艺术作品在创作之前，就已经存在于艺术家的心中了吗？

文化和艺术是人类社会中最宝贵的财富，它的价值在于传承，每一位艺术家的成长经历，都是站在一代代巨人的肩膀上再次起航，而艺术作品则承载着一个时代的“灵魂”，对于艺术家来说，如何保存好自己的作品格外重要，尤其是在千百年前兵荒马乱的时代，稍有不慎就会化为灰烬。即使没有遭到意外，普通纸张和画布的保存时间也是有限度的。

从希腊时代开始，“美”就被划分为“崇高”与“优美”两种范畴。在 艺术科学中相对立的两种美感，却能够在艺术中得到统一。装置艺术家久柒以植物这种最为“优美”的材料为媒介，在她的作品中倾注了一种反叛、激烈、浓烈的“崇高”感。如果说“理念”曾为人类普遍性的先验命名，那么具体的艺术作品中体现的正是一种经验的重现——关于植物的记忆、关于艺术家的情感，也关 于一种生活的沉淀与表达。

生命短暂的艺术作品，吸引了有许多艺术家乐在其中，对于现代艺术家来说，保存作品最好的方式，就是拍摄下一张照片，作品本身留存的意义并不是那么大，对于许多作品来说，消失掉的作品，才是一个完整的艺术作品。话虽如此，但是，每当看到有精彩的作品，下一秒就要被摧毁掉，还是让感到惋惜，来自澳大利亚的涂鸦艺术家罗恩，就深谙短暂艺术，才是精彩的艺术。

一个艺术家的工作室，很大程度上反映出艺术家心理空间的状态。久柒工作室中各种元素的并置、冲撞与张力，一如她的成长经历及现如今的表达欲望。“小时候，我就喜欢涂涂画画。有时候可以涂画一整天，也不觉得闷。这些都是我对这个世界最初感知的本能表达。”久柒的少女时期一直在寻求保留这份童年直觉的可能性。

我也经常去观看艺术展，其实说实在话要说巨大的差别，我有时候也体会不到，但是每次去观看心里还是挺开心的，因为在看艺术的时候，其实就是在欣赏美那欣赏美总是能给人带来愉悦的。

我觉得如果你想要去好好的观看一场艺术展，那么事先还是需要做一点准备，如果你抱着无所谓的心情，走马观花的看，那肯定看不出有多大的差别，也没有办法获得一些美的享受。我每次去博物馆看展览的时候，其实提前都会做一些准备，我会去看一看这个展览的主题是为了表达什么，为什么设置这样的主题展览中的作品都是由谁所创作的，这些艺术家他们的背景大概是怎样以往的作品是怎样。

其实只要稍微浏览一下，你对这个展览的整体内容就会有一个比较清晰的认识了，在欣赏的时候，更能够体会艺术品所表达的意思，整个展览也会更有趣。如果事先没有任何的准备，那么进去可能就会丈二和尚摸不着头脑，即便你看得再深再久也看不出什么区别。

其次，有的时候我觉得看艺术展其实并不是为了获得什么，仅仅是一种休闲的方式。如果你不喜欢这种艺术形式，那你可以换自己感兴趣的方式方法去休息，没有必要非要去看什么艺术展。

艺术是一个摸不着看不见的东西，很难说清楚谁好谁坏，其实全凭感悟。艺术来源于生活高于生活，我们对于艺术作品，其实应该抱有更高的尊重和包容。

中西绘画创作的观念和思维特征的区别 :山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托心灵、情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。用生命的状态表达对象。由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“ 低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。”一幅画可以从山前到山后，从山顶到山脚，一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有灵性、更有生命，可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。这种神奇这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，你是无法在西方风景绘画中看到的简单的说：西方绘画中注重焦点透视，突出主体，引人注目，比如描绘《耶稣受难》。西方人比较强调个体，简单的例子：西方人家里的小孩享有和大人一样的人格尊严权，中国的小孩就是“小P孩啥也不懂”。中国则注重整体，博大，在古近代绘画中很多使用散点透视，比如《清明上河图》，散点透视可以展现很广阔的空间，突出大场面。当然近现代中国绘画吸取了很多西方绘画的精髓，西方也同样，现在各种透视都只是为了表达内容不同而选择使用了。详细点就需要到百度网页上查资料了，如：三、焦点透视与散点透视 焦点、散点透视是中西画家绘画时对空间的不同理解。焦点透视，就象照相机，焦距对准的地方清楚，集中之外的模糊，从而表现出距离。从物理学的原理出发，用固定的视点表现同一个空间。这种透视只有一个固定的视点、视向和视域，作画取景也只限于在这个视点、视向所决定的视域内。 而散点透视是指中国画的构成是不受时间和空间的限制，把时间和空间相结的一种表现方法。早在魏晋时期的顾恺之的《女史箴图》、《洛神赋图》以及五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》都是通过环境式的景物衔接起来，让空间连续和时间流动结合起来。 中国早期的山水画理论家宗柄就说过，画山水“非以案城域，辨方州，标镇阜，划浸流”。其后荆浩提出画山水要“搜妙创真”，都表现出用散点透视表现出自然美。宋代郭熙在《林泉高致》里提出了山水画的“三远论”：“自山下而仰山颠谓之高远，自山前而窥山后谓之深远，自近山而望远山谓之平远。高远之色清明，深远之色重晦，平远之色有明有晦，……每远每异，所谓山行步步移也，每看每异，所谓山形面面看也”。三远法给画家经营位置以广阔天地。画家可以在一幅画上综合交错地使用三远法安排形象，在长卷中更能使景物有起有伏，有隐有显，有开有合，将散点透视和艺术表现效果结合在一起。 散点透视给画面带来了整体上的音乐节奏感与和谐感。 中国绘画从有限中见到无限，再从无限中回归有限，如此回旋经复，节奏鲜明。西方绘画则以有限见到无限，并一往而不复返。如中国东晋时代顾恺之的《洛神赋图》与十七世纪西班牙画家委拉斯贵支的《拉斯梅尼娜斯》（即《宫廷女官们》）两幅都是人物画，而《洛神赋图》突破时间和空间的局子，使静止的画面，随生活与情势而流动，富有时间感。《拉斯梅尼娜斯》则在单一的视点和静止的画面中，在纵向上塑造出变化丰富的空间。在构图上中国画利用散点透视表现物象内在联系上脉通气贯；在位置经营上环环相扣，节节相连，从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节。如宋张择端的《清明上河图》，在结构上有序曲、高潮（虹桥部分）、尾声，形成鲜明的情感节奏，突破时空的局限，同一时间里展现不同环境。在西方现代派画家向传统的西方焦点透视发起了攻击，但也无法否认西方焦点透视的根深传统，在现代派那里也无法否认这种实质，如西方现代派的照相写实主义，仍然可看到传统焦点透视学在形象上的完美体现。其余的可以再查。可以从这几个方面来看，形体：西方绘画是用点，线，面等；也用形体和明暗，色彩结合的方式刻画，（比如油画） 而中国绘画的形体，是讲求以线造型，（如工笔）写意画也讲求以线造型，但更强调笔墨感．明暗：西方绘画强调光影感，但中国绘画几乎不表现光，只表现物体本身的阴阳向背．色彩：西方绘画注重固有色与环境色结合的方式，（可参照水粉作品看看）．中国绘画工笔作品抛弃对光源和环境的影响，只表现对物体本身的色彩．写意作品则追求”色不盖墨，墨不盖色”的法则．空间：西方绘画对空间的刻画是用焦点透视，成角透视，空气透视等等．中国绘画则用散点构图和意象空间．散点构图是没有定点，而是可以多视点观看．（如千里江山图），意象空间就是留白的方式（如齐白石的虾，就从不画水）材质和肌理：西方绘画则用笔触来表达作品的质感和肌理效果．中国绘画则利用毛笔皴擦点染功能和生宣纸渗透性强的特点来表现．中西方绘画艺术的比较中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。西洋画是表象的，非常写实的，对，更多。中国画是写意的，这个写意可不是大概其，是写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式，是。所以在中国从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，这就是中国人天然地有**的思维、运动的视觉形象，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。中国画意象所体现的是人与自然的同一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客体形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。总之，所有这些都是中国画意象特性的丰富内涵。几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，首先应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的可以读出所有东方文化艺术的精要。希望可以帮到你～～～

装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。装置艺术使用的媒材包含了自然材料到新媒体，比如录影、声音、表演、电脑以及网络。

公共艺术是城市的思想，是一种当代文化的形态。简而言之，公共艺术指的是由艺术家为某个既定的特殊公共空间所创作的作品或者设计。公共艺术是一个城市成熟发展的标志。它增加了城市的精神财富，在积极的意义上表达了当地的身份特征与文化价值观;它毋庸置疑地体现着市民们对自己城市的认同感与自豪感，因此也进而成为艺术与文化教育中必不可少的环节。可以说，拥有良好公共艺术的城市，才是一座能够思考和感觉的城市。当然，公共艺术的存在意义远不止于此，它能够通过改变所在地点的景观，突出某些特质而唤起人们对相关问题的思考与认识，表达社区或城市的历史与价值。在这个意义上来说，公共艺术具有一种强大的力量，它改变了城市的面貌，能够长时间地影响着公众的精神状态与对周遭世界的认知;它也会成为城市身份的标识，在塑造城市的独特性格方面发挥极其重要的作用。

　　艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型：

　　依据艺术形象的存在方式，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。美术是一种空间艺术。依据艺术形象的审美方式，艺术可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。美术也是一种视觉艺术。依据艺术的物化形式，艺术可分为动态艺术和静态艺术。美术主要是一种静态艺术。依据艺术分类的美学原则，艺术可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。美术是一种造型艺术。

　　依据艺术形象的表现方式，艺术可分为表现艺术和再现艺术。美术中既有表现性的，也有再现性的。

　　需要指出的是，关于“艺术”与“美术”的含义和适用范围，在东西方是存在着一定的差异的。了解这些差异，有助于我们更好地把握它们的概念和使用它们。

　　一般来说，根据表现手段和方式的不同，艺术可分为：

　　表演艺术（音乐、舞蹈等）

　　视觉艺术（绘画、摄影等）

　　造型艺术（雕塑、建筑艺术等）

　　视听艺术（**，电视等）

　　语言艺术（文学等）

　　综合艺术（戏剧、歌剧等）

　　根据艺术形式分类的原则和角度不同，大致可以分为：

　　第一种：以艺术形象存在方式为依据，可以将艺术区分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术：音乐、文学；空间艺术：建筑、雕塑、绘画；时空艺术：戏剧、影视、舞蹈。

　　第二种：以艺术形象的审美方式为依据，可将艺术分为听觉艺术、视觉艺术、和视听艺术。听觉艺术：音乐；视觉艺术：建筑、雕塑、绘画、书法；视听艺术：戏剧、影视。

　　第三种：以艺术作品的内容特征为依据，可以将艺术分为表现艺术和再现艺术。表现艺术：音乐、舞蹈、建筑、书法；再现艺术：绘画、雕塑、戏剧、**。

　　第四种：以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术作品分为动态艺术和静态艺术。动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、影视；静态艺术：绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。

　　所谓八大艺术形式就是:绘画,雕塑,建筑,文学,舞蹈,音乐,戏剧,**

　　比较新的分法，则根据时空性质将艺术分为：

　　时间艺术

　　空间艺术

　　综合艺术。

　　电脑艺术

　　电脑艺术是指以电脑科技为基础的，艺术与电脑技术相结合的，一种崭新的艺术创作手段。

　　凡是一切与电脑有关的艺术创作~也可以叫CG，CG包括二维、三维的，静止画、动画（movie），从自由创作、服装设计、室内设计、景观规划设计、工业设计、电视广告（CM）到网页设计，可谓包罗万象。

　　艺术专业分类

　　美术(绘画、设计、雕塑、建筑)、音乐（声乐、器乐、舞蹈）、播音主持、表演、戏剧、等都是属于艺术类的，艺术类形态有很多很多。主要分为静态艺术和动态艺术两大类别。

　　玉雕艺术

　　首先应当明确玉雕艺术的定义是什么。所谓艺术，是指运用特定的表现手法来反映生活、传承文化、揭示思想的一种行为。玉雕艺术就是利用玉这种特殊的载体，通过雕刻、琢磨等工艺手法，以景寓意，借作品内容表达创作者思想的艺术。艺是工的升华，它带给人们的首先是视觉上的美感，进而是精神上的启迪，是一件作品的灵魂所在，是玉雕艺术的生命力。

　　将中国传统文化与现代时尚生活有机融合是探寻当代玉雕艺术的发展方向。玉雕艺术在中国走过了几千年的历程，未来它必将朝着国际化的路线发展，只有将“中国概念”和“时尚流行”优化嫁接，才能让中国的玉器为现代新生人群和国际市场所接受。

　　装置艺术始于60年代，也称为“环境艺术”。作为一种艺术，它与六七十年代的“波普艺术”、“极少主义”，“观念艺术”等有联系。在短短几十年中，装置艺术已经成为当代艺术中的时髦，许多画家、雕塑家都给自己新添了“装置艺术家”的头衔。在西方已经有专门的装置艺术美术馆，例如英国伦敦的装置艺术博物馆，美国旧金山的卡帕街装置艺术中心由1983年的一栋楼发展到2000年的四栋楼。纽约新兴的当代艺术中心PS1几乎就是一个装置艺术展览馆，在它的庭院中，修筑了露天装置艺术的专用隔间。美术院校也开始开设装置艺术课程。在英国，哈德斯费尔得大学已经设有专门的装置艺术学士学位。在西方当代美术馆的展览中，装置艺术也占据了相当重要的位置。以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在1969年至1996年期间，就举办了67次装置艺术展览。近年在美国美术院校毕业的硕士生很多人都成了装置艺术家。例如，美国缅因美术学院2000年10个硕士生的毕业展，有9个是装置作品。

　　美国艺术批评家安东尼·强森（Anthony Janson）对后现代主义时期装置艺术如此引人注目是这样解释的，“按照解构主义艺术家的观点，世界就是‘文本’（text），装置艺术可以被看做是这种观念的完美宣示，但装置的意象，就连创作它的艺术家也无法完全把握，因此，‘读者’能自由地根据自己的理解，进行解读。装置艺术家创造一个另外的世界，它是一个自我的宇宙，既陌生，又似曾相识。观众不得不自己寻找走出这微缩的宇宙的途径。装置所创造的新奇的环境，引发观众的记忆，产生以记忆形式出现的经验，观众借助于自己的理解，又进一步强化这种经验。其结果是，‘文本’的写作，得到了观众的帮助。就装置本身而言，它们仅仅是容器而已，它们能容纳任何‘作者’和‘读者’希望放入的内容。因此，装置艺术可以作为最顺手的媒介，用来表达社会的、政治的或者个人的内容。”。另一位评论家麦克（Michael Kimmelman）则指出，装置艺术在当代兴起，与它的文献记录功能有关。它在这方面的潜能，远远超过绘画、雕塑和摄影等艺术形式。此外，装置艺术的兴起，也可以看作是对“极少主义”美术的反动。如果说“极少主义”几至虚无的直接和简单在一定程度上反映了后工业社会对速度、效率的崇拜，那么，装置艺术的多多益善，则迫使观众放慢节奏。因此，装置艺术似乎满足了繁忙的当代人的生理需要和心理平衡。由于装置艺术中众多的艺术门类，以及众多实物的非逻辑，非再现的陈列，它们之间的张力构成了无穷大的观念的“排列组合”关系。同时，装置艺术还充分反映变化中的世界，因为装置艺术中静止的物品并不是绝对静止的，它们所存在的空间环境和社会处于永恒的运动中，因此它们本身的意义也在不断变化。

　　后现代社会的另一特征是摒弃极端，拥抱兼容。地球村的逐渐形成，意识形态的对立被经济合作所取代。折衷、含糊成为国际的主调。在瞬息万恋的时代，就像未来主义艺术家在他们的宣言中所说的，“试图使用逻辑来精微准确地解释一切，来解释其因果关系，是一种愚蠢的想法。因为我们周围的现实，互为牵连的事物向我们劈头袭来，它们契合在一起，混合在一起，混沌无序。”装置艺术正是这样一个说不清的世界－－杂乱的实物，令人目不暇接的录像，昏乱怪异的声响，玄言断句，雕塑加绘画。这体现西方当代人迷茫而又无可奈何，不得不以自我为中心，放弃传统宗教，在神秘中寻求对不可知的答案。装置艺术解读的不确定性暗示这种神秘，承认人类的认知是相对的，而无法逾越的不可知才是绝对的。作者的一个美国同事，一位倍受尊重的美术教授，做过好些装置，前几年就突然辞职，跑到尼泊尔落发为僧，当了喇嘛教和尚。也许做装置走火入魔，步入更高境界的“不可知”世界去了。

　　在艺术上，装置是对传统艺术分类的挑战。每个时期的艺术分类是特定的社会和历史状态的产物。19世纪，美术家们试图用各种方式对艺术进行分类，有的以主体的感觉器官如视觉器官或听觉器官来分类；有的把艺术分为空间艺术或时间艺术，有的把艺术分类成再现艺术或非再现艺术。这种探索艺术分类新方式的努力，首先说明在18世纪法国美术学家阿贝·马托的分类原则上所建立的艺术分类已不能系统地界定日趋纷繁复杂的艺术现象。人们在不断从新的角度深究艺术的本质和各种艺术门类之间的关系，正像朱狄在《当代西方美学》中所指出，现当代艺术“粉碎了每一种艺术已往所具有的，为多数人所认可的那种传统尺度和界标。这一变化首先带来的是们不再像过去那样，在传统标准的意义上对各种艺术进行分类，而不得不去重新研究各门艺术的特征究竟发生了什么变化，继续进行对某一种艺术形式的独特本质进行研究，或在此基础上转入对构成各种艺术的最共同的本质加以研究。”装置艺术自由使用各门类艺术手段，表明人类表达思想观念的艺术方式是无法用机械的分类来界定的。由于现代艺术表现手段和材料的令人眼花缭乱的变化，依靠不断更新艺术分类原则，把规律化强加给无规律变化的艺术现象，不但无助于我们认识日日更新的艺术，到头来只会弄得人们无所适从。不受限制地综合使用多门类的艺术形式，是现代艺术追求表现广度，深度和强度的必然产物。

　　在展览和收藏方面，装置艺术藐视美术博物馆的权威。很多装置艺术最初都是在“非正式”的展览场所，即不是博物馆也不是画廊的地方展出。例如旧金山的卡帕街装置艺术中心就是由分散的一栋栋经过翻修的民房组成。在西方，博物馆的艺术基本上是中产阶级的艺术。没有受过高等教育的广大劳动阶层，去美术馆画廊的微乎其微。由于装置艺术把展览的场所搬到室外，移进翻修过的民居、废弃的厂房、简陋的仓库，以“平民化”的面目出现，实际上具有艺术普及的意味，把艺术带给那些几乎不进画廊、美术博物馆的劳动人民。同时，装置艺术还反对美术博物馆用象牙之塔把艺术与生活隔离。它不仅“平民化”，还直接进入生活。有的室外装置以声响雕塑组合的形式出现，有的建成奇异的园林，有的又像梦幻世界的建筑，有的则用来装饰大楼外墙，真正成为人们可观可游，可坐可卧的生活环境。但是装置艺术进入市民的生活环境，往往不是出于乌托邦式的艺术理想，而是经济原因。很多美国城市都有公共环境艺术基金，这些基金是装置艺术家的重要赞助资金来源之一。

　　装置艺术一般以下特征：

　　1．装置艺术首先是一个能使观众置身其中的、三度空间的“环境”，这种“环境”包括室内和室外，但主要是室内。

　　2．装置艺术是艺术家根据特定展览地点的室内外的地点、空间特地设计和创作的艺术整体。

　　3．就像在一个**场里不能同时放映两部**一样，装置的整体性要求相应独立的空间，在视觉、听觉等方面，不受其它作品的影响和干扰。

　　4．观众介入和参与是装置艺术不可分割的一部分。装置艺术是人们生活经验的延伸。

　　5．装置艺术创造的环境，是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受，这种感受要求观众除了积极思维和肢体介入外，还要使用它所有的感官：包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至味觉。

　　6．装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、**、电视、录音、录像、摄影、诗歌等任何能够使用的手段。可以说装置艺术是一种开放的艺术手段。

　　7．为了激活观众，有时是为了扰乱观众的习惯性思维，那些刺激感官的因素往往经过夸张、强化或异化。

　　8．一般说来，装置艺术供短期展览，不是供收藏的艺术。

　　9．装置艺术是可变的艺术。艺术家既可以在展览期间改变组合，也可在异地展览时，增减或重新组合。

　　自然，装置艺术本身也在变化，例如，当代装置艺术不再是对传统的博物馆展览的一种反叛，相反，已经成为博物馆的宠儿。最初以反对博物馆永久收藏为其宗旨的“环境艺术”（也就是装置艺术），也被“招安”，进入博物馆的永久收藏藏品名单。再以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在它举办的67次装置艺术展览中，有58件被博物馆收购，成为永久收藏品。

              很多人在看不懂画读不懂诗的时候，认为作品的“背景”知识可以帮助自己看懂或读懂作品。我个人认为这基本是不可能的。在此我并非是说背景知识完全没有任何意义。背景知识肯定是有意义的，比如通过对某画家的生平的了解，可以使我们知道该画家为何画出这种风格的作品。然而，绘画作品的欣赏的关键是在于了解这些作品的内涵“是什么”，而不是画家“为何”表达出这些内涵。所以，对于那些一开始就不知道作品内涵的人，知道再多的“为何”也仍然达不到艺术欣赏的目的；而那些一开始就把握了作品“内涵”的人，了解画家的背景与否其实都是无关紧要的。

              为了清楚地解释我的理由，我想先定义以下“感性”和“理性”这两个词汇。“感性”，是指人受本能和情感控制的那一部分存在，是人很难用理性解释的，但却是人的存在中非常重要的一部分存在；“理性”，是指人的思考能力，是人认识外界，并能够清楚地表达这个认识的能力。这两部分的思维基本是由大脑的两个不同的部分来完成的，前者右脑，后者左脑。

              在人和人的交流中，大多数时候我们是通过理性在交流，即：通过语言这个思考的媒介表达自己，并理解他人。但某些时候，我们也会有超出于理性的感性交流，比如在某一时刻，我们突然会和某人之间有一种默契。这个“默契”，就是一种超越理性的东西。所以“此时无声胜有声” - 只有这两个人知道在寂静背后是什么。爱情就是这个“默契”的最佳例子。

              感性和理性同时存在于人身上，但程度上会各有不同 - 有些人感性强，有些人理性强，有些人两者都很发达，有些人可能两者都缺乏。

              纯艺术作品 - 音乐，绘画和诗歌 - 大都是非常感性的，也就是说是几乎无法“言传”的。“理解”、“看懂”或者“听懂”等等都是非常误导的词汇，因为这些词汇都是指的理性范畴的沟通。艺术和观者的关系其实是前面提到的“默契” - 类似情人之间的“化学感应”。这个化学感应只产生在两个人之间，是一种超出理性语言的交流。比如莫奈的画中的光感，让人感到清新明媚的舒适，这就是感性的沟通。当然，在这里我之所以用莫奈的“光感”为例，是因为能够感受莫奈作品的“光感”的人很多，所以这个例子也许能让很多人理解我要表达的意思。而之所以我还能用理性的语言表达出来，也是因为这个“光感”还属于非常普遍的浅层次的感受。更多的艺术作品和观者之间的关系就复杂得多，深沉得多。比如我自己感受到的雷东（Odline Redon）的神秘感，高更的原始，贝多芬的雄壮，巴赫的超越，柴可夫斯基的忧郁和悲壮，等等这些，都是非常个人的感受，不一定和他人相同。

              对于感性能力天生弱的人来说，要领会一幅画，一首诗，或者一件音乐作品，几乎是不能的。在此我没有任何“歧视”这类人的意思，因为这是与生俱来的本性，不由人的意志为转移的。而人类也由于文明的进化，整体来说越来越失去这样的直观感性能力。这是很无奈的事实。这样的人即使读再多的能够被理性理解的“背景知识”，仍然会在艺术作品面前一片茫然。而真正领会了一件作品的人，也都知道这个“领会”是几乎不可能用理性语言来表达的。一个简单的比方：A爱上了B，A却不可能对C用语言理性地解释自己的爱从而让C去爱上B。艺术和爱情一样，是完全“个人”的。

              相对于绘画和诗歌这种纯感性的艺术形式，文学 - 比如小说散文等 - 就好理解的多，因为其中有一半，甚至大半都是理性的内容。文学的魅力就在于它涵盖了理性和感性的两方面。所以对大多数人来说，文学作品比纯艺术作品更容易“理解”。

              一件艺术作品一旦完成，就应该是一件完整的不需要附加说明的“生命体”。所以背景知识对于艺术欣赏其实是可有可无的。从这个角度看，任何需要附加解释的作品其实并非上乘之作。在此我想提一下对我个人来说印象深刻的美国**《肖相克的救赎》中的一段情节：安迪在接到一盘“费加罗的婚礼”的唱片后，立即把唱片放在留声机上播放，并通过监狱的广播装置让歌声传遍整个肖相克监狱。此时，所有的犯人们都停下正在做的事，走到阔声器下，全神灌注地聆听在监狱里不可能听到的女高音二重唱。此时的旁白（瑞得Red的解说）最能说明这一段情节的意义：

“I have no idea to this day what those two Italian ladies were singing about Truth is, I don’t want to know Some things are best left unsaid I’d like to think they were singing about something so beautiful, it can’t be expressed in words, and makes your heart ache because of it I tell you, those voices soared higher and farther than anybody in a gray place dares to dream It was like some beautiful bird flapped into our drab little cage and made those walls dissolve away, and for the briefest of moments, every last man in Shawshank felt free（至今我都根本不知道那两个意大利女士在唱着什么。事实上是，我根本不想知道。有些事最好不要被说出来。我愿意相信，她们在唱着一些非常美丽的事，一些无法用语言表达的，美得令人心碎的东西。我告诉你，这美丽的声音飞扬到至高至远的地方，那是生活在灰色尘世的人做梦都想像不到的地方。就像是一些美丽的飞鸟突然来到我们单调的牢笼，一瞬间融化了监狱的高墙。在那短短的一瞬间中，肖相克监狱的每一个囚犯都感受到自由。）

              在我个人的印象中，没有任何一种艺术理论比这部**的这一段独白更深刻而准确地解释了艺术对人的震撼力。这段独白道出了这样一个真谛：艺术作品一旦完成，就成为一个完整而独立的全新“生命”。而这个“生命”是完全可以独立地和观者或读者沟通。或者更形象地说，这些“生命”一旦出落，就会自己成长，找到它们自己的知音。这些“知音”们，即观赏者们，即使不知道这些作品的“母亲”是谁，也仍然能和作品达到心灵的完全默契。

              这就是艺术的魅力。艺术是人最能直接和生命本身相沟通的一种无法被任何其他语言取代的形式。艺术乃生命存在之本身。

2011初稿；2018年修改

环境艺术设计中传统文化元素的运用

　导语：现代环境艺术设计通过环境设计亦或是建筑设计来体现其基本的文化内涵和设计者的创作意图。下面就由我为大家介绍一下环境艺术设计中传统文化元素的运用，希望对大家有所帮助！

　 一、环境艺术设计中传统文化元素的运用

　随着现代经济社会的全面发展，民众的生活水平不断得到提升，在满足了基本的物质需求的同时，人们迫切需要在精神文化上得到满足，文化审美要求也随之越来越高。中国传统文化博大精深，在现代环境设计设计中的应用实例越来越多，出现了很多具有代表性的艺术作品。近年来中国传统文化的在现代艺术设计中的影响力正在加强，传统设计元素在设计中逐渐受到重视。

　 二、中国传统文化与现代环境设计的内涵

　1、中国传统文化的基本内涵

　所谓的传统文化，是指在相当长的历史时期内一个民族历史上的道德传承、各种精神文化以及精神观念的有机结合体，更是一个民族凝聚力、创造力的重要体现。我国是一个具有五千年历史的文明古国，在几千年历史中形成了深厚的文化底蕴，中华传统文化元素就是指运用在建筑、诗书、绘画、服饰等之上的一些意向。以儒家文化为代表的中华传统文化对现代的经济文化建设仍旧具有鲜活的生命力，传统文化是中华民族来赖以生存和发展的根本所在。

　2、现代环境艺术设计的内涵

　现代环境艺术设计通过环境设计亦或是建筑设计来体现其基本的文化内涵和设计者的创作意图。作品强调与环境的融合关系，强调作者的艺术表达，并主要通过作品的材质肌理、色彩光泽、外部造型、比例尺寸等予以表达，包括室内装潢、景观园林、外部形貌、道路装饰等都属于环境艺术设计的范畴。

　 三、中国传统文化与环境设计艺术设计之间的关系

　1、传统文化元素赋予环境设计新的生命力

　正所谓民族的才是世界的，现代环境设计师有意识的树立融入传统民族文化的创作理念，在环境艺术设计中有效的融入传统文化元素符号，运用现代化的艺术创作手段赋予传统文化新的生命力和创造力，完美的体现本地区的民、民族文化特色，并为当地民众提供用以居住、欣赏、艺术交流的空间造型，形成具有中国特色的艺术创作模式，促进我国传统文化和现代艺术设计艺术的飞速发展。

　2、传统文化增强环境艺术设计的含蓄性

　我国传统习俗中历来讲究含蓄、深沉，这也直接映射到了当代环境设计领域。受传统文化观念的影响，我国当代的环境艺术作品大部分都注重理性思维和感性艺术的表达，艺术表现力含蓄而深沉，通过多种含蓄的艺术表现形式给民众留下了联想和想象的空间，产生充足的艺术感染力，进而提升整个民主的艺术创造力，这也正是中华文化的艺术魅力所在。

　 四、提升传统文化元素在环境艺术设计中的运用

　近年来被众人所熟知的优秀设计作品，均为具有民族文化元素融合的空间设计。环境艺术设计人员应当将传统文化元素中的精髓予以摄取，在与西方环境艺术设计理念结合的基础上，通过现代环境艺术设计理念，设计富含传统文化设计元素的符合现代社会审美需要环境艺术设计作品。

　1、对传统文化的进行复制和模仿

　在传统文化元素运用的'初级阶段，可以将传统文化中具有某些具有象征意义的视觉形态渗透于现代环境艺术设计中，使其既具备传统文化的意蕴与形象，又具备现代艺术设计的形式与意味，体现一个民族的气质与神韵。在现代环境艺术设计中可以直接运用传统文化中的具体图画和图形，并将其嫁接到一个新的载体上，赋予其新的含义，充分体现中华民族的凝聚力和创造力。

　2、对传统文化进行变异与进化

　在当代文化环境建筑设计中对传统文化进行继承和发扬的过程中不应该仅仅局限于复制和模仿的层次上，设计师在充分理解传统文化的基础上应该善于捕捉传统文化中的闪光点，并对其进行提取、转化和抽象再创造，根据实际环境设计工作需要对传统文化元素进行变异与进化，寻找现代设计理念与传统文化元素之间的结合点，运用现代设计艺术手法充分表达传统文化的基本内涵。

　3、对传统文化进行继承与创新

　要想进一步实现对传统文化的集成与发扬，体现出一个民族的思想与文化积淀，就必须对传统文化进行继承与创新，并将其运用到现代环境艺术设计中得以体现，使其既有传统建筑特征，表现出继承性；又有现代建筑风格，表现处创新性。如苏州博物馆新馆就是中国传统文化与当代建筑设计理念结合的典型代表。新馆是在充分理解当地人文历史风情和人文精神的基础上利用现代艺术设计和园林艺术设计理念建造起来的，与周围的自然人文环境完美的融合为一体，成为苏州城一道靓丽的风景线。

　4、对传统文化进行隐喻与创新

　隐喻，实质上就是通过特定的环境组成形式与构成元素，在此基础上将环境自身意外的其他精神体现出现，如文化内涵、寓意、价值取向等一系列高层次文化信心。古代室内装潢与建筑艺术，均可以通过陈设与文化图案将文化的深厚内涵全面展现出来，并且将人们的思想情感表达出来。但是，就现阶段而言，现代环境艺术设计作品的完成，需要我们对传统文化元素予以创新，只有这样才能够充分体现出环境艺术是现代的、中国的，还可以将相关地区的文化及民族特征充分体现出来，也只有这样才能够确保现代环境艺术设计作品的优质。

　 五、结束语

　综上所述，中国传统文化是本民族赖以生存的根本精神力量，更是现代环境艺术设计实现现代建筑环境与传统文化相互结合的有效切入点。因此，环境艺术设计者应该注重增强自身的文化修养，有效运用中国传统文化元素并结合现代环境艺术设计理论技巧创作出优秀的环境艺术作品，从而焕发出传统文化新的活力和创造力。

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