帕拉德的油画作品

名称：《帕拉德和人头马神》作者： 桑德罗·波提切利（佛罗伦萨，1445—1510年）创作时间： 佛罗伦萨，约1482年材质：画布油画规格：207×148厘米收藏地：意大利，佛罗伦萨，乌菲齐画廊

此画名称来于亨利·里多尔费的错误解释。1895年，他依据十六世纪古老之传统和礼仪，把女神定为“帕拉德”，即雅典娜。如果是雅典娜，那么在女神之形象中便缺少了最常见的两个标志：盾牌和头盔。直到今天，这一难以捉摸的寓意仍吸引着美术评论家对它做出不同解读。

说到意大利文艺复兴时期的绘画，“佛罗伦萨画派”和“威尼斯画派”注定是两个绕不开的话题，因为佛罗伦萨画派是文艺复兴中期（盛期）最活跃最见成果最有影响力的画派，这一画派的代表人物达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔不仅是佛罗伦萨画派的****，而且还是全意大利画坛的领袖，而且被誉为整个文艺复兴时期的绘画“三杰”。

可以这么说，正是以“三杰”为代表的佛罗伦萨画派将意大利乃至整个欧洲文艺复兴时期的绘画推向了高潮。而且从形式上完成了古典主义写实油画的创立，从内容上确立了以“人本主义”为主旨的主流主题。

“威尼斯画派”是在文艺复兴后期继佛罗伦萨画派之后在意大利著名水城威尼斯形成的又一个影响巨大的画派。该画派的代表人物贝里尼、乔尔乔内、提香师徒三人被誉为威尼斯画派“三杰”。其主要特点和贡献是将古典主义写实油画在创作技法和表现手法上进一步创新完善，比如说乔尔乔内在油画创作中更加注重了背景的描绘及在画面中的比例，使画面更加优美可观更具立体空间感，如乔尔乔内代表作（入睡的维纳斯》风景绮丽，美仑美奂。

而乔尔乔内的师兄弟提香则在油画的色彩关系处理运用上表现的更加圆熟自如，被誉为是“用遍了威尼斯水城全套色系的绘画大师”。如提香代表作《圣母升天记》以厚重的色彩使画面产生出一种庄严静穆华美富贵的氛围。

如果说佛罗伦萨画派是古典主义油画的开创者和奠基者，威尼斯画派则使古典主义油画进步瑧于成熟。如果说佛罗伦萨画派将意大利文艺复兴绘画推向极盛，威尼斯画派则是对意大利文艺复兴绘画的完美收宫。

作品名称：《春》

英文名称：LaPrimavera

作品年代：1477年

是桑德罗·波提切利的作品，桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli；Alessandro Filipepi，1445—1510）是15世纪末佛罗伦萨的著名画家，他画的圣母子像非常出名。受尼德兰肖像画的影响，波提切利又是意大利肖像画的先驱者。

《春》的简介：

佛罗伦萨乌菲兹博物馆（203X314厘米），1476——1480年间为佛罗伦萨一位贵族的宅邸所作。

波提切利将永恒的春天描绘出来，这一切都极为轻快优美。“这种表现技巧之于绘画，犹如音乐之于话语。”

历史上不少诗人颂赞美神维纳斯。美第奇宫廷诗人波利齐阿诺说：维纳斯漫步在月光下，如皇后般庄严，如春风般和煦，她走过的路上，

《春》万物萌发，鲜花盛开。神话中的维纳斯是美丽的象征；也是一切生命之源的化身。波提切利笔下的维纳斯是代表生命之源的女神。画面右上方是风神，他拥抱着春神，春神又拥着花神，被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花；画面中间立着女神维纳斯，在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特；维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞，她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”，给人间带来生命的欢乐；画面的左方是主神宙斯特使墨丘利，他有一双飞毛腿，手执伏着双蛇的和平之杖，他的手势所到，即刻驱散冬天的阴霾，春天降临大地，百花齐放，万木争荣。这是一幅描绘大地回春，欢乐愉快的主题。然而，画中人物的情态，画面并无欢乐之气氛，像春天里吹来一阵西北风，笼罩着一层春寒和哀愁；若有所思的维纳斯，旁若无人，进入自己的内心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，颇有逢场作戏的感觉，令观赏者不解。自文艺复兴始，人文主义精神渗入文艺创作，画家往往借助于宗教神话题材和神的形象，寄托自己对社会、自然和人生的思想情感，传达自己的理想，在波提切利所塑造的艺术形象中，都寓含着对现实的惶恐不安。画家当时体弱多病，抱病从命作画，这种心境所创造的艺术形象自然也就忧郁哀伤了。桑德罗·波提切利（SandroBotticeli 1445-1510）是意大利文艺复兴时期的画家。《春》作于1478年，正值他37岁艺术生涯的巅峰时期。

佛罗伦萨是我心中向往的城市。因为对艺术的热爱，这次旅行计划了很久。希望能有足够的时间看到自己想要的一切，对以后故地重游大有裨益。

你在找去费伦泽的站台吗？在罗马火车站有人用意大利语问我这个问题的时候，我终于明白为什么“佛罗伦萨”又叫“翡翠绿”了。佛罗伦萨明明是英文的音译，我还以为翡翠冷翠只是志摩哥的名声。意大利人这么一说，立刻就开窍了，就像意大利人的发音一样！这绝对是信达雅的翻译！太棒了。

我从罗马中央火车站坐慢车去了翠绿色。一开始主要是为了省钱。虽然快车一个半小时就能到达，慢车四个小时，但毕竟票价便宜一半，省了二十欧。我慢慢意识到，这绝对是一个明智的决定。那种向日葵的海洋让我想直接跳下火车，拥抱大自然！烈日当空，蓝天一扫阴霾，一团团肥沃的白云像棉花糖一样飘着。绿色的树木，**的田野，驼色的石屋，绿色的山丘，夹杂着炊烟。难怪有‘托斯卡纳艳阳天’的说法。颜色怎么会这么清晰？这么迷人？一想到这个地区的美酒佳肴和橄榄油，我就彻底陶醉了！托斯卡纳的美果然名不虚传！

第一天

入住后直接逛到山顶的米开朗基罗广场，在这里可以欣赏佛罗伦萨的日落，城市全景尽收眼底。所谓山顶不太高。爬上去只要二十多分钟。佛罗伦萨用灿烂的阳光拥抱我。

在山顶的米开朗基罗广场中央，有一座大卫的铜像。虽然是以防万一，但还是让我觉得大卫在盯着整个城市，或者说米开朗基罗在盯着整个城市。我被山顶暖阳下的红色佛罗伦萨和广场上的向日葵画吸引住了。红色的屋顶，错落有致，阿诺河在市中心缓缓流淌，有时还会修建一座小桥。这种典型的欧洲风光，却让我毫无防备，每次看到都是那么的着迷。此刻，斜阳在城市上空绽放，像一个守城多年的画家，向翠绿色的人们展示着他精湛的技艺。隐隐有彩霞，若隐若现的红顶，美丽，如此虚幻。我把这美景印在脑海里，不忍看夕阳西下，慢慢离开了山顶。

从山顶下来，沿着阿诺河一路走到市中心。河边的房子多是红黄相间的平房。颜色相当鲜艳，体现了河流的绿色和委婉。一切都刚刚好。

过了一会儿，我来到了河边的乌菲齐画廊，这是一个普通的美术馆，却享有宫殿的美誉。我也很早就订了票，安排明天参观。美术馆的对面是佛罗伦萨标志性的古桥。她已经静静地躺在阿诺河上一千年了。这绝不是一座仅仅为了过河的桥。桥上有许多商店，甚至还有雕塑。从桥的两边望去，阿诺河周围的景色是如此的宁静和美丽。当夜幕缓缓降临，月色笼罩江面，周围的灯光一盏一盏亮起，城市更加沉醉。相传但丁在古桥上遇到了他的女神阿特里斯，古桥周围还可以找到一张名为《但丁与比阿特丽斯相遇》的明信片。好像也是一个有故事的桥段。在旧桥周围，商家不计其数，已经不是我们印象中的小店了。意大利精致的手工皮具在这里再次大展身手。手套、皮钱包、皮零钱包、皮带、皮包虽然价格不便宜，但商品质量最好。

夜幕降临，粗略地看了一下她的风格后，我总是对她的美食和美酒印象深刻。环绕佛罗伦萨葡萄园的丁字牛排、提拉米苏和托斯卡纳葡萄酒，也是意大利著名的葡萄酒产区。所以在佛罗伦萨的一些小餐馆里，有时会有商家酿造的葡萄酒。我可以一个人喝掉大部分瓶子，醉醺醺地睡在床上，这是佛罗伦萨最幸福的事情之一。

第二天

第二天的行程很简单，就是去参观昨天路过的乌菲兹美术馆。佛罗伦萨是文艺复兴的摇篮，游览佛罗伦萨的美术馆绝对不容错过。一天是不够的！

这座举世闻名的美术馆，始建于1560年，最初是美第奇家族的一间办公室(在意大利语中，乌菲兹与office谐音)。直到1581年，整个工程才完成。1765年，乌菲齐美术馆正式对外开放。进了图书馆就能买到中文版《参观指南》，那就带着书来一次有趣的艺术之旅吧。达芬奇、波提切利、拉斐尔、卡拉瓦乔、米开朗基罗、乔托那些著名的大师们正在美术馆里和你静静地交谈。我特别喜欢波提切利的《维纳斯的诞生》。对于一个不太懂艺术的人来说，这幅画的美自然让我想起了翠绿色的美。除了这些，我最喜欢的是地图图库，整个走廊的地图。对于一个地图控制者来说，就像一只老鼠掉进了米缸里。试想一下，在没有谷歌地图定位的情况下，手绘地图对于人们，尤其是航海的人来说，是一个多么伟大的创造。

不管你什么时候进馆，和我一样，一大早排队开门。参观完总有一种暮气沉沉的感觉，总要花点时间看看画。

从乌菲兹开始，我的视野已经饱和，似乎再美的风景也无法被注意到。乌菲齐美术馆就建在河边。现在，在岸边深呼吸，看看古桥上熙熙攘攘的商人和游客。总有一种时间流逝的感觉。我仿佛是一个人走出画面，看着这千年的变迁。

第03天

第三天的旅行更加愉快。佛罗伦萨的城市并不大。昨天享受完油画餐，今天继续意大利的建筑之旅。多么艺术的盛宴！

巴黎圣母院可谓是佛罗伦萨的标志性建筑。已经过去无数次了。今天早上，我终于有机会好好参观了。

与普通的白色教堂不同，巴黎圣母院和百花大教堂是由意大利国旗的绿、白、红三色组成的。虽然颜色似乎比普通教堂用得多，但一点也不觉得俗艳，相反，很庄重。我一直觉得法国是一个很保守的国家，对黑色和灰色总是很谨慎，看到他们在西班牙和意大利大胆的用色，令人钦佩。她的红色穹顶是历史上第一个。

大教堂穹顶内的壁画是《最后的审判》由萨瓦尼和弗雷德里克。因为塔挺高，壁画也挺复杂，教堂里随处可见拿着双筒望远镜的人。我爬上472楼梯去看壁画。当我感到一片漆黑的时候，那幅蓝色背景的壁画突然出现在我的面前。也是《最后的审判》。我原以为米开朗基罗的无人能及，但这里如此深邃而充满立体感的穹顶，依然显示出她的与众不同。再次爬上教堂的顶端，俯瞰整个城市，心满意足，真像一幅画卷！

教堂对面是洗礼堂，面对大教堂的门是金色的‘天堂之门’，里面讲了十个关于夜宿、亚当和夏娃的宗教故事。可惜我对宗教了解不多，只能看到一片金光。

从大教堂前的主街一直往前走，会先经过一个广场，也就是我眼中的“雕塑广场”。除了市政厅，你还可以在这里看到许多不同名称的雕塑。你可以坐在任何一个台阶上，静静地欣赏这些作品。有些是关于宗教故事，有些是关于神话中英雄的传说。他们很生动，表情也很逼真。寓言般的雕塑，加上钟楼，让整个广场充满了灵气。钟楼前面还有另一座高大的大卫雕像。当然，原作不会这样展现在我们面前。这幅米开朗基罗的《大卫》杰作似乎已经成为佛罗伦萨的标志性建筑，原作就藏在当地的学院美术馆里。米开朗基罗的《日、夜、晨》也藏在美第奇礼拜堂里。

走出雕塑广场，你可以看到所有独特的路径。如果你想在佛罗伦萨来一次迷失之旅，最好的方法就是漫步离开。依稀记得一条小路的拐角处是但丁故居，现已改建为但丁博物馆。里面还藏着一些地图之类的东西。它就这样不经意地隐藏在一片住宅区的森林里。这种文化悠久的感觉，真的是建筑重塑无法企及的。试想一下，如果只是走一走，逛一逛大街，就来到了但丁故居，这对任何一个热爱文学的人来说都是很有吸引力的。

佛罗伦萨绝不是一个大城市，但她的精致是如此的到位。

向告别

接下来的几天，我几乎都是沿着米开朗基罗的足迹去参观，或者让自己迷失在蜿蜒的小路中。只要到了晚上，我听着教堂的钟声，沿着圣母院望去，总能找到路。黄昏降临后，你不必追随艺术家的脚步，只需躲在酒馆里，品尝葡萄酒。

这座城市有这么多可以参观的地方。大卫的足迹，油画的足迹，时尚的足迹每一处景观都是那么沧桑而有力，可以作为任何一个城市的标志性建筑。而他们，就这样，静静地站在翠绿中。

这就是我向往的翡翠祖母绿，不仅被这座城市的美丽和气质所吸引，更被她强大的内涵所震撼！我和她挥了挥衣袖，却一直希望能再次回到她的怀抱！

西方古典写实油画，通常是指欧洲从15世纪到19世纪期间具有古希腊古罗马古典艺术气息特征的写实类油画，是西方油画中形成最早历时最长传播最广影响最大的油画艺术表现形式。

在我们今天看到的油画世界名画中，有70%以上的作品都来自于古典写实油画。比如达芬奇的《蒙娜丽莎》、《丽达与天鹅》、《最后的晚餐》，米开朗基罗的《创世纪》、《最后的审判》，拉斐尔的《圣母玛利亚》、《美惠三美神》，乔尔乔内的《入睡的维纳斯》，提香的《田园合奏》，鲁本斯的《土与水》，伦勃朗的《夜巡》，委拉斯贵支的《镜前的维纳斯》，戈雅的《未着衣的玛哈》，安格尔的《泉》，布格罗的《春天的来临》，格维德的《雅典娜女神》，等等，都是西方古典写实油画的经典范例。

那么，如何提高对西方古典写实油画的欣赏解读能力呢？作为一个古典写实油画爱好者，在这里我想和大家一起来讨论一下这个问题。

一，了解一下古典写实油画的发展历史

（一），古典写实油画的产生

我们知道，油画源自欧洲，15世纪初，荷兰画家杨-梵-艾克在蛋彩画基础上研制成功一种用易干的植物油调和颜色而成的新型绘画材料。这种新型绘画材料绘制出的画被称为油画。

古典写实油画是伴随着油画产生而产生的第一个油画表现形式。15世纪末16世纪初，以达芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《创世纪》、拉斐尔的《雅典学院》等为标志，作为一种新的绘画艺术表现形式的古典写实油画产生了。

（二），古典写实油画的艺术理念和基本创作原则

古典写实油画从一开始就确立了“写实”的艺术理念，即以科学严谨真实精准的造型具象和与自然色彩相一致的色彩涂染，还原和再现描绘对象的本真面貌。遵循这一艺术理念，绘画艺术家们以素描为基础，借鉴古希腊古罗马雕塑和中世纪蛋彩画技法，将光影学、色彩学、透视学、人体解剖学、黄金分割线等科学原理运用于油画创作实践中，确立了“古典”和“写实”的基本创作原则，开创了古典写实油画的范例。

（三），古典写实油画的历史沿革

古典写实油画甫一产生，即以其饱含人文主义内涵的思想主题和真实精准、生动形象的造型具象以及与自然本色相一致的绚丽色彩，受到人们普遍喜欢。从15世纪末到19世纪中叶，古典写实油画一直作为西方油画绘画的主流，主导和引领着油画艺术的发展。

在古典写实油画近600年历史的不同时期，产生过许多影响较大的艺术流派和画派，如15、16世纪的“佛罗伦萨画派”、“威尼斯画派”，17世纪的“巴洛克主义”艺术流派”、“荷兰小画派”，18世纪的“洛可可主义”艺术流派，19世纪的“新古典主义”艺术流派和“现实主义”、“浪漫主义”艺术流派等。这些艺术流派和画派虽然在表现风格和特点上不尽相同，各有特色，但都一以贯之的秉承和保持了“古典的写实的”基本创作原则。

19世纪中后期，随着照相技术的发明应用普及和印象主义、抽象主义油画的产生，以“写实”为基本原则和主要特征的古典写实油画受到巨大冲击，曾一度低迷。古典写实油画此后虽不复往日辉煌，但其数百年取得的成果和积累沉淀对油画艺术产生的巨大影响，是其它任何油画表现形式都无与伦比的。可以说，油画能成为世界绘画主要画种，古典写实油画当推首功。

二，学习一点相关的美学方面的知识

我们知道，古典写实油画是造型与色彩的艺术，是审美艺术。人们要想更好的欣赏，从中得到比较充分的艺术享受，就应该学习一点相关的美学知识。

比如，我们看了很多经典的古典写实人物油画，觉得画得很真，跟真人几乎一模一样；很美，人物形象优美，色彩丰富绚丽。为什么能画得这么好呢？我们学习了相关美学知识，了解一些写实绘画技法后，就会明白这是因为画家的素描基本功扎实过硬，而且对光线色彩运用娴熟自如。

再如，达芬奇的《蒙娜丽莎》，不管你从哪个角度看，《蒙娜丽莎》都是目不转睛的在对着你微笑，这种神奇的效果是怎么产生的呢？是因为达芬奇在创作这幅画中运用了他首创的“薄雾透视法”。还有，伦勃朗的油画，背景大都是黑色或深褐色，而画面主体部分好像是一束束灯光集中照在哪里一样，非常突出明亮。这就是著名的伦勃朗“明暗用光法”产生的效果。

由此可见，如果我们了解一点相关的美学知识，比如什么是素描、笔触、构图、造型，什么是焦点透视、黄金分割线等等，就能更好地欣赏和解读艺术作品包括古典写实油画作品。

三，抱着一种艺术审美的平和包容的心态去审视去欣赏

我们知道，人体油画是西方油画的一个“特色”，在西方油画中占有相当的比重，而这一“特色”在古典写实油画中表现的又尤为突出。由于中西文化传统习俗不同，审美理念习惯不同，在西方作为油画艺术重要表现形式、被人们普遍接受、已成为西方一种文化现象的人体油画，在我们这里还存在着不同的看法和认识，这是现实。那么，我们应该怎么欣赏和解读古典写实油画中很多的人体油画呢？

（一），客观理性地看待这一问题

每种艺术的产生都有它产生的社会历史文化渊源。从2500年前古希腊古罗马的人体雕塑到14至16世纪文艺复兴时期兴起的人体油画，西方人体艺术产生于西方的社会历史和文化环境，对此，我们要有一个客观理性的认识。

（二），从艺术审美的角度以平和的心态去审视去欣赏

比如乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》。这是一幅非常经典的古典写实油画，也是一幅非常著名的人体油画。我们看这幅画时，不能单看裸露的人体，而要看整个画面的主题内涵和审美效果。画面中，古希腊神话中掌管爱与美的女神维纳斯，躺卧于露天的一张支在草坪上的简易木床上，她已经入睡了，美丽的面容中带着笑意，仿佛正在做一个甜蜜的梦。

远方，梦幻般的蓝天白云，天空下的大地上有一幢古香古色的房屋，有几丛郁郁葱葱的树林；近处，成片的绿地草坪等。沉睡的维纳斯和美丽的大自然融为一体，构成一幅人与自然“天人合一”和谐相处的美妙图景。

再如安格尔的《泉》。《泉》是安格尔历时26年创作完成的扛鼎之作，是古典写实油画的经典范例之一，同时被誉为西方人体油画的巅峰之作。安格尔想以这幅画验证他信奉的“静穆的伟大，崇高的单纯”的艺术理念。

画面中，一位美丽少女双手举着一只陶罐，以垂直造型站立于一面壁龛前沐浴，展示出青春女性特有的充满活力富有韵律的身体曲线美；少女面向前方，表情单一，目光中透着无邪的神韵；从陶罐中泻出的清冽的泉水给画面增添了流动的韵律，同时更加烘托出少女皎好的容貌形体和纯净清澈的内心。人们从画中看到的，是一种纯净的美，一种宁静的美，一种庄重的美，一种典雅的美，一种脱离了低级趣味的美，得到美好圣洁的艺术享受。

所谓“画派”，通常是指绘画领域在某一时期某一地域某一画家群体在艺术理念艺术形式艺术风格艺术追求上比较一致或接近，作品形成一定规模并产生较大影响的绘画派别。

画派有以地域命名的，如17世纪以伦勃朗、查尔斯、维米尔为代表的“荷兰小画派”；有以作品风格特色命名的，如19世纪后期以梵高、高更、塞尚为代表的“后印象主义画派”；有以艺术批评家的评语命名的，如20世纪初以马蒂斯为代表的“野兽主义画派”。等等。

“佛罗伦萨画派”与“威尼斯画派”是14至16世纪意大利文艺复兴时期众多画派中最著名的两个画派，这两个画派对西方古典主义油画的创立和形成发挥了巨大作用，对后世西方油画艺术发展产生了非常重要而深远的影响。

那么，佛罗伦萨画派和威尼斯画派是什么关系，各有什么特点特色，有哪些异同呢？今天我想和大家一起，讨论一下这个问题。

一，佛罗伦萨画派在前，威尼斯画派在后，二者是传承关系

佛罗伦萨画派和威尼斯画派都是以所在地区城市名字命名的画派。佛罗伦萨是意大利中部的工商业重镇和文化名城。威尼斯是意大利重要的滨海贸易城市，也是驰名世界的水城。

佛罗伦萨有着悠久的绘画传统，在13世纪时就享有意大利绘画之都的美誉，尤以蛋彩画著称。佛罗伦萨画派也是从那个时候形成的。传世名画《春》、《维纳斯的诞生》就是佛罗伦萨画派蛋彩画最后一位代表人物波提切利的作品。

而佛罗伦萨画派的极盛时期是在15世纪后期至16世纪中叶。这时油画已经研制成功。油画材料在造型和色彩渲染上的独特优势给绘画艺术注入了新的活力。也正是在这一时期，产生了3位西方历史上最伟大的画家即被誉为“文艺复兴绘画三杰”的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。以“三杰”为代表的油画艺术家开创了古典主义油画的范例，将佛罗伦萨画派推向辉煌。

威尼斯画派是继佛罗伦萨画派之后于16世纪中叶以后在威尼斯水城兴起的又一个意大利文艺复兴时期最具代表性和影响力的画派。该画派在传承佛罗伦萨画派古典主义油画创作原则和科学严谨真实细腻再现客观物象本貌基本技法的基础上，进一步丰富完善了古典主义油画的构图形式和色彩表现。如果说佛罗伦萨画派是西方古典主义油画的奠基者开创者，威尼斯画派则是使古典主义油画趋于完善、成熟的传承者；如果说佛罗伦萨画派将意大利文艺复兴推向极盛，威尼斯画派可以说是意大利文艺复兴的完美收官。

威尼斯画派的主要代表人物有贝里尼、乔尔乔内、提香、委罗内塞、丁托内托等。

二，佛罗伦萨画派画风严谨、雄健、宁静、典雅，威尼斯画派画风绮丽、华美、优雅、细腻

从总体上讲，佛罗伦萨画派和威尼斯画派都是早期古典主义油画的风格范式，注重构图的严谨、造型的精准和色彩的自然，但是具体审视分析，二者还是有一些不同。

佛罗伦萨画派最突出的特点就是严谨、雄健、宁静、典雅。以佛罗伦萨画派“三杰”为例。达芬奇油画以科学严谨著称。为了探索创立有利于发挥油画材料特性的绘画模式，达芬奇系统研究了焦点透视法、光影学、色彩学和人体解剖学等，提出素描是一切造型的基础和“黄金分割线”理论，首创“薄雾透视法”，将许多科学原理运用于油画创作实践，形成十分严谨的古典油画创作基本原则和流程。

比如《蒙娜丽莎》、《丽达与天鹅》等。米开朗基罗从雕塑艺术中借鉴技法表现手法，将之融入油画创作中，不仅增强了油画的立体感空间感，而且使画面产生一种雄浑健拔气势恢宏的力与美。比如《创世纪》、《最后的审判》等。拉斐尔油画借宗教神话题材表现普罗大众的世俗生活和思想情感，营造出宁静柔美温馨和谐的画面氛围。比如《圣母玛利亚》、《美惠三美神》等。

威尼斯画派在大量吸取佛罗伦萨画派古典主义油画创作原则和技法的基础上又有创新，特别是对油画的设色和画面背景进行了充实调整，使画面看上去更加丰富充盈饱满，富有诗意。突出的特点是绮丽华美优雅细腻。比如乔尔乔内将油画中的背景比例扩大，画面看上去更加开阔舒展，美轮美奂，有效增强了油画的视觉美感和装饰性。比如《沉睡的维纳斯》、《暴风雨之夜》等。

提香油画注重色彩的重叠铺染，他习惯用一种较深的颜色做底色，再用更深的颜色在上面叠加竞争，使画面呈现出一种厚重而又华美的气势和氛围。提香被誉为是“用遍了威尼斯水城全套色系的色彩大师”。代表作《照镜子的维纳斯》、《天上的爱与世俗的爱》、《乌尔比诺的维纳斯》等。

三，佛罗伦萨画派与威尼斯画派创作题材基本一样，但在表现形式上，前者更显“严肃庄重”，后者更显“活泼世俗”。

由于当时宗教神权居于统治地位的时代背景，佛罗伦萨画派和威尼斯画派的创作题材大都取自古希腊古罗马神话传说和《圣经》中的故事，这一点二者基本上是一致的。但是在表现的风格形式上却有明显的不同。

佛罗伦萨画派的作品大都“严肃、庄重”，比如达芬奇的《最后的晚餐》、《岩间圣母》，米开朗基罗的《创世纪》，拉斐尔的《圣母子》、《雅典学院》等。

而威尼斯画派的作品虽然同是取材于宗教神话故事，但在表现形式上趋于开放，轻松活泼，更加接近世俗化。比如乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》、提香的《天上的爱与世俗的爱》等。特别是提香的《乌尔比诺的维纳斯》，直接将古希腊神话中的爱与美女神维纳斯从神界搬到了充满人间烟火气的现实生活中的房间里，而且维纳斯流露出的神态表情和现实中的青春少女完全一样。

这说明，从佛罗伦萨画派到威尼斯画派，时代发生了一些新的变迁，绘画环境也出现了一些新的变化。

 

　佛罗伦萨(Firenze，旧译翡冷翠)是意大利中部的一个城市，托斯卡纳区首府，位于亚平宁山脉中段西麓盆地中。十五至十六世纪时佛罗伦萨是欧洲最著名的艺术中心，以美术工艺品和纺织品驰名全欧。欧洲文艺复兴运动的发祥地，举世闻名的文化旅游胜地。1865-1871年曾为意大利王国统一后的临时首都。工业以玻璃器皿、陶瓷、高级服装、皮革为主。金银加工、艺术复制品等工艺品亦很有名。佛罗伦萨国际当代艺术双年展，与威尼斯双年展、米兰三年展并称意大利三大艺术展。

　佛罗伦萨是极为著名的世界艺术之都，欧洲文化中心，欧洲文艺复兴运动的发祥地，歌剧的诞生地，举世闻名的文化旅游胜地。属意大利托斯卡纳区，原意大利首都，意大利的文化中心。佛罗伦萨连接意大利北部与南部铁路、公路网的交通枢纽，阿诺河横贯市内，两岸跨有7座桥梁。人口444万(1982)。市区仍保持古罗马时期的格局。多中世纪建筑艺术。全市有40多个博物馆和美术馆，乌菲齐和皮提美术馆举世闻名，世界第一所美术学院，世界美术最高学府佛罗伦萨美术学院蜚声世界，意大利绘画精华荟萃于此。文化中心，有大学，还有艺术、文学、科学研究院与图书馆等。

　佛罗伦萨就像是一座满载荣耀的博物馆，众多的旅游景点有着深远的历史意义和丰富的艺术内涵。阿诺河(Arno)将城市一分为二，南岸景点较少，北岸景点较多，并且相对集中，基本可以用走的，一天左右就可以走完。时间虽短，你仍可以看到它的石头塔楼，红瓦墙顶，绿荫遍地的花园，挂满壁画的教堂、修道院，当你细细品味的时候，佛罗伦萨城有如一幅文艺复兴时的油画，古朴并散发着历史气息。

　 圣母百花大教堂

Basilica di Santa Maria del Fiore

　世界最美的教堂，佛罗伦萨的标志性建筑，也叫佛罗伦萨大教堂，花之圣母大教堂。是文艺复兴的第一个标志性建筑，被称为文艺复兴的报春花。其圆顶直径达50米，居世界第一，是世界第四大教堂，意大利第二大教堂，能同时容纳15万人同时礼拜，教堂的附属建筑有洗礼堂和乔托钟楼。建于1296-1436年。花之圣母教堂在意大利语中意味花之都。大诗人徐志摩把它译作“翡冷翠”，这个译名远远比另一个译名“佛罗伦萨”来的更富诗意，更多色彩，也更符合古城的气质。

　 米开朗基罗广场

　站在广场上，可以眺望佛罗伦萨市的全景，广场上有一座大卫青铜像，这也是佛罗伦萨的象征之一。《大卫》是意大利文艺复兴时期伟大的雕塑家(画家)米开朗基罗的代表作，创作于公元1501-1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。像高25米，连基座高55米，用整块大理石雕成。

　 老桥

　老桥是佛罗伦萨著名的地标之一，阿诺河上最有名的一座桥。同时老桥也是首饰店和旅游纪念品店的聚集地。老桥建于1345年，是欧洲出现最早的大跨度圆弧拱桥。

　 乌菲兹美术馆

　佛罗伦斯最悠久最有名的一座艺术博物馆，也是意大利乃至欧洲最重要的美术馆之一。在意大利佛罗伦萨市乌菲齐宫内。以收藏欧洲文艺复兴时期和其他各画派代表人物如达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丁托列托、伦勃朗、鲁本斯、凡·代克等作品而驰名，并藏有古希腊、罗马的雕塑作品。

　 市政广场

　意大利最美的广场之一，它始建於13、14世纪。最初是在被拆除的乌贝蒂、佛拉伯斯基及其他皇帝派家族的房地基上建起来的。后来经过扩建才形成了今天的规模。广场东南角的传统的行政中心老宫(Palazzo Vecchio)雄视整个广场。老宫的左侧是美丽的晚期哥特式风格的琅琪敞廊。敞廊由本齐·迪乔内和西莫内·托冷蒂于1376—1382年建造。 广场不大但是广场上确有众多雕塑精品，在众多雕塑中最有名的当属米开朗基罗的大卫了，但这里的大卫是复制品，真迹现藏于学院美术馆里。海神喷泉、柯西莫一世骑马雕像、狮子雕像、帕尔修斯和美杜莎都是市政广场上值得好好欣赏的雕塑作品。

　 皮蒂宫和波波里花园

　皮蒂宫(Palazzo Pitti)是一座规模宏大的文艺复兴时期佛罗伦萨的宫殿。位于阿诺河南岸，距离老桥只有一点距离。1458年建造时原是一位佛罗伦萨银行家卢卡·皮蒂的住所。 1539年，这个宫殿由美蒂奇家族购下，并作为托斯卡纳大公的主要住所。通过世代累积皮蒂宫逐渐储藏了大量的绘画、珠宝和贵重的财宝。后来到了18世纪晚期，皮蒂宫被当做了拿破仑·波拿巴的权利中心，后来统一后的新意大利皇室也曾在此短暂居住。1919年，维托里奥·埃马努埃莱三世把宫殿和藏品一起捐献给意大利人民，现作为佛罗伦萨最大的美术馆对公众开放。

　皮蒂宫和波波里花园都位于阿诺河对岸。其中皮蒂宫是文艺复兴时期佛罗伦萨的另一位银行家皮蒂出资修建的，著名建筑师布鲁内莱斯基担任总设计，当时皮蒂修建这座宫殿是为了显示自己的实力不逊于美蒂奇家族，但是当修到一半就因为缺钱而无法继续完成。不久美蒂奇家族出资收购了这座宫殿成为托斯卡纳大公的住所，并收藏了众多文艺复兴时期的艺术作品。而且美蒂奇家族还在宫殿的后面修建了具有浓郁文艺复兴风格的波波里私人花园，用以款待尊贵的客人。不过，现在这些宫殿和私人花园都已经成为公共场所。

　 佛罗伦萨美术学院

　佛罗伦萨国立美术学院(意大利语：Accademia di Belle Arti di Firenze )为世界美术最高学府，历史可追溯到14世纪，始创于1339年是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，1562年正式建立，称作：迪亚诺学院，首任院长为杰出艺术家，文学家，艺术史论家：瓦萨里。1785年成为国立美术学院。“世界美术学院之母，四大美术学院之首”这是对佛罗伦萨美术学院最简洁的评价。

泉法国安格尔

作为法国古典主义画派最后的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

泉安格尔

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简练而单纯的风格，始终以温克尔曼的静穆的伟大、崇高的单纯作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，务求线条干净和造型平整，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅。这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

1805年，安格尔完成了《里维耶夫人肖像》一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入到黑色的背景之中。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像画别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它独特的、革命的、哥特式的风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在当时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平，改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术深深吸引着。

1824年安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。他追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时期感兴趣。他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条干净和造型平整。他强调纯洁而淡漠的美，这与大卫的艺术观点是相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结、浪漫主义崛起的时代。他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨。安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

安格尔生前享有很大的声誉，死后安葬在巴黎著名的拉雪兹神父公墓。

《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。最初在安格尔心中构思的泉，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望。他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的维纳斯样式，企图使形象更单纯化。26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画。据说曾有助手帮他绘制，如有人认为这幅画最初是由他的两个学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗协助完成的。

叔本华在两个世纪之前就这样写道：“人的相貌有如象形文字，这种象形文字是可以破译的……他的相貌概括了他所要说的一切。”《泉》表现的是一个宁静、优雅的少女，带有天真少女所特有的纯洁与青涩、梦幻与活泼，在一泓清泉的流溢下，与葱郁的背景相得益彰。就画面本身而言，《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起，少女的肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力，色彩运用的非常柔和而富于变化。从作品的意义而言，《泉》并没有晦涩的隐喻和做作的批判，仅仅是作者对宁静安详的向往之情的艺术依托，是作者毕生追求的美的载体。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想了。”

安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义的真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物，”还认为一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识，撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。

这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收了文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。不同的只是，像马萨卓、米开朗琪罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是永恒的美这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，为他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。

安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年的工夫。例如，他的一幅《罗哲与安吉莉卡》有2幅复制，均作于1841年。《保罗与弗朗切斯卡》有5幅复制，最早的作于1819年，其余的分别作于1856年以后。有时，他的这幅画上出现了另一幅画上曾经出现过的个别人物形象，比如《瓦平松的浴女》上的形象，再次出现在后来的《土耳其浴室》一画上；《授圣餐的圣母》中的圣母，是从《路易十三的誓言》一画的构图中搬来的，其中有一个天使的脸差不多和他的《土耳其浴室》上的裸女一模一样。这一幅《泉》基本上与《阿纳底奥曼的维纳斯》（1848年作，现藏于法国尚蒂伊贡德美术馆，画的内容为从海水泡沫中诞生的女神，故此处画的是维纳斯从海水泡沫中升起，周围有许多小爱神簇拥着）雷同，仅具有微小的变化。此外，周围一群小天使形象被删去了。这种创作特点过去有人认为是安格尔创作思想枯竭的表现，这样说未免太武断了些。当然，古典主义画家除了画模特儿很少到现实生活中去，但安格尔本人却解释为，这是使主题更接近自己的理想，形象更趋完美的一种求索精神的反映。

当《泉》完成之后，画家对人说：“同时出现了5个买主，有人简直向我猛扑过来。他们争执不休，我几乎要让他们抓阄。”《泉》确实具有人们所向往的那种纯粹的美的品质，尽管她是画家深藏心底达半个世纪的理想化身，一旦付诸画布，人们确对这位艺术家的镂月裁云之作而发出由衷的赞叹。1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵（也翻译为为玖沙泰里伯爵）收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。

安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪法兰西皇家绘画雕刻学院成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画）。但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。

梅杜萨之筏法国籍里科

此画的创作，源于当时的一个真实的丑闻事件。19世纪初，法国海军部任用了一个根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长。这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没，船上有权势的人都乘小船逃命，遗下150多名乘客和船员。他们为生存造了一只木筏漂泊海上，半个月后得救的时候，筏上生还者只有15人，上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满，法国海军部受到社会各界舆论的谴责。富有正义感的画家籍里科从这一真实事件出发，创作了这幅世界名作——《梅杜萨之筏》。

画家创作过程中，阅读了生还者的回忆文字，并访问了幸存的那几个人，请他们作指导，还自己做了一只类似梅杜萨的木筏，亲自在海上漂泊，以获取真实的环境、气氛和对大海风浪变幻的体验。他构思良久，先后构图多幅。为了能真实地再现当时的情景，他亲自到病院观察垂死的人的情态。为了描绘死者的肉体色彩，他将解剖的死人体浸于海水中观察其色彩变化，他还请黄胆病人为他做模特儿，据说病中的德拉克洛瓦就曾做过他的模特儿。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间，他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。激情正是浪漫主义精神所在，但画中那座人体构成的金字塔不免有古典主义的遗风。在这幅画中浪漫主义的激情和古典主义的造型交织在一起，构成由古典主义向浪漫主义过渡的杰作。