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小区附近新开了一家少儿美术培训机构，开业的时候在门前准备了长长的画布和各种颜色的画笔，邀请附近居住的小朋友在画纸上随便画，很多孩子都去玩了，小脑袋挤在一起，在画纸上尽情创作，玩到高兴处，好多孩子将手指上沾满了颜料，画起了手指画。

孩子们玩的不亦乐乎，家长在旁边就充当起了评委，看看这家宝宝画的好不好，看看那家宝宝画得像不像，其中一位妈妈却较了真，一再的纠正自己孩子的画，“宝宝你画的是什么啊，一点都不像，妈妈教你好不好！小鸭子应当这样画。”孩子却不领情，还因为妈妈的干扰生起了气，将画笔狠狠的丢在了一边。

大多数人在孩童时期都喜欢乱涂乱画，开始是弯弯曲曲的线条，然后画密密麻麻的圆圈，然后画各种变了形的物体。

很多家长看到孩子画画时一心一意、旁若无人的场面时即欣喜又苦恼，欣喜的是：觉得自家孩子有绘画的天赋和兴趣；苦恼的是:即使将孩子送去美术培训学校，孩子依然画的很奇怪，很难看出来孩子到底画的是什么。

如果父母忍不住纠正了孩子，要么孩子不听，依然我行我素，要么就是再也不想画了。

其实孩子的这些绘画特点是由孩子的年龄阶段决定的。

孩子在5岁前的绘画都属于涂鸦期、6-8岁进入主观表现期，而9岁以后的孩子才真正进入绘画的写实期，是孩子真正学习绘画技法的开始。

（1）1岁左右的宝宝绘画是一种无意识的行为 ：

当孩子由爬来爬去到能够直立行走，可以说人生进入了一个崭新的境界，视野更宽阔了，小手能够拿到的东西也更多了。

在这个时期，很多孩子已经不再满足将东西放进嘴里来感知了，他们会更愿意运用他们的小手来 探索 ，他们开始喜欢摆弄玩具，撕纸来体现手指的运用和力量感。

如果这个时候他们正好拿到了一支笔或一张纸，并且将笔在纸上留下了痕迹，孩子会非常快乐，并一再的去做这个动作。

这个时期的孩子绘画的特点 ：经常的画 点和不规则的线条， 由于孩子的小手力量有限，肌肉协调能力不够好，孩子画的都是弯弯曲曲的线条，甚至会画到纸外边去。而且没有章法和规律可言， 这个时期孩子绘画还是出于对机械运动的乐趣更多一些。

（2）2-3岁左右的孩子开始有控制有意识的画

随着孩子手指力量的增加，孩子会有意识上下左右的画线条并且试着将各种线条结合起来，到了孩子2岁左右孩子会由单一的画弯弯曲曲的线条过度到画一圈圈连绵不断的圆，但是这个时期的孩子还画不出完整的圆形，只是运用手指、手腕的力量使笔一圈一圈地画下去。

到了孩子3岁左右，孩子的手眼控制与协调能力更强了，孩子画的圆形终于封口了。

这个时期的孩子绘画会有意识的控制去画，孩子会从这种控制感中获得信心与乐趣。

（3）4-5岁的孩子的绘画进入象征期

这个年龄阶段的孩子开始帮父母讲述自己的画作内容了，会告诉父母这个是“苹果”这个是“太阳”这个是“小猪佩奇”等等。

孩子会将自己看到的生活中的、电视节目里的、或者想像出的人物或物品画出来，但是，只停留在简易线条阶段，比如会画一些“蝌蚪人”头、躯干、四肢等各部分还未分化，仅仅保留了人区别于其他动物最基本的特征。

但是孩子会加上一些特别注意到的细节，比如纽扣、头发、眉毛等用来区分男女或特定的人物。画的房屋、动物、交通工具也都是有些变形的形状。

这个时期的孩子对视觉形象的感受力有了很大的提高，能把基本形状结合在一起构成形象。有意识的将自己所画的形象与实物之间的相关连，希望通过绘画表达内心的真实想法。

随着孩子的观察力进一步增强，这个时期的孩子更注重绘画中细节的体现，这一时期是孩子思维最活跃的时期，孩子能够通过绘画表达自己的想法，能够把所见所闻的事情记下来，并能凭记忆把所见事物加以概括和重新组合表现出来，对线条的运用也更娴熟，有写实的倾向。

这个阶段的孩子，随着年龄的增长越来注重所描绘物体的逼真性，爱欣赏有立体感、有明暗变化、色彩真实感强的作品，所以这个时期的孩子不再满足乱涂乱画，而开始注重绘画技巧的运用，这个时期才是孩子正式开启绘画技巧的时候。

由此可见，孩子绘画能力的发展是以涂鸦为基础的，如果跳过了孩子的涂鸦阶段，那么培养孩子的绘画兴趣也就无从谈起。

但是，很多父母在孩子绘画的涂鸦期就表现的很焦虑，认为孩子画得不像，颜色涂的不对，教给孩子怎么画、或者自己画一个正确的形象让孩子照着画，并指导孩子涂色，告诉孩子什么物品要涂什么颜色才是对的等等。

父母在孩子绘画时指指点点或者直接插手，是对孩子绘画的一种妨碍，甚至会使孩子对绘画产生厌恶和反感，阻碍孩子绘画兴趣的发展与提高。

1、影响孩子的动手能力

绘画是按照自己的主观意愿，来自由运用手指活动的结果。如果成年人来教孩子怎么画，孩子就无法感知，如何通过自己的手部运动带来线条上的变化，会使孩子失去了发现及 探索 的乐趣，从而失掉动手能力 。

2、影响孩子对外界的感知力和想像力;

绘画不是要记住形象，而是要把自己对外界的感知，经过大脑的再创作通过绘画表现出来。如果父母告诉孩子应当怎么画，就如同将成年人的思维模式和审美观点强行塞给孩子。

孩子无法按照自己的感受和意愿来发挥，限制了孩子的感知力，也是在一定程度上否定了孩子的想像力，那么孩子对绘画的感觉也无法得到发展；

3、影响孩子的语言发育，

语言的作用是让脑子中能够及时浮现出不在眼前的事物，比如我们说“苹果”时，即使眼前没有“苹果”的实物，也会立时在脑中出现“苹果”的形象。

而涂鸦绘画也被称为孩子的第二语言，在孩子表达不清完整意思时，能够通过涂鸦来表达内心的真实想法，在儿童心理学的治疗里面，咨询师就会通过孩子的画来分析孩子的心理活动。

比如，孩子在难过时可能会在涂鸦时画一张流泪的脸，或者用笔尖用力乱涂乱写；

而高兴时可能会通过吹泡泡、小人跳舞来表达，这些看似奇怪的涂鸦作品，其实就是孩子想要告诉父母的心声。

所以，当我们发现孩子有不良情绪时，可以鼓励孩子通过画画的方式表达出来，而不是发脾气，扔东西。所以涂鸦也能够成为孩子发泄不良情绪的途径。

但是，如果父母强行教给孩子规范的绘画方法，会限制孩子情绪的表达，使孩子变得不能用自己的眼睛去看，不能用自己的语言去说，更表达不出自己的真实想法来。

法国教育家卢梭说过：在教育中要“把孩子看成孩子”，对待孩子的绘画兴趣也要这样，尊重孩子的心理发展规律，不要揠苗助长。

孩子关于绘画的思考和想像只是从自身的感知出发，并不受世俗和逻辑思维的限制， 表达着自己对事物和外界的感受和想法。

比如孩子会将太阳涂成蓝色、会将苹果画成方形等；

父母会觉得奇怪，但是孩子的解释却很简单，红色的太阳太刺眼了，如果换成蓝颜色的太阳，每次出门时看到太阳的时候就不用将眼睛眯起来了；

而方形的苹果，仅仅是因为孩子拿苹果的时候，没拿住，苹果掉在地上，咕噜咕噜的滚开了，如果苹果变成方形，那么当苹果掉在地上，就不会滚远了；

看，孩子的想像力是如此的充满童趣，他们的涂鸦作品也是如天马行空般自由驰骋的。 毕加索曾说过:“我能用很短的时间，就画的像一位大师;却要用一生的时间，去学习像孩子那样画画”， 孩子的看待世界的角度和态度是绘画大师一生所追求的境界。

所以，父母千万不要用成年人的审美观点来评判、更不要一味的纠结像或不像、更不要因此嘲笑孩子，而要仔细听孩子讲一讲，每一副画背后的故事，这也是了解孩子内心世界的途径

给予孩子按照自己的节奏来成长，父母耐心多一些、包容多一些、孩子在父母身上得到的肯定越多，对绘画的兴趣才会越浓厚。

孩子开始涂鸦，首先需要以肩作轴心带动肩膀和手臂上下左右的运动，这个动作越灵活，孩子画出的线条越清晰有力；而有些孩子在学会走路前，没有做充分的爬行运动，腰和腿的力量不足，那么孩子画出的线条也是绵软无力的。

所以，父母首先要让孩子在早期多进行爬行的动作、多做撕纸、抓握的动作，有助于孩子在涂鸦期更好的发挥手部的力量。

（1）画笔的选择

1岁左右的孩子由于手指的力量有限，这个时期父母可以帮孩子准备一些容易 画出线条且孩子容易抓握的笔，比如铅笔、油笔，碳素笔或签字笔等等 ，以免孩子因为力气小，画不出线条气馁不愿意再画了。但是也要注意，笔尖不要过细过尖，以免扎伤孩子；颜色不要过多，只帮孩子选择一种颜色就可以了；

2岁以后孩子的画笔选择就多了起来，比如：油画棒、蜡笔、水溶性彩笔、水彩画颜料等，其特点如下：

蜡笔：

优点 ：利于孩子抓握，好上色，蜡笔的线条粗犷、不太会被水弄糊，并且在不同材质的画纸上，蜡笔画出来的效果会呈现出不同的质感；而且蜡笔不容易弄脏孩子的小手或衣服；

缺点 ：易折断

适合年龄 ：婴幼儿

油画棒：

优点 ：油画棒的笔触比蜡笔稍微细一点点，颜色也稍微鲜艳些，相比蜡笔，笔芯要软一些，色彩感觉更艳丽，着色更容易；

缺点 ：易折断，容易沾到孩子的小手上或衣服上；

适合年龄： 婴幼儿

水溶性彩色笔：

优点： 粗笔杆易于孩子抓握，笔尖圆润，易着色，水分足，色彩丰富，鲜艳，（多为成套购买，有12色、24色、48色等）适合大面积涂色、填充；水溶性颜料易清洗，即使画到衣服上、手上也很容易清掉；

缺点 ：水分不均匀，过渡不自然，两种颜色混在一起不好调和；笔尖过于粗圆，不适合细节描画；

适合年龄： 幼儿园阶段的孩子

马克笔：

优点： 粗笔杆，利于孩子抓握、笔尖偏扁，涂色更顺畅，水分均匀，色彩饱和度相对弱一些，2种色彩可以很好的协调，

缺点： 笔芯分为油性和水性两种，水性笔芯可以用水清洗掉，油性笔芯则不容易清洗掉，而且多为散装，需要自行配色；

适合年龄： 幼儿园阶段的孩子

彩色铅笔：

优点： 笔杆适中，圆润、画出的线条色彩浅淡,多用于细节描绘,可用橡皮擦去有半透明的效果,可以颜色相叠加,

缺点： 不适合大面积涂色、而且由于色彩较浅淡，孩子涂绘时需要用些力气

适合年龄： 幼儿园阶段的孩子

水彩画颜料：

优点： 分为块状或膏状，好携带，沾水可以调出浓淡各异的颜色，着色快、色彩变化大，两种或几种颜色相融过渡自然，

缺点： 需要配合相应的水彩画笔或毛笔、油画笔等，比较容易涂在孩子的小手上、衣服上；

适合年龄： 幼儿园阶段的孩子

小提示： 父母可以根据孩子的年龄和需要为孩子选购画笔，而且最好去正规的文具店或者大型的超市去购买。

（2）画纸的选择

在画纸方面，可以孩子准备一些哑光的白卡纸或绘画纸，过白、过亮的纸张会损伤孩子的视力发育；

有些孩子喜欢趴在地上画，家长也可以帮孩子准备一些白色的布，铺在地上，让孩子画个够；

而有些孩子喜欢在家具或墙壁上画，那么家长可以将画纸贴在墙上，一来保护了孩子涂鸦绘画的兴趣，二来也保护了家具、墙壁不被祸害；

爱画画是每个孩子的天性，是孩子认识世界、感知世界、发挥想像、表达内心 情感 的最简单最直接的方式，让孩子像孩子一样的去画，保护孩子的涂鸦能力，保护孩子难能可贵的想象力，让孩子在涂鸦绘画中获得更多的乐趣与信心。

■一意识和潜意识 所谓意识，是人所特有的反映客观现实的高级形式，是人有目的的自觉反映；这种反映，主要表现在认识活动上，即“意识到”的活动上。而所谓潜意识，一般是指不知不觉的、没有意识到的心理活动，不能用言语来表述的。意识是内心里的推理和思考，它会分析各种资讯和数据，意识是经验发展的结果。但潜意识不会思考和推理，它只会本能地对基本情绪做出反应。如果将人的心里比作一棵树,那么露出泥土我们见的到的,感觉的到的树枝树叶乃至果实是意识而藏在泥土之下我们看不到的,感觉不到的那个错综复杂的根叫做潜意识, 泥土之上会长什么样的枝叶，结什么样的果基本取决于泥土之下的种或根。 伟大的心理学家弗洛伊德认为，意识是与直接感知有关的心理部分，它包括个人现在意识到的和现在虽然没有意识到但可以想起来的；而无意识则是不能被本人意识到的，它包括个人的原始的盲目冲动、各种本能以及出生后和本能有关的欲望。这些冲动、本能、欲望，与社会风俗、习惯、道德、法律不相容而被压抑或被排挤到到意识阈之下（所谓意识阈，是指能否意识到的分界线），但是，它们并没有被消灭，仍然在不自觉地积极地活动着，追求满足。所以，无意识部分是人们过去经验的一个“大仓库”。由于弗洛伊德的无意识具有这样的性质，所以人们把他的无意识称为“潜意识”或者称为下意识。 同时，弗洛伊德把潜意识（无意识）提到了前所未有的高度，而意识只占一个次要的地位。他认为，“精神过程本身都是潜意识的”，他反对把心理学说成是“意识内容的科学”。他不但认为，“有意识的精神过程只不过是一些孤立的过程”，而且还认为有一种“类似潜意识的思维、潜意识的意志这样一种东西”。弗洛伊德甚至主张，心理学的研究对象，主要应该是人的各种潜意识的精神过程，心理学应该是潜意识（无意识）内容的科学。 潜意识是人类原始思想,包括遗传,童年的经历, 过去深刻的回忆和创伤等。潜意识本性是活跃的,不安分守已的,在意识薄弱时,潜意识便闯进意识的领域。 二绘画史与潜意识 谈到潜意识与绘画艺术的关系，我们认为潜意识在西洋画中有更为突出的表现，特别是后期油画中。众所周知，中国传统儒佛文化始终讲的是“谦和，含蓄，忍让，内敛”等，特别在情感方面是要求克制人的深层本质意识即潜意识的。比如前些年，中国男人的爱情老被形容为“保温瓶”--内热外冷，所以说中国民族文化多少是一种带有压抑色彩的文化，潜意识在中国画中的表现当然是存在的，但是显然在西洋画中有更为突出的表现。 另外，从艺术发展进程可看到强调近代油画的理由。总结出"生物进化论"的西方人,却没有总结"艺术进化论"，但他们的作品的演变，展示了这方面的发展。艺术史进程的情况是复杂的，在一个时代之中，甚至在同一个潮流之内，有"前卫"也有"后卫"，总是会有许多种不同的风格在同时发展，互相影响。艺术风格的更替也不会象电脑产业中"奔腾"淘汰"486"，"WINDOWS"淘汰"DOS" 那么简单明了。 艺术家通过绘画表达意识，便会有个绘画作为传达媒介的表达能力与表达范围、艺术的手段与目的的相互关系的问题存在。艺术手段发展不成熟，艺术意识就无法被表达清楚，艺术意识是随着表达媒介的逐渐成熟而得以被充分传达与展开的，而当意识或潜意识超越了此手段所能传达的范围，便会出现意识或潜意识被传达得迷糊不清或残缺不全的情况。我们再以这个关系来考察西方艺术史，便会得出这样一条线索：十三、十四世纪之前，西方油画家们挣扎着如实描绘自然界，以图驾驭绘画这个工具，这是油画的萌芽、雏形阶段，再现自然的愿望显得困难；；十五、十六世纪，画家们已能很好地掌握绘画技巧，已具备了完整的造型能力，但并不很熟练，工作仍很拘谨，这是油画的发展阶段；到十七世纪，油画达到了它的成熟阶段，这便是巴洛克时期。在这个时期，画家的技巧娴熟完美，艺术的手段与画家的理念达至完美的和谐。 而从二十世纪初开始，西方绘画已经进入了我们所界定的“现代艺术”范畴，绘画技巧已降到次要地位，取而代之的是绘画的形式。画什么并不重要，而重要的是怎么画。西方科学技术的发展促进了社会文明的进步，思想界各种学说的兴起，给已被照相术搞得不知所措的画家们注入了新的兴奋剂。以莫奈为代表的印象派虽然还在摹仿自然，但它已经逐渐抛弃了自然的外表，而有目的的去深究自然的内核；塞尚、凡高、高更则逐渐走出印象派的趣味，更多地去表达他们对客观世界的主观看法；毕加索是一个独树一帜的人物，他的随年龄增长而不断变化的艺术风格则是他大脑思维能力从有意识至无意识渐变的外在写照。我们可以从至上主义、立体主义、未来主义、野兽派、抽象主义、行动画派等众多繁杂的艺术现象中清楚的看到这样一根主线，即；绘画题材逐渐萎缩，客观世界已不再是画家们关心的主题，他们关注的是自己主观的内心情感。这样一来，失去摹仿对象的绘画，不得不从画家内心世界寻找灵感，“寻找自我”成了画家的口号。与写实绘画不同的是，现代派作品具有某种“不完全表达性”，画面没有具体的形象，没有明确的表达意图，模棱两可、辞不达意，使看惯了写实绘画的人十分茫然。我们了解到，这正是艺术家的潜意识在画面上的自然流露。（俄罗斯现代艺术家康定斯基感叹只有音乐完全摆脱了摹仿，是最纯粹的艺术方式。而绘画，或多或少总要受到现实因素的干扰。）纵观西方绘画的发展，总的框架是形式上由写实到写意的演变、具象朝抽象发展，而思维方法上就是意识转变为潜意识这一过程。

　　艺术是人的一种主观行为，这种主观行为属于娱乐游戏的范畴，这似乎是人们的共识。因为，离开了任何形式和内容的艺术活动，人类的基本生命活动都是能够正常维持的。那么，是不是人们所有的娱乐游戏活动都能够称为艺术呢？显然不是的。如，小孩子掏鸟窝、摸鱼、斗蛐蛐等等许多与之类似的娱乐游戏活动就不能称为艺术。而弹琴、作诗、画画、唱戏等等许多与之类似的娱乐游戏活动就能够称为艺术。这是人们的共识。尽管不能够把娱乐游戏活动都称为艺术，却能够把艺术确定为娱乐游戏的组成部分，确认为娱乐游戏活动的一种方式，这在逻辑上是不会有问题的，也似乎是不会有人提出异议的。

　　什么是艺术

　　然而，对于人类所有的娱乐游戏活动，可以把其中的哪些明确地称为艺术，又把其余的哪些明确地称为不是艺术呢？目前似乎还没有人能够明确地回答。但是，问题还远不止于此。如，对于画画这种娱乐游戏活动，人们一般都会认为能够称其为艺术。然而，是不是对于所有的画画活动都能够称为艺术呢？同样都是画画，老画家的绘画就能够称为艺术，这似乎是没有疑问的。随便一个小孩子的信手涂鸦能够称为艺术吗，这似乎有很多人是不赞同的。只有当小孩子的“信手涂鸦”达到了“一定水平”，人们才会称其为艺术。那么，小孩子的“信手涂鸦”的水平达到了什么样的程度才能够称为艺术呢？这又是一个很难回答的问题。据说美国的一只黑猩猩会“作画”，人们给它纸和笔，它能够“饶有兴致”地作出很多“有意思”的“画”来。如果把黑猩猩的“作画”也称为艺术，似乎有很多人更是不赞同了。那么，我们在理论上应该怎样区分艺术和非艺术呢？或者说，从理论上讲，究竟什么是艺术，艺术的本质究竟是什么呢？

　　人的主观需求

　　人的主观是以人的“自我”形态为根据的，人的“自我”形态是以人的观念文化形态为根据的。人以“自我”形态为根据所产生的对客观事物的需求行为，称为人的主观需求。当客观事物满足了人的主观需求时，人在主观上就会产生快乐感觉；当客观事物不能够满足人的主观需求，或是损害了人的主观利益时，人在主观上就会产生痛苦感觉。在现实生活中，人们经常会因为主观需求得不到客观事物的及时满足及经常被某些客观事物损害自己的主观利益而产生出许多的痛苦感觉。可以说，人们在日常生活中的全部行为内容，就是追求客观事物对自己主观需求的满足和拒避客观事物对自己主观利益的损害。然而，这种追求或拒避又经常会因为客观条件的限制而不能够如愿，这就使得在现实生活中人们的主观上总是因许多事不能够如愿而存在着许多的缺憾，这种主观缺憾总使人持续地沉浸在痛苦感觉之中而令人总想解脱。

　　人体的三大功能系统

　　人体有三大功能系统：一是基本功能系统，二是认知功能系统，三是情感功能系统。基本功能系统的基本功能，是负责完成人体正常的生理代谢、器官发育和个体生殖等最基础的生命活动任务的。组成此功能系统的所有器官，称为人体的基本器官。认知功能系统的基本功能，是负责完成人体对客观事物的“认知”任务的。组成此功能系统的所有器官，称为体人的认知器官。人的认知器官，目前普遍认为是集中于人的大脑。情感功能系统的基本功能，是负责完成人体由认知成果所引起的“情感行为”的发生和人的不同个体间的“情感交流”任务的。组成此功能系统的所有器官，称为人体的情感器官。情感功能系统的“中枢”，被许多人认为在人体的“心区”。

　　人体的生命活动，是以人体器官与客观事物发生关系才能够进行的。人体器官与客观事物发生关系时所产生的机能现象，称为器官行为。人体的器官行为，是人体器官“天生”所具备的机能现象，是人体生命活动的基础，是人体器官的本能需求，在很大程度上也表现为人在社会生活中的主观需求。人体器官的许多行为，能够使人产生快乐感觉，这种器官行为正是人在主观上所企盼和追求的。确切地说，人的主观需求，正是以人体的三大功能系统对客观事物的需求行为为基础的。可以说，人的社会生活的全部内容，就是主观上对一定形式和内容的器官行为的无休止追求。

　　情感器官通常所产生的行为内容，主要有喜、怒、哀、乐、悲、欢、思、恋、怨、恨、惊、疑、盼、烦、惧等等。情感器官的这些行为，都是人在主观上经常需要的。无论是在人们的基本生产劳动、基本社会生活或是娱乐游戏活动中，情感器官的这些行为都能够产生。然而，在现实的社会生活中，情感器官产生这些行为，通常都需要人在主观上付出许多代价。如，劳动的过程和成果可以使人获得喜、怒、哀、乐，可劳动过程中的长时间的辛苦通常让人们在主观上不愿意忍受。许多的娱乐游戏活动虽然能够使情感器官获得较为激烈的行为反应，但娱乐游戏活动通常又要消耗大量的生活资料。

　　在生活实践中，人们发现，有些娱乐游戏活动只需要花费较少的社会财富，就能够使情感器官产生足够多的行为反应。

　色彩是油画中最富有表现力和感染力的艺术语言，是艺术家表达内心体验和思想情感的重要手段。色彩的巧妙运用对于油画的艺术表现力起着至关重要的作用。对此，笔者从色彩的基本定义出发，分析了色彩在当代油画作品中的表现特征，探讨了色彩在油画创作中的应用方式，以供参考。

　一、色彩的基本概述

　色彩是油画创作中至关重要的表现语言之一，更是最具视觉冲击力、刺激力和影响力的元素之一，它承载和体现了人类共同的审美心理与观念。在油画艺术创作中，色彩是油画的血液和灵魂，油画一旦失去色彩，将会变得苍白无力，灵活巧妙地运用色彩，能更真实、准确、生动、鲜明地表现生活、反映现实，使作品更富有艺术表现力和形象感染力。

　色彩能够使人们的思维和心理产生一系列的变化，从而产生独特的审美感受和情感体验。任何一幅作品都凝聚着画家独特的艺术观念、情感思维、审美意识、主观建构、艺术感受和个性体验，从而形成画家别具一格的色彩风格。色彩可以表现自由的意象，画家善于借助自己敏锐的直觉和丰富的想象力，运用色彩和图像传达自己的情感理念与内心思想，突出自我精神，从而使欣赏者产生心灵共鸣，受到美的熏陶和思想的启迪，进入审美境界。由此可见，色彩有着其他绘画语言无可比拟的艺术作用，具有独一无二的艺术魅力，它服务于艺术家的创作理念、审美观念和主观情感，是艺术家表达情感意志、内心体会和思想理念的重要手段。

　二、色彩在当代油画作品中的表现特征

　1色彩的民族性

　油画民族化一直是备受关注的话题，也是一种不可抵挡的趋势。长期以来，中国油画面临着寻找出路和方向的问题，我国许多油画家一直认为，中国的油画艺术要想有发展和突破，必须探索出独特的、融入民族文化底蕴和文化思想、具有中国特色并能为大众所认可的绘画方向。在我国油画发展进程中，出现了许多民族性油画家，这在很大程度上促进了我国油画事业的不断发展。如，著名油画大师吴作人的《负水女》《藏童》等现实主义油画作品，画面单纯而丰富，色彩明丽而和谐，富有鲜明的民族特性。董希文的作品《开国大典》成功地继承了盛唐时期装饰壁画的风采，画面中碧蓝的天空，大红的柱子、宫灯，金**的菊花、瓦片，崭新的紫红色地毯，以浓郁的民族色彩体现了鲜明的民族特色。

　2色彩的平面性

综观当代油画作品，我们不难发现，其或多或少存在色彩平面化倾向。色彩平面化作为油画艺术创作的一种绘画语言，在我国当代油画艺术创作中有着十分广泛的应用。它有着立体语言无法取代的优势，是视觉艺术中最贴近情感的一种表现形式，给人以强烈的感官冲击，能够明确、清晰地将艺术家的内心情感呈现给受众。当前，色彩平面化是油画艺术创作的一种发展趋势，也是对艺术表现力的积极探索。许多油画艺术家青睐用平面化的色彩之间的关系组织和构成画面，这样的艺术表现方式既融合了我国地域性的民族审美情感和美学原则，充满传统文化气息，符合国人的传统审美倾向，又顺应了世界潮流，对于推动中国油画融入世界发挥着积极的促进作用。

　3色彩的写实性

　色彩的写实性强调追求自然的光感和真实感，以科学色彩原理为主要依据，通过对光源色、固有色、环境色和空间色等条件色的综合运用，真实地再现客观对象的形体、空间、质感等方面的效果。在油画创作中，讲究色彩的写实性，有助于营造一种身临其境的氛围，从而增强艺术形象的感染力。如，我国当代著名油画家罗中立在其油画作品《父亲》中以照相写实主义表现手法，通过精微而细腻的笔触成功刻画了虽饱经沧桑，但对生活充满希望，有着乐观精神和百折不屈意志力的纯朴、善良、憨厚的农民父亲形象。画面中的色彩写实而细腻，饱和而厚实，丰满而润泽，庄重而感人，深沉而富有内涵，给人以强烈的心灵震撼。面朝着的黄土、枯黑干瘦的脸、车辙似的皱纹、眉梢上灰色的汗珠、深邃的眼、迷茫恳切的目光、指甲里存有的泥土、粗劣破旧的茶碗，这些意象富有浓重的乡土气息，体现了作者对生活中劳动者的崇敬和赞誉。这种写实性表现手法赋予了作品强大的生命力，使父亲的形象更加惟妙惟肖、真实可信、有血有肉，更易激起人们内心的情感涟漪，点燃人们沉积已久的热情，触动人们的心弦。当我们凝视这个阳光下的父亲形象时，作品的意义已不再仅限于表现农民的力量，而是人类灵魂的象征。

　4色彩的情感性

　油画创作的目的在于表达情感，色彩是油画创作中情感意念的重要载体。不同的色彩可以表达不同的情感信息，使人产生不同的内心感受。如，红色给人热情、温暖、激烈、愤怒之感;__**给人明快、活泼、高贵之感;白色给人清静、朴素、天真、无邪之感;黑色给人灰暗、消沉、阴森、恐惧之感;紫色给人神秘、忧郁、安静之感。在油画创作中，创作主体的个性不同，对色彩的理解不同，用于表达内心情感的色彩选择也会不同，因而其表现出的思想感情有所不同。如，荷兰后印象派画家凡·高喜欢用辉煌的**表达对生命的渴望，在其作品《向日葵》中，**、淡蓝色以及有力的笔触表现了花朵舞动的神态和葵子饱满沉实的质感，充满了律动感和生命活力。同时，凡·高更善于用强烈的色彩对比表现自己的内心世界，抒发特定的心理情绪。以《耳朵上扎绑带叼烟斗的自画像》为例，他在这幅自画像中借助背景的红色与衣服和眼睛的绿色、背景上部的橙色与帽子的蓝色两组互补色彩的强烈对比，抒发自己当时懊悔、苦恼、沉闷的心情。再如，中国写实性油画家王沂东痴迷用中国红表达情感，加强对主题的表达。在他的《古老的山村》《蒙山晨雾》《闹房之二吉祥烟》《冬天里的阳光》以及沂蒙新娘系列作品中均有对红色的运用，烘托了画面喜庆祥和的气氛。

　三、色彩在油画创作中的应用方式

　1正确处理色调与情感的关系

　情感是个体对外部客观生活环境的一种主观反映。油画作为一种视觉艺术，一幅画面色调的选取，不仅仅是为了使画面看起来更加和谐，更重要的是能够真实地表露创作者的内心世界和情感体会，因而可以说，色彩是油画艺术创作者内心情感和主体精神的重要寄托。一幅优秀的油画作品，不仅要有丰富细腻、变化无穷的色彩，更要有真实的情感。许多优秀的油画艺术家善于将客观存在的物与主观情感进行自由转化，善于从生活中发现和研究某种色彩与人的心理情绪的必然联系，然后运用恰当的色调将这些情绪和情感表现出来。因此，在油画艺术创作中，创作者必须正确处理好色调与情感的关系，把握好色调运用技巧，然后选择恰当的色调表现有情感的画面，使油画作品富有内涵和灵魂，进而引发受众的情感共鸣。如，法国现实主义画家米勒的油画作品《晚钟》以朦胧的暖灰色调描绘了暮色笼罩着大地，在远离村庄的田野上，一对农民夫妇随着教堂响起的钟声，放下手中的农活，以虔诚、感恩的心低头默默祈祷，为平安度过一天而祝福的情景。画家将画面的暖色调处理得十分恰当，细腻而富有感情，日暮余晖的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地相互映衬，整个画面凝重、宁静而又安详，普通的色调突显了诚挚、敦厚、纯朴的情感。

　2把握色彩的意象感受和主观表达

　在艺术创作中，意象是指客观物体与主观感受相互交融而成的'一种艺术形象。色彩中的意象感受主要强调艺术表现的一种意境美。写意是油画创作的一种艺术表现形式，它并不看重对客观形象的真实再现，而是注重表现客观形象的内在神韵和创作者的主观感受。许多艺术家在画面上对主观情感的表达并不是完全依靠色彩再现自然物象的真实感，而是围绕作品主题努力寻找能够表达创作意图的色彩，选择画面所需要的意象，将捕捉到的主观感受和艺术形象用自己的艺术语言充分表达出来，从而形成一种独有的意境美。如，吴冠中的《补网》中反复出现的黑色长线，浓淡得宜，粗细相间，具有浓郁的东方含蓄之美，寥寥数笔，让人意犹未尽;《月如钩》中漆黑的天与地、弯弯如钩的小月牙、疏疏落落的芦苇、深灰色的无边无尽的江面等物象的虚实相生，深黒色与深灰色的巧妙组合，营造了凄清、萧瑟、荒寒、悲凉的审美意境，传达了作者孤寂、惆怅、伤感的心境。

　3展示鲜明的时代特征和生活气息

　油画创作离不开特定的地域环境、社会背景，因而油画色彩富有鲜活的时代气息。在西方，油画色彩经历了古典主义、浪漫主义、写实主义三个发展阶段，在不同的阶段，油画色彩呈现的艺术风格各不相同。古典主义油画追求宏伟庄重的艺术风格、严谨的造型和极致细腻的明暗色调变化;浪漫主义油画强调构图的变化丰富、画面的动态感、色彩的对比强烈、笔触的奔放流畅，讲求共性，崇尚自然，注重内在情感的表达;写实主义油画讲究造型的准确、色调的真实，强调对社会生活和不同阶层人物的真实表现。在我国，尤其是抗日战争爆发后，许多油画艺术家纷纷以油画为武器，积极投身到抗日救亡宣传活动中，他们的作品色彩鲜明，体现了时代的声音，为油画艺术的突破和发展奠定了良好的基础。吴作人的《不可毁灭的生命》、王式廓的《台儿庄大血战》、唐一禾的《胜利与和平》，这些作品均有鲜明的时代特征，弘扬了爱国主义精神，体现了人们对新生活的向往以及共产主义情感的表达。

　与写实主义油画不同，现实主义油画更体现了强烈的时代感，更贴近创作者所处时代的生活方式和社会风貌，在作品内涵上着力反映艺术家对当代社会生活发自内心的真实情感。如，我国当代现实主义画家忻东旺的《诚城》《早点》《抓鸡》等油画作品都真实地反映了新时期的社会生活和精神风貌;新生代画家刘小东的《澡堂子》《婚宴》《爷俩儿》等作品均用最淳朴的色彩刻画了老百姓平凡的日常生活，画面真实、淳朴无华，富有浓郁的时代和生活气息。

　总之，色彩在油画中的作用不容忽视。创作者在油画创作过程中应把握好色彩运用技巧，巧妙地发挥色彩的艺术表现力，从而使作品富有内涵和生命活力。

欣赏一幅风景画要涉及到我们的各个感觉器官，依次来说：耳（听觉）、眼（视觉）、心、手（触觉）。

那么举例来说怎么欣赏风景油画：最好先和油画的作者谈谈，听听他对自己作品的理解和当时绘制这幅作品的情况，这样画会有故事为依托。

然后看画的色彩，有的很清新明快，有的很幽暗深沉，还有的和谐脱俗，虽然都是画的松树但是画家的造诣不同画出的颜色也不尽相同。找一个你喜欢的就好。还可以看所画形象，比如都是画江南烟雨小桥流水，有的画的烟雨飘渺似乎正下着毛毛雨，画中还有一人影从远处走来。此景正好你多年前看到过，有种似曾相识的感觉，那么在你这里这幅风景画可以视为好画。假如另一幅江南烟雨小桥流水画的生硬或烈日炎炎之感，就失去了事物本身的美感。眼和心其实是紧密联系的，当你欣赏画的同时，你的心就会有这样或那样的波澜。我举得例子也说明这个问题。

最后触觉多数是绘画同行的“欣赏”方式，也不知问者是那种人群？呵呵呵，这里就不多说了。

至于理解风景画其中的意境吗，有个词叫“感同身受”，你想更好的去理解画，那就要在生活中多去观察体会真实的美景，提高自身修养，对美的体会。有些人旅游只是购买和看异地的东西，我们要做欣赏异地风、土、人、情的感知者。比如一个技艺好的画家画了一幅丽江雨景，而你压根儿没去过那里没感受过雨后的静谧之美，看着这幅画也不会理解到画中的意境。推介易中天写的美学书你读读，特点：直白、易懂。