水彩画的艺术风格

水彩画中，风景画是它中间的主流，处于水彩发展的重要位置。因此，了解水彩风景画的形成与发展，对于了解水彩艺术的形成与发展有着重大的意义。 18世纪是英国风景画建立的世纪，也是水彩画形成的世纪。其中地形画通过进一步艺术处理逐渐发展为风景画，淡彩画进一步成为水彩画，两种早期处理手法互相联系，互相渗透，紧密地结合在一起，逐步完成了水彩风景画形成的全面过程。

被誉为水彩艺术之父的保罗·桑德比（1725年—1809年）以勤奋不懈的工作和出色的才能，在社会上赢得了荣誉和地位。他是宫廷的宠儿，他的周围聚集着一批随学之工，其中有许多当时极负盛名的艺术家和业余艺术爱好者。在那个时代，桑德比被同行们看做是绘画技术的权威，并被他的一些追随者们广为传播，成为一个具有很大影响的人。

老科曾斯，在水彩发展史上被称之为风景画的建立者之一。他是俄罗斯彼得大帝和他英国情妇的私生子，成年后被送往意大利留学，专攻古典派的风景画。他经常在作画技法上大胆创新，他可以随意地在纸上涂抹一些黑、棕、蓝、灰等颜色的团团点点，让颜色化开后转印到另一张纸上去，然后根据他的丰富的想象，点上几笔，纸上就会出现富有浪漫色彩的岩石、丛林、高塔、楼房、屋舍、河流、田野和瀑布等，他还专门介绍这种画种，他一生的大部分时间都花在图画教学的工作上，成为受人尊敬的一代大师，著名的水彩巨子约翰·罗伯特科曾斯就是他的儿子。 抒情水彩风景画的兴起有它的深刻历史背景，18世纪英国的工业革命开始了，工业革命使生产力得到了提高，发展了生产，但同时造成工人大量失业，人们对于生活现实表现了越来越多的不满，反映到艺术中来，批判人文中过去的怀古倾向，否定了怀古主义的冷静的处世态度，强调生活中的感情，对艺术也提出了这样的要求，由此产生了艺术上的抒情主义。有几位大师为水彩画的发展做出了巨大的贡献，起到了领导先驱的作用。

盖思斯·巴勒（1727～1788）早在大自然还没有被一般艺术家认真理解和精心描

绘的时候，他已经在风景画方面很有自己的见地了，他对大自然充满着热爱之心，是欧洲第一流的风景画家。他一生创作虽以油画为主，但他绘制了许多淡彩风景，给后来的许多的画家以启示。 被誉为一代水彩巨子的小科曾斯（约翰·罗伯特·科曾斯1753～1799）是老科曾斯的独生子和学生，他是英国最富有想象力和独创性的艺术家之一，他是新时代水彩画的先驱者中最伟大的一个，人们称他是“用水彩画作诗的人。” 工业革命新时期的社会变革到来了，抒情主义者只是默默无闻地注视着这一切的到来，赞赏着与这个时代相背逆的东西。这种不言的抗议隐晦地发泄了内心世界的不满，因此在社会上取得了不少的成功，但是他们的弱点是始终不曾正面去表示一下自己的意见。

在资本主义开始发展的时代里，资本主义所暴露出来的恶劣品质，逃脱不过敏感的艺术家的眼睛，在他们富有滑稽幽默风格的思想中，开始被淋漓尽致地揭露出来，并很快地博得了市民阶级的赞赏。16世纪以来，水彩一直作为风景艺术的一门语言，从工业革命开始，人物、故事、历史题材开始闯入了水彩的世界，水彩艺术的新时期到来了。这一时期的代表主要是罗兰森。

托马斯·罗兰森是一个商人的儿子，早在皇家美术学院学习时，便充分显露出他超人的想象力和滑稽的幽默感，并成为他艺术道路的基石，幽默是其一生艺术的特点。罗兰森不仅是一位漫画家，而且是一位描绘世界感觉和周围生活事件的评论家，他用无声的说教让读者自己去体会深思，并用幽默的笔调打击资产阶级的尊严。 约翰·康斯特布尔（1776年—1837年）是一位真正的田园画家。他描绘大自然，不加丝毫虚饰，也不追随任何人，因此成为写实主义风景的开创人，他是第一个描绘英国潮湿空气的画家，是最早描绘穿过叶簇，照射在草地上，点点阳光，和云彩的艺术家。他大量描绘了大自然的形状和素质，以及前人从未尝试过的平凡的景色。康斯特布尔为以后的印象主义的发展开创了道路。

康斯特布尔的水彩画，是他生活和自然印象的直接体现，他总是画得很快，很精，很有力量，他的作品是为他个人需要而画，因而被人们所忽视；然而，他作品的启示性是英国绘画史上的重要财富之一。康斯特布尔被称为开创英国风景画新时代的巨人，并且也是开创世界水彩风景画的先驱，对后世的艺术家影响广泛而深远。 欧洲大陆对英国艺术的影响，远超出印象主义的范围，1909年成立的现代艺术协会成员的创作，表现方法为后印象主义的风格。1914年开始萌芽的漩涡主义，都分别源于欧洲大陆的立体主义和未来主义。1933年，保罗·纳什组织的“第一单位”是超现实主义的团体。 这一时期的代表人物有温得姆·刘易斯，第一次世界大战期间，他在法国创作士兵生活题材的图画，发展了立体派的几何形风格，表现了对战争的厌恶，他的形式和风格在当时画坛上引起了争论。

弗朗西斯·霍奇金斯（1869年—1947年）也是其中重要的一位。她是被邀请到巴黎任教的第一位英国女画家，她的画在色彩和色调上受到马蒂斯和日本绘画的影响，形式美妙和谐，具有高度的独创性和丰富的感情，它不断地启发了工艺美术家们的灵感。 水彩画是以水调颜色的，和工笔画调色方法一样，再有都利用纸的吸水性来作画，因此它们之间有很多相通的地方。实力派画家吴玉阳把水彩画的干湿画法和工笔画的渲染技法结合起来创作，增强了工笔画的表现力。

简单适合画在团扇上的花用水彩笔画出它的各种颜色七彩照耀

素描是一种用单色或少量色彩绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式，其使用材料有干性与湿性两大类，其中干性材料如：铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔等，而湿性如：水墨、钢笔、签字笔、苇笔、翮笔、竹笔、圆珠笔等。习惯上素描是以单色画为主，但在美术辞典中，水彩画也属于素描。

以素描表现的目的而言，素描一般用作学生提高造型能力的基本绘描练习，或作为创作前的整理或局部草稿练习、素材的搜集方法，并练习物体形象、动态、量感、质感、明暗、空间、色彩、比例、构图、变化统一、疏密等。大多数的画家在从事一幅油画或壁画之前，便先有绘画雏型出来，而这个简单几笔的雏型画，便是素描，素描很少用来制作为成品，但也有画家使用这种方式制作，而这样的成品画和画稿有所出入，因为此类的素描是在画完雏型的基本功外，再添加细部光影变化的描绘。而这样素描的目的也在于作为画家视觉的记录。

以表现的技巧而言，素描有别于水彩、油画，而是重于线条表现方式，以线条的粗细轻重来描述物体的明暗深浅，并且不须顾虑物体细节的色调色值，画面借由明暗光影的衬托来突显主题，但是也由于失去了彩度的考量，素描在明暗的阶调上，分层的很详细，在不同的微细的明暗变化中，都能展现物体的立体感。

法国古典主义油画家安格尔因为和浪漫主义观点不同，认为色彩的作用不是主要的，因此创作了大量素描和单线作品。中国画家王式廓的著名作品“血衣”，也是以素描方式创作的。

著名的素描大师有意大利文艺复兴时期的三巨匠：列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗·波纳罗蒂、拉菲尔·桑乔、中国的徐悲鸿（1895-1953 ）。伦勃朗、彼得·保罗·鲁本斯以及伊利亚·列宾等也是素描大师。

素描同时是一种造型艺术，他的目的是在两维的纸面上创造三维的立体形态。造型的准确和内在结构的科学是最为重要的。

技法种类

石膏穿插体

（1）线和线条技法

素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。

（2）用线条来组成物体的形象

素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，即由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。

（3）用线条区分立体与平面

在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和分清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

（4）平面技法的辅助

素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。

（5）毛笔画法的使用

更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。

（6）艺术性的加强

素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。

美术理解

是绘画中的术语。在汉语中解释：“素”从字面上指单纯、直接和质朴、真实。“描”是指写、画、挥舞、临摹、写生的意思。素描的定义是指用单色来描绘物体的形象。素描是一门关于认识和表现形的学问，是指导表达造型艺术的一种最基本的、辩证的、逻辑严密的思维方式，是一门独立的造型艺术。我们常说素描是一切绘画的基础，是绘画创作的训练手段。

最早作为素描的雏形形式产生的就是那些古代岩洞的岩画，当以及那些莫名其妙的符号，这些简洁朴素的描绘正是人类祖先对自然界的真实感受。16世纪在意大利，美术学院产生以后，素描才以正式身份出现在美术学府的画室。1912年在我国上海美术学院正式开设这一课程，1958年受到冲击，1962年恢复，到“文革”时期又受到冲击，直到1976年在全国各大美院开始恢复。从素描的发展历史上看，从古埃及、两河流域到古希腊、古罗马，从中世纪到文艺复兴，从欧洲17世纪古典画派到20世纪现代派，已经形成了一个完美的体系。在素描教学中，主要是训练学生如何观察和刻画客观物象的造型能力，对于初学者来说，我们常常以把形体画得像不像、准不准、整体不整体作为检验素描水平的高低。作为设计人员同样要具备素描的基本功。

美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，需要恢复人的自然思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全证明，因此，素描被称为“造型艺术的基础”。

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，铅笔，色粉笔，乌墨褐，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

这幅画的感觉不像是写实的，像是带点想象的漫画的感觉，当然画给人的感觉就是比较温馨青春的感觉，很多水彩插画也是这样的一种感觉。

水彩画简单的来说就是用水调和半透明颜料作画的一种绘画方法，主要就是看你要什么颜料加水调稀，整体感觉呈现透明和半透明状，看起来的感觉还是比较唯美随性浪漫。

 水彩画并不难学，但是想要画好水彩画并不是一件简单的事，初学者要做的就是多练多画，初学水彩画要先认识及学会使用水彩画常用的工具，接着学习轮廓起稿、运笔技巧、水分控制及色彩知识等，好的水彩画需要好的表现力、半透明质感以及易于流动的融合色泽。

水彩画的学习有一定的难度，不是一日之功，但是只要正确掌握水彩颜料的属性和运用，再加上老师的引导，自身不断的钻研，是能轻松上手的，上手之后就需要大量的练习才能提高自己的绘画水平。

画水彩画的步骤

1、准备工具

学习水彩画要准备：画架、画纸、大、中、小号的底纹笔各一支，水彩笔一支、颜料、调色盒。这些都是学水彩画要准备的基础工具。

画架方便在作画时控制画面水分，不会让整个画面显得水太多或太少，影响美感。水彩画对画纸的要求比较高。

太光滑的纸，不利于水彩的晕染，如果太粗糙，又不能表现线条的流畅，所以，画水彩画一般多用水彩纸。

水彩纸多为细纹和粗纹两种，不同的水彩纸适合不同的画法，细纹水彩纸多适用于湿画法，粗纹水彩纸多适用于干画法。对于一幅水彩画来说，工具的重要性顺序排序如下：纸＞笔＞颜料。所以，选择好的水彩纸对是否能够画好一幅画很重要。

 2、轮廓起稿

轮廓起稿多是用铅笔在水彩纸上画出底稿，构图是起稿中很重要的一部分，如果需要画较大的画面和较为真实的作品，起稿要力求准确精致，这样有助于生动的表现所画物体的轮廓。

在起稿时，尽量少用或不用橡皮擦，如果用橡皮擦过多会对纸面造成损伤，影响画面美观。如果想要做好轮廓起稿，就要在平时多注意有关素描基本功方面的训练。

3、水彩上色

掌握水彩上色的第一步就是要掌握一些基础的色彩知识，比如，不同颜色的叠加能出现什么色，同类色都有什么颜色等等，掌握了这些基础的色彩知识，才能对颜色有初步的认识。水彩上色，多用干画法和湿画法两种办法。

水彩画的干画法，是指第一遍的颜色干透后，紧接着上第二遍，第三遍，层层重叠，产生丰富的层次效果。干画法容易让画面中的色彩显得干枯，所以，用干画法画画时，要求笔毫水分饱满，滋润。

水彩画的湿画法，就是指作画过程中水彩纸始终潮湿，干掉的部分也要打湿继续画。湿画法是水彩画最基本也是最重要的画法，水色在纸上的渗透可以让色彩显得十分自然，充分体现出水彩画透明、清畅的特点。湿画法的难度较大，初学者要多加练习才能掌握。

水彩作品欣赏

1、Joseph Zbukvic：雾里看花水中望月

看水彩大师Joseph Zbukvic的画儿就一个感觉——雾里看花水中望月，美美美。寻常街道也被他画得富有诗意：他把那最不起眼的街道画得柔美动人，又在混沌之中提拎出清晰的动人之处，总能恰到好处地安排着画面的虚实与观众的目光。

2、安德鲁·怀斯：一代人的诗意与乡愁

美国当代最著名的水彩与蛋彩画家之一。他被评论为“引起怀乡之情的写实主义”，继承了写实的传统又能引发人们内心的共鸣，曾先后被三届美国总统授予荣誉勋章。安德鲁·怀斯是上世纪80年代少数在中国艺术界被推广的艺术家之一。

他的作品不同于当时流行的苏联写实画派，在当时令人眼前一亮，影响了不少年轻的中国画家，比如何多苓、艾轩等。

3、Joseph Zbukvic：雾里看花水中望月

英国国宝级浪漫主义水彩大师。在没有照相机的年代，他曾为了汲取灵感、画写生，把自己绑在暴风雪中的桅杆上四个小时，险些丧命。

他的风景画是抽象的，带有强烈的主观愿望与想象，那是激烈的、狂暴的、精彩的、速度的。他画风景，但画的更是情感。

4、Steve Hanks:水彩也可以超写实

美国水彩艺术家Steve本来是画油画的，后来对油画颜料过敏而改画水彩。没想到竟画得出神入化，成了一代名家，那些肌肤上的细腻光影，让人无比沉迷。

5、黄有维：你记忆里的故乡

他笔下的老北京胡同，你一定见过，他爱画北京胡同、山花野草、溪谷泉流等题材并有着极为独特的风格，被评为中国新写实主义水彩画的代表画家。

在悠久的水彩史家族里，超写实水彩画还显得有点年轻，但它在水彩画界的影响早已不容小视。随着照相技术的逐步改良，我们看到的世间景象也随之更加微观和清晰起来。超写实水彩画对景物的超精致表现将水彩推向了一个新的高度，使整个水彩画家族增添了一个新的气象，进而使水彩画得到了更好地传播。

超写实水彩画家们以自己独特而细腻的视角向我们展现出一个既熟悉又陌生的世界，和生活中无数美妙的细节。这种表现手段使我们有机会去观察更广泛的事物，去欣赏更多的世间美景。

我们的眼睛曾经被照片“欺骗”过；今天超写实水彩画再一次“欺骗”了我们，让我们傻傻地分不清是水彩画还是彩色照片。

埃里克 克里斯坦森（Eric Christensen）是一个来自享有著名葡萄酒之乡（美国加州纳帕谷）美誉的艺术家。

他的艺术才华一直令世人瞩目。他掌握的超写实水彩技巧，创作出鲜艳的色彩效果和超强质感的酒杯和酒瓶，在他的作品中展现出了高像素照片对物体表现出的玻璃质感。

克里斯坦森在水彩超写实领域中是独一无二的，事实证明，他是唯一有能力使用标准水彩创作超写实水彩作品的艺术家。

他在加州一个风景如画的纳帕谷镇中心，开了家自己的画廊。还成功地在全国性杂志、报纸和电视上做 “在酒国里生活” 的广告宣传。

克里斯坦森是个多产的画家，如今，他的作品被美国各地画廊珍藏。

早年克里斯坦森在盐湖城（犹他州）开始他的绘画兴趣；过着像个孩子似的生活，听着古典音乐，吃着 美食 ，画着各种植物。随着时间的推移，他的绘画技法已完全成熟，使他成为像每一个杰出艺术家一样专注在特殊的绘画主题和技巧上。

同时他发现对葡萄酒为主题的画产生了极大的兴趣，接着他买下了葡萄园，而他家的葡萄酒总是给他的绘画带来灵感启示。克里斯坦森称“这是他的生活方式”。

在克里斯坦森的“葡萄酒艺术”中，他善于捕捉葡萄酒浪漫的感觉，创作出唯美的浪漫视觉效果。在他诸多典型的作品中所塑造的葡萄酒主题，栩栩如生的风景和亲切的静物场景使人们爱不释手。

克里斯坦森不仅是一名著名的水彩画家，同时他也是一名美好视觉的营造着。在他美一幅的作品中，都经过了克里斯坦森的精心设置和摆放。包括食品、鲜花、水果、酒瓶、酒杯、静物，加之适当的背景设置，各种元素的合理搭配。这是克里斯坦森艺术与众不同的地方，也是其作品被广泛喜爱和收藏的原因之一。

END

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