在合唱指挥技法中,如何正确的运用结束的指挥法?其意义何在?

　　指挥家一站上指挥台, 面对著由上百位演奏者组成的交响乐团, 俨然有君临天下的威风。乐师们乃至于所有的观众目光都集中在他的手势上。此时他操纵著这个至高无上的音乐媒体: 一个现代交响乐团。因为这是一组指挥无法亲自一一演练的乐器, 他必须凭藉著高超的沟通语法, 让乐团发出他心目中理想的乐音。

　　在排练一部即将演出的作品之前, 指挥自己得先对乐谱了解的滚瓜烂熟。他对乐曲的分句、力度的平衡必须完全了若指掌。换句话说,他一定得先精确的判定这部作品应当发出什么样的声音、如何形成整体, 以及如何将乐谱上的音符转为动人的激情。

　　演奏家们顷毕生精力追求完美的演奏技巧, 有些指挥在步入指挥家行列之前, 正是以乐器演奏开展自己的音乐生涯, 有的甚至能出色的演奏多种乐器。无论其出身如何, 一旦作为指挥, 就必须熟悉总谱以及所有乐器分谱, 以便向全体团员做出明晰精确并使其信服的提示。他还必须对作品细节与整体结构交待得一清二楚, 引导团员采用最恰当的方式来演出这部作品。

　　指挥大师们对乐团的驾驭有绝对权威。有些人甚至采用某种近乎恐怖的手段; 有些人则是靠魅力与说服力。而一些著名的大师则是自身建立起一种令人肃然尊崇的敬畏, 以其无匹的专业素养及对作品的深刻洞察力来感染团员。

　　指挥不可能都是一个模子压出来的。有些指挥, 如塞尔 (Georg Szell)对待乐师十分粗暴, 拿架作势, 蛮不讲理。有的如伯恩斯坦(Leonard Bernstein)感情外露, 作品一有起伏, 便歇斯底里做出夸张的手势。有的很奇怪, 像伯恩斯坦的一位老师莱纳(Fritz Reiner)就只用指挥棒做出极细微的动作, 以至背对的观众怀疑他已老僧入定。有的指挥离不开指挥棒, 有的却从来不用。有的嗜谱如命, 有的全凭记忆。许多人以眼神传达旨意, 卡拉扬 (Herbert von Karajan)指挥时却永远双目紧闭。

　　指挥的任务在于透过团员把抽象的音符转化为具体乐音。这就不光是操作指挥棒或手势好坏问题。指挥常会告诉别人: 用指挥棒打拍子的基本技巧很容易学会, 但交流概念的能力却是难上加难。就像调油彩一般, 指挥必须能控制每声部的音色、音量, 使整体声音达到平衡。

　　有的指挥, 如朱里尼 (Carlo-Maria Julini),下意识地强调低音乐器, 诸如大提琴、低音大提琴及巴松管, 于是它们的音色深沉厚重。有的指挥要求尽可能的透明, 还有的则创造出类似管风琴的共鸣厚度。速度无疑是相当重要的, 还有一个重点就是预备拍: 指挥在起拍的关键时刻所酝酿的气氛可使各声部准确且整齐的切入, 使作者的情绪可一鼓作气地宣泄而出。一个看似可以一笔带过、实则会导致强烈决定意义的拍子, 会给音乐带来决定性音色。有的指挥则每逢高潮都加以强调, 有的指挥听凭紧张气氛自然浮现; 另一些指挥则认为必需有意识的控制才能创造出紧张度。

　　乐团个性与作品特性是鱼与熊掌两难。指挥塑造的声音越明显, 音色越凸显指挥或乐团的独特色彩, 作品风格的掌握可能就相对的越困难。无论是 Stokowski之于费城管弦, 或者 Kussevitzky之于波士顿交响, 还是 Karajan之于柏林爱乐, 过去、现在和未来莫不如此。指挥与乐团之间长期合作关系所形成的特色, 也许适于表现某个时代的音乐风格, 换了另一个时期可就说不定了。很少有那个指挥或乐团有能力表现所有乐派的风格。

　　当前有个很大的问题 (或者说是老大师凋零后的现在才产生的问题),我们偏爱的巴洛克和早期古典乐派的演奏风格, 是以拥有现代乐器和演奏习性的乐团来表现, 而不是以那些熟娴于十九世纪传统演奏方式的人来表现。现在年轻一代的指挥家面临令人困惑的任务: 学习一长串等著他们诠释的作品风格, 从巴洛克、古典、浪漫、印象派、捷克和俄罗斯等国民乐派, 到无调性音乐和现代乐派。老实说, 如果他们没能兼顾每个乐派, 我们也不应太过苛求。须知神如 Toscanini者, 也很少指挥莫札特的歌剧。他承认在这方面自己才力不济。 Karajan指挥布鲁克纳的作品可谓完美无憾, 但他的莫札特和海顿就很难令人恭维。此外在拜鲁特音乐节上, 人们当然也不会推选红透半边天的Gardiner或是 Harnoncourt去上演节目的。

　　前代指挥大师都各有特色, 难以仿效。有人抱怨今日乐坛后继无人, 一代不如一代, 但我本人相信这种说法很难成立, 因为当今已经涌现真正优秀, 甚至是伟大的指挥家。只要细心聆听他们在音乐厅与歌剧院的演出, 以及他们录制的唱片便可印证这一点。

　　仅凭唱片来判断指挥是一件十分危险的事。演奏家们多次指出, 一张唱片只记录了多次演出中的其中一场!!而音乐演奏中的差异可说是千变万化, 不可能有两次演出是完全一样的。对指挥家而言, 乐团成员、音乐厅音响、一时的情绪等等, 仅是诸多可变因素中的少数几种。有些指挥赞同 Nikisch的说法, 即每场演出都应是即兴表现, 所以每一次演出一部作品, 他们都在重新创作。指挥在演出后常常会抱怨他对若干的演出效果感到若干程度不满意, 并期望下次能加以改进。Furtwaengler或许是即兴表演家中最出色的一位。他对只能记录某次演出的唱片从来没能满意过, 所以他总是有不断的新唱片问世, □集他唱片的乐迷们可能精于找出他多次演出间的差异。也有许多完美主义的指挥不喜欢听他们自己的唱片, 因为即使是细微的变动, 他们也总是认为下次肯定会好过先前。

　　指挥大师之路何其漫长艰难, 要做的功课又是何其多。也许我们不该把指挥大师当成伟人看待, 但是对于他们所作过的任何努力、任何造成的影响, 也都是我们所该注意的。

　　PS：

　　合唱指挥是有别于乐队指挥的一个指挥专业方向。合唱指挥的任务和所研究的问题，包括合唱艺术的基本理论、合唱表演的基本技能、合唱指挥的基本技术、合唱的组织、合唱的声音、合唱的训练方法、合唱的排练方法、合唱作品、合唱作品表达、合唱音响、合唱活动的组织与策划等。从事这一工作并侧重于以上问题研究与实践的人，被称为合唱指挥。

　　作为合唱的指挥，在自身要求与技术要领等方面是非常严格的。

　　一、指挥的任务与要求：

　　1）要有充分的自信心，相信自己能够做好指挥而且无可替代。

　　2）要有一定的读谱能力，熟知合唱中可能出现的某些问题并加以纠正。

　　3）有较好的听觉、记忆力和较强的节奏感。

　　4）有一定的音乐理论知识，能够准确地理解、分析和处理作品。

　　5）有一定的组织协调能力，以便于随时号召大家服从指挥，调动演唱者的情绪。

　　二、指挥基本动作及要求

　　指挥的动作应该准确、简洁、美观大方，易于被了解，富有表现力：

　　1）站立时，上身要挺直，两脚自然稍分，略成丁字形，左脚可稍上前一些，要站得稳而美观，指挥过程中忌身体大幅度摇摆。

　　2）面部表情要丰富，眼睛要能传神，善于运用眼神和面部表情来启发合唱队，协同一致地表达出作品内容，耳朵对音准就有很强的辨别能力，及时纠正演唱发音不准的情况。

　　3）指挥时双臂抬起至胸前，不宜过高或过低，一般情况下应掌握在上与眉齐、下不低于腰部这一活动范围，挥动手臂时，要自然有力、舒展大方；手指不要伸直，手心自然保持弓形，忌两手心平行向上或向下，注意动作的中心是手腕部。双手的动作要匀称，指挥时拍点和拍子方向要清楚，不可含糊。一般来说，双手的动作相同而挥动方向相反，右手是掌握速度和节拍的，左手是掌握表情、强弱等的，动作要灵活，富有表现力。

　　三、简单技巧

　　1）开始。是二拍子型的，其起始拍在第二拍，第一拍为预备拍，第一小节为弱起小节。合唱开始时，第一拍应打出空拍（提示拍，合唱队不演唱），即双手应从上往下至最低点，起唱时间应从该最低点上升时开始，此时为第二拍。注意双手上升时要清楚有力，以对合唱队作出明确的提示。

　　2）歌曲行进当中，双手和手臂的动作应依拍子的强、弱、快、慢、连音、断音等作出适当的提示，这些提示应体现在双手和手臂动作的轻、重、缓、急、柔和、平稳、果断以及动作的幅度大小当中，必要时可突破常规，以大幅动作来展现歌曲的激烈情绪。当然这一切都必须建立在动作节拍准确这一基础之上，注意在整个乐曲行进中，应始终坚持强拍动作由上往下，弱拍由下往上连贯进行这一紧要原则。

　　3）结束。乐曲的终结，往往给人留下很深的印象，要指挥好乐曲的终结，使整个作品得到完整的表达。

　　四、几点注意事项

　　1）动作的准确性应为指挥的第一要则，但反对指挥动作单调而机械地重复，缺乏生机与活力。

　　2）即兴发挥应慎重，必须建立在扎实的动作练习基础之上，且忌过多。

　　3）指挥者的面部表情是调动演唱者情绪的有力工具，必须给予高度重视，但面部表情反映出来的必须是歌曲本身的情绪和力量，僵死、刻板的面部表情是指挥者最大的敌人，面部表情平和放松是指挥者的密友。

　　4）指挥者的自信心往往是成就一个合格指挥的主导因素，但盲目自信的结果可能会适得其反，所以指挥者必须在平时加以苦练，以从技术上给自信心以充分支持。

　　5）熟知和准确掌握乐曲旋律、节奏是指挥成败的关键，而这一切又离不开灵敏的听力和对乐曲思想深度的洞察力。

贝多芬第五交响曲版本进一步比较（二）

综合上一乐章的情况，Toscanini、Karajan、Monteux属于快速的代表，时间都是七分钟略多一点，Szell、Kleiber、Dorati、Reiner属于中等速度，大概在七分半钟，而Bernstein、Furtwangler、Bohm却属于比较慢速度的，在八分钟这个范围。

前两天晚上也在加班做事情，没时间来听音乐，今天来继续谈贝多芬第五交响曲第二乐章。相比第一乐章来说，第二乐章这个行板所体现的就不是第一乐章那种流畅的快板的风格了。实际上第二乐章的风格跨度可能是这部交响曲里面最大的一个乐章，从比较抒情、比较柔和的由提琴演奏的部分，转换到很雄壮、很庄严的进行曲部分，这种情绪上的变化无论对指挥还是听众来说都是有一定挑战性的。由于风格的强烈反差，指挥对于乐队的绝对控制力在此乐章应该是至关重要的。虽然我没有听过Klemperer指挥的版本，但是我很确信，以他的风格而言，指挥此乐章应该是非常出众的样板式演奏。继续选择SONY出品的Szell指挥Cleverland乐团的版本作为标准。下面所涉及的版本第二乐章演奏时间多半在十分钟、十一分钟这个范围内，由于有庄严肃穆的进行曲部分，时间稍微长一些并没有感觉上显著的差异。唯一的例外似乎是Dorati的水星版本，此版本耗时只有九分钟不到，下面再具体谈。

版本一：Furtwangler指挥Berliner Philharmoniker在1944年的录音，EMI指挥大师系列。Furtwangler很明显希望自己在这个乐章里面用强烈的动态反差来凸现两个主题的冲撞。如果不小心把声音开得大一点，到了第二主题出现的时候，实在有种震耳欲聋的感觉，那鼓声、那管乐犹如澎湃的巨浪，让人不由得打个寒颤。如果用一个词汇形容，那大概就是火爆了。其实，在比较抒情的部分，Furtwangler是能够把情绪迅速转换过来的，并没有受到进行曲部分感情的影响。这就显示了大师的功力。此乐章有个明显的问题，就是老旧的录音很明显无法纪录如此庞大的动态范围，在高分贝的段落，所有乐器显得声嘶力竭却有气无力。

版本二：Carlos Kleiber指挥Weiner Philharmoniker在1975年的录音，DG大郁金香系列。Kleiber此乐章基本上遵守了Furtwangler的风格，强调巨大的反差，强调大动态。不过相对来说，Kleiber此版本的处理相对内敛一些，抒情部分也更温柔一点。Weiner Philharmoniker出色华丽的弦乐显露无遗。此版本的速度也是比较适中的。

版本三：Pierre Monteux指挥London Symphony乐团于1960年代录制，DECCA双张系列。与Monteux的第一乐章相比，此乐章采取了比较传统的做法，演奏速度也下来了，其实London Symphony的演奏水平是相当高的，这一乐章确实比第一乐章更能体现这个乐团的实力。Monteux不像Furtwangler和Kleiber那样营造巨大的反差，而是用他自己的理解娓娓道来，进行曲部分节奏把握有板有眼，并没有因为相对较小的动态就削弱了那种豪迈、庄重。相比BPO和VPO而言，LSO也是个总体水准很均衡的乐团，不过LSO的管乐音色似乎比较明亮，有更多通俗音乐的色彩。录音还是那种感觉，似乎平衡度稍微有点欠缺。DECCA确实是搞室内乐的行家，录制交响曲麦克风摆放也是那种近声场风格，此感觉在Dorati水星版也很明显。

版本四：Karajan指挥Berliner Philharmoniker 1963DG版光碟加黑胶。此版本的演奏时间不像第一乐章那样感觉比较短，充分把握了行板的特点。Karajan也是个演奏进行曲的大师，整体感觉很到位，不过他也不很强调反差，因此总体感受和Furtwangler、Kleiber的处理风格不同。BPO的弦乐似乎是一个内功非常深厚的高手，并不那么华丽但是非常非常的厚重，属于那种朴素但水平奇高类型。

版本五：Bernstein指挥New York Philharmonic乐团Sony版录音。Bernstein指挥这种风格变化跨度很大的乐章是相当得心应手的。实际上他老人家指挥浪漫派作曲家的音乐作品都是相当正点的。对于贝多芬这个古典流派的巨人，Bernstein有他自己的理解。他的那种把每个音都一板一眼表示出来却不会让人感觉零散的独特风格，基本上是独成一派。第一乐章这种指挥风格会让一些人感觉不适应，第二乐章就只能说恰到好处了。我至今没有发现第二个人指挥风格和Bernstein类似，也许是我听的太有限了？

版本六：Fritz Reiner指挥Chicago Symphony乐团RCA现场立体声录音。Chicago的大厅确实有其声学特点，那种比较空旷的感觉贯穿了Reiner指挥Chicago Symphony在RCA录制的现场立体声系列。在此乐章，Reiner也不是使用声音的强弱而是节奏的把握来表达两个主题的差异。Furtwangler和Kleiber的处理给人更加深刻的印象、主题更加鲜明，而比较传统的风格的处理固然没有F、K的那种特殊性，但是也有其自身的优点。在节奏的变化和强弱的微调过程中，能够把两个主题过渡部分的那种连续性表现得淋漓尽致。Reiner属于音乐色彩大师，他是很善于在很自然的过渡中去表现那种情绪的连续转变的。

版本七：Antal Dorati指挥London Symphony乐团，Mercury现场演奏录音。这是一个近声场、强调每个乐器细节的典型录音。这可能也是所有发烧风格录音的一种趋势。有人曾说聆听《黑教堂》使用揭示力强大的耳机可以达到数人头的程度（很明显是夸张的话），而DG，EMI的录音却属于相反的风格，也就是更注重整体声场风格的纪录。Dorati此版本的第二乐章最最优秀的地方就是能够清楚的标定什么乐器在什么方向什么位置。中提琴、大提琴、长笛、铜管这些乐器都能有很明确的定位。在RCA现场立体声系列、Mercur现场演出系列SACD版本的多声道版本中（主要还是两声道或者三声道），声场的定位得到了更好地体现，而这种体现完全是建立在自然的声场基础上面，符合音乐厅中间空间的分布。这和一些做得比较“时髦”的多声道DTS、DVD-Audio流行音乐专辑就不同了，那些专辑乐器的摆放完全是人为混音的结果，因为按照听众的位置来说，乐器无论如何不可能跑到后环绕声道去。但是正如前面所说，此版本耗时不到九分钟，对于一个包括雄壮的进行曲部分的乐章来说，确实有点仓促了。此进行曲由于色调和第三交响曲的葬礼进行曲不同，速度自然不必那么缓慢以凸现凝重的情感，但是足够的顿挫绝对能够增加那种铿锵有力的节奏。这是本版本的一个让人疑惑的地方。

版本八：Karl Bohm指挥Weiner Philharmoniker，DG双张系列。Bohm的第一乐章也是相当长相当缓慢的。不过很奇怪的是，听的感受并没有标定的耗时那么慢。Bohm是个真正的大师，他的风格很多人可能并不是非常喜欢，他的录音也远远比不过Karajan、Bernstein这些人，但是他对莫扎特的精通也是为大家所公认的。贝多芬的单数交响曲所体现的那种激情确实和Bohm所最擅长的那种风格有一定的距离，但是作为一个饱经风霜、生活经历丰富的老人、用一种淡泊的眼神去看这个世界，所诠释的贝多芬也是非同小可的。Bohm在DG的录音长期被掩盖在Karajan在DG录音的光环下，这也许是个很大的错误。老人自己呢？或许他自己倒并不是很在乎，从他的录音来看，他不是那种争强好胜的人。但是他的录音贯穿了唯美的思考。是的，Bohm的贝五也贯穿了这种美学思考，也就是在德奥指挥精确的基础上如何演奏得更美一些。

版本九：Toscanini指挥NBC Symphony，RCA历史录音。Toscanini的指挥属于那种简洁、流畅、没有废话类型的。他的贝交也体现出这种非常干脆的个性。第一乐章比较短的七分钟让托老彻彻底底的过了过瘾，我估计他当初指挥棒抖动的频率是相当惊人的，因为在这个速度下，像他这样干脆利落而且一清二楚毫不含糊的把每个音节都交待出来，体力消耗应该相当不小。第二乐章，他的风格还是简洁，但是简洁并不代表简略，也不代表就牺牲了原本应该表现出来的情感。我觉得大师之所以直到现在仍有很多的崇拜者的一个很重要的原因就是他知道忠实原谱是指挥的首要目标，而之所以要忠实原谱就是通过乐谱把作曲家当时的那种真实情感原原本本表现出来。风格简洁的指挥很不少，比较情绪化比较浪漫派的指挥也不少，但是理解音乐本身达到托老这个层次的，又有几个？此录音自然是毫无希望的差，音乐或者音质，你选择哪个呢？

版本十：Szell指挥Cleverland乐团，Sony出品。Szell第二乐章继续了第一乐章所凸现出来的那种命运的严肃感。是的，Szell是很能体现出一种非常郑重严肃的心情的。第二乐章进行曲部分可以说是录音较好的版本之中相当典范的一个，这就是进行曲，这就是进行曲的节奏，无可置疑的精确，非常的郑重其事。就连停顿都那么精确。如果你跟着他的音乐在静默部分默默喊一二三四数拍子，就明白他是多么精确了。要知道，跟着CD和熟悉的路数去喊拍子并不难，站在台子上，那么大的一个乐团需要照顾，并且要按照自己的理念去指挥出特点来，做到如此的精确，相当不容易。我越来越觉得综合录音效果、忠实乐谱、情感演绎，对于第一次接触贝交的人，Szell的全集比Karajan1963全集更合适。当然Karajan1963全集也是挺精确的，缺点就是录音似乎不太好。Szell的全集除了录音稍微有点干，整体清晰程度好于红卡。

贝五第二乐章相对来说长一点，而且比较复杂，感情切换幅度大，每次重听都有新的发现，新的感受。而且各位指挥切入点似乎也不那么一样。当我开始写感受的时候，心里再想要不要再听一遍继续寻找更多一点的细节呢？考虑到这样的疑问可能永远无法结束，就此了断，还是粗粗浅浅写出来。以后要是真有新感觉，修正一下就行了。