富。

4、笔触

绘画中的笔触是指画家在绘画过程中笔、颜料、画布三者之间相互作用后留在画面上的痕迹。它在画中骑着相当重要的作用，是绘画艺术区别于摄影艺术的重要标志。

在梵高后期的作品中，进一步使用了厚涂的画法，这使得他的笔触更加奔放，扭曲旋转。长笔触的适应，巧妙地将画面构图融合进来，使画面看起来一气呵成，非常整体。

笔触是一幅画的根本，也是分析作者创作时情感取向的重要依据。作者通过油画材料和工具在画面上创造丰富的肌理痕迹，全是自己的艺术观念、审美观念及价值取向。