谁知道关于西方浪漫主义绘画艺术的论文怎么写，最主要是关于德拉克罗瓦的 谢谢。

20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。

发展状况

现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P毕加索、G布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。蒙克：《圣母》上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家KC马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基：《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感,致力于探讨人类经验的先验层面,试图突破现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为艺术运动，超现实主义逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯：《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚：《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然，对于后现代主义这一概念，西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义，当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说，后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则，在现代主义的美术中已经尝试过、试验过，只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而，现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起，多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中，似乎可以看到，艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美，永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中，常常会产生此长彼消或彼长此消的状况，尤其在工业化社会和后工业化社会，这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗，就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰，而且在向现代主义挑战。但是，历史本身似乎在昭示着这样一个事实，艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样，本身具有一种自我调节的力量，它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然，平衡是短暂的、临时的，不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾，艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折，整个趋势则是向前的。从这个意义上说，现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系，它有别于现实主义，更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯：《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。这样，现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人，他们不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生，采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中，可以感觉到这些艺术家表现了现代人们（包括艺术家们自己）的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。

对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践（如立体主义、未来主义和构成主义）中，试图反映社会的这一深刻变革,而在大多数美术家的作品中,对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上，工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌，从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。

现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料，同时又受到现代哲学思潮，特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说，不仅对德国的表现主义运动起过推动作用，也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威，主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力，蔑视中产阶级的文明和虚伪道德，对无意识和本能的推崇，对世界前途的悲观主义，在现代主义的各个流派的理论和实践中，都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说，他的“无意识才是精神的真正实际”，是超现实主义运动的理论支柱，正是在弗洛伊德理论的引导下，超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层，其后果是一方面开拓新的艺术表现领域，另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。

现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时，中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。

总的说来,20世纪以来西方的现代主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的，更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃，除了社会、经济的推动这些主要因素之外，与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。

超级多了

这个是19世纪国外浪漫主义的

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这个是19世纪国外现实主义的

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你问的也太笼统了，西方绘画有N多流派，N多风格，每种特点都不同，这都够写篇论文了。

从文艺复兴开始说吧，14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在文艺复兴早期的绘画中表现为一种坚定的写实主义。借助于布鲁内莱斯基发现的线性透视，图画获得了真实的立体感；借助于精确研究人的形象，人的形象现在获得了体积；对自然的仔细观察使尘世的各种现象得到了忠实的再现。意大利的达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表。

17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，它发源于意大利，后风靡全欧。其特点是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；它很关注作品的空间感和立体感；它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。鲁本斯是巴洛克绘画的代表人物，他的热情奔放、绚丽多彩的绘画对西方绘画具有持久的影响。同时代的现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯开兹等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。

18世纪洛可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可美术的特点是追求华丽纤巧和精致。该艺术形式具有轻快、精致、细腻、繁复等特点。表画家有法国的华托、布歇和弗拉戈纳尔。

随着1789年法国资产阶级大革命的到来，进步的美术家们又一次重振了古希腊古罗马的英雄主义精神，开展了一场新古典主义艺术运动。以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。一直延续到19世纪初叶，成为欧洲文学艺术的主要思潮。所谓古典主义，就是以古希腊、罗马的文学艺术为典范而得名。到了18世纪中叶，庞贝城的发掘，德国学者温克尔曼美学思想的传播，引起了人们对古典主义的兴趣，古典主义又重新复兴起来，故称新古典主义。所谓“新古典主义”，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家主观思想感情，尤其是在社会和个人利益冲突面前，个人要克制自己的感情，服从理智和法律，倡导公民的完美道德就是牺牲自己，为祖国尽责。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美；注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐，同时坚持严格的素描和明朗的轮廓，极力减弱绘画的色彩要素。“新古典主义”的“新”在于借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。因此，新古典主义又称革命古典主义，具有端庄、雅致、明显的时代特征。古典与现代的完美结合的新古典主义风格起源于古典时代，却不是仿古、复古，而是推崇神似。它的主要特点是：选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件), 在艺术形式上,强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上重视素 描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。其代表画家是法国的大卫和安格尔。

浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起。法国的热里科的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义绘画的开山之作，而这一运动的主将却是德拉克洛瓦，其绘画色彩强烈，用笔奔放，充满强烈激情，代表作有《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》等。

19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。现实主义作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。现实主义美术提倡客观地观察现实生活，按照现实生活的本来面貌，真实地表现典型环境中的典型形象，再现生活。最著名的现实主义画家是库尔贝，他有一句名言：“我不会画天使，因为我从没有见过他。“这句话很能体现现实主义美术的精神。代表画家米勒、柯洛、卢梭等。

19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。印象派绘画也叫印象主义，是西方绘画史上划时代的艺术流派。很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。由于个人的兴趣不同，印象主义画家又分为重光和色彩与重造型和素描两种类型，前者以莫奈、雷诺阿为代表，后者以德加为代表，卡米耶·毕沙罗则介于两者之间。

继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、凡高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。塞尚绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。

20世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则，将自然物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。

随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。

1 909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家皮特·蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。

第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。杜尚将达·芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。

随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义，弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、勒内·马格利特、夏卡尔、达利、胡安·米罗等。

第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德·库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。

20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、**广告和各种报刊作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、安迪·沃荷等。

而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦，雕塑家中，安德烈、汉森最为著名。

这也就是大概齐说一下，供参考。

9种常见插画风格的分类

1、肌理质感

肌理质感风格的插画相比于噪点插画运用的肌理质感更加丰富,以笔刷的肌理变化与纸张的纹理质感互相结合,呈现出丰富的画面效果。

特点:色彩丰富,肌理质感层次强。

2、描边风格

在扁平或者肌理插画的基础上加上描边的处理,以线稿为主,上色方式保留简单的平涂或者肌理变化,保留线稿部分。

特点:保留勾边效果,简洁,具有一定装饰性

3、日韩系风格

画面氛围属于小清新类型,色彩明快,颜色丰富。人物的比例比较偏向写实,同样注重光影的表达和氛围的烘托。

特点:明快,治愈,暖心。

4、写实风格

写实的人物风格多出现在游戏中,注重光影的表现,人物结构明确,画面更为逼真。

特点:写实,光影感强,结构清晰。

5、扁平风格

以极简的方式表达画面内容,清爽整洁没有过于复杂的细节。

特点:简约,平面化,几何造型感强

6、纯手绘风格

保留纯手绘的肌理变化,与数码绘画相比,纯手绘分割的插画给人的感觉会更加朴实。

特点:柔和,清爽,具备自然的肌理变化。

7、欧美风格

欧美风格主要是体现在人物的五官与体态方面,人物比例修长,五官更加具有欧美风格的立体感。

特点:丰富的人物表情,具有一定的夸张表现

8、儿插风格

儿童插画风格,属于书籍装帧插画的一种,可以作为个人风格的独立绘本,也可以用作儿童和青少年杂志的配图。是最近几年很受欢迎的风格。

特点:童趣,可爱,具有故事感。

9、噪点风格

在扁平插画的基础色块上做出统一的噪点效果的处理,增加肌理变化,丰富画面细节,增加画面层次变化。

特点:复古,画面统一,具有层次感。

插画的风格有哪些

插画的风格有:

时尚风格插画,无论是日系还是欧美系,普遍都不会选择特别艳丽的色彩,多是以清新淡雅,尤其是自然界和日常生活中常见的色彩为主。

幽默风格插画,比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见,色彩的选择上也是比较夸张化。

唯美主义风格插画,宁静而又平和就是这种画面的主旋律,在色彩方面,一般说来以偏中性和冷色调最为常见。

写实主义插画,所见即所得,是什么样就画什么样,把最需要表达的东西表达清楚就好。

Q版风格插画,用于商品包装页面设计、游戏人物等,各种大头娃娃一般的造型永远都不会过时。

机械科技插画,机械科技没有那么多花里胡哨的色彩,一般三四个颜色就够了,有些时候甚至黑白两种就能解决问题。

装饰主义风格插画,多是以装饰性的内容为主,比较注重对线条的处理,在色彩的搭配上比较灵活。

插画在中国被人们俗称为插图。今天通行于国外市场的商业插画包括出版物配图、卡通吉祥物、影视海报、游戏人物设定及游戏内置的美术场景设计、广告、漫画、绘本、贺卡、挂历、装饰画、包装等多种形式。

板绘风格类型有哪些

插画风格有哪些作为一名从事手绘插画工作的设计师,或者是想要学习插画的同学,需要对不同风格的插画有所了解。

学习插画的道路必不可少的要经历不少困难,而要想画好,还要看看别人家的优秀插画哦。生活是公平的,你有多少付出,才会有多少回报。坚持自己的选择,不要后悔。插画师可以赋予产品独特的魅力,每一幅插画都有它不一样的光彩!

手绘插画风格大概氛围以下几种:

1日韩风

特点:画风唯美,人物体型纤细,男女变化不大。但同时二者又略有区别,例如日本风格更加休闲与生活化,而韩国风格更倾向于华丽和浪漫,与写实风格基本相似。

2欧美风

特点:欧美风插画以写实居多,强调真是的纹理和质感,喜欢将表情夸张化,让角色看起来更生动,更有活力。

3中式古风

特点:与上述两种美术风格的插画相比,

中式风格

原画也有着自身的鲜明特点,内敛含蓄却充满张力。尽管

中国风

原画也或多或少地受到欧美、日韩原画的影响,但深厚的古典艺术、高雅和神秘依旧是其特色。

4Q版插画

特点:Q版插画风格最突出,主要以人物和动物为主,人物可爱夸张或搞怪,人体比例矮短,虽然线条简单,色块分明,但人物特点鲜明。

插画可以应用的范围,你能想到多少

网页插画

书籍封面/内页插画

海报插画

包装插画

UI界面

表情设计

漫画设计

以上就是

艺学绘

插画为大家整理分享的教程啦,主要是教大家如何学习插画的技巧,插画初学者的学习技巧,教程非常简单,相信这篇教程肯定会大家有所帮助,赶紧来看看叭~

以美国南北战争为界线，标志着美国艺术开始走向全面成熟的时期，无论是在风景画、肖像画还是在风俗画方面都出现了一批掌握了纯熟绘画技巧，能充分展示自己的个性，并且能深刻反映美国人民现实生活和思想感情的艺术家。

温斯洛·霍默（Winslow Homer，1836—1910）被认为是美国19世纪最伟大的画家。他出生于波士顿的一个中产阶级家庭。父亲是一个善良的商人，母亲受过良好教育，这使霍默从小就生活在一个艺术环境之中。后来霍默在纽约全国美术设计学院接受了正规的艺术教育。霍默的艺术是典型的美国艺术。他早年的作品表现美国人民愉快的生活，中年的作品则是战争时代的记录，晚年在缅因州海岸画的反映渔民生活的画面，气势磅礴，感情深厚，成为美国精神的象征。

霍默又是美国第一代风俗画家。他早期从事版画制作，主要描绘美国人民乐观的性格，充满了生气，在构图与造型上都有一种临场效果，动作的随意性、构图的不完整性为其特征，这与当时版画的新闻性有关，运用于油画中则成一种新风格。南北战争成为霍默艺术的转折点。他作为美术记者随军采访并根据战地速写画了一批反映战争生活的油画，如《前方来的俘虏》。战后大批青年人赴欧学画，民族画派受到冷落，霍默有些失意，于是转向水彩画创作，在偏僻的乡村探索自己对自然和生活的感受。他画海洋瞬息变化的气候，用笔有一种自然力量。其作品1890年获得巴黎国际博览会金质奖章。代表作品有《海流》（1899）等。

托马斯·伊肯斯（Thomas Eakins，1844—1916）是美国著名的现实主义画家。伊肯斯生于宾夕法尼亚，最初就学于宾夕法尼亚美术学院，1866年从费城到巴黎，在学画过程中受马奈影响很大。随后又到西班牙，受委拉斯贵支绘画的影响。1870年，伊肯斯回到费城任教于宾州美术学院附中，开始探索现实主义的教学方法，主要画日常生活题材，包括家庭风俗画、户外运动场景和肖像画。他的代表作品有《格罗斯病院》（1875）等。伊肯斯早先的人物画多表现行动中的人，构图较复杂，包含自然的与人文的形式，如桥、帆船、赛艇等，在《转过标桩》和《游泳池塘》等画中作为基本的因素组合在构图中。室外场景画也包括外光、色彩和气候等复杂因素，最后的室外题材《荒野上的牛仔》是他所有作品中色彩最响亮和最单纯的。他的后期创作主要是肖像画，他的肖像画不是组合形式的，而是单一的静态人物，通常衬以朴素的、无物体的背景，这是一种中心形式的构图，强化了造型感。伊肯斯是第一个接受当代美国都市生活的重要艺术家，并从中创造出有表现力的艺术，他使美国的现实主义传统走向成熟。

卡萨特（Mary Stevenson Cassatt，一1926），1844年生于美国宾夕法尼亚州的阿勒格尼城，曾随父母游历于欧洲。1861年她不顾家人的反对考取了费城的宾夕法尼亚美术学院，开始了艺术生涯。但她对此院的教学感到不满，教条式的学院课程使她的创造力和自由受到压抑，于1866年夏天来到巴黎。除了临摹卢浮宫的先辈大师作品外，她也到巴黎沙龙学习同时代艺术家的作品。1867年她参观了库尔贝和马奈的画展，对马奈作品很有兴趣。1872年春，卡萨特向巴黎沙龙送的第一件作品《狂欢节日之前》被接受，其后两年她都送作品参加沙龙的展览。1874年，她的一幅中年妇女肖像画在沙龙展出，受到德加的高度评价。1879年，应德加的邀请，卡萨特参加了印象派画展，直到1886年这段时间，她始终是印象派的活跃成员。1879年展出的《蓝色扶手椅中的小女孩》和作于1883年的《穿黑衣的妇女》是她的代表作品。前者用笔豪放，传达出的却是一片宁静、安逸的气氛；后者则表现出东方艺术对她的影响，尤其是背景上的扇子，具有浓郁的东方风味。1886年以后她的作品进入新的风格阶段，开始追求简洁、稳定的构图，注意力多放在母亲和孩子的题材上。她的《埃米和她的孩子》（1899）用笔流畅，但避免了过分阔大的笔触，认为那是印象派的标签，可见她这时在内容和手法上都体现出与印象派不同的风格。1890年在日本版画的影响下，她创作了一套十色凹版画，包括《洗澡》、《梳洗》、《书信》等。1900年后，卡萨特的创作进入后期，这也是她多产的时期，作为母于题材画家的声望日益提高，在欧洲局势动荡不安的情况下，人们能从她的画中感受到一种亲切的怀旧之情。

约翰·辛格·萨金特（John Singer Sangent，1856—1925）生于意大利的佛罗伦萨。童年随母亲漫游欧洲各地，1870年到1874年在佛罗伦萨美术学院接受系统的教育，1874年定居于巴黎，考人卡罗勒斯一杜朗（Carolus—Duran）的画室学习。卡罗勒斯是一位肖像画家，运用着严格的现实主义手法，萨金特很快成了他最得意的学生，同时也将自己的才能集中到肖像画上。1877年萨金特的一幅画被沙龙接受。1878年他根据海景及渔民生活的速写创作的油画《坎卡尔的拾牡朗者》为他赢得名声，标志着他在职业艺术界的第一次成功。1879年，萨金特到西班牙旅行，临摹了许多大师的作品，其中受委拉斯贵支的影响很大，并完成第二幅大画《埃尔·杰莉奥》。此后他作为一名肖像画家名重一时，《卡罗勒斯一杜朗肖像》、《波依特的四个女儿》等都是这时期的代表作。在英国皇家协会展出的《维克三姐妹》、《少女和玫瑰》和《亨利·怀特夫人》体现了他敏锐的观察力及卓越的技巧，画面富丽典雅。到了80年代，萨金特的作品越来越精彩，他特别喜欢用光的效果来突出质感和面料的感觉。1884年在沙龙展出了《高特鲁夫人》肖像。1885年移居英国后，他对外光景色发生了兴趣，画了不少速写，并创作了《康乃馨、百合花及玫瑰》。整个90年代是萨金特事业的顶峰，1897年他被选人纽约全国美术设计学院、伦敦皇家艺术学院和法国勋级会。他后期的肖像画代表作有《河格纽夫人》及《温德姆三姐妹》。1899年，他接受美国波士顿公共图书馆的建筑装饰设计及壁画设计的任务，此间还画了《埃及少女》。风景画是萨金特的另一主要成就，1905年以后水彩成为他旅行写生的工具，创作了许多优秀作品，如《修帆》（1905）、《阿拉伯马厩》。晚期他还创作过两幅以第一次世界大战为题材的壁画。20世纪以来，现代派潮流冲击欧洲画坛的时候，他始终坚持了现实主义艺术道路。

艾伯特·宾汉姆·赖德（Albent Pinkham Ryder，1847—1917）是美国19世纪最重要的浪漫主义画家。他出生于马萨诸塞州的新贝德福德。虽然他一直住在纽约的贫民区，但他的绘画题材大都是海景和其他风景。他的绘画充满了怪诞与梦幻，色彩奇丽，用笔厚重。虽然他访问过欧洲，但没有受欧洲绘画的影响，而是始终在探索自己的内心世界。赖德留下的重要作品有《阿登的森林》（1888—1900）《海上月光》和《白马上的死神》（约1910）等。