简述美术教育的审美情感目标。

简述美术教育的审美情感目标。,第1张

第八章 幼儿美术教育活动的设计与指导(第二节 幼儿园美术教育活动的目标、内容和方法)工作资料 2010-05-21 10:48:53 阅读443 评论0 字号:大中小 订阅 一、目标 幼儿园美术教育活动的目标是指导美术活动设计与实施过程的关键准则。制定幼儿园美术教育活动目标的依据,包括幼儿美术发展的规律、幼儿美术学科本身的特点及社会发展对幼儿美术教育的要求。 1.幼儿美术发展的规律 幼儿美术的发展有其共同的规律,这是由幼儿生理发育和心理发展的特点所决定的。如第一节所述,幼儿绘画、幼儿手工、幼儿欣赏的发展都表现出大致的规律。这些规律能从视觉符号和视觉形象的角度,反映出某个时期幼儿认知、情感和社会性发展的总体水平。因此,幼儿园美术教育活动终极目标的制定,必须依据幼儿美术发展的规律,才能符合幼儿生理发育的特点和心理发展的需求。迄今为止,人们对幼儿美术发展的过程已有较为明确的认识,教师可以依据幼儿美术活动过程及其作品,判断幼儿美术发展的水平和状况。因此,在制定幼儿园美术教育活动的部分目标时,应立足于幼儿现有的发展水平,让幼儿充分地表现自我,满足自身的需要。同时,另一部分目标应超前于幼儿的发展水平,设置在最近发展区内。这样的活动目标能激发和形成幼儿目前还不存在的心理机能,更好地促进幼儿美术的发展。 当然,幼儿在美术发展过程中还受到美术教育和美术实践的影响,表现出美术发展水平的层次性,反映出幼儿个体与众不同的个性、兴趣和需要。因此,具体的美术教育活动目标的制定,既要考虑幼儿美术的整体发展水平,又要顾及幼儿个体表现在美术方面发展的差异,使制定的目标能真正有益于幼儿美术的发展。 2.幼儿美术学科本身的特点 幼儿美术是幼儿从事的视觉艺术活动,它有其独特的艺术语言。如线条、造型和色彩等。并通过视觉形象的塑造,表达幼儿对周围生活的认识和情感。因此,在终极目标中就包含了了解美术工具和材料的使用方法,并且通过美术符号系统的学习,掌握一定的美术技巧,表达自己的审美感受。因此,幼儿美术学科本身的特点也是制定幼儿园美术教育活动目标的依据。 3.社会发展对幼儿美术教育的要求 社会发展对幼儿教育的面貌和状态起着规范的作用,这是一种来自教育外部的制约性。幼儿是未来社会的主人,社会的发展表明,现代社会乃至未来社会不仅需要掌握一定的知识和技能的人才,更需要一个人格健康完善的人。即应该具有较多的创造力,是感性与理性的统一、人与自然的统一、人与社会的统一的人。这是幼儿美术教育的立足点和归宿,也是与《幼儿园工作规程》中提出的把幼儿培养成身心和谐发展的人的教育目标相一致的。 (二)幼儿园美术教育活动目标的结构及其分析 幼儿园美术教育活动的目标结构,是指幼儿园美术教育活动目标的较为稳定的组织形式。它包括幼儿园美术教育活动的总目标、分类目标、年龄阶段目标、单元目标及具体的教育活动目标。 1.总目标 总目标是确定其他层次目标的依据,必须符合《幼儿园工作规程》中关于幼儿美育的精神。它是幼儿园美术教育活动目标最概括的表述。 总目标把《幼儿园工作规程》中的美育目标“培养幼儿初步的感受美和表现美的情趣和能力”与美术学科本身的性质特点结合起来,作出了具体明确的阐述。总目标规定了幼儿审美心理结构中审美感知、审美情感和审美创造等基本能力。审美能力的培养首先应该从审美感知能力人手,因为审美创造所需的内在图式与内在情感的积累,是通过感官对外部自然形式和艺术形式的把握来完成的。其次,幼儿通过美术欣赏和美术创作活动,能产生审美愉悦感,丰富审美情感体验,最终促进幼儿人格的完善。最后,在幼儿园美术教育活动中,审美创造能力的获得,会进一步促进幼儿审美感知的敏锐和审美情感的丰富与深刻。总目标还指出了达到以上目标的途径。即通过教师引导幼儿对周围环境和美术作品的欣赏,幼儿在美术活动中自由自在的表达,以及幼儿对美术工具和材料的操作,对线条、形状、色彩、构图等美术形式语言的学习与使用来进行。 2.分类目标 分类目标从幼儿园美术教育活动的三种类型,即绘画、手工、欣赏的角度来描述。每种类型中又包含了认知、情感、技能三个方面的具体要求。但不同的领域侧重点不同。绘画和手工类型侧重审美创造能力的培养,欣赏类型侧重审美感知能力的培养,而审美情感体验能力的培养则在三种类型中都有体现。分类目标还反映了三种教育活动各自的特点,突出了幼儿美术教育实践的启蒙性质,即在目标的表述中较多地使用了“初步”、“粗浅”、“基本”等限定用语。 3.阶段目标 阶段目标是幼儿美术教育活动分类目标在幼儿各个年龄阶段的具体分解和落实。阶段目标按年龄班提出了不同层次的要求,考虑了幼儿的最近发展区,即符合教育不仅要适应幼儿发展的水平,而且要能促进幼儿发展的原则;同时,还为单元目标和具体教育活动目标的制定指明了方向,即多个以时间为单元或以主题内容为单元的目标相互联系、逐步递进,便构成了年龄阶段的目标。 4.教育活动目标 教育活动目标是单元目标的具体化和展开,它必须与总目标、年龄阶段目标一致。同时,活动目标是最具体的目标,必须具备可操作性。 教师在制定具体教育目标时,应深入、细致、透彻地研究各层次的目标,透彻把握各层次目标的内涵及其相互间的关系,防止不同层次目标的脱节,增强目标意识,确保目标的实现,真正促进儿童的发展。 (三)幼儿园美术教育活动目标的表述 由于目标是通过活动对幼儿的期望结果,故从幼儿的角度表述更直接、更确切,一般采取行为目标、过程目标和表现目标三种表述方式。 1.行为目标 行为目标表述的是幼儿学习行为变化的结果。这种行为变化的结果是可以观察和测量的。 马杰(R.F.Mager)认为,行为目标应包括三个组成部分:(1)要学生外显的行为表现;(2)能观察到的这种行为表现的条件;(3)行为表现公认的准则。 在幼儿园美术教育活动中可以分别对应:(1)幼儿自身表现出的美术行为反映,如“画出”、“印出”、“做出”、“折出”、“剪出”等;(2)幼儿的这种美术行为是在什么样的情况下产生的,如是“在教师指导下的”、“独立的”、“临摹的”等;(3)行为的具体内涵,如“画出爸爸妈妈的头像”、“折出一只小兔子”等。 一般来说,美术知识和美术技能的学习,可采用行为目标的表述法。教师在具体撰写时,应注意行为目标的三个方面的完整性和具体性。如“在教师的指导下,幼儿学习用线条画出夏天梧桐树的特征”,就较完整和具体。 采取行为目标的表述方式,其优点在于它的具体性和可操作性。但在幼儿美术教育活动中,并非所有的内容都能用被观察到的行为加以表述,如果仅仅关注行为目标,必然会遗漏许多其他有价值的内容。 2.展开性目标 展开性目标也可称过程目标,描述的是幼儿学习行为变化的过程,所关注的不是外部事先规定的目标,而是强调教师根据实际的活动进展情况提出的相应目标。它与行为目标的区别在于,行为目标关注行为的结果,而展开性目标关注的是行为进展的过程。 英国学者斯滕豪斯(LStenhonst)认为,教育由四个不同的过程组成。它们分别是:(1)技能的掌握;(2)知识的获取;(3)社会价值和规范的确立;(4)思想体系的形成。如果说前两个过程可以用行为目标表达的话,那么后两个过程则必须通过展开性目标来表述。在幼儿园美术教育活动中,幼儿举的提高,习惯的养成、艺术修养和情操的陶冶,人格的健全和完善,是一个长期的注重过程性的教育。这种目标的表述,需要用展开性目标的形式来表述。如“幼儿能提高对折纸的兴趣”、“养成注意整洁的良好习惯”、“形成对生活中美的事物的关注”等,即是用展开性目标的形式来表述的。 幼儿园美术教育活动的展开性目标有着丰富的内涵,是目标表述中的一个重要组成部分。教师撰写这类目标时,应注意深入研究幼儿身心发展的年龄特征,全面了解美术学科本身的性质,熟悉幼儿美术发展的状况。同时,在展开性目标实施的过程中,要根据活动的实际进展情况,注意灵活机动地调整目标,以促进幼儿更好的发展。 3 表现目标 表现目标表述的是幼儿在某种活动后所得到的各不相同的结果。在幼儿美术教育活动中,教师希望幼儿能独特而富于想像力地运用和处理美术材料;在解决问题及美术创作方面,不存在单一的正确答案。表现目标体现艺术的本质特征——独创性。表现目标是对行为目标的补充,而不是取代。 表现目标关注的是幼儿在活动中表现的某种程度上的首创性的反映形式,而不是事先规定的幼儿行为变化的结果。它只为幼儿提供活动的范围,活动的结果则是开放性的。如“利用教师提供的各种不规则的彩色图形,想象拼贴出一幅美丽的画”、“学习设计花布,注意色彩和装饰纹样的变化”等,都是表现目标的描述方式。 表现目标与行为目标是相辅相成的。表现不仅是感情宣泄的渠道,而且把感情、意象和观念转变托付给了材料,通过这一转变,材料成了表现的媒介。在此过程中,技能有不可或缺的重要性。没有技能,转变就不可能发生。幼儿在活动中获得了技能,便能运用于自己的表现活动中去。因此,行为目标使幼儿得到了系统的技能训练,掌握了美术工具和材料的正确使用方法,使表现成为可能;而表现目标则鼓励幼儿运用已有的技能,拓展并探索他的观念、意象和情感。 总之,幼儿美术教育活动的三种目标,取向各有所长。在制定和表述时,应特别注意各种形式目标的互补性,用恰当的表述方式来撰写,使之扬长避短,从而有效地实现幼儿美术教育的总目标。 二、内容的选择安排 首先,幼儿美术教育的内容是实现教育目标的载体,必须依据幼儿美术教育的目标,才能达到为目标服务的目的。其次,幼儿美术教育的内容最终是要通过幼儿自身的内化才能对其发展起促进作用,因此,它又必须符合幼儿美术发展的规律与年龄特点。内容的具体的选择安排应注意以下事项。 (一)必须依据幼儿的生活经验 阿恩海姆认为:“在发育的初级阶段上,心灵的主要特征就是对感性经验的全部依赖。对于那些幼小的心灵来说,事物就是他们看到的、听到的、接触到的或闻到的那个样子。”他认为,幼儿的思维问题的解决和概括,“绝大部分都是在知觉水平上进行的”。因此,只有那些被幼儿直接感知过的美术教育内容,才能被同化到自己的审美心理结构中去。为此,教师选择美术教育内容时,要注意结合幼儿的兴趣和需要,结合他们感知过的有过积极的情感体验的现实生活。这些内容幼儿能够接受,也乐于接受。如在大班幼儿参观海底世界后,安排绘画活动“海底世界”,这个内容是幼儿直接感知过的,能激发幼儿创作的激情和欲望。 (二)具有审美性 从《规程》中幼儿美育目标“培养幼儿初步的感受美和表现美的情趣和能力”中,我们知道,幼儿美术教育从本质上说属于审美教育的范畴,美术教育的根本任务应该是对个体进行审美、创造美的教育。因此,在幼儿美术教育活动中,必须选择符合幼儿认识美的特点的内容,引导幼儿充分感知,丰富和发展幼儿的审美情感,培养幼儿的审美表现能力,并能按照幼儿的审美标准和美的规律,将幼儿感受世界的审美能力变为他们的内心需要和自我发展的内在动力,进而健全和完善幼儿的人格。如春天到了,万物复苏,整个大地都披上了点点新绿,各种鲜花争相怒放,小鸟也按捺不住喜悦停在枝头歌唱……春天是多么美好。于是,教师在春天来临时,选择描绘美丽的春天来了的内容,带领幼儿到大自然中去看看、听听、摸摸、闻闻,充分感知春天的美丽,进而通过创作活动,激发幼儿热爱春天、热爱大自然的美好情感。 (三)具备联系性 美术活动的内容安排应注意纵向顺序和横向联系。 纵向顺序是指伺一种类美术活动的内容之间的互相排列。如美术欣赏活动内容,小班安排欣赏“大班哥哥姐姐的画”、“秋天的水果”、“秋天的树叶”、“布娃娃”、“小花伞”等幼儿生活中熟悉的直接接触到的美好事物;中班安排“布老虎”、“民居建筑”、“节日的环境”;大班安排梵高的作品“向日葵”、“剪纸”、“茶具”,徐悲鸿的“奔马”等。这些美术教育内容在帮助幼儿建构审美心理结构方面是有序的、连续的、层层推进的,同时也是由易到难、由简单到复杂逐步深化的。 横向联系是指不同种类美术活动之间的相互联系。如在绘画活动中安排画“糖戎芦”,在手工活动中安排做“糖葫芦”;又如欣赏过“美丽的窗花”后,安排手工“剪窗花”,再将剪好的窗花进行环境布置。这种横向联系内容的安排,能帮助幼儿从各种角度认识、感知事物,学习多种表现技能,体会同一事物的不同质感美。如画的糖葫芦是平面的,而手工做的糖葫芦是立体状的,作品的显现状态和活动的过程带给幼儿的审美感受是不一样的。 (四)具有整合性 艺术来源于生活,幼儿美术活动的内容来源于幼儿的生活。其他领域的活动带给幼儿的经验,必然产生丰富深刻的体验,积淀于幼儿的生活之中。因此,幼儿美术活动的内容往往可以选择语言、科学、社会、健康、音乐等领域的活动内容。如社会领域中有认识了解国旗、长城、天安门、家乡等内容,美术活动内容可以选择画国旗、长城、天安门、美丽的家乡等。又如中班语言“吹泡泡”(星星是月亮吹出的泡泡,露珠是小草吹出的泡泡,葡萄是藤儿吹出的泡泡……),美术活动可选择画吹泡泡的内容。这种整合,可以帮助幼儿建立起各种学习内容之间的内在联系,巩固他们对周围事物的认识和理解,提高综合素质能力。 (五)具有灵活性 正是因为幼儿在美术活动中所表现的是自己所看、所听、所接触到的,所以美术教育内容选择得恰当与否,直接影响幼儿表达认识、抒发情感的效果。在选择美术教育的内容时,要考虑到不同地区、不同时间、不同场合,灵活安排。农村幼儿园,可多选择具有农村题材的内容,如劳动的场景、庄稼的丰收及各种农产品等;春天可多安排描绘自然景物的内容,如“草地上的鲜花”、“蝴蝶飞、花儿美”,节日前可安排手工“环境布置”,欣赏城市披上的节日盛装等;又如原来安排手工活动“折飞机”,早晨发现下雨了,教师也可临时更换活动的内容,让幼儿观察下雨天的景物特征和人物动态,开展绘画活动。 灵活性的内容安排,能更好地激发幼儿表现与创造的欲望,在美术活动中得到情感上的愉悦体验,从而对活动产生兴趣和信心。 三、方法 幼儿园美术教育活动的方法,是指在美术教育活动中,为了达到活动目标,教师所采用的指导方式和幼儿在教师指导下的活动方式。教育方法的采用,应考虑幼儿的年龄特征、实际水平和美术学科本身的特点等。幼儿美术教育的方法多种多样,大致有以下几种。 (一)观察分析法 观察分析法是指在教师的指导下,幼儿通过多种感官感知事物的造型、结构、色彩、运动模式等审美特征,用脑思考,进行比较的一种方法。其目的在于帮助幼儿积累内在图式,深化表象,使幼儿获得鲜明、深刻、完整的视觉形象,激起表现的愿望。 观察时,可以运用各种感官感知,包括用眼看、用手摸、用鼻子闻及用动作模仿等。如绘画“调皮的小猴”,教师不仅可以组织幼儿去动物园参观,还可以在参观后引导幼儿用动作模仿猴子调皮的各种表情、姿态等,这样更能激起幼儿创作的欲望。又如泥工活动“刺猬”,教师除了引导幼儿观察事物的外形特征,还可请幼儿轻轻触摸刺猬的刺,加深感受,获得更深刻的印象。 观察被看作是美术活动的基础,没有观察就谈不上分析。分析是指人的思维过程,是把头脑中的事物或现象分为各个属性、部分、方面,找到事物或现象的本质。如“节日的街道”欣赏活动,幼儿通过视听器官一下子就能感受到节日的热闹与喜庆。但这种气氛是从何而来的呢必须引导幼儿在观察的基础上进行分析,如远处的天空飘着彩色汽球,周围的树枝上挂满了灯笼,广场中间摆放着鲜花,四周插着彩旗等等,从而更深刻地感受理解热闹与喜庆,产生审美的愉悦体验。 (二)示范与范例法 示范指教师把美术活动过程中的难点、重点直接操作给幼儿看,利于幼儿在直接摹仿的条件下,学习一些参加美术活动必需的关键的技术性的措施。 示范包括整体示范和部分示范。整体示范指教师把表现物体形象的过程连续地完整地操作给幼儿看,一般在幼儿学习新的技能时用。如幼儿刚刚进人中班时,纸工活动《牵牛花》,需老师从头至尾将折叠的过程操作给幼儿看。部分示范指教师把美术活动中的某一部分操作给幼儿看。如大班绘画“美丽的公园”,在活动中,教师只示范树与树的遮挡重叠的画法(当然该班幼儿美术基础较好)。美术活动中工具材料的使用方法示范也属于部分示范。 教师在示范时,应做到动作熟练、准确,让每一位幼儿都能看清楚。有时可视具体活动内容采取蹲下或走到幼儿的面前示范等方式。 范例是指教师提供给幼儿观察欣赏的直观教具,它可以是教师的范画,也可以是实物、、图书等。好的范例可以帮助幼儿了解、感受事物的审美属性,充实其视觉形象,丰富幼儿的创作内容;还可以扩大幼儿的视野,帮助幼儿体验多种艺术手法,提高其审美能力。 范例的选择必须符合以下标准: (1)形象准确,线条清晰,色彩鲜明,大小适当,能反映事物的基本特征。 (2)具有二定的艺术水平,富有美感,能唤起幼儿的情感和兴趣。 (3)符合幼儿的年龄特点,容易为幼儿所理解和接受。 示范与范例的运用都对幼儿的创造性有一定的影响,因此在美术教育活动中教师应慎重思考,用得恰到好处。 (三)游戏练习法 游戏练习法是指通过游戏的形式,引导幼儿在愉快、积极的状态下学习美术技能,把视觉形象改变为视觉——运动形象,提高手眼协调能力,培养幼儿对美术活动的兴趣。 游戏练习法符合幼儿的年龄特点,它的使用是灵活多样的,游戏性的命题、游戏化的练习方式、对美术成果的游戏性处理以及美术活动中游戏性材料的使用等,都可以把美术和游戏结合起来。如“吹泡泡”、“煮元宵”等游戏化的命题,能提高幼儿绘画的兴趣;如“装饰背心”,每不幼儿穿上纸做的背心,用水粉颜料在其他小朋友背上画。这种绘画方式的变化,使得幼儿学习的兴致很高。有时教师可以在美术活动中运用谜语的趣味性,增加游戏的成分,巩固绘画的技能。如教师出一些简单的谜语,让幼儿把谜面简单迅速地画下来。如“星星点点朵儿小,**小花缀细条,不要嫌它不火红,春天一来它报到。”(迎春花)。另外,喷洒画、泡泡画、滚画、印章画中牙刷、吸管、玻璃球、各种水果做成的印章,这些材料本身就给了幼儿极大的兴趣,激励了他们参加美术活动的热情。 (四)情感熏陶法 情感熏陶法指教师为幼儿创设宽松愉快的心理环境和充满感情色彩的情境,让幼儿在身心最佳状态下,产生追求美、表现美的欲望和热情,积极主动地去观察,去想像,去创造。 幼儿的美术活动是在其美术动机的推动下产生和发展的。这种内在的美术动机,有赖于教师对幼儿情感因素的调动。首先,在美术活动中,教师要为幼儿创设一个宽松愉快的心理环境。教师自身应对美术活动充满兴趣,全身心地投入到活动中去,以生动的富有感染性的语言调动起幼儿对生活经验的回顾、体验。教师还应充分尊重幼儿的情感,信任幼儿的创作,不包办代替、指手划脚,建立起师生间真正的平等关系。这样,幼儿就会对美术活动感到亲切、有趣,能兴致勃勃地参加。 为了更好地调动幼儿主动投入到美术活动中的积极情感,教师可充分利用自然美好的环境进行引导,给予其美的陶冶。同时,创设充满情感色彩的审美环境,激发幼儿的兴趣,使之产生参加美术活动的内在愿望。教师可充分利用自然美好的环境进行引导,对室内外的环境布置、各活动区(角)的创设,应尽量做到和谐优美,造型生动,色彩鲜明,符合幼儿的审美情趣。如春天到了,教师可适时地带领幼儿春游,感受浓浓的春意和大自然的美景,激发幼儿创造的热情。在秋游活动时,教师可有意识地组织幼儿捡拾飘落的形状、色彩各异的树叶,引导幼儿制作树叶贴画、树叶喷刷画或叶脉书签等,供幼儿欣赏。在美术活动中,教师还可通过播放一些轻松、舒缓、抒情的乐曲,造成一种美的氛围,来配合幼儿的活动,激发幼儿的想像和创作的欲望。 (五)分层指导法 分层指导法是指教师依据幼儿的不同水平,对幼儿进行分层次的指导。其目的是促进每个幼儿的发展。 分层指导法可以从目标分层、材料投放分层、指导分层、评价分层等几个方面去实施。 1.目标分层 教师在每一个活动之前,应从不同侧面、不同角度了解每位儿。在制定美术活动的目标时,考虑到对不同类型、不同水平的幼儿提出不同的要求。如对手眼能力协调好的幼儿,应要求他们能表现细节;而对小肌肉发展不完善的幼儿,只要求表现物体的基本结构特征。教师应注重幼儿自身的发展变化,挖掘每位幼儿发展的潜能,不断调整幼儿发展的目标。 2.材料分层 有了目标分层,教师在为幼儿提供材料时,应考虑到依据幼儿不同能力水平提供材料。如折纸“大公鸡”活动中,对动手操作能力好的幼儿,可有意识地提供一张以上的纸以及彩色水笔等,让他们多折几个,并可添画涂色。 3.指导分层 在幼儿美术活动中,幼儿描绘制作是一个重要的过程,教师需要巡回指导。在巡回指导时,教师可针对幼儿不同的作业情况,采用分层指导的方法。这种分层巡回指导的方法受分层目标的直接影响,仍然强调教师对每一位幼儿的了解。如大班绘画“美丽的公园”活动中,巡回指导时,教师对能力强的幼儿重点引导其通过多种形象来表现公园的热闹和美丽,并根据画面需要,恰当运用各种颜色表达其情感色彩;对能力中等的幼儿,则鼓励他们大胆构思,认真描绘;对能力较弱的幼儿,则首先要与他们一起谈论画什么,帮助其确定主题和主要形象,较为合理地安排画面。 4.评价分层 这种评价,要求教师根据不同层次的目标、不同层次材料的使用,尤其是幼儿本身水平的不同层次来进行评价,注重幼儿个体自身的纵向发展。 以上几种方法,在整个美术教育过程中,应根据活动的需要灵活选择,综合运用,并在教育活动实践中不断总结经验,创造出新的行之有效的方法。因此,我们说,教要有法,教无定法,贵在得法。

毕业季最感动我的瞬间:

1 毕业典礼上的致辞。毕业典礼上的致辞往往是最感人的瞬间之一,校长或老师们会用深情的话语回顾学生们的成长历程,鼓励他们勇往直前,迎接未来的挑战。

2 毕业晚会上的表演。毕业晚会是学生们最后一次在校园里的聚会,学生们会用各种形式的表演来纪念这个特殊的时刻。在这个时候,学生们会展示他们的才艺,唱歌、跳舞、演讲等等,这些表演不仅展示了学生们的才华,也让他们在欢声笑语中度过了最后的时光。

3 毕业照片的拍摄。毕业照片是学生们最后一次在校园里留下的纪念,这些照片记录了学生们在校园里的点点滴滴,也是他们成长历程的见证。在拍摄毕业照片的时候,学生们会感受到一种特殊的情感,这种情感是无法用言语来表达的。

4 毕业时的告别。毕业时的告别是最感人的瞬间之一,学生们要和老师、同学、校园里的一切告别,这种离别的情感是非常复杂的,既有不舍,又有期待未来的憧憬。

总之,毕业季是一个特殊的时刻,充满了感动和情感。在这个时候,学生们会回顾自己的成长历程,感慨时光的流逝,也会展望未来的前景,充满希望和憧憬。

此外,还有一些其他的毕业季感动人的瞬间:

5 毕业旅行。毕业旅行是学生们最后一次在校园里的旅行,也是他们在校园里的最后一次聚会。在旅行中,学生们可以放松心情,享受美好的时光,也可以和同学们留下美好的回忆。

6 毕业礼物。在毕业季,学生们会收到很多礼物,这些礼物不仅是对他们的祝福,也是对他们成长历程的认可。在收到这些礼物的时候,学生们会感受到一种特殊的情感,这种情感是无法用言语来表达的。

7 毕业后的聚会。毕业后的聚会是学生们在校园里的最后一次聚会,也是他们在校园里的最后一次相聚。在聚会中,学生们可以回忆过去,展望未来,也可以和同学们留下美好的回忆。

总之,毕业季是一个充满感动和情感的时刻,学生们会在这个时候回顾自己的成长历程,感慨时光的流逝,也会展望未来的前景,充满希望和憧憬。

  “舞蹈艺术是通过人体优美的动作和造型、节奏和情节对人们一个时代生活中美的理想和愿望、感情和幻想的反映和体现。”通过我国舞蹈家胡果刚的这段话,我们可以发现动作和造型、节奏和感情是构成舞蹈艺术的基本要素。从舞蹈的艺术特性来看舞蹈艺术,我们也会发现动作性、节奏性、抒情性和造型性是舞蹈艺术非常重要的艺术特性,它们是舞蹈艺术的“生命”与灵魂之所在。下面,笔者试从舞蹈的几个主要的艺术特性来谈谈舞蹈教学中值得注意的几个问题。

动作性――明确训练目的,注意动作规格

舞蹈是人体动作的艺术,动作是舞蹈最基本的元素,是舞蹈材料、舞蹈动作和由舞蹈动作所组成的舞蹈语言,是构成舞蹈艺术最基本的占第一位的重要因素。动作性是舞蹈艺术最主要的特征,是与非舞蹈相区别的根本所在;舞蹈的要义是“动”,“动”是舞蹈的生命。在舞蹈教学中,教师要牢牢把握舞蹈艺术的动作性特征,严格要求和规范训练学生的动作。那么,在教学中如何才能使学生的动作规范呢?首先,高素质、高质量的师资队伍是保证高质量的舞蹈教学的前提,也是让学生规范地完成所学动作的重要保证。一个优秀的舞蹈教师应该是经过多年专业学习,懂得教学法,具有较高专业技能与理论学识水平,并且爱岗敬业、认真负责、勇于钻研、开拓创新的高素质人员。在舞蹈教学上,老师应做好课前准备,认真备课,对自己所教的每一个动作及组合练习的训练目的、意义和动作的规格、要求及风格特点做到心中有数,然后在教学中对学生予以详细地说明和讲解并加以示范,让学生理解并掌握所学舞蹈动作的规格和要领及特点,明白每一个动作及组合的训练目的及意义,注意动作时容易出现错误的地方,使学生对所学动作做到不仅“知其然”,还要“知其所以然。”否则,如果教师专业水平差或者工作不负责,自己对所教的动作概念、规格和要领等模糊不清,加之示范又不到位,甚至对自己所教动作的名称、术语都说不清,试想学生又如何能把教师所教的动作准确地完成、规范地做好呢?第二,学生的积极配合与认真学习是高质量地完成规范动作的关键。舞蹈课上学生要与老师积极配合,认真听讲,不懂就问,尽可能地全面理解和掌握老师所教动作的规格、要领及风格特点等,课后按要求有目的、有针对性地反复练习,确保动作的规格和质量,把动作规范地完成好。只有这样,学生才能规范地去掌握和完成老师所教的动作。否则,学生不与老师积极配合,课堂上不动脑筋,不认真听讲,课后又不勤学苦练,偷懒贪玩,都不可能把老师所教的动作规范性地练好。尤其对初学舞蹈的学生更要注意对他们加强动作规格和要领的学习与要求。动作不在于多和复杂,不要求动作组合的花俏。而在于对动作的精炼和完成的准确,让学生练好每一个动作,把对学生动作规范性的训练作为舞蹈教学的一个重点来抓。

抒情性――强调情感表现,注重情感培养

舞蹈动作在表现思想概念的清晰和明确方面比起语言来存在着一定的局限性,然而在表现人的情感方面却有它独特的长处。正如舞蹈家吴晓帮在其《舞蹈和姐妹艺术的关系》一文中说的那样:“在我们日常生活习惯内,当我们用语言和文字难于传达或不能透彻表现某一个人物的思想和感情时,我们往往用人体的动作和姿态,反而可以简单明了地表达出来。”也就是说,舞蹈是人们情感的产物,是内心情感的“外化”。这也就规定了舞蹈艺术的内在本质属性是一种抒情性艺术。既然舞蹈是一门抒情性的艺术,那么在舞蹈教学中就应注意对学生动作情感的培养,强调情感表现。首先,要让学生对舞蹈的学习产生浓厚的兴趣,使他愿意学、想学。这就要求舞蹈老师必须有一个认真负责、积极热情的工作态度,认真组织并上好每一堂课,对每堂课所教的动作及内容予以充分地理解和把握,做到有目的地去教,教好每一个动作,使学生对所学内容全面的理解、熟悉和掌握,从而使他们产生学习的兴趣,调动他们学习的积极性,使他们想学、愿学。其次,舞蹈教师要做到“言传身授”。因为舞蹈是一门视觉艺术,作为舞蹈教师首先要把所教的动作及内容给学生一个较为具体完整的视觉形象,并通过自身的情感表现去感染学生,作用于学生,给学生一个感性认识。与此同时,教师还要用语言多方位地启发学生,不仅让学生领会动作的规格和要领,还要让学生明白动作与动作之间的相互联系及表现,使学生在舞蹈动作时情感受到启发和感染。再次,舞蹈教师还要通过多种教学手段,开拓学生的视野,采取让学生多听、多看、多练、多表演等办法,不断加强学生面部表情及身段表情动作的练习。最后在舞蹈教学中还要充分发挥学生的主观能动性,通过动作练习发挥学生的想象力和创造力,以不断丰富学生的情感表现。如让学生在做舞蹈动作时,把动作放大扩展,让他们去想象表现人物开阔、粗犷的性格或热情奔放的情绪。然后又将动作缩小,让他们去想象表现人物拘束、谨慎的性格或压抑的情绪等。通过一系列类似的教学手段,让学生真正明白“情动于衷而形于外”这句话的含义,从而引起学生的高度重视,使他们在训练时把舞蹈动作及动作所要表现的情绪较好地、有机地结合起来,并为学生将来舞蹈表演时塑造各种形象奠定一定的情感基础。

艺术形象是充满着情感的形象。艺术主要通过形象的情感表现力直接感染观众,作用于观众。作为艺术门类一种的舞蹈艺术,在抒情性方面则更有其独特的优势,即通过舞蹈动作的表演充分和直接、鲜明、生动地显示和表现人物丰富细腻、复杂的内心情感。情是舞蹈的灵魂,在舞蹈教学中,一定要注意对学生情感表现方面的培养,充分调动起学生学习的积极性、主动性,并充分发挥学生的想象力和创造力,让学生真正懂得舞蹈艺术的本质特征是“情动于衷而形于外”。

节奏性――加强音乐修养,注意动作节奏

任何舞蹈都是有节奏的,节奏是舞蹈艺术构成的基本要素,因而舞蹈又被称为是跳动的旋律、舞动的乐曲、视觉形象化了的音乐。舞蹈对音乐有内在不可改变的依赖性,如同鱼离不开水,没有节奏便没有舞蹈。

既然节奏在舞蹈艺术中有如此重要的作用,那么什么是节奏呢?节奏是人们对时间的一种知觉(又称节奏知觉),它是客观现象的延续性、顺序性和规律性的反映。节奏可分为内在节奏和外在节奏,内在节奏是外在节奏的基础,外在节奏是内在节奏的表现形式。

川剧表演艺术家琼莲芳根据他几十年的艺术实践,深有体会的说:“节奏是舞台动作的纽带,它能将许多动作串联起来,组织起来,表现人物事件,有些演员动作零乱,松散,层次不清,没有起伏,不准确,不连贯,主要原因就是没有节奏。”同样,在舞蹈课堂教学中,也不难发现有这样一部分学生,做动作时与音乐节奏不合拍,动作归动作,音乐是音乐,给人一种不和谐感。之所以产生这种现象,是这些学生在音乐素养方面较差,对音乐理论的学习重视不够。也正是由于学生对音乐理论的学习不重视,忽视了音乐理论方面的学习与修养,乐感差,从而在舞蹈时对音乐的理解能力、对节奏的把握能力也就差。

记得付兆先老师曾在《舞蹈表演艺术的美学特征》一文中说过:“有没有音乐感是衡量舞蹈性强不强的一个重要标志。所谓舞蹈性是指体现在舞蹈动作中的鲜明节奏与优雅韵律,而舞蹈的音乐感也正是体现在舞蹈的节奏感与韵律之中。舞蹈的音乐感是舞蹈性与音乐感、视觉现象与听觉现象高度的和谐统一。音乐感是舞蹈的神魂。”这段话说明了音乐感在舞蹈中的重要性及音乐与舞蹈的亲密关系。因此,在舞蹈教学中一定要注意加强对学生音乐方面的教育和培养。首先要向学生讲明音乐与舞蹈密不可分的关系,说明音乐在舞蹈中的地位及作用,从而引起学生对音乐理论学习的高度重视。其次,让学生去多听音乐,感受音乐,分辨音乐和理解音乐,以不断加强学生的音乐修养,增强音乐感,使他们在舞蹈动作时与音乐节奏达到完美和谐的统一,让学生从真正意义上明白音乐与舞蹈密不可分的关系。

造型性――把握动作姿态,注意舞姿造型

舞蹈动作的造型性是使舞蹈动作具有美感形式的最基本的条件和主要的因素。因为造型性本身,首先就要要求动作的构成具有美感的形象,它必须是经过提炼、艺术加工和美化了的最生动、最具有表现力,也就是具有典型性的动作。舞蹈艺术的造型性,主要包括两方面的内容:一是人体动作姿态的造型,另一方面是舞蹈队形、画面的造型。我在这里所要谈的主要是人体动作姿态的造型。在我们的舞蹈教学中不难发现,有一部分同学做动作时马马虎虎、粗枝大叶,根本不注意动作姿态的完美,好像只要把老师所教的动作大体上完成就等于完成了任务,至于舞姿是否优美,造型是否好看根本不管。这种完成任务式的动作练习是非常不可取的。我们对学生在进行舞蹈训练时,除了要对学生动作规格、动作表情和动作节奏加以强调和训练外,还要对学生的动作姿态即舞姿造型进行锻炼和培养。一定要教育学生注意对动作姿态的把握,注意舞姿造型的优美。

舞蹈是动的绘画和活的雕塑,因此,舞蹈又可以称作是一种动态的造型艺术,也就是说舞蹈应具有造型性的特点。从舞蹈艺术的这一特点来说在我们的舞蹈教学训练中就应教育和引导学生学会对动作的艺术想象,舞蹈是一门视觉艺术,舞蹈动作是有形的可见的,然而舞蹈动作所要传达的人物的内心情感是不可见的,这种情感体验不是靠纯粹的模仿和反复的动作练习就能获得的,它需要借助于想象,通过艺术的想象来完成审美意象的创造。所谓审美意象,康德说:“审美意象是一种想象力所形成的形象显现。”不同的人对动作姿态造型美的审美标准看法是不尽相同的,因此舞蹈动作姿态的造型美也是多种多样的。既有矫健的美,也有柔和的美;既有幽雅娴静的美,也有活泼生动的美。在舞蹈教学中我们不能让学生对老师所教的动作姿态只是机械的、呆板的单纯模仿,不能只是为动作而动作,要不断的启发学生的艺术想象力和创造力,使学生在动作练习时对不同的动作造型产生丰富的艺术想象并赋予动作造型各种各样的美的表现和生命的活力。使学生所做的动作姿态不仅舞姿准确、造型优美,而且做出的舞姿造型还要具有舞蹈艺术所需要的表现力和生命活力。只有这样的动作姿态才符合舞蹈艺术的审美要求,只有这样的舞姿造型才能打动和感染观赏者。

总之,舞蹈是“动”的艺术,“动”是舞蹈的生命;“情”是舞蹈的灵魂,无情不舞;音乐与舞蹈密不可分,没有节奏便没有舞蹈,优美的舞姿造型是舞蹈活的生命力的外在体现,它使舞蹈艺术更具有生命的活力。四者缺一不可。因此,在舞蹈教学中,一定要牢牢把握舞蹈艺术的动作性、抒情性、节奏性、造型性这几个主要的艺术特性,把舞蹈艺术的动作和造型、感情和节奏这几个基本要素作为舞蹈教学的“生命”和“灵魂”来抓。

参考文献

1 吕艺生舞蹈教育学上海音乐出版社2000年版。

2 隆荫培人体美与服装模特训练文化艺术出版社1990年版。

3吕艺生 朱清渊舞蹈高等教育出版社1994年版。

4 隆荫培 徐尔充 舞蹈艺术概论上海音乐出版社2006年版。

李鑫:湖南女子大学艺术表演系

责任编辑:赵卓

美术课程的总目标其中指出:让学生掌握欣赏与评述的方法,了解基本美术语言的表达方式和方法,形成基本的美术素养,陶冶情操,完善人格。并把“欣赏·评述”列为美术四个学习领域之一。可见它的重要性。而要陶冶情操,完善人格,实现情感态度与价值观,掌握欣赏与评述的方法,了解基本的美术语言,形成基本的美术素养,则必须通过欣赏、评价优秀的美术作品来完成。欣赏,作为美术学习活动的四个领域之一,无论是以美术欣赏教学的形式出现,还是作为美术教学过程中的一个基本环节。它贯穿于美术教学的始终,也是众多的美术教师在教学过程中难以把握的一个问题。我们往往在欣赏的过程中,不知如何去欣赏评价、审视艺术作品,甚至不知如何去指导教学。因为,它需要教师具有较高的艺术修养和文化底蕴。尤其是,当学生作品展示时,教师如何去引导学生欣赏、评价其作品,就此,本人围绕教学谈谈自己的一点看法。

首先我们有必要了解一下什么是欣赏、评价。然后,再去谈如何去引导学生欣赏、评价其作品。

1、欣赏:

欣赏,从文学艺术的角度来说,本意就是享受美好的事物,领略其中的趣味。它是欣赏者对客观纯在的美的一种主观感受。是审美主体对客观事物的美的属性的一种认识与反映及对美所作出的一种评定和判断。无论是自然美、社会美、还是工艺美,都是欣赏者对客观事物的“美”进行感受、体验、领悟,从而获得由浅入深、情景交融的审美把握,并引起感情上的激动、满足和精神上的享受。

欣赏,在其过程当中,欣赏者首先是采取肯定和赞赏的态度去面对艺术作品的。对作品的部分东西很少做出评价。如:有人说,我很欣赏西方现代派美术。这就意味着,他对西方现代派美术的充分肯定与赞赏。就象我们现实生活中,有人说,我很欣赏你的为人,我很欣赏你的服饰,我很欣赏你的气质,我很欣赏这种色彩等等。都是认为好、持有喜欢、肯定的态度的去欣赏。

2、 评价:

评价:就是评定某种事物“价值”的高低。从文学艺术的角度来说,就是指评价者从一定的立场和观点出发,对艺术作品和艺术家的成就得失、是非功过作出判断和评定。是指对作品的特点、质量、意义等等做出全面的评价,具有鉴赏的意思。也叫艺术批评、艺术评论。

比如,我们要评价一下西方现代派美术,首先,就意味着我们对这一流派持有不肯定和不赞赏的态度。只有通过对这一流派的艺术主张,及其对作品中所体现的思想内容、艺术技巧等方面,进行认真、全面、细致的分析、研究与鉴赏后,才能下结论。才能决定对这一流派的美术作品是采取肯定、赞赏,还是采取分析、批判,甚至否定的态度。只有分析了解后,才能作出正确的评定。它与欣赏有情绪、观点上的区别。因为,任何一件艺术作品,都是由形式和内容两部分构成的,它是内容和形式的完美统一。所以,评价作品的标准就有两个。一个是艺术的(专业的、形式的),一个是思想内容(内在的、主题思想)。

因此,可以说,欣赏是评价的基础,评价是通过欣赏的过程来实现的。评价可以促进欣赏。二者既有区别,又有联系,和谐统一。

一、那么,如何欣赏美术作品?

我们知道,任何一件美术作品,它都是形式和内容的完美统一。因此,我们要欣赏一件作品,首先就得从形式和内容上去欣赏。而当我们面对一件作品,首先映入我们视觉感官上的可以直接感知到的就是作品形式上的美。因此,我们在欣赏作品时,应该先欣赏作品的形式美,然后再去欣赏作品的内容美。

1、 作品形式:

我们知道,任何一件美术作品的内容,都必须通过一定的组织结构和表现手段(用某种语言来说话)表现出来,才能成为可供欣赏的具体的艺术作品。因此,用来表现作品内容的组织结构与表现手段的总和,就是作品的形式。结构和语言便成了作品形式的基本要素。

(1)结构:

“结构”,是指作品的内部构造。它是指作者按照主题思想的要求,来经营创作所用的生活资料。换句话说,它是指作者在从事创作的过程中所设计的一个蓝图。即创作前的构思。你要画什么,怎么画,采用什么形式,利用什么方法、手段。为什么这样画,这么画,表达自己怎样的思想情感,想通过作品歌颂什么?鞭挞什么?包括造型、布局和设想等等。而结构的基本环节是剪裁和布局。剪裁,是构成形象和意境的第一个环节。如,画梅花:“触目横斜千万朵,赏心只有两三枝”。即删繁取简,熔炼精华。布局,即构图,“经营位置”(大家都知道,这里我们就不谈了)。

所以说,结构,是表现作品主题思想的一个重要的手段和因素,作者只有通过好的结构,把一系列的生活资料和体验以及感受和想法等,合理的布局,才能充分的表现主题思想。如绘画,它的结构,就是通过优美的线条,生动准确的造型,丰富的色彩,奇异的材料,巧妙的构思和新颖别致的构图等构成的表现形式,来表达作者的美好创意。

(2)语言:

“语言”,新课标要求——让学生掌握基础的“美术语言”。

强调了“语言”在美术学科的重要性。我们要用美术语言,通过作品来传达观念和情感。所以语言非常的重要。

美术语言”:

就是指造型艺术中最基本的构成因素。如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。以及将这些造型元素组合成一件完整的作品的基本原理。如多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。

也可以说,美术语言它是一种不同于文学语言符号的特殊语言。它是视觉符号。它具有一定的象征性。例如,文学作品中的语言,一个字,一个词都是一个记号。它们有着各自相对独立的意义。如鸟、语、花、香,每个字都是一个符号,每个字都有它独立的意义。如果再把它们按语法的关系将它们组合起来——“鸟语花香”一词,则更具有现实主义了。

而孤立的美术语言:如线条、明暗、色彩等,它们各自独立都不代表任何主义,只有当它们按照造型的法则去构造一种全新的创造物的时候,也就是说,只有把它们结合到一个整体的新的形象之中去,它们才有表现某种主义的作用。比如:有几个孤立的符号“○”(圆)“(”弧,“└”折线。它们各自独立时没有任何主义,当将它们组合成新的形象“苹果”时,则具有了实在主义了。(再如几个四边形构成一个房子等)

由此可以看出,“语言”,它在文艺作品中,具有一定的生动性和形象性。这种视觉语言或视觉符号,也具有一定的象征意义和艺术内涵。如绘画,它主要是用线条和色彩作为物质手段来表现空间事物的。其中“线条”(语言),它具有寄托和浓缩情感意识的无限空间。它是表现物质世界和情感世界的一种最完美的语言和手段,尤其是意笔线条,更具有无穷的包容量。线条的横竖、曲斜、刚柔、长短、疏密、方圆、粗细、波磔、轻重、阴阳、虚实、明暗、浓淡、动静、滑涩等等。线条的随机变换,审势赋形,含情达意,可以表现宇宙空间之万物。例如:卫夫人在《笔阵图》中从书法艺术的角度论述:“横如千里阵云,竖如万岁枯藤”。也就是说,一根横划,它所描绘的意会,可以让人联想到千里之遥的风云变幻,气势宏伟。一竖之中,可以表达出漫长的岁月和苍老的容颜,道出了人生历程的雪雨风霜和酸甜苦辣。此时,线条已充满了生命的活力,给人以智慧和启迪。“戈如百钧怒发”、“撇如陆断犀象”、“捺如崩浪雷奔”、“折如劲弩筋节”。

可见,这种线条的转折变化,既有它的力量感和重量感,而且运动、情态、气势、刚柔等都能充分的体现出来。这种线条是何等的表现力和想象力。这里,线条已富有旺盛的生命力。

如:横线的变幻,竖线的高矗,曲线的蠕动,斜线的滑坡,细线的瘦弱,折线的刚硬,圆线的丰满,短线的跳动,转线的回环,方线的力度,粗线的健壮,涩线的苍老等等,这些线条,它都有一定的抽象内涵显示出来,具有一定的象征性,这也正是我国五千年意象内涵深处的一种独特的思维活动和独有的线意识的神妙之处。(也是所谓的线条语言)

那么色彩也有它的象征性语言:

如红色(暖色),能给人以热烈奔放,令人振奋及温和的感受,它象征热情、喜庆、幸福、吉祥、浪漫。

蓝色(冷色),则传递一种忧郁和悲哀的情绪。给人以清凉寒冷的感觉,又有忠诚、安全、宁静的感觉(蓝天白云、碧海蓝天、月光蓝天等)。因为它是天空的色彩,所以它象征和平、安静、纯洁、理智。另一方面,它又有消极、冷淡、保守的意味。

**(暖色),具有快乐、希望、智慧和轻快的个性,给人以生命力,具有朝气,因为它是阳光的色彩,所以它象征着光明、希望、高贵、愉快。但是,浅黄表示柔弱,灰黄表示病态。

绿色:中性色,它自然、稳定、成长、忌妒。因为它是植物色彩,所以它象征平静与安全、自然、希望、生命和环保。等等,这里我就不一一的说了。

可以说,“色彩”(语言),它也可以传达人的思想和情感。不同的色彩及其完美组合,会使人感受到色彩那奇异的奥妙和迷人的旋律。或明快与忧郁,或兴奋与平静。不同色彩给人以不同的感觉和它的象征意义。面对丰富多彩的世界,画者通过对不同色彩的感受,把自己的情感和富有诗意的想象力、创造力,一起融入自己的绘画创作当中,使色彩与画者的情感交融在一起,放射出奇异的光彩。

谈到关于色彩的情感表现,我们不得不提起一个人,那就是荷兰画家凡高,凡高,他是被誉为人类给画使上最富典型的运用全部生命来倾注色彩感情的本质的画家。他以一种扭曲、旋转和极富运动笔触、在画面上堆积厚重而放大的色彩,每一笔触的排列,都在抒发他那内心的强烈激情。明确的显示了色彩自身的情感力量。给人留下了难以磨灭的生命情感印象。因此可以说,一切文艺作品的语言,它都包含着作者的情感。没有情感,作品就不能打动人,也就不能引起读者在感情上的激动。

再如,罗中立的油画《父亲》,虽然整个作品是现实主义的,但是,为了达到细节的真实性,作者采用了这种极度写实的油画造形语言,活生生地再现了那个时代,我国农村千千万万个“父亲”的典型形象。他那黝黑的皮肤、纵横深刻的皱纹、由于干渴而微启的嘴唇里仅存的几颗牙齿、额头上到处沁出的点滴汗珠、老树皮似的手和由于长期磨损而变形、变了色的指甲、受伤的手指、粗瓷劣质的大碗和对襟布褂、以及从头顶直射下来的正午强光……这些精细入微的色彩造型语言,所“倾诉”的内容,是无比丰富的。它们不仅“说”出了我们农民“父亲”几十年来的生活和目前状况,也强烈地抒发着作者内心的呼声,一定要加速现代化的步伐,要改善人民生活……这其中的深沉的思绪和复杂的感情,决不是文字语言所能穷尽的。

以上,我们对美术作品的形式(结构、语言)有了初步的了解,那作品的内容又是什么呢?

2、作品内容:

就文学艺术而言,既然艺术作品是社会生活在艺术家头脑中反映的产物,那么,艺术作品,它就必然包含着艺术家对社会生活观点和艺术家本身的思想感情两个方面的因素。也就是说,它一方面反映的是客观现实生活的某种因素,另一方面,它也反映了艺术家对他所反映的现实生活的独特感受、感动、理解、评价、和理想,甚至幻想等主观的因素。因此,艺术作品是主、客观因素结合的产物。这样,题材和主题便是构成艺术作品内容的基本因素。所以,内容,它是事物内在的各种要素的总和。

(1)题材:

题材,是作者在观察生活中所选择出来的,并通过加工、提炼后,用来表达作者主题思想的生活材料。一般来说是指作品里所描绘的人物、事物和环境等等。比如,我要画鹰,我们首先就得收集、了解有关鹰的各个方面的知识和资料。如鹰的种类、形态、结构、色彩、生活习性、生存环境,以及人与鹰——人与动物——人与自然的关系等人文精神。然后再决定去表现它,经过意念加工,从鹰的动态、神情和气质等方面去设计与刻画它,这样,才能创作出物与我合的感人作品来。(再如:画花鸟、人物、山水等等。)

(2)主题:

主题,又叫主题思想或中心思想。它是作品的全部思想,是作品的灵魂。是作者在生活实践中根据自己对生活的感受和认识,通过对题材的确定、加工、提炼而表现出来的。(所有的形式、方法、手段等都是为了突出表现主题而服务的。)

这里我们提到的作品的“主题”和作品的“标题“是不一样的。尽管有些作品的标题近似主题,但仍不是主题。如一幅以画“鹰”为题材的作品,其标题为《雄风》,若从标题上看,要表现这一标题的题材很多,可以画马、虎、狮子、公鸡等等,而作者取材“鹰”,选择“雄风”这一标题,其作者是想通过作品《雄风》来表达自己对鹰的认识与感受,使人看到它,便可以领略到雄鹰那种雄浑博大之气概,壮志凌云之胸怀,神勇无谓之气度,叱咤风云、搏击海天之风采。从而给人以震撼,给人以激励和无形的力量。也是作者通过作品所要传达的真挚情感。这才真正是作品的主题。从而使我们真正的体味到,人与动物、人与自然容为一体,形成物与我合的最高境界。

总之,我们要欣赏一幅作品,先是欣赏作品的形式美:如线条、造型、色彩、构图、构思、技法、空间和材质等。之后欣赏作品的内容美(内容美主要是作品的主题、意境。意境:是艺术家在生活中产生的一种感情,一种对美的理解和认识。在感情和认识的基础上,提炼、概括、升华而成的。所以说,意为情的升华,情为意的基础。比如,当我们欣赏一幅画,有时为其内涵的艺术魅力所吸引,并与画中的意趣、主观思想相融合,为其画外之意所陶冶、感染。从而达到情景交融、物与我合的一种诗的境界。比方说,我们看影视片,有时会被某段剧情、或某种场面所感动,以至于忘了自己,好象发生在自己身上一样,禁不住潸然泪下,控制不住自己。这就是意境的作用。所以说,一幅画

,它不是事物外在形象的单纯描写,而是把作者感受到的美和富有感染力的情思,通过富有意境的画面传达给观众,使观众领略会心。)

二、如何引导学生欣赏、评价其作品?

1. 就教学而言——评价的方式(多元化):

(1)、自评:

★教师可以引导学生用语言表达的方式,来评述自己作品的创意以及表达自己作品创意的方式、方法等。

★教师也可以让每位学生把自己的设计意图和感想记录在画面外的地方。

★也可以用表格或问卷的形式让学生谈自己的感受。

(2)、互评:

★教师可以引导学生与同桌自由欣赏,直接用语言表达、评述其作品。

★也可以让学生交换作业,用写评语的方式互相评价,

★也可以将学生的作品全部展示,让学生谈自己喜欢的作品及其理由。

★还可以小组讨论,推选最优秀的作品。

(3)、教师评价:

★当学生在自评或互评的过程中,教师或其他学生也可以给其提出意见,帮助其完善作品及其想象。

★教师在评价学生的作品时,要善于发现每位学生作品的闪光点,要把学生的任何绘画痕迹都看作其情感运动的轨迹。因为,儿童绘画,它充满着孩子们的稚拙、天真、浪漫、想象、创造和纯朴的个性情感。他们以其欢乐、自由、独特的方式和无规则的线条、图形及色彩所构成的画面,来表达自己内心的美好世界。诉说着自己的情怀。所以,我们要尊重孩子们的个性,无论他们画什么都要视为其情感的流露,甚至乱糟糟的线条或图象等,都视为学生内心活动的真实表现,并加以渲染。尊重学生的审美感受、自身的生活经验、以及他们对周围环境的兴趣、爱好和理解等等,以此来增强学生的自信心,形成良好的个性,促进学生的身心发展。我们要支持

孩子们的原形态创作。以此保留儿童绘画的原生状态。(如:我国提倡保护非物质文化遗产。我们大家也看到了,央视第二届青年歌手电视大奖赛一个热门的亮点——就是“原声态”唱法。它强调的就是原始的、原滋原味的、民族的、不加修饰的味道。)

★教师可以把学生的作品收上来,课后统一批阅。

★也可以让学生把作品带回家,让其家长写评语。

另外,由于美术学科本身在艺术体认上的复杂性,定性分析相对比较普遍,所以,从美术学习习惯上看,往往以定性评价为主,而定性评价,多半又是评价主体(无论是学生还是教师)自身的意见。(我说他好就是好,说他不好就不好。多半是评价主题自己的主观意见。带有很大的片面性和倾向性。)

因此,我们现在提倡“质性评价”,它更能强调学生在美术学习活动中,要求评价的主、客体之间,相互交流、协商,使评价结果最大限度的被双方共同认可。

所以,我们在评赏学生作品时,有必要增加艺术批评的手法,让学生以更加主动的姿态,去评判审视其作品,并设想改变作品的某个部分,并融入自己的情感,使学生在欣赏他人作品的同时,仍保持自己独立思考的态度和能力。

(4)、可以将每次评赏出来的优秀作品,参加校内外的主题展览,或装订成册等,去扩大评价的视域。使学生的作品不仅是在班上,而且要在年级或学校,甚至走向社会等等,来拓宽视域,培养学生的自信心。

2.从整个欣赏评价美术作品的过程来看:

(1)、因为任何一件美术作品它都是形式和内容的完美统一,所以教师要引导学生通过感官可感受到的,用自己的语言简单地对作品的形式进行描述。

包括:探讨作品的材质、技法及其特征。还有色彩、线条、形状,及构成的原理(或美的原理)和作品的个性风格等。也可以引导学生分析一下美术作品的形式语言。包括构图精美、色彩鲜艳、线条流畅、材料丰富,肌理自然等等。

(2)、引导学生对美术作品的主题、意义进行探讨,探讨作品里所传达的感情、心情、主题、意义、观念和思想。

例如:你喜欢哪件作品、作品里都表现了什么,从作品中你联想到了什么,作品是用什么工具材料表现的,是怎么表现的,为什么要这么表现,作品的设计风格是什么,设计的功能是什么等等。通过教师一系列的引导学生想象、发散思维等活动,来陶冶情操,提高审美。

不过,我们都知道,中国有句俗语叫“仁者见仁,智者见智”就是说,人们的心理状态对客观事物的反映,是有所差异的。并不象镜子一样,映照的物体都相同,由于每个人的素养不同、意识不同,世界观不同、层次不同,心态不同、生活的角度不同,以及偏爱不同等等,因此,他们的视觉心理,必然有所不同。比如,农夫看月亮,说它象镰刀;船夫看月亮,说它象船;而武将看月亮,说它象弓;同样一种物象,看法不同,联想也就不同。这也正是人们在长期的生活实践中,所形成的个性。同时也说明,知识含量的不同,会影响你对客观事物的认识,产生不同的思维逻辑。

由于每个学生的阅历、层次、生活等诸多方面的情况不一,因此,教师在引导学生欣赏、感悟学生作品时,要以人为本,承认和尊重个性差异,尊重学生的独特想象,多给学生以鼓励,爱护和扶持学生,帮助学生在美术学习过程中,学会自主掌握方法,唤醒自我表现意识,培养自主能力。

我们在引导学生进行的欣赏的过程中,因为学生作品的美点很多,如构图美、构思美、造型美、色彩美、材质美等等,我们不能以一种方式,对每一个作品都面面俱到地去欣赏这些美点,否则,学生就会感到没兴趣了。那么,教师就要引导学生有所侧重的找出这些作品中最突出的、最显露的、最能引发学生审美情感的作品的形式美和内容美的结合点。

如:有时侧重历史故事的分析;(如:诗配画、插图等文学艺术方面的题材)

有时侧重构思的巧妙;

有时侧重构图和形象;

有时侧重造型、材质美的表现;

有时侧重形象造型的寓意和联想;

有时侧重整体和自然环境的关系;

有时侧重某种造型形式因素的运用等等。

总之,欣赏、评价,不是一个个体孤立的行为,而是在一种群体互动的交流环境中进行的,学生可以将自己对美术作品的感受和认识,以口头或书面的形式表达出来,与他人交流和共享。我们要在教学中,把握学生的成长规律,处理好师生间的渐变关系,要根据实际需要,不断地调整和采用多元化的赏评方法来开展教学。多为学生营造一个自由探寻究理的氛围和自由表现的机会,并以美术学习活动的多样性,促进学生全面发展。

欣赏音乐是音乐教学的重要内容,也是培养学生音乐兴趣、扩大音乐视野、发展音乐感受能力和审美能力的有效途径。通过欣赏教学,能激发学生对音乐的兴趣,扩大学生的音乐视野,提高学生音乐的感受力,发展学生的想象力,提高学生理解音乐的能力,从而达到培养学生具有初步的审美能力和情感的目的。古希腊哲学家柏拉图曾经说过:“我们一向对身体用体育,对心灵用音乐。”可见,音乐艺术除了审美功能外,其初衷是让心灵受到真善美的陶冶和升华。而音乐欣赏是培养学生音乐审美能力的重要途径和手段,是音乐教育必不可少的组成部分。

  目前,音乐欣赏教学尚未引起足够的重视 ,在教学上,大多数教师冗长乏味地讲解作品,播放音乐,学生被动接受教学。中学生由于受环境的影响对音乐知识积累不多,在被动接受不熟悉的音乐作品同时,难免会产生迷茫,对音乐产生厌倦。于是欣赏的兴趣就会大大降低,欣赏教学就难以达到预期的目的,这有悖于音乐教学之初衷。我认为在欣赏教学中,应采用多种途径和方法,让学生主动参与进来。从而达到感受美,理解美,创造美的目的,下面谈谈如何培养农村小学音乐欣赏中的审美情感的几点看法。

  一:音乐课要创设优美的情境,营造优美的氛围“音乐课的课前引入是个关键的环节,设境”就是根据音乐作品的风格情绪和具体内容创设相应的情境。通过情境的创设,学生的视觉和听觉都被调动起来,达到如临其境、如见其景、置身于情境之中的地步。不仅学生营造了一个美的学习氛围,也使一堂课有了一个好的开端。如:可用故事导入法,小学生都有一个普遍倾向,那就是爱听故事。针对这个特点,教师可在倾听乐曲前讲述关于这首乐曲的奇闻佚事等吸引学生注意力。再者也可用视觉冲击法,用视觉感官的内容(动画片、影视片段、生动的等)激发学生的学习兴趣,吸引学生的学习注意力。

  二、引导学生在鉴赏中感受美

  欣赏音乐就是以学生的聆听为主要手段,需要学生具有一定的声音感觉能力。如:感受声音的高低、长短、强弱及音乐变化的能力。一般的,学生都具有这种能力。但是,对音乐的旋律、节奏、调式、力度、和声织体、等,学生就不一定具备,所以要求学生由浅入深,循序渐进地对音乐进行欣赏、感受,从而逐步培养学生对音乐的听觉感受能力,同时也是在培养音乐审美能力。  此外,音乐教材中的作品大部分都是古今中外优秀的音乐作品,对学生而言,有一定的距离。因此,我们可以从课外补充一些思想性、艺术性较强,学生喜爱的能体现时代精神的作品去组织教学,同样可以提高学生的学习兴趣,扩大学生的视野,此外,在音乐教学中,引导学生在感受和理解的基础上,演唱歌曲,扮演角色,引导应该用什么样的情绪、声音、形式来演唱,用什么乐器来伴奏,才能使歌曲表现得更加完美等问题,在教学中多让学生参加各种音乐活动与练习,使孩子们受到美的熏陶,培养他们才干,让学生理解音乐美,提高学生的审美能力。三、培养学生的审美想象力及创造力

  1、营造民主、自由、宽松的情绪氛围,充分发挥儿童想象力。 爱因斯坦说:“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想象力概括着世界上的一切,推动着进步,并且是知识进化的源泉”。音乐是情感艺术,儿童的想象力正是借助情感得以伸张。常言道:“知之者不如好之者,好之者不如乐之者”,兴趣是最好的老师,兴趣是创造的前提。 教师如果不注意调动儿童的欣赏兴趣,采用讲解、说教的方法,那么收效是微乎其微的。课堂中会出现沉闷、厌烦的课堂气氛,或者是停留在肤浅的表现层次上,那么创造意识更是无从培养。 儿童的情趣一旦调动起来,欣赏的兴趣就会大大增强,个性表现充分,迸发出创造潜能。在组织欣赏《黄河大合唱》时,一改传统的“秧田”式的课桌排放形式,将桌椅排放成黄河的“几”字形流程图,课桌在里,座椅在外,并撤掉讲台。教师可在半包围的中间引导活动,既拉近了师生间的距离,又不妨碍教师操作各种教学设备。学生一走进教室,变形的座位引起了大家的注意,他们在思索:为何要如此排座位呢?今天欣赏什么呢?教师请同学在“几”字外面的椅子上就坐。这样以来,无论是看学生还是看课桌都是“几”。上课了,老师的第一个问题就是:请大家看,今天我们的座位像那一个汉字?同学们说出了“几”字。又问:在我国的河流中,那一条河的流程图呈“几”字形?由于在初中历史中已学过关于黄河的知识,同学们很快说出是黄河的流程图。同学们很快进入了角色,很容易联想到自己是黄河里的浪花一朵,联想到自己是黄河的儿女。由此可见,要使学生积极的参与,只有教师正确树立学生主体地位,做学生的向导和引路人,给学生一个“心理自由”的氛围和自发表现的空间,才能激发学生潜在的创造力,使他成为学习的主人。

  2、开展综合活动,让学生在音乐欣赏中“动”起来。

  在音乐听赏过程中,可以让学生一边听一边作出身体反应,有节拍感、韵律感;一边听一边随音乐指挥;一边听一边模仿演奏,听到什么乐器主奏,相应地模仿某种乐器演奏姿势;一边听,一边轻声地哼唱主旋律;一边听一边用节奏乐器敲击,也可以每人用一双筷子来随乐击打,这样的效果非常独特;一边听一边用纱巾来舞动,随音乐的变化而变换动作;一边听音乐一边诗歌朗诵,也可以为诗朗诵的学生配乐;在音乐欣赏中,也可以通过一些美术活动,如要欣赏的是作曲家从绘画中引发的灵感而创作的两首乐曲。就可以引导学生欣赏完两首乐曲后,笔者给学生出示了一幅画,请同学们将这幅画用声音表现出来。要求大家以组为单位讨论后再表现出来。如此,我把图画、欣赏、语言、形体与创造、表现融为了一体, 不仅陶冶了学生情操,发展了学生的创造思维,加深了学生对作品的理解,同时也为学生人人参与,积极创造音乐提供了充裕的空间。

  四、培养学生的审美评价能力

  古往今来,在音乐作品中,总是真善美与假恶丑的相比较而存在,相斗争而发展,正因为如此,如果老师不加以好好引导,有很多学生就会美丑不会,善恶不辩,正邪不明,文野不清。在小学音乐教学中,提高学生的音乐审美评价是非常重要的审美能力的培养,在于教师要引导学生积极参与音乐的实践活动,从中感知音乐所表现的情绪,并产生心灵上的共鸣,。一部音乐作品,如果学生要有能力去评价判断它的社会价值及艺术价值,学生就必须从音乐作品的题材、内容、体裁、风格等方面分辨出什么是美和什么是丑的,因为这是衡量音乐作品的社会价值及艺术价值的基础。比如在欣赏中学生懂得了慷慨激昂催人奋进的《义勇军进行曲》,它表现中华民族人民团结一心、为建设现代化社会主义强国和实现共产主义明天而奋勇前进的磅礴气势和必胜信念,革命传统歌曲中有强烈思想性。其效果比枯燥呆板的理论说教更具有感染力和趣味性,作为培养新一代社会道德规范的渠道来研究,从中探索音乐育入的息好的途径,使学生掌握有关的知识、技能,深入地认识音乐作品的内容美、形式美、情绪美、表现美,进而提高学生的音乐鉴赏能力和评价能力。在音乐欣赏教学中,如果老师的地位“至高无上”,一味要求学生跟着老师的思维转,这样就束缚了学生的思想和创造性才能。因为我们的教学目的不仅仅是给学生知识,拓宽学生的视野,提高鉴赏能力,在欣赏过程中去探索、寻找、发现音乐的美,同时要培养学生独立分析作品、欣赏作品和评价作品的能力。音乐评论需要勇气,教师应给学生足够的勇气。让学生明白错误才是成熟的起点。这样每一位学生都敢于对作品说出看法,提出不同的意见,让他们按照自己意愿对作品进行艺术评价,把评价当作快乐的事。在教学中,我采用了中央电视台《实话实说》这个栏目的形式,首先实话实说就给学生提供了发表自己评价、感受作品的勇气,所以:在课堂上,每一小组展示表演之后,我们都要进行自我评价、他人评价和教师总结,自我评价主要是由自己小组成员进行设计理念的介绍;他人评价是由观看表演的同学们发现他们的优点以及不足;最后教师进行总结。这样既能够让学生对自己有所认识,也能够通过他人对自己的评价,以便于自己发挥自己的优点,吸取别人的优点,从而改善自己的不足,能够更好的投入到学习中去,最终有效地进入音乐审美状态,

  音乐教育以审美为核心,我们应该遵循学生年龄和情感发展的特点,应该创设情境,营造良好的音乐欣赏范围,利用多媒体进行教学,开展各种综合活动,丰富情感体验,让学生的情感在音乐欣赏中升华。

初中美术教学课程的开设对学生素质水平的提升具有积极的影响,使其审美艺术得以提升。由此可见,审美艺术在初中教学中占据关键地位,需要教师给予高度重视。需要注意的是,审美艺术和能力会伴随学生一生,属于能力素质的重要组成部分,但学生审美艺术的培养是漫长的过程,同样也要重视日常潜移默化的影响。在新课程深化改革的背景下,初中美术教学也面临着严峻的挑战,为此,在美术教育中应实现理念的转变,选择最佳的措施和方法,进而有效培养学生的审美艺术,为学生全面发展提供有力的保障。

所谓审美,具体指的就是人单纯地鉴赏或者是观看艺术作品,并且在此过程中能够感受美,获取愉悦享受。初中阶段是学生成长的重要时期,同样也是培养其审美艺术不可忽视的阶段,所以,必须要高度重视培养学生审美艺术的重要性,科学合理地采取相应措施,实现学生审美艺术以及能力的全面提升。即便人自身的审美艺术水平和能力都与天资存在紧密的联系,但也需要后天的努力以及培养。美术教育是初中教学课程的重要组成部分,对于学生审美艺术的培养产生了积极的影响。在美术教学的影响下,学生可以主动观察与鉴赏,深入挖掘并感受生活当中的美。而教师选择使用特定教学方法,还能够使学生的审美艺术水平与能力得以提升。

美术与音乐课程在提升学生艺术素养方面发挥着重要的作用,本应当受到高度重视,但是在实践过程中却严重忽视这一关键性。在这种情况下,初中教育也逐渐呈现出压抑的氛围,导致学生处于题海战术的状态,充分利用时间学习主要课程知识,而美术与音乐等课程的重要性却逐渐被忽视。这样一来,学生对美术知识的学习时间更少。即便是设置了美术课程教学,但由于教师自身素养水平不一,而且美术尚未融入到考核内容中,所以,导致教师教学态度不积极,难以潜心地研究教学的内容。初中生同样会被教师个人态度误导,不再热爱美术。长此以往,学生个人的美术水平很难提升,其审美能力难以锻炼,最终只会影响其生活的艺术性与趣味性。

初中教育在提高美术教学水平方面具有积极的影响,同时将其当作重要媒介使学生审美艺术水平得以提升。而最关键的则是美术教师与学校理念的转变,正确认知美术课程的重要作用,理解学生审美艺术水平提升的关键所在。只有这样,才能够对传统的教学方法进行改变,并且为学生提供高质量的教学。为此,美术教师应当定期地开展美术培训活动亦或是美术讲座,同时,校园内部管理工作人员需选择高专业水平的教师人才,为其提供进修的机会与平台。在此基础上,应定期组织教师与***员对相关的美术作品进行观赏,在真实事件对比的同时,切实地把握审美艺术水平对于学生产生的相关性影响,以实现思想的及时更新,确保与时俱进,和时代发展趋势相适应。

开展初中美术教学的过程中,美术教师应当对学生审美心理予以深入的了解与把握,并且充分考虑其学习的特点进行课堂教学,确保教学针对性特征更明显。由于初中阶段的学生具备一定审美能力,所以课堂教学不应过于简单。另外,初中阶段,学生正值青春期,叛逆的想法较多,也很容易形成抵触情绪,因而在实际教学的时候有必要了解学生审美心理,全面优化美术教学效果。在此基础上,初中阶段的学生,在审美对象方面主要包含了自然、艺术与社会等多项内容,可以通过事物表象看到隐藏的情感,特别是线条与颜色等等。另外,这个阶段的学生还能够正确地感知事物外在与内在美。但学生间存在一定的差异,所以,在美术爱好方面的特点也存在差异。部分学生热爱国内的民间艺术,也有很多学生热爱西方印象派。作为美术教师,在开展实践教学的过程中,充分考虑这一情况对学生进行引导,使其认知保护本土文化的重要作用。如果学生热爱传统的民间艺术,美术教师则可以让其阐述热爱原因,阐述民间艺术保护的相关看法与意见。这样一来,学生就能够形成好学意识,对民族文化形成正确的认识。初中生尚未形成成熟审美艺术体系,所以在欣赏并评价艺术作品的时候深度不到位,应由美术教师给予科学化的指导与帮助。

在课堂教学开展的过程中,兴趣同样发挥着重要的作用。而在初中美术教学过程中,要想全面提升学习的质量与效果,最关键的就是对其审美艺术进行有效的培养。所以,有必要为其营造良好且具有较强艺术氛围的环境,灵活运用多种教学方式,实施美术教学。在此过程中,美术教师可以选择多媒体方式开展教学,保证美术作品展示出来的效果更加形象。在优美音乐的影响之下,学生能够在更具艺术性的环境中学习美术知识,切实感受美术课程中的艺术性。当学生对梵高《向日葵》艺术作品欣赏的过程中,美术教师就可以用多媒体的方式向学生展示这一艺术作品,并且将温和钢琴曲当作背景音乐。随后,教师还应当针对梵高与此作品创作的状况展开详细的介绍。具体的内容如下:梵高于1888年,在法国南部的画室中创作,而《向日葵》也由此诞生。作品整体美艳华丽却同样十分和谐与细腻。这样一来,教师可以向学生讲解与此作品相关的内容,不断激发学生的学习兴趣,并且接受潜移默化的熏陶与影响,不断增强自身的审美艺术水平。

初中美术课堂教学的过程中,通过美术作品的欣赏与临摹能够使学生认知与观察能力得以增强,使其绘画观察能力有所提升。学生在临摹并欣赏作品的时候,通常将作者创作作品当作重点观察对象,但并不仅仅只是观察作品,在欣赏的时候同样考虑并分析作者创作过程中的内心情感以及时代背景,也可以充分利用计算机等多种优势条件,及时处理相关。在这种情况下,学生就可以学习到教材中所没有的内容。在对董希文《开国大典》作品学习的过程中,首先需要学生对作品作者进行深入了解,同时还应当全面把握创作作品的背景,以保证学生能够对作品作者所刻画人物的内心世界与表情等展开深入观察。作品中真实表现出了开国大典活动的壮阔场面。在讲述并欣赏这一作品以后,学生可以更全面地了解当代绘画艺术成就,对于油画所具备的民族化特点予以掌握,不断增强其民族自豪感与自信心,培养学生的爱国主义情怀,这样就可以使学生自身的美术审美艺术得以强化。

对于初中美术教学而言,学生个人创造能力十分重要。其中,创造能力需要以创造性思维作为基础,进而实现综合能力的培养,熟练地掌握相关信息内容,确保组织分类的科学化,在创新与推测的基础上,与既有信息相互结合,确保所选择的方案最理想。而为了保证成功创新,就一定要具备创新态度与思维,同样还应当具备创新的技能,这在创新性活动开展中占据关键性的地位。而创造性则是针对既有知识的一种加工与有效组织。针对初中美术教学,最主要的内容就是全面提升审美素质,实现创造性能力的全面强化。但需要注意的是,在实践教学的过程中,美术教师应当严格尊重学生的主体性地位,不会向学生强加个人意志,真正地体现出学生的个性特点,不断创新并表现出来。在此基础上,还应当定期地组织学生进行观察并写生,以保证学生能够认真地观察并分析,以创新的思维创作绘画作品,向学生传授更多且能够满足初中生需求的绘画技巧,不断强化其审美艺术水平。而美术创作对学生想象力开发以及审美艺术水平的培养方面产生了积极的影响,所以,作为美术教师应当高度重视这一问题,科学合理地选择相应的措施对学生的想象力以及创造力进行培养,使学生自身的审美艺术水平与能力有所提升,促进学生的健康发展,为其后期发展提供有力的保障。

综上所述,初中时期开设美术教学课程能够有效地培养学生审美艺术水平,在美术教育的基础上对学生进行正确引导,使其能够正确地认知社会与艺术美,以保证其审美艺术水平的提升。而在美术实践教学的过程中,美术教师必须要增强自身认知水平,通过科学合理的教学方法,为学生创设理想的艺术环境,使学生自身的审美艺术和能力不断增强。

  绘画是视觉审美的再创造,是人的思想感情充分体现的一种语言。 一幅好的绘画作品中寄载着作画人的全部情感因素,而劣质的绘画作品则不能够很好的表达画者的审美情感,所以古代就有画品的说法。

那么,画品的高低则直接取决于人的审美的健全程度与审美水平。可见,审美在绘画过程中的作用之巨大。

审美感觉贯穿于绘画的全过程,可以说没有审美就没有绘画,没有审美的绘画也许就是简单的复制过程,毫无生气可言。

视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制,而是对现实的一种创造性把握,它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。

培养学生的观察力,学习、尝试去“发现”美的事物,是非常重要的。我们忽视了通过感觉到的经验去理解事物的天赋。当具有一定的素描能力并了解一些基本概念后,有些人却忽视了艺术中最重要的东西――知觉,我们的眼睛正在退化为纯粹是量度和辨别的工具。结果,可以用形象来表达的观念就大大减少了,从所见的事物外观中发现意义的能力也丧失了。在那些一眼便看出其意义的事物面前,我们倒显得退钝了,他们天生具有的通过眼睛来理解艺术的能力沉睡了。

很多学习美术的人,特别是一些正准备考学的学生,虽然懂得“看”或称“观察”的重要性,但往往习惯于被动、麻木地在画面上机械地照搬静物或模特儿,全然没有想要去发现并且去表现“美”的欲望,更谈不上表达心灵和思想了,将绘画写生的过程变成了一种机械复制的活动,将艺术创造的过程等同于一个熟练工种的制作过程。这样的绘画过程是麻木的、没有情感的。在整个绘画过程中应发挥人的主观审美的作用,即绘画的情感性。

没有艺术感觉的作品,往往伴随着僵硬、死板,我们常常见到这样的作品:能按照正确的步骤进行,掌握一定的技法,画面也较充分、完整,然而毫无生气,缺少生命力。

美的特点往往表现在“形式”上,如数量的比例、形线的排列、色调的和谐、黑白、构图、运动、线条的节奏等,由抽象的点、线、面、体组织成画面结构,它所形成的抽象或具象的内容与形象,表现的是艺术中具有生命力的深层内涵。正是由于艺术形式的无穷变化与它所具有的魅力,使艺术家们不断地寻找适合的艺术表现语言。在选择和运用艺术表现语言时,艺术观念与审美取向自然也体现在其中,同时现代人的品鉴标准又介入了现代的审美意识。

寻找一种适合自己的绘画语言,进行艺术探索、艺术实践是重要的。对于在这方面天赋不一、起点不同的学生来说,必须通过不断地实践,才能探索出不同的表现形式来。久而久之,这种实践将引导发挥出崭新的想法和艺术概念。在考虑新的概念、表达某种意识或思相的同时,必须需要经常注意表现方法及提高绘画的美学价值。

对于一些绘画的表现形式的需要来说,体积感、重量感是决定着画面的形式、风格、内容、情调等等一系列的重要绘画表现元素。利用光影、明暗、笔触形成的肌理与质感效果,不仅表现体积和重量,更表现了作者的审美情趣。

审美格调的高低,没有一个绝对的标准,通俗地讲,正像俗语所谓“穿衣戴帽各有所好”,深究的话,却又太复杂,它涉及并且又相互影响着时代的、社会的、文化的、民族的、心理的、生理的、经济的等等人类的一切活动。

有时艺术作品宁愿“拙”一些,比“油”、比表面上的“帅”而实际空洞无物要好得多。无论是有意还是无意,艺术创作中必然存在着非常的主观因素,所反映的是人的心理。美学家宗白华先生在《美学漫步》中这样写道:“-------但也还有那在实践生活中体味万物的形象,天机活泼,深入生命节奏的核心,以自由和谐的形式,表达出人生最深的意趣,这就是美与美术------”

艺术家对视觉世界不仅具有极其敏锐的感觉,同时又具有高度的意识。这种意识既是主观的、又是客观的。当作者试图通过艺术这种方式来表达自己的思想进行艺术创作或设计时,在很大程度上基于作者对事物的一种感觉以及由此而产生的感受。这就需要去理解事物自身的特性。因此,这一过程是一种以感官通过直觉、洞察以及理解来进行的艺术创造,这一创造过程不仅受客观世界的影响,也受主观意识的限制。

对任何艺术家而言,风格与特点显然意味着强烈的主观色彩,并赋予作品重要性和特殊意义。在绘画中的多种表现手法、方式都可用来突出某些方面。突出某些成分或思想,不但能表达个人的感情,并且可以使得作者的绘画语言更为明确。一旦不断地突出某些方面,就将成为作品的特色,而作者的个人风格也就随之产生了。绘画大师们正是通过这样的突出方式发展自己的风格,并且都因为独到地突出某些方面而自成一家。比如当代画家弗洛伊德的艺术有种清晰纯净的,剔去种种杂质的艺术品格。他的笔触干净利落,楔状笔触不拖泥带水,像一束束肌肉一样有力。人物是弗洛伊德的主要表现对象。笔触显露,有时呈现出无序、粗鄙的状态。在这点上他的一些作品具有某种表现性的效果。他的用笔是强有力的,交错相叠的笔触形成浮雕般的肌理,陡增了画面的神秘意味。他非常客观地表现了对象,但同时又带有强烈的主观色彩,他用客观素描的技巧表现出的是一种主观意识,他对于人物神情敏感的观察与刻画,使人们从中感受到的不仅是形体方面的表现力,还传达出作者本人的思想。

自从20世纪60、70年代兴起于美国的照相写实主义流行以来,不少艺术家模仿摄影技术,利用摄影成果做客观逼真的描绘,试图把物体的照片影像很客观地在画面上呈现出来。这种严峻、冷漠的形象,传达出当代社会人与人之间的疏远冷漠和无人情味,造成一种异乎寻常的美学和心理效果。并且为商业广告开辟出一条新的途径。照相写实主义认为传统的写实主义是注入了作者的主观激情的,是一种主观的写实或人文的现实,不易为广大的观众所了解,而不含主观感情,用大家共同的眼睛(照相机)来观察和反映,传达的范围更普遍。照相写实主义的作品往往使人感到自然主义的味道,他们主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”,必须做到纯客观地、真实地再现现实。从某些角度看,这类艺术当然是很客观的,然而不管是精确的还是变形的,强烈的主观因素往往通过照相机的角度和所选取的题材显示出来,以便更好地突出主观意旨。这些艺术家的作品在主观和客观的艺术之间搭起了一座桥梁,因为即使是在极端的照相现实主义素描和绘画中,艺术家的个人风格也充分体现出来。

在艺术学习中,有必要了解艺术风格、艺术语言与套路的区别。套路是什么,是前人总结的经验被歪曲地运用,或某一些艺术家的个人风格被无限地复制,实际上,只要将某些规律性的东西总结出来,并“去其精华”,丢弃艺术的灵魂,进行表面的不问其所以的模仿,任何伟大的艺术都可以被变成套路。对于一个成熟的艺术家来说,一种固有的模式,也许是某种符号化的东西,往往可以使人很容易辩认作者的风格,是区别于其他艺术家的极好方式。但如果所有人都按照这一模子去表现对象,那么,这一表现形式就失去了它原本的意义,被抛弃的、丢失的则是艺术的本质。

因此,在绘画中注入审美情感,可以充分提升绘画的品味和质量,而且对学生艺术感觉和技能训练有至关重要的意义,切不可忽视艺术的审美情感。

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