画家是如何用笔触表达情感的？

作家是通过文字的搭配来传递思想，那么画家就是用笔触来表达情感，同时利用色彩的变化来增强效果，抒发自己内心的情感。我认为他也是笔触表达的典范，单从表面就可以看出，它的色彩表现非常丰富，虽然颜色的种类很少，但是它表达情感依然非常丰富，也因为它的内容，它是几株盛开或者待开的向日葵，金黄的颜色象征着太阳的光芒和炽热的心脏。

中国画追求意境表达。自然景象与画者思想的碰撞与交融形成了国画独具特色的产物——意境。而触景生情，由情生景、由景升情、情景互渗是画者创作追求意境表现的一个完整过程。根植于中国传统文化丰厚土壤的国画，经过上千年的积累和沉淀形成了其独特的风格，重视意境的表现是国画的重要特征。

库尔贝一生反对官方的艺术机构，反对古典主义的因袭模拟的风尚，不满浪漫主义造作求奇的偏向。强调面向现实，接近人民、观察生活，在作品中反映当代进步思想，表达画家自己的感情。

意大利文艺复兴三杰：

＊意大利文艺复兴三杰：

文艺复兴的精神代表——达芬奇

莱奥纳多·达·芬奇于达芬奇(1452-1519) ： 意大利文艺复兴时期画家，科学家。达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇——芬奇镇，1519年5月2日卒于法国。 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物，他的成就和贡献是多方面的。他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。

达·芬奇的启蒙教师是著名的雕塑家兼画家委罗基奥,对于达·芬奇的影响不仅在严格的绘画写实方面,主要还在于培养了他对科学研究的兴趣。这是决定他日后成为文艺复兴鼎盛时期绘画奇才和多种科技研究家的关键。达·芬奇的兴趣极为广泛,除了绘画,他研究科学与哲学问题。他曾一个人亲自解剖了三十多具尸体，具有丰富的解剖知识。

盛期创作: 《岩间圣母》、《圣母子与圣安娜》、《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》。

《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期的作品，此前是中世纪宗教统治的时代，是对人类压抑的时代，其作品都是以神为题材的。达·芬奇的《蒙娜丽莎》一反传统，画的是活生生的人，以真人为表现内容，此可以领悟到其思想意义的内涵，这是代表新兴资产阶级打碎教会精神枷锁的革命。

《最后的晚餐》这是一个传统的圣经题材。坐在正中央的耶稣推开双手,把头垂向一边,作无可奈何的淡漠表情,这就加强了两边四组人物的变化节奏感,使场面显得更富有戏剧效果。而这十二个人,由于各自的年龄、性格和身份不同,他们的惊讶与疑虑表情也得到各自贴切的表现。人物之间互相呼应,彼此联系,他们的感情不是孤立的,这是大画家达·芬奇最重要的、也是最成功的心理描写因素。古代所谓“多样统一”的美学原则,至达·芬奇的这幅画上才获得了空前有效的体现,其艺术成就也即在此。作为一位伟大的人文主义艺术家，达·芬奇的民主主义立场在意大利资产阶级上升时期是坚定的。事实上也证明，他的这幅《最后的晚餐》一直在鼓舞着世界人民为反对邪恶的势力而斗争。

文艺复兴时期第二位大艺术家——米开朗基罗

米开朗基罗（475-1564年)：是意大利文艺复兴盛期的雕刻家、画家和建筑师，是文艺复兴盛期的代表。他少年时代就进入著名的"梅第奇花园"，在那里接受了艺术训练，并接触到大量收藏在那里的古代艺术珍品，在他的早期作品中已流露出不凡的气质。米开朗琪罗曾在著名画家古兰达约门下学习，但真正给他启示的是古代雕塑，他在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。在他的雕塑上，绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概。代表作：雕像---《大卫》、《摩西》《哀悼基督》；《日》、《夜》、《晨》、《暮》

画---《最后的审判》（西斯庭教堂所作的祭坛画）

雕像《大卫》(1501--1504)，像达·芬奇的《蒙娜·丽莎》一样，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。米开朗琪罗惊人之处，就在于他摆脱了文字记述的束缚，根据自己的要求，把少年大卫塑造成一位发育成熟、体魄健美的青年男子，一位如神的人，从而极具表现力地传达出他对人的信心、对新社会理想的热情。从15世纪的少年大卫发展为米开朗琪罗的成人大卫，仿佛象征了从早期文艺复兴转入盛期文艺复兴的历程。

《摩西》：对理想的英雄形象的迷恋之情，著名雕像《摩西》上得到进一步发挥。与宁静的大卫不同，这位以色列人的领袖虽然坐在那里，但他肌肉强健的形体中蕴含着无比的力量和内在的紧张感，威严的目光具有震慑一切的气势，这是一位真正的巨人，鲜明体现着米开朗琪罗"令人生畏"的风格。

意大利文艺复兴三杰：拉斐尔·圣齐奥

拉斐尔(1483-1520)：出生在意大利，师从画风柔和的著名画家彼鲁基诺。拉斐尔的一生虽然像莫扎特那样短促（两人的生平有许多相似之处）。一提起拉斐尔其人，提起拉斐尔的艺术风格，总离不开“超凡入圣”、“尽善尽美”这些始于瓦萨里的形容词，这使广大公众对拉斐尔（世界艺术史上最伟大的画家之一）的作品无法深刻领会并与之沟通，无法立即把拉斐尔的作品与那些总想用“天才”、“天才表现”等词句来标榜的蹩脚作品分开，从而在他的作品中体味生命的苦闷、浪漫的热情及感情的折磨。

文艺复兴三杰中最年轻的画家拉斐尔，只活了短暂的37年。但他留给后世的作品，一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。

拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说，他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。

代表作：《美丽的女园丁》、《雅典学院》、《西斯廷圣母》

早期的名作《美丽的女园丁》(约1606)中，拉斐尔吸收了达·芬奇金字塔形的构图方式，以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的"神的世界"。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。拉斐尔笔下的圣母，就像人间的母亲一样，以其洋溢着温情的人性，打动了历代渴望美好生活和人间温暖的观众的心灵。作于他生命晚期的

《西斯廷圣母》(1513)，完成了1514年，是拉斐尔最成功的一幅圣母像，是幅祭坛画，一直保存在西斯庭教堂里，故得此名。它兼具两种秉赋，她既象一位善良的民间女性，又具有女王式的严肃性。圣母抱着圣子降落人间是为了献出自己的儿子。西斯庭圣母所具有的文雅、温柔与美貌，致使一位俄国画家感慨地赞美道：“拉斐尔画的圣母，本身就是对人类的想象力的创造。”这一庄严而典雅的圣母形象，可以说是画家所有圣母像中集大成者，是他最成功的一幅圣母像。

简单概括：

1达·芬奇的主要艺术特色和艺术成就:

①艺术特色：把自然科学知识引入美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。如他的代表作壁画《最后的晚餐》完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划，都显示了古典美术大师达·芬奇的艺术特色。

②代表作：木板油画《岩间圣母》、壁画《最后的晚餐》、油画《蒙娜·丽莎》；

2米开朗琪罗的主要艺术特色和艺术成就:

①艺术特色：米开朗琪罗的作品以力量和其实见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。他早年的雕塑《大卫像》是最鲜明展示盛期文艺复兴美术特点的作品。他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

②代表作：雕塑《大卫像》、《摩西》、西斯廷天顶画《创造亚当》、祭坛画《末日审判》、雕塑《基督下十字架》、设计圣彼得大教堂穹隆；

3拉斐尔的主要艺术特色和艺术成就:

①艺术特色：拉斐尔的作品一直被人们视力为古典美术精神最完美的体现。他是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最为推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。

②代表作：油画《圣母的婚礼》、《美丽的女园丁》、《西斯廷圣母》、《座椅中的圣母》、壁画《雅典学派》；

＊印象主义、后印象主义主张和代表作：

印象主义绘画是19世纪法国绘画的进一步发展。这一派画家从19世纪光学研究的新成果中认识到色彩的变化源于光线的变化，于是走出画室在自然光下作画，努力描绘物象在特定时间内所呈现的鲜明的色彩。

印象主义代表人物的基本成就：

①马奈的艺术成就体现在绘画观念的革命和风格的演变；代表作油画《草地上的午餐》、《奥林匹亚》、《吹笛少年》、《牧人狂游乐场酒吧》；

②莫奈以看似随意实则准确抓住本质特征的迅捷笔法，把流动不居的光色效果固定在画布上，给人留下瞬间美的永恒图景。代表作油画《日出印象》、《睡莲》；

③雷诺阿：油画《糕饼磨坊》、《沙邦蒂埃夫人及她的孩子》、《阳光中的裸女》、《浴女们》；

被称为“后印象主义”的画派，除了表明这一画派的画家与印象主义画家有着密切的联系外，从本质上讲，后印象主义又是反印象主义的。因为，后印象主义绘画的主要特点，是反对忠实地描绘客观世界，而要求表现画家对客观世界的主观感受，以至可以不受客观对象的形体与色彩的束缚。所以，同属后印象主义画派的三个最主要的画家——法国的塞尚和高更、荷兰的凡高，在他们各自的作品中除了体现这一画派的主要特点外，还具有鲜明的个性。

①塞尚试图实现一种新的坚实结构，并力求对所见事物进行高度理性的综合。正是从这个意义上说，20世纪的艺术通常被认为“从塞尚开始”。它成为立体主义的先驱和20世纪各种理性化抽象艺术的开拓者。代表作油画《玩纸牌的人》、《圣维克图瓦山》。

②保罗·高更主张绘画的抽象性，亦即在；和概括的特性，一直在思考形、色和线的抽象意义。它特别创造了大块色彩的表现力，创造了一种既有抽象性又带装饰性的绘画。代表作有油画《布道后的幻想》、《我们是谁,我们从哪里来,我们到哪里去》等。

③文森特·凡高在现代艺术中也许是最出名的，因为他的画具有最独特的个性和非凡的魅力。他画的日常物品都具有极强的个性特征。在形与色的处理上，他喜用夸张或简化的手法，削弱传统的光影手法，有意识地强化色彩价值，利用色彩对比取得价值。代表作油画《向日葵》、《星夜》、《乡间夜路》等。

＊20世纪西方美术的特点：

①对传统的借鉴打破了民族、地区、国家、时间等人为的或自然的障碍而更具世界性；

②各门类艺术之间相互影响更趋密切，美术内部，各种形式也相互借鉴、融合，以致一传统的分类和观念已失去了存在的价值；

③“反传统”成为这个世纪艺术的主流；

④20世纪西方艺术更趋向多样化，更具有多变性和主观随意性。

达达主义的基本倾向：

①1916年，一批逃避战争来到中立国瑞士的青年会聚在一起，成立了名为达达的艺术团体。达达形成了一场文学与视觉艺术的运动。“达达”是个杜撰的词，本身并没有什么特点的含义。达达主义攻击以往的文艺传统，包括20世纪初的实验性运动，以批判的眼光重新审视以往文艺的指导原则和美学观念。然而，在艺术方法上，达达主义者接受了未来主义的喧闹，立体主义的并置和任何艺术创造中都存在的偶然机遇。

②代表人物：

a苏黎世达达中最主要的艺术家是让·阿尔普，他主张偶然机遇应当是创造活动比不可少的部分，利用偶然事件是实现把无意识置于艺术之中的主要措施。代表作《躯干·肚脐》；《榔头花》，他所用的是拼贴画的方法，借助抽象化的有机形状和随意涂抹、非描绘性的色彩创造了一个超然于可见世界之外的幻想世界。

b纽约达达团体的核心人物是马塞尔·迪尚。他进行的是“现成品”的实验。“现成品”是指选取日常生活用品或废旧物品制成的艺术品。如《自行车轮》、《泉》、《新娘甚至被光棍们剥光了衣服》等；

他第一件现成品作品《自行车轮》(1913)就是一只安装在垫凳上的车轮。这种嘲弄审美原则、赞扬荒唐行为、宣传反艺术的态度对后来的艺术思想有特别重要的影响。最著名的解释是，他把一个现成品，一只尿斗放到展览会上，取名为《泉》(1917)，他说，"我把小便器放到他们(观众)面前，现在他们走来赞赏它的美。"现成品这个概念似乎很适合于那些不是艺术品的东西，它也不是指速写，也不符合于艺术领域公认的术语。这个概念对后来装置艺术很有影响。他的《新娘甚至被光棍们剥光了衣服》以混合材料制成，表现了一种人为机器、机器为人的荒诞感。

一直以为，一个真正优秀的画家，一定是既能娴熟的运用绘画技巧描摹自然而又善于表达自我思想情感的画家。

绘画作为一种视觉艺术，以图象的形式反映客观物象是其本质特征之一，描摹自然是绘画的本能，也是一个画家应该具备的基本功。

人们常说，艺术来源于生活，生活就是自然，艺术是对自然的反映，也就是对生活的描摹。但是艺术又高于生活，这高于生活的地方就是画家将自己对生活的理解自己的思想情感和艺术理念融入对生活自然的描摹之中，使生活得到了提炼升华，从而给人以心灵的共鸣理性的启迪和美的享受。

达芬奇创作的《蒙娜丽莎》，女主人是现实中的真人，背景是自然状态下的蓝天白云树木房屋，这是对自然的描摹。但是达芬奇通过人物的表情神态动作，和人物与背景巧妙的融为一体，将人文主义思想和自己的丰富情感融入画中，从而产生巨大的艺术感染力。人们在审视这幅画中，既有一种生活中似曾相似的亲切熟悉感，又能感受到画中蕴含着很多思想情感内涵，仅对蒙娜丽莎的微笑就能做出很多种解读。

达芬奇创作的《蒙娜丽莎》，女主人是现实中的真人，背景是自然状态下的蓝天白云树木房屋，这是对自然的描摹。但是达芬奇通过人物的表情神态动作，和人物与背景巧妙的融为一体，将人文主义思想和自己的丰富情感融入画中，从而产生巨大的艺术感染力。人们在审视这幅画中，既有一种生活中似曾相似的亲切熟悉感，又能感受到画中蕴含着很多思想情感内涵，仅对蒙娜丽莎的微笑就能做出很多种解读。

安格尔的《泉》是人们耳熟能详的一幅人体油画。人体美是一种自然的存在，但安格尔的《泉》不仅真实客观地描摹出了人体的美，而且将自己对人性的认识融入画中，通过画中人物的表情神态透出一种纯真无邪的神韵，通过陶罐中泻出的清冽的泉水来映衬女子清澈干净透明的心灵，使人们在欣赏这幅画中不仅感受到人体的美，而且感受到人性的美，却不会有低俗的旁念杂想。

无数事例说明，真正优秀的画家，不仅具有高超精湛的描摹自然的画技技巧，而且有着深厚的文化艺术修养，有自己独特的对生活对自然的感悟理解能力，在对自然描摹的过程中融入自己的思想感受，从而创作出感染人鼓舞人启迪人打动人心震撼人心的艺术作品。

中国美术作品中的人物情感表现一直是一个重要的创作方向。自古以来，中国画家们通过笔墨和色彩的运用，生动地描绘了人物的内心情感，表现出了鲜明的时代特色和文化风貌。在中国画中，人物的情感表现是一种非常重要的艺术手法，它能够传达出作品的主题和情感，让观众感受到作者所想要表达的情感和思想。

中国画中的人物情感表现通常通过表情、姿态、动作、服饰等方面来展现。例如，通过人物面部的表情来表达情感，通过人物的姿态和动作来展现人物的内心活动。在中国画中，人物的服饰也是表达情感的一种方式。不同的服饰和饰品可以传达出不同的文化和历史背景，从而让观众更好地理解作品所要表达的主题和情感。

中国画中的人物情感表现，不仅仅是展现人物的内心世界，也是展现整个社会历史和文化的重要手段。在中国历史上，每个时代的社会文化都有其独特的特点和表现形式，这些都可以通过人物的情感表现得到体现。例如，唐代的花鸟画和宋代的山水画，在人物的情感表现上都有其独特的特点和表现形式，这些都反映了当时的社会文化和艺术风格。

总之，中国画中的人物情感表现是一种非常重要的艺术手法，它不仅仅是展现人物的内心世界，更是展现整个社会历史和文化的重要手段。通过对人物情感的表现，中国画家们能够传达出自己对社会、人生和世界的理解和感悟，从而创造出深具内涵和意义的艺术作品。