唐代张萱和周眆在仕女人物画的内容和形式方面有何异同？各自有何代表作

　　瓷上工笔仕女画，是传统陶瓷绘画的重要组成部分。用笔工整，刻画细致，色彩典雅，具有很强的艺术和装饰意味。瓷上工笔仕女画从线的组织、脸部刻画、色彩的运用、墨色分布、细节描绘、构图的变化，都贯穿着艺术与装饰趣味。这种艺术与装饰性是将现实生活中的物象，按其本质特征和客观规律，用形式美的手段给予加强、减弱、集中、取舍、夸张、变形，进行艺术再创造得来的。它强调自然形态更单纯、明快和具有韵律感，使画面具有艺术性，从而成为瓷上工笔仕女画的重要装饰性特点。

瓷上工笔仕女画，在表现效果方面主要通过线条、色彩、构图等绘画元素体现出来，各种元素之间相互呼应，通过具体形象的描绘，创造出既有形象美又有装饰意味的艺术作品。是一种既与现实相符而又不等同于现实并高于现实的一种理想的美、意境的美，是节奏与韵律同造型相和谐，而又高度概括的一种装饰美。

瓷上工笔仕女画的第一个特点是用线塑造人物，从而达到“形神兼备”、“气韵生动”的艺术效果。中国画注重写神，西画重在写形。从中国画体系来看，从古至今都是用线来塑造形象，它所具有的丰富表现内涵和装饰特色，是其它画种不可比拟的。

瓷上工笔仕女画在线条运用方面，借鉴和吸收了中国画的表现技法，以线条的细密精到、连绵不断、悠缓自然表现人物的形神，富有很强的节奏感、韵律感和装饰感。古人将中国画线条总结为“十八描”，这是他们从实践中不断探索和总结出来的成果。归纳起来，描线方法基本可以分为三大类线：一类线型粗细变化不大，压力均匀，力量含蓄，劲紧连绵；另一类线型粗细变化较大，压力不一致，线型呈多种变化，宜于表现动势和力度；还有一类线型变幻莫测，多用偏急之锋，速度快，往往有意到笔不到之境，是写意画专用线。这三类线在作画运用时有所不同，所表现出来的意境也不一样，但都能表现出独特的内涵及装饰效果。在用笔技巧上也不同于西方绘画，注重墨色的浓淡干湿粗细变化等等，以增强画面的艺术与装饰语言。

线条具有很强的概括能力。在绘画造型时可以舍弃一切繁乱复杂的细节，提炼出能表现物象结构的线条组合，能准确、生动、迅速地表现形体，有效地突出基本特征，达到画面整体效果的和谐。线的组织及线型变化直接决定画面的效果和艺术性，如北齐曹仲达画佛像，笔法稠密，衣服紧窄，犹如水中而出；唐代吴道子画人物，笔势生动，衣带飘举，两者之画风，被后人形象地称之为“曹衣出水、吴带当风”。从脱水而出、当风一舞所具有的规整、飘逸、刚劲、柔美的线条中，我们不难体会出传统工笔画的装饰情趣。在现代瓷上工笔仕女画中，如笔者创作的瓷板画《左右》，线条的排列组合以及人物的衣纹处理都运用了现代绘画手法，在衣服、帽子和背包上突破了传统仕女画衣服的染色技法，巧妙地结合结构与素描关系，达到层次更加丰富立体感更强的艺术效果。背景用虚线勾画正在生长的植物，再用色彩作出远近虚实的关系，无不让整幅画面体现出生机勃勃的现代艺术气息。在绘画的过程中，由于所绘人物衣料质地的不同，衣纹会产生刚柔、曲直、疏密、粗细、轻重、方圆的变化，但唯一不变的是人体结构。因此，衣纹及其它附属物要根据人体的结构进行组织和处理，最后达到线与线笔意相随，互相呼应，和谐生动，富有节奏感和装饰性，表现出女性的阴柔美感。

瓷上工笔仕女画的第二个特点是色彩的装饰化。中国工笔人物画在运用色彩方面渊源流长，历代画家为后世留下了丰富而宝贵的遗产。不同风格流派的工笔人物画作品，如涓涓清泉，汇集成浩瀚的传统绘画艺术长河，形成了在设色上独具特色的中国工笔人物画的完整体系。南齐著名画家谢赫在其“六法论”中就提出了“应物象形，随类赋彩”的观点，把色彩的应用归结到对“类”的认识之上，成为工笔画家千古不变的着色格言。

在传统瓷上工笔仕女画中，色彩不仅在画面中有均衡构图的作用，更重要的是它通过不同的色彩语言释放出不同的色彩情感，从而使观赏者与画面能进行良好的沟通，起到传情达意的交流作用。而从色彩使用来看，最富装饰性的当数工笔重彩画。工笔重彩画在着色上要求石色为质，水色为文，并在石色的基础上，用金色勾描或渲染，赋色柔丽多姿，以追求画面的富丽堂皇、雍容华贵的装饰效果。

瓷上工笔仕女画，用色讲究理性、单纯化的装饰味，色彩越单纯、越限制，装饰性越强。色彩总是和情感联系在一起的，其颜色意义与水墨画趋同。中国画的色彩和客观物象没有简单的等同关系，故可以随心所欲调配变化，目的不在写真，而是起一种装饰美化的作用，增强画面的节奏韵律感，借以抒发情感，所以瓷上工笔仕女画的色彩是情感化、理性化、装饰化的。

色彩情感化、理性化、装饰化的特点，我们还可以从历朝历代传世的名画名作中体味到。而且从唐代人物绘画中，我们还可以了解到色彩装饰效果，不仅能够迎合上层社会的欣赏趣味，同时还能体现画中人物的不同身份、气质、仪态和相互关系，具有色彩渲染的装饰韵味。如张萱的《虢国夫人游春图》、周防的《簪花仕女图》、阎立本的《步辇图》等“绮罗人物”画就是其中的代表。这种画风在唐代院体画中很普遍，也非常盛行，它使贵族主义和装饰写实主义审美意趣交融画中，有很强的审美意味。

如果说雍容华贵的色彩装饰画风，是唐代的皇家贵族所追求的“镂金错采”形式美反映的话，那么，为历代文人士大夫们所欣赏和偏爱的则是“清水出芙蓉”般的淡逸雅致。这种色彩的装饰画风出现于北宋中后期，如张择端的《清明上河图》、李公麟的《明皇击球图》等在文人画家中很是风行。当时因为理学的盛行，人们追求的是美学上的质朴无华、平淡天真的情趣和韵味，这种审美意识在工笔人物画色彩方面，追求色调单纯和谐，而又不失其内涵的装饰意味，在很大程度上反映了恬静高逸的审美趣味。

瓷上工笔仕女画的第三个特点是平面化的空间处理。在空间的表现上，工笔仕女画非常注意采用平面化的空间艺术处理，将真实的三维空间转化为平面的二维空间，这种艺术手法的运用使工笔仕女画的布局表现出很强的装饰性。

传统的中国工笔仕女画的构图与西方绘画构图大不一样，它突破了西方绘画的焦点透视，而采用“散点透视”的方法，对艺术对象进行超越时空限制的整体把握，从而拓展了画面的意境。散点构图是中国工笔人物画的一个主要特征。散点构图中没有统一的灭点，不能产生第三维空间，但可以保持画面的平面性，更好地体现画面的装饰美。

瓷上工笔仕女画在画面构成上，打破了时间空间的局限，可以把世间一切不同时空的事物组织在一起，而不受表现对象在时间和空间的限制，并以其独特的艺术语言，使不同物象的具体形状、实际比例和视觉关系协调完美，使散乱的形象均衡、连缀、巧妙地结合起来。

自古以来，艺术家们一方面按照美的规律塑造形体，另一方面又在努力捕捉美的规律具体因素。如前所述瓷板画《风行》和《秋》，在空间层次处理、勾线、着色等具体手法上，既保留了传统中国画的精神特质，又有所突破。在追求人物二度空间的塑造时，超越了传统的单一平面性，既有厚度又很空灵。具体渲染时用接近平涂的着色手法，不仅避免了刻板，突出了线条的独立审美作用，同时利用色彩间的铺垫和呼应，在单纯中突出装饰性花纹图案和几何线条的巧妙运用，使画面产生很强的现代感。这种平面化的空间艺术处理，它统领于画面整体的气氛和意境中，切合于朴素自然的审美取向中，是在新的层面上对传统的拓展，使传统工笔画所不具备的深入程度和工笔与素描、共性和个性、相融性与差异性进行有机地结合，是对“外师造化，中得心源”的真正延续。

总之，瓷上工笔仕女画之所以能够以独特的艺术魅力屹立于陶瓷绘画之林，正是由于在写实技巧中糅入了华美工巧的工艺手法，充分运用了装饰手段，达到画面工整、富丽的艺术效果。而这种装饰效果又是通过线条、色彩和构图这三种因素的有机联系所形成的。

1相传，早在西元前三世纪时，希腊数学家就已提出透视图法的基础光学理论，有个数学家尤克立德（Eukleides）说：视线是直线的，且形成以眼睛为顶点，物体为平面的锥体，因此同样物体在远处看起来较小，平行线看起来集中於一点，将圆形倾斜则变为椭圆形…

数学家发展出相关的视觉理论后，艺术家与建筑师们也纷纷投入研究与应用，西方以理性与科学方法对透视图法发展的相当成熟，世纪各地对这种线型透视的发展早晚不一，不过在文艺复兴时代应该算是非常蓬勃发展的时候，在严谨理性的态度下，透视图法几乎成为绘画表现空间的唯一法则，影响甚钜。

相信有相当高比例的读者都学过透视图画法，因为这是绘画、设计与图学基本的课程之一。不过，我却也相信在学了大致的观念之后，多数人后来却不太有应用的机会。尤其有了电脑能做3D绘图后，透视图不但显得繁琐、限制多、且容易错误百出，最后结果还比不上随便用3D软体胡乱建构贴图的模型！

有那麼糟吗？的确，在很多方面来说是如此，但做这样的比较是不完全适宜的，换个容易了解的例子来说：摄影术成熟后，绘画被取代了吗？

二、透视原理与方法：

（一）透视原理

透视在古老的过去，是一种描绘视觉空间的科学，试想我们的眼睛随时会任意飘动、改变方向、改变焦距，古人要把自己的所见画下来，从平面的轮廓描绘，进步到绘制透视图，是多麼不可思议的发展。时至今日，摄影技术帮助我们去了解，详细检阅空间环境，因此我们可以将相机所拍下的事物与透视图法做比较，对透视图会有另一层更新的了解。

为甚麼会有透视(perspective)效果？因为人的两眼有著大约 6cm 的间距，所以对一件东西(或一件东西上的某个部位)而言，其实两眼的是以不同的角度来观察它的，所以东西会有往后紧缩的感觉。

越近的东西两眼看它的角度差越大，越远的东西两眼看它的角度差越小，很远的东西两眼看他的角度几乎一样，因此放得离你较近的东西，紧缩的感觉较强烈，所以说画静物一定要注意透视，画远处的风景倒还无所谓。

既然所有的东西都会往后紧缩，那麼必然会交会在无限远处的点，透视的要诀在於定消失点(vanishing point)，一幅画只要所有的物体都延伸聚於相同的消失点，看起来就会合理，所以要让自己的话看起来不突兀，只要把握这个原则就够了，比做精准的测量有效。

（二）透视方法

透视方法的定义，简单的说是把眼睛所见的景物，投影在眼前一个平面，在此平面上描绘景物的方法。在透视投影中，观者眼睛称为视点（Station Point），而延伸至远方的平行线会交於一点，称消失点；如果说到这还不知道意思，想想向前延伸的铁轨吧。因我们所绘制的物体不同等等因素，有所谓一点透视、两点透视、三点透视等。

所谓的一点透视和多点透视其实说穿了都是相同的，(通常)在后方找一点消失点，然后，让所有的线聚集到它就是一点透视，两点透视就是往左往右各找一点消失点，三点透视就是往左往右往上(下)各找一点消失点，让物体往左往右往上(下)

都有紧缩的效果。

2立体主义的代表画家是毕加索和布拉克。毕加索曾说过：“当我们搞立体主义时，并没有搞立体主义的打算，而是要表达我们身上的东西。”布拉克则承认：“立体主义，或者不如说我的立体主义，乃是我所创造的，为我所用的一种手段，其目的在于使绘画符合我的天赋。”他们两种气质的结合，又通过格里斯和莱热各自的努力将它们重新结合在一起，这就形成了有活力的立体主义。 立体主义画家并没有系统的理论指导，只是每个人按着自己的思想去探索。毕加索说：“我要按照我的想象来作画，而不是根据我所看到的。”布拉克也说：“画家并不想构成一件奇闻轶事，而是要造成一种绘画的事实。”

1910-1911年是立体主义的第一高峰。毕加索画了《坎威勒尔像》、《弹曼陀铃的少女》、两幅《弹吉他的人》、《伏拉像》等人物像。毕加索的结构分析技巧已达到纯熟。各个分解面与立方体组合十分协调，从而忽略色彩，留下的是单一色。

与囿于欧几里德三维空间的传统画家不同，毕加索摒弃了透视法这种方式，因为一个物体的外形、位置、速度和时间性取决于观察者的视点，唯一能够对它进行客观表达的方式是放弃所有预先的参照物，并将所有的视点同时考虑进去。正是通过引入视角的相对性，他们才得以追求绝对，追求真实。 http://baikebaiducom/view/95722htm和http://csgzeducom/jiaoshijixu/lvshuye/yinjin09/wgmszpsx/shangxi/sahngxi004/litiszhuyi/liti_bijiasuo01htm

3从周昉的《簪花仕女图》看唐代人物画特点

通过学习中国古今名画欣赏析，在欣赏一幅传统中国画时，首先会感受画面带来的“形神”“气韵”然后是笔墨布局，最后思考总结作品的艺术特点。地位和影响。

《簪花仕女图》是唐代画家周昉的作品也可以说是代表作品吧。看首先应了解周昉的一些基本情况，周昉出身贵族，先后做官，对宫廷族妇女生活十分熟悉，因而对族妇人及侍女的气质神态把握精确，通过对人动作细节的描写刻画。体现也唐代人物画最重的以形写神的艺术特点。

《簪花仕女图》是描写春夏相交时节一群服饰艳丽云鬓高耸的贵族妇女、赏花、戏犬、观鹤、漫步的场景。无论用笔。用墨设色都体现出唐代人物画的精髓，用笔纤细。而又不却弹性，设色清丽艳明对质感的描绘把握非常贴切到位。细纱衣轻薄透明，肌肤丰韵、白皙。头饰闪亮。多层烘然、罩染、分染相结合和以色代线的手法都开启唐代工笔人物的新风。

纵观唐代人物画《簪花仕女图》从内容上体现出绘画题材。较以前也发生了度化。转化人情世俗化，从线段来看，唐人的线描也多了更多的度化，画面布局上用假山烘托主体，人物的用大小来体现主次。从贵族妇女的体态也体现了唐代人对人物审美要求！ 妇女都以肥胖为主，有着丰颊硕体臃肿高贵的身体形象。头饰都是直竖型，梳把较高，横面较窄。

官吏领大多是圆翻领，对襟，窄油，锦边。

我也只知道这么多了，对不起。

http://zhidaobaiducom/question/21273985html

最近学习了清华大学孙玉敏教授在网上开设的“中国工笔人物画赏析与创作”课程。

这门课非常有意思，老师讲解了中国工笔人物画的发展历史，介绍了其中的代表画家及作品。并着重讲授工笔人物画的技法，通过亲自示范和学生的现场练习告诉我们如何去深入理解，其中穿插着对学生作品的点评，令人获益良多。

这门课共布置了两次作业，每次作业都留有几周的时间去完成，结果我原本听课的时间就临近截止日期了，硬是拖到最后一天才匆匆忙忙地画了两张画交上去，自然是不尽人意的。本来工笔画是一门非常考验耐心的技艺，急不得，快不得。

其实很早以前就对工笔人物画感兴趣，初中的时候有一次和父母逛书城，坐在绘画类的书前，捧着几本工笔人物画挪不开眼，几乎待了一个下午，父母几次来催都不忍离去（妈妈不肯给我买太多这类书籍）。

当时有一本书被我翻了又翻，是一个女画家画的，整本书都是各种古代女子，螓首蛾眉，衣袂翩跹，或娴雅端庄，对书沉思，或活泼俏丽，采莲而歌。

很长一段时间都对那位女画家的名字念念不忘。不过后来又被其他事物吸引住了心神，对国画的趣味渐渐淡了很多，现在竟全然想不起那位画家姓甚名谁了。(＃￣～￣＃)

这门课让我重拾起对工笔画的爱好。很久不执毛笔，本来对这软趴趴的笔尖就不大hold住，现在更觉手生，画出来的线条粗细不一，墨色变化也未能很好控制，很多地方画得不够细致，没作深入刻画，权作黑历史的见证。

线描写生原型来自一位朋友结婚时的场景，脸庞作了改动，窗台加了一盆栀子花，表达新娘满怀憧憬、甜蜜而忐忑的心绪。其实还是有很多想表达的没有表达出来，时间不够，功力也不够（这才是重点）。等以后画技提升了一定要把这张重新构思并画一下。

总之，画画还是得多练啊！