乐美公主第一次看到勇气蒙克是第几集

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表现主义画派2007-08-10 19:37心灵之火的闪烁——表现主义画派

表现主义（Exprisseonism）一词，是德国艺术评论家威廉沃林格（WillemWorringer）在其发表于1911年8月号《狂飚》杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”（DieBrucke）、“青骑士派”（DerBlaueReiter）和“新客观派”（DieNeueSachlichkeit）。

桥社1905年成立于德累斯顿，1913年解体。其成员有基希纳、黑克尔、施密特一罗特卢夫、布莱尔、佩希斯泰因和诺尔德等。“桥社”一词是由施密特一罗特卢夫从尼采的名著《查拉斯图拉斯如是说》中引用而来。作为一个旨在开辟艺术与生活新途径的艺术社团的名称，其含义是，“联结一切革命和活跃的成分，通向未来。”1905年，桥社发表宣言称：“凡觉得必须表现内心的信念，并是自发而真正诚意的表现者，都是我们中的一员。”1907年，桥社致函诺尔德说：“桥社宗旨之一就如它的名称所意指的——是容纳现在孕育中的一切革命因素。”对桥社艺术家影响最大的，是挪威画家蒙克那充满强烈悲剧情感的画作。桥社画家对于社会问题极为关注，其作品强烈地反映了当代生活极端平淡及令人不安与绝望的一面，体现出“北方艺术的焦虑”。“该派画家均具有病态的敏感与不安，被宗教的、性的、政治和精神的烦扰所折磨。”虽然桥派画家曾受到法国野兽派画家的影响，然而其作品风格却显然与野兽派画风迥异。野兽派即使是最狂放的作品，也总是保持构图的和谐、色彩的装饰性与抒情性，而桥派画家则早把这一切抛到九霄云外。在他们作品中，扭曲的造型与浓烈的色彩，体现了某种朦胧的创造冲动以及对既有绘画秩序的反感。基希纳曾在1913年写道：“我们相信，所有的色彩皆直接或间接地重现纯粹的创造冲动。”因而，桥派绘画往往呈现出一种粗犷及狂风骤雨般的气势，这是较古典的法国气质所没有的。

青骑士社，得名于康定斯基1903年所作的一幅画的标题，1911年从慕尼黑新艺术家协会分离出来。其成员有俄国人康定斯基、雅夫伦斯基、德国人马尔克、麦克、闵特尔以及瑞士人克利等。青骑士社画家总的来说并不关注于对当代生活困境的表现，他们所关注的是表现自然现象背后的精神世界，以及艺术的形式问题。在宣告该派成立的画展目录上，写着下面这句代表该派宗旨的简单声明：“我们要确认一种固定的形式；目的是在再现的形式的多变中表明艺术家如何以各种各样的方法表现其内在的灵感。”奥古斯特麦克也这样写道：“艺术的目的不是科学地仿造和检查自然形态中的有机因素，而是通过恰如其分的象征创造一种缩略的形式。”

新客观派出现于1923年。严格说来，它不是一个画派的名称，而是一个展览会的名称。该名称是由德国曼汗艺术馆馆长哈特劳伯（C、F、Hartlaub）提出；他在1923年所策划组织的那个新现实主义画展，便被冠以“新客观派，表现主义以来的德国绘画”的标题。参加展览的这批画家主要有格罗斯、迪克斯和贝克曼等。这是一群不满于现实的艺术家。他们大多出生于1890年前后，青年时代正逢第一次世界大战和战后德国的政治动荡时期，因此，他们不象其表现主义前辈那样只关心形式与精神的问题，而是热衷于用艺术表现他们所处的现实，揭示社会的腐朽和阴暗。佩希斯泰因以下一段陈述，清楚表达了新客观派画家的思想：“我们画家和诗人必须在神圣的团结中与穷苦大众保持密切联系。我们许多人懂得饥饿的痛苦和羞辱。我们觉得在一个无产阶级社会中更加安心。我们不想依靠资产阶段收藏家的怪念头……我们必须是真正的社会主义者，必须激起最高尚的社会主义美德——四海之内皆兄弟。”新客观派画家曾受桥社和青骑士社画家影响。不过，他们并不极端地分解和歪曲客观现实，而往往关注于对细节的真实描绘，同时，他们也把抽象的绘画语言，运用于对客观现实的真实揭示之中。

挪威画家爱德华蒙克（EdvardMunch，1863—1944），堪称二十世纪表现主义艺术的先驱。他出生于挪威洛顿。童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下不可磨灭的印记。这使他早年画下了许多以疾病与死亡为主题的作品。他曾在克里斯蒂安尼（今奥斯陆）工艺美术学校学习，1885年第一次旅法，学习印象派的画风，后又受到高更、劳特累克及“新艺术运动”的影响，导致了其画风的重大变革。1892年他应邀参加柏林艺术家协会的展览，由于形象怪异，其作品在德国引起激烈反响，画展只开了一周即关闭了。为此，以利伯曼为首的自由派退出艺术家协会，成立了柏林分离派。这一行动使蒙克大受鼓舞，从此在德国定居下来，直到1908年。这16年是蒙克艺术发展的重要阶段，也是其艺术臻于成熟的时期。他在忧郁、惊恐的精神控制下，以扭曲的线型图式表现他眼中的悲惨人生。他的绘画，对于德国表现主义艺术产生了决定性的影响，他成了“桥派”画家的精神领袖。评论家指出：“蒙克体现了表现主义的本质，并在表现主义被命名之前就彻底实践了它。”

1890年，他开始着手创作他一生中最重要的系列作品“生命组画”。这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来：

“一天晚上我沿着小路漫步——路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望——太阳正落山——云被染得红红的，象血一样。我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间；我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画——画了那些象真的血一样的云。——那些色彩在尖叫——这就是‘生命组画’中的这幅《呐喊》。”

在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。画面中央的形象使人毛骨悚然。他似乎正从我们身边走过，将要转向那伸向远处的栏杆。他捂着耳朵，几乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔；否则，那紧紧缠绕他的整个孤独，或许能稍稍地得以削减。这一完全与现实隔离了的孤独者，似已被他自己内心深处极度的恐惧彻底征服。这一形象被高度地夸张了，那变形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫画式的。那圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。这简直就是一个尖叫的鬼魂。“只能是疯子画的”，蒙克在该画的草图上曾这样写道。

在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。

画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法，或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。

1890年以后，蒙克全身心地投入其大型的“生命组画”的创作中去。他把这一组画称为“一首关于生命、爱情和死亡的诗歌。”而作于1899—1900年的油画《生命之舞》，可谓这套大型组画中的核心之作。“生命组画”中的一系列作品，以及相关的一批版画作品，可以自由地互相联系起来，而没有明确的叙事次序。可以说，它们都朝着这幅《生命之舞》中央那一对寓意性的拥抱慢舞的恋人形象而汇聚。它们同时也涉及年轻与单纯、衰老与忧愁的主题，另外，除了“跳舞”，还涉及了生与死、贪欲与繁殖，以及忧郁、忌妒的主题。因而，“生命组画”成了一部揭示现代人心理状态和生存状态的画卷。

在《生命之舞》这幅油画中，画家描绘了一群在河岸边草地上醉然起舞的人们。三位女性形象在画面上占据主要位置。她们分别象征着女性生涯的三个不同阶段。左侧穿白裙的那个是一位处女，红润的面颊泛着微笑，就象她面前那枝盛开着的花儿。其长裙的白色象征着少女的纯洁。而与其呈对比的，是右侧的妇人形象。她双手交叠，面露忧郁神色，显得十分孤独。她的深色长裙，象征着其内心的暗淡与哀伤。这两个女性形象，都面朝画面中央的那对沉醉在舞乐中的男女。他们漫无目的、旁若无人地迈着舞步，那女子卷曲的秀发和长裙，将其男伴缠绕。而男子的黑色衣服，则将女子的红色衣裙衬托得更加夺目，使她看起来显得异常妖娆和充满诱惑。那衣裙的红色，在这里象征了人生短暂的喜悦。背景中，两对放荡的跳舞者，象征着那种更为卑贱的生活。悬挂在空中的一轮圆月（或许是太阳），在水面映出其长长的、宽宽的倒影，象鬼魂的眼睛。这也是男性的象征。这一母题在蒙克的其他作品中更清楚地显示了其象征的含意。

在这组女性三部曲中，明确的含义通过象征性的意象和色彩而得到强化。主题、形式以及象征内涵，在这里协调统一，预示了女性从少女的天真无邪，到成熟期的春风得意，再到逝去青春后的理想破灭的人生之路。

比利时画家思索尔（JamsEnsor，1860—1949）通常被归人早期表现主义画家之列。他继承了北欧浪漫主义绘画传统，在尼德兰艺术全盛时期的画家博希和布鲁盖尔艺术中，汲取辛辣讽刺的成分。他将那种从象征派及印象派那里学来的方法，与他特有的题材相结合，从而形成了其独特的，以怪诞和恐怖为特征的表现主义风格。思索尔出生于比利时奥斯顿德。父亲是英国人，母亲有佛兰德斯血统。除了在布鲁塞尔求学外，他一生从未离开过奥斯顿德。他在绘画上，贯于描绘人间喜剧或人间悲剧，描绘狂欢节场面及带面具者、丑角等。其画中人物神情僵硬而形容枯槁，形象怪诞、慑人。他以辛辣笔调，将人类卑下的本性刻画得入木三分。他那奇异超然的画风，在表现主义绘画中独树一帜。

思索尔最著名的作品，是他1888年所作的《1889年基督降临布鲁塞尔》。画中描绘的是以基督为中心的庞大的比利时集市和盛大的狂欢节行列。全画场面宏大，构图纷乱，色彩艳丽。在生涩的红绿黄的色彩中，我们看见嘈杂的人群、快乐的面孑L以及在风中飘荡的小旗。中后景上，头顶神光的基督骑着一头瘦驴，正举手向人群致意。在他的面前是一队头戴圆顶高帽的乐手，正吹着喇叭、敲着洋鼓，看上去虽显得虔诚庄重，然而那苍白的面孔、僵硬的姿态及麻木的表情，却恰好暴露了其内心的冷漠。前景的中央，那个肥胖的红鼻子红衣主教，显然是这一狂欢行列的指挥者，他仰天纵情大笑，似乎为自己成功导演了这出狂欢闹剧而洋洋得意。画面上满是离奇荒诞的形象，有的口若血盆，有的形同魔怪。画家以其特有的夸张及辛辣讽刺手法，将其奔放不羁的神奇幻想注入到这一宗教主题。而事实上，他在此所展现的，是一幅活灵活现的人间众生百态图。对于妄想狂的思索尔来说，他所置身的那个社会，是虚假和不真实的，是“恶魔的狂欢节”，而社会的芸芸众生，则全然是一批充满威胁性的可怕的假面。这是一幅既滑稽可笑又宏伟壮丽的作品。画家以柔美抒情的笔调，使灰白的光亮从耀眼的淡黄及朱红色彩的间隙中透出，使全画具有迷人的魅力。画中的色彩虽然不够协调，却别有一番浓度、光辉和雅致，显示出尼德兰民间绘画的特点。由于此画内容怪诞，1888年它曾被激进的“二十人画会”的联展所拒绝，画家本人也因此被该画会开除会籍。

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不是。

表现主义（Expressionism），现代重要艺术流派之一。20世纪初流行于德国、法国、奥地利、北欧和俄罗斯的文学艺术流派。

1901年法国画家朱利安·奥古斯特·埃尔韦为表明自己绘画有别于印象派而首次使用此词。后德国画家也在章法、技巧、线条、色彩等诸多方面进行了大胆地“创新”，逐渐形成了派别。后来发展到音乐、**、建筑、诗歌、小说、戏剧等领域。

表现主义是艺术家通过作品着重表现内心的情感，而忽视对描写对象形式的摹写，因此往往表现为对现实扭曲和抽象化的这个做法尤其用来表达恐惧的情感，因此，主题欢快的表现主义作品很少见。从这个定义上来说马蒂斯·格吕内瓦尔德与格雷考的作品也可以说是表现主义的，但是一般来说表现主义仅限于20世纪的作品。

蒙克想表达的是《活生生的人们的呼吸丶感觉丶苦难及彼此相爱的心情》。 于是，《呐喊》丶《桥上的少女》和《生命之舞》等一系列作品的诞生。

《桥上的少女》这幅画画的是几个站在河桥上的女孩子，画面给人的感觉与其说是宁静还不如说是沉默的压抑。桥下无言的河水丶沉默深蓝色的天空丶远处的村舍丶通向乡间的崎岖的小路以及奇形怪状枝叶浓密的大树

桥象征了什么？这是个人内心情感的宣泄可以说是一种潜意识的层面

本该活泼的青春女孩为何如此沉默地望着远方？或是在议论？与房子融为一体扭曲的人性化的树；那条通向远方的路转动着好像钻到了人们的心里；一种不安的忧郁；平静的村庄下似乎有什么在画面之外暗地颤动着？

少女是在等待着什么吗？或是在议论着什么吗？

蒙克的画是没有一个唯一的答案的，他总是用一种极富有创意的颜料和诗意的笔法表达一份也许只有作者本身才能真正理解的情感。

艺术作品往往有深刻的寓意，不同的艺术作品表现形式也不一样。艺术作品有直观的，也有抽象的，有高雅的，也有雅俗共赏的，给人的冲击感也不一样。以美术作品为例，在一幅大师级山水画鉴赏完艺术作品面前：一是多角度欣赏作品，对作品的题材、艺术语言、艺术要素、艺术手法、艺术特点等进行系统讲解，使逐步加深对美术形象的认识和体会。

深入理解作品的思想内涵，引导学生用唯物主义的观点看问题，在欣赏的过程中培养对自然美、社会美和艺术美的审美感受，激发热爱自然、热爱生活、热爱祖国的思想情感。比如，在鉴赏《写意中国画》：“中国山水画以写意为主，主要表现千岩壑、层峦叠峰、万里山河，山水画中凝聚着丰富的智慧和感情，体现了中国人崇高的审美理想。中国人把描绘大自然的作品称为‘山水画’，而不像西方人那样叫‘风景画’，还是有其独特含义的。在我们中国，‘河山’‘江山’‘山河’是‘祖国’的同义词，因此，山水画也可以说是爱国主义精神在中国艺术中的反映……”。如宋代李唐的《采薇图》、元代王冕的《墨梅图》、明代陈洪授的描绘屈原的《九歌图》以及《文姬归汉图》《李白行吟图》《苏武牧羊图》、郑思肖的《兰花》等等。欣赏这些含义深刻的作品，能够加深对艺术作品的认识与理解，提高艺术修养，达到爱国主义教育的目的。

　　密切联系生活，塑造崇高人格

　　鉴赏艺术作品，即审美教育的影响是潜移默化的。例如：高中生求知欲强，有进取心，也有较强的逆反心理。他们不喜欢接受纯抽象的理论教育或某种带有强迫性的说教。因此，在欣赏作品时应紧密联系学生的生活实际和情感体验，塑造学生崇高的人格。例如，在欣赏蒙克的《呐喊》时，为了引起学生的学习兴趣，可以先创设教学情境，介绍蒙克创作时的社会背景以及个人的生活遭遇和内心情感，然后联系现实生活中有的学生因为家庭困难或变故而出现精神压抑、内心苦闷、不求上进等问题，引导学生要敢于面对现实，揭开疑惑，以积极的心态向人生挑战。再如，学习达芬奇的艺术成就时，先讲述他为人类艺术做出的杰出贡献，再鼓励学生在学习生活中也要像达芬奇那样勤奋刻苦，具有敢于探索的精神。

　美术作品是一种直观形象的视觉艺术，它鲜明生动的造型、富有情趣的色彩和直观感人的艺术特征。中国画主要是表现人的品格，以写神、写性、写心为目的，画家经常选择梅、兰、竹、菊这四类题材，借以抒发自己的情怀。梅花冷傲高洁，兰花清新淡雅，竹子高风亮节，菊花傲骨晚香，既然有如此品德，将梅兰竹菊称之为“四君子”自然恰如其分。中国画中表现兰竹之高洁、梅菊之傲霜雪，目的是借花喻人，喻指人应像竹一般高风亮节，像兰一般德才兼备，其思想内涵和审美价值远远超过了花鸟画的自然形象本身。教师可以通过讲解中国画，提升精神境界，塑造崇高的人格。

名画《呐喊》的作者是谁？的故事背景是什么？感兴趣的读者可以关注校易搜。

说到名画《哭》，确实很多人知道，但这也不是问题，因为知道了，今天一定又知道了。不知道的，一定要多学。最近也有很多网友说，名画《呐喊》是谁的作品？事实上，它看起来很可怕。有什么故事？大家一起来分析一下吧！

名画《呐喊》的作者是爱德华蒙克。爱德华蒙克是一位挪威画家，他在1893年创作了《呐喊》。有四个版本，分别是：第一个版本创作于1893年，作品为蛋清木刻画；第二幅画创作于1893年，是一幅彩色蜡木板画。第三版创作于1895年，是一幅蜡笔木画。第四个版本是蛋清木油画。

名画欣赏《呐喊》

一波一波的红云，旋转的海湾，挤压变形的头颅，把人推向恐惧的深渊，发出震撼宇宙的尖叫和哭喊。

蒙克的代表作《呐喊》完成于1893年，举世闻名。蒙克本人对这件作品有一段描述：“我和两个朋友去散步。夕阳西下，天空突然变红，一阵悲伤涌上心头。我只是站在栏杆边。深蓝海湾和城市在血与火之间。朋友一个个前进。一个人站在那里，突然感到难以形容的恐惧和颤抖。我觉得仿佛有一声来自大自然的呼喊震撼了整个宇宙所以我画了这幅画，画出了像真血一样的云，让色彩咆哮。”

蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样，都是通过自己的经历来绘制的。他不是为了艺术而作品，而是表达了他的忧郁和不安。这是他创作的动力。蒙克正是通过他的创作，打开了自己幽闭恐惧的情感通道，不自觉地表现出自己无意识的情感，从而释放出内心产生的巨大精神能量。就像弗洛伊德认为梦可以在一定程度上缓解紧张情绪一样，通过艺术来表达情感可以让他达到一种更平和的状态。如果不是通过大量的创作来表达自己，他可能早在姐姐那个时代就崩溃了。

1889年父亲去世后，和尚的精神更加躁动不安，性格变得忧郁、孤僻、孤独、绝望、死气沉沉，深深困扰着小和尚，迫使他不得不表白。他想呼喊，他想画出活着的人，他们的呼吸、感情和痛苦。在此期间，他画了他最重要的作品《呐喊》。这张照片显示了一个像婴儿一样的小人张着嘴从桥上跑出来。远景是海湾和日落。天空像滚滚的血红色波浪，让人颤抖恐惧，仿佛整个大自然都在流血。

挪威僧侣纸上的尖叫粉笔，奥斯陆国家艺术收藏，91x735

基于现实生活，依靠个人的家庭经历和朋友的经历，僧侣们选择用象征和隐喻的方式来揭示人们的“世纪末”。以及焦虑和恐惧，这幅《呐喊》是这组画中最著名的代表作。

由于蒙克笔下的人物都承担着表达特定心理状态的使命，就像《尖叫》一样，他塑造的男女形象并不现实，而是具有一定的象征意义，隐含着人类共同的生理状态和情绪，如生、死、爱、焦虑、抑郁、犹豫、自负等。

从表现手法来看，《呐喊》是典型的表现主义风格。屏幕上红色和黑色的强烈对比让人头晕目眩。扭曲的形状也被充分利用。云的形状不是普通的块状，而是波状的流水。这幅画中的人物完全改变了他们的形状。他们是骷髅、尸体和鬼魂。正是通过这些夸张的变形和强烈炫目的色彩对比，使人物想要表达的情感得以完美呈现，从而达到艺术家的创作目的。

在这幅画中，蒙克使用的颜色在某种程度上与自然有关。虽然蓝色的水，棕色的土地，绿色的树和红色的天空被夸大了，但它们并没有失去其颜色的近似真实性。整幅画的色彩灰暗：浓浓的血红色悬浮在地平线上，给人一种不祥的预感。它与海洋黑暗部分的紫色相冲突。随着向远处延伸，这种紫色越来越暗。同样的紫色反复出现在孤独者的衣服上。然而，他的手和头仍然是苍白的和浅棕色的灰色。

这幅画中没有什么不是充满了动荡。天空扭曲的曲线和水流与桥的刚性对角线形成鲜明对比。整部作品在动态旋转中充满了粗犷而强烈的节奏感。所有的形式元素似乎都在传达那种刺耳的尖叫。这里的画家可以说是用视觉符号来传达听觉，把痛苦的尖叫变成可见的振动。这种声波表达的方法可能与梵高的代表作《尖叫》中力和能量的可视化有关。蒙克来到这里，将尖叫带来的极度内心焦虑转化为令人信服的抽象形象。就这样，他几乎把银幕上的情感表达推向了极致。

画中的画像岩浆，四处狂流。画布上，画笔跟不上颜料，不知该往哪里跑，还是寻求庇护。天空满是红色，看起来很沉重。接下来的一幕，似乎天空就要被一拳打下来，像一个大黏糊糊的物质。它不再只是一片天空。

我们不能听，我们不能听正在发生的事情。我们必须尖叫，直到天空停止，直到它不再威胁我们。我们必须停止我们的耳朵和喊叫，直到我们变聋，这样一切都可以消失。直到这一切只是一场噩梦。

这座桥的橙色扶手看起来像一把锋利的剑，切割着画面。又有一天，我们可能会想：有了这条漂亮的扶手直线，我们就可以一直走到地平线了。这是一条安静的小路，风景平淡无奇，向远方延伸，宁静而辽阔。我们对这条路了如指掌。

今天，这座桥没有尽头。我们不记得它是从哪里开始的，也不记得我们是什么时候来到这里的。如果我想找到回去的路，我应该走哪个方向？你为什么在这里？以前一切都变了。我们要去哪里？

我们必须在景色完全变得面目全非之前离开。但是地面正在迅速塌陷。刷子上涂有软漆，像肥皂一样光滑。黄线和红线想要笨拙地在表面上画出它们所能画出的一切。木板，还是反光？在桥的上方，蓝色是如此强烈，以至于破坏了所有的距离感。视角降得那么低，离我们那么近，会变成一堵墙。恐惧冻住了我们的腿，这幅画也是。

他双手抱着头，振作精神。他把脸贴在画布上，就好像它在一个玻璃盘子上。这幅画就像一扇关闭的窗户，再也无法打开。没有人在听。一个人的身体就像风中的一片草叶，来回摇摆。颜色不能稳定他。一根棕色的线轻轻地舔着他，但是没有用。他的身体没有固定的形状。

我们很想找一些合理的理由，一些可以接受的借口，来解释发生的事情。一场自然灾难，一些浪漫主义画家喜欢描述的灾难：海难或其他灾难，迫使人们面对自然的力量。红色的晚霞足以让英雄们看着混乱的世界，投去关切的一瞥，这也是为了更宏伟的目标。这些运动的不确定结果不能贬低它们的伟大，但它们告诉我们，令人不安的图像吸引我们的程度不亚于它们的展示和承诺。

红色的天空没有热量。醒目的橘子触地成冰，在任何看得见的地方撕裂地平线。

站在这里的人很快就会迷失自我。让画面紧张的风把一切都吹走了，让人很难认出他。我们不能和他打招呼，和他说话，接近他或者触摸他。简而言之，他不再孤单。他什么都不是。剩下的五官很难形成面具。他看起来像一具尸体，满嘴都是油漆和泥土。他的眼睛被擦过或粘过。他比隐形更糟糕：他在这里已经拿走了他所有的存在感。

如果他用双手把脸颊压得更紧，绿头可能会完全消失，就像制作陶器用的黏土一样，改变形状。这个位置相当于致命一击。那时候，他留下的只是一堆紧紧包裹着的没有生命的东西，就像一些可怜的雕塑家的作品。这个人是个囚犯。世界吸收了他，消化了他，然后又把他吐出来。

他所看到的无法用语言表达。别人听不到他的声音，从他贫瘠的外表和沼泽般的空虚就能看出来。蒙克的作品力求简洁，很少使用元素，只保留一些造型。这些造型充满了流动性，让观众很难找到凝固的感觉。这就是蒙克选择他们的原因。现实像潮水一样退去。剩下的只是焦虑，双手之间的空虚。

我不清楚呐喊是不是有好多幅，我只能说我在教材上看到的是**的那张。

在其他文献上，我见过有这样一段介绍，大概意思说的是当作者在傍晚时候走到了桥头，猛然回头，想找他的朋友，却发现了他的朋友消失在夜色中，向桥上望去，发现天空布满红色的火烧云，就象在滴血一样，黑暗笼罩在自己的周围，他非常的害怕，忽然有一种想喊的欲望，想把自己的恐惧喊出来。这就是蒙克创作这张画的背景。

兰色那张我刚刚看过了，我可以肯定的告诉你那不是蒙克的：因为表现的手法过于简单，你仔细观察一下地板和栏杆的处理方法，再观察天上的云和人物呆板的表情；而且气氛不对，蓝色的应用给人感觉非常的冷静，没有那种紧张的气氛，最起码应该用红，**或者其他暖色来表现火烧云；更主要的是，从情感来说，蓝色的那张对情感的控制和表现要比**的那张低了很大很大一个档次，说句不谦虚的话，同样题材的作品，不才对情感的表现应该是在他之上的。

所以我坚信，蓝色那张是一个学生临摹的，可惜不光是内涵，就连形式模仿的也相去甚远。