钢琴 情感

想要奏出感人的曲子最重要的是先感动自己吧,就是情不自禁各种音调要做到恰到好处首先要技术过关基础的东西;情感的注入是在这之上的升华,当你的技术炉火纯青时就不能停留在这个层次了要追求对音乐更深的理解;可以了解下曲作者的生平经历,把自己当作他,想像你成为他后经历他所经历的快乐,苦痛一切情感

忘记你是在弹曲子,而是有无尽的话语要通过钢琴表达出来,当作是一种语言的交流好比你去到哪个国家要说哪国语一样是自然而然的水到渠成的事一定要放松,让身体达到最自然的状态,感受每一个音符带给你的情感,音符和你在交流,你通过音符音调同听众交流,不用一言一语别人就能和你有同样的感受,这就是所谓的共鸣

演奏一首曲子时,你就像个导游,听众就是你的队员,想像一下你要做什么:各位前面就是某某著名景观,然后带着队员游玩,要尽兴,怎样才能让每个人都开心全靠导游的个人魅力了;同样的道理,曲子就是你手中的小旗,你要让所有人都沉浸于你的曲中,要怎样做这就考验你了

真正投入其中的感觉大概像灵魂从头盖骨出来随着曲子共舞,曲罢再回到躯壳里的过程吧!

　　钢琴演奏的心理声学是研究声音和它引起的听觉及其心理现象之间的关系的一门边缘学科。它既是声学的一个分支，也是心理物理学的一个分支。心理声学在钢琴演奏中的运用，不仅关系到演奏者如何从整体上把握演奏的心态及其定势，而且有助于把钢琴演奏作为一门学科进行思考。本文力求对钢琴演奏中出现的心理声学问题作客观的分析，阐述演奏的音乐行为及法则，并对演奏的音乐行为给予描述和解释。

　　音乐与物理现象，人类社会及精神世界的关系是一种内在的、本质的联系。钢琴音乐表现的媒介是声音世界。钢琴是单一音色的乐器，它的每一音各具自己固定的发声体。钢琴声源响出的条件是决定于各音的琴弦、附加在各琴弦前的琴键、以及琴梭的运动方式，而触键的情况则决定了琴运动的速度，触键的力度是钢琴音色变化的最基本缘由。

　　音乐原初的动力矢量——声音是具体化的力。每位钢琴演奏者都以自己独特的感情体验，把握着乐音的式样之间的许多不同类型的关系，选择有音乐潜在性的声音类型，迎接着演奏音乐，而音乐在每个演奏者的感情世界中所激起的回响也迥然各异。音乐对于每个演奏者可能意味着完全不同的心弦和音。演奏者所感觉的就是发出来的声音本身，而这个声音就是演奏者弹奏动作经过钢琴而发出来的。听声音与发出声音是一种循环反应，愈是用心听，愈能发出心里的声音．对乐音获得或宏或细或粗或精的不同感知层次。在钢琴演奏上，声音的准备并不只是身体上的，而是要演奏者如何去聆听、感觉和思考，倘若只用情绪牵引演奏者去感觉声音是不够的，还要知道如何在身体上去准备声音，在心理上去准备声音。任何一个演奏者都必须具有对声音“准备”有相当水准的能力，同时也能够在不同的地点、不同的钢琴上调整自己所需要达到的要求。

　　有关节奏的分句的一切因素最终都由速度来控制和调整。速度的含义有两个，其一，某一作品所要求的速度；其二，演奏者处理这一速度的方式。在音型雷同的连续演奏中，最基本的一条就是既不能快得含糊不清又不能慢得冗长单调，而且必须始终保持均匀、平稳的脉动，除非出于表情上的需要而不得不中断这一连续的脉动或者加以变化。

　　速度是一个相对因素

　　不可否认，某个作品的初始速度不是绝对固定的。正如两个朗诵者以不同的速度来朗诵同一首诗，都可以很精彩一样。两位钢琴家尽管采用不同的速度，也可以把同一首乐曲表现得非常出色。因此，演奏家要判别正确的演奏速度，只须自问一下，这一速度是否体现作曲家的精神和创作意图。正因如此，演奏家对于即使是由作曲家亲自标注的节拍机标记，也往往可以采取相当自由的态度。 有时也会出现对我们有利的情况：一首作品被标上两个节拍标记，一个代表最快的极限，另一个代表最慢的极限。

　　学生为了达到节拍标记上的速度要求，常常试图用超过自己能力的极快的速度来演奏，结果导致层出不穷的错音和技术上的失误。请记住克里斯蒂安的忠告：“用很强的力芳和很快的速度弹奏大量的音符，远不如清晰地弹出每个音符并且体现作品的精神来得困难。”因此，最好不要去迁就那些麻烦的节拍标记，而把你的速度严格地限制在力所能及的范围内。

　　因此，一首乐曲的总的情绪——生动的、安宁的或者忧郁的——是我们首先需要考虑的问题。事实上，大多数下速度有关的意大利术语，往往更多地含有表情上的意义，而较少指速度。比如“行板”（andante）并不含有“慢”的意思，而是指“向前走”；“快板”（allegro）也不意味着“快”，而是指愉快或欢乐的情绪。生动活泼和明亮辉煌的效果绝不可能仅仅依靠速度来取得，如果那样的话，那么最雄辩的布道者就应当是那些说话最快的人了。正是精确而有控制的节奏、清晰而恰当的重音才能显示健康的律动。它们甚至在慢速乐曲中都会带来充沛的生命力。

　　速度的变化

　　然而，基本节奏的稳定绝不意味着速度的刻板。正如雅典神庙建筑中那些貌似笔直的线条其实无不具有微小的弯曲度。同样地，表面上固定的节奏，在艺术家的手指下保持一种奥妙的灵活性，能够使其具有人情味，而减少呆板的情绪。

　　这种灵活性我们在上文关于延音重音（agogic accent）的讨论中已提示过。尽管延音重音在每个第一拍上稍稍延长，可是由于这一效果一再不断地重现，所以并不破坏规则的节奏脉动。在演奏以节奏因素为主的作品时，钢琴家主注意力要放在节奏律动上，尽量避免其它不规则的因素的影响。只有当要模仿歌唱家的抒情或戏剧性表情时，才允许更自由地表现。

　　因此，在一些强调结构规整的作品如：巴赫的对位作品和海顿、莫扎特与贝多芬早期的奏鸣曲中，要严格遵守速度要求，如果不遵守，就会一团糟。但是我们也可以从上述几位大师的杰作中选出一些显然已预示浪漫主义风格的作品，比如巴赫的《半音阶幻想曲和赋格》。

　　一般说来，结尾处的速度变化不论在古典还是现代音乐中都是被许可的。比如在巴赫的时代，往往通过最后的终止式的渐慢来加强作品结尾的庄严。不过，在技术辉煌的乐曲中，最后的渐强总是由相应的速度渐快来渲染效果——见贝多芬的《奏鸣曲》(op13)及莫什科夫斯基的《芭蕾旋律》(op36,no5)。反之，速度渐慢则加强了结尾处渐弱的安宁气氛，如格里格的《摇篮曲》结束处。

　　毫无疑问，演奏抒情性乐段，特别是贝多芬的慢板乐章时，应当有一定的感情表现上的自由度。但是“在演奏气势庞大的作品，也就是结构边贯的大型作品，如贝多芬的奏鸣曲时，我们往往必须克制自己给每个细节以过多的丰富变化的欲望，以免忽略乐曲大的轮廓、总的情绪和布局上的气势。”[马泰伊（mattay）：《音乐解释》]所以，在从巴赫以前的时代直至今天的所有音乐大师的作品中，感情表现的意义终究在于对速度范围的控制——不要顾虑那些所谓的“古典主义者”的异议，他们在演奏前人的作品时，很可能把音乐的灵感和精神统统掩埋了！就连门德尔松这位向来在演奏速度上一丝不苟的钢琴家，在被他本人《无词歌》的情绪所感染时，也禁不住放松了自己的原则。的确，在一阵自由的幻想中，他竟然用不断地渐快来处理作品35号第1首中那严肃的赋格！

在游戏中如何演奏出有情感的钢琴曲目？

在游戏中如何演奏出有情感的钢琴曲目？

钢琴曲作为一种相对简单、优美动人的音乐类型，逐渐成为游戏音乐中的重要代表。它能够通过简单的旋律和音调传递出强烈的情感，不仅能够为游戏增加丰富的音乐元素，还能激发玩家更多的情感共鸣。但是，要演奏出一首有情感的钢琴曲目，并不是一件简单的事情。本文将介绍一些常用的方法和技巧，帮助你在游戏中演奏出动人的钢琴曲。

第一步：了解曲调和情感

在演奏钢琴曲之前，首先需要了解曲调和曲目所代表的情感。对于游戏曲目来说，往往有着较为明确的情感表达，例如《最终幻想》中的主题曲——《ThePrelude》是一首意味着“旅程开始”的钢琴曲，其旋律诉说着冒险者踏上了一段新的旅程。因此，在演奏这样的曲目时我们需要注重情感的表达，思考曲调中每个音符、每个节奏的意义和情感。

第二步：形成个人表现风格

演奏钢琴曲除了要注意曲调和情感的表现，还需要在表演和演奏技巧上有一定的“功底”。这就需要我们从平时的练习和融合自己的音乐特点来培养出属于个人的演奏风格。例如，可以尝试使用别出心裁的艺术性演奏技巧，通过自己的“打击”力度和节奏感来强化曲调和情感表达，提升演奏的感染力。

第三步：演练和调整

对于任何钢琴曲目，演练是必不可少的。在游戏曲目的演练过程中，可以多进行经验交流、与其他玩家上传自己的演奏视频来强化自己的演奏技能，并根据自己和他人的演奏反馈来进行调整。此外，在演奏过程中多做反思，记录下自己的总结和想法，来不断改进和提高自己的表现水平。

总而言之，在演奏钢琴曲时，要注重情感和技巧的表达，融合个人风格和特点，多与他人交流和经验分享，不断调整和提高自己的表现水平。只有做到这些，才能真正演奏出有情感的钢琴曲目，在游戏玩家中获得更多的共鸣和赞赏。