浪漫主义2.0歌词什么意思

感谢之意。《浪漫主义20》是姜云升送给歌迷粉丝们的情人节礼物，其中歌词表达了对粉丝一直一来支持自己的感谢之情。《浪漫主义20》是姜云升演唱的歌曲，由姜云升作词，姜云升作曲，Zane98编曲，该歌词于2022年2月14日发行。

这是有关西方浪漫派音乐家的一些资料，等你写作文时看看吧，兴许对你有帮助

十八世纪末19世纪初，西方历史上的一个重要的转折时期。受到社会变革的影响，人们不断增长的失望悲观情绪需要一种宣泄的途径和方法，在艺术上就表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱，以及对未来的幻想。首先是德国和奥地利的文学家高举反古典主义的旗帜，打出“浪漫主义”的旗号。在文学思潮的影响下，音乐上也开始出现了浪漫主义风格。在韦伯和舒伯特之后，浪漫主义音乐开始了中期的发展。其中特别是门德尔松和舒曼，肖邦这三位代表人物，在歌剧、艺术歌曲、钢琴小品甚至演奏特色上，都形成了严谨、抒情的浪漫抒情音乐学派的传统。丰富了浪漫主义音乐的成果，为浪漫主义音乐做出了极大的贡献。

felix Mendelssohn bartholdy（1809-1847）

德国作曲家，钢琴家门德尔松就像他的名字“费利克斯”felix Mendelssohn bartholdy(felix 意思是“幸运”)一样，是音乐史上的幸运儿。他的一生虽然短暂，却不曾受到过任何经济方面的困扰。他的顺利成长，得益于一个经济、精神、文化、音乐都十分丰富的家庭。幼年的门德尔松熟悉了音乐，绘画和语言学，但是最具天赋的方面还是音乐。他20岁时，开始游历国内外重要的文化名城，为其创作提供了素材，许多作品都是从旅行中得到的印象为基础写的。门德尔松的作品圆润流畅，轻松自如，如歌的旋律、幻想的形象、光彩的谐谑，都显露出他非凡的浪漫主义音乐色彩。门德尔松的钢琴曲技巧娴熟，风格自然，没有太多的强烈和炫耀。最受世人喜爱的作品是他所开创的被称为《无词歌》的48首钢琴小曲。其中不乏浪漫派特性曲的精彩之笔，有《纺纱歌》、《摇篮曲》等，其中最著名的一首是《春之歌》！堪称原生态音乐的经典之作，乐曲的伴奏部分从头至尾贯穿着竖琴式清脆的琶音音形，旋律动人，表现了人们在风和日丽的春天情不自禁歌唱的心情。门德尔松还开创了与歌剧无关的音乐会序曲。与古典时期不同的是，他创作的序曲不依附于歌剧或戏剧，独立成章，单独在音乐会的舞台上演出，采用奏鸣式的纯音乐形式，又注入了浪漫主义的风格。他的序曲《仲夏夜之梦》等都描绘了大自然的客观形象，体现了人在大自然中的主观感受，并为浪漫主义的音乐会序曲的形式树立了榜样。而他后期最成熟的器乐代表作《e小调小提琴协奏曲》更是被誉为世界上最伟大的小提琴协奏曲之一。这首无标题的音乐作品，细腻柔美，光彩照人。在大的布局上遵循了莫扎特器乐协奏曲的原则写作，但是去掉了引子，选用众人回避的e小调调性，速度的反常使用，谐谑曲个性化的处理等，表现了作曲家的机敏才智和浪漫主义的超然情趣。1843年，他又积极参与筹建了德国第一所音乐学院：莱比锡音乐学院。门德尔松用他个人的奉献，为西方浪漫主义音乐发展打下了早期的基础。

RSchumann(1810-1856)

德国作曲家、钢琴家、音乐评论家罗伯特·舒曼是19世纪上半叶西方浪漫主义音乐史上的先锋人物，他的一生代表了时代进步的倾向，给西方近代音乐以强烈的影响。舒曼出生于一个进步书商的家庭，自幼爱好文学这对他的音乐评论和音乐创作都起到了相当重要的作用。7岁开始学习钢琴，也尝试着写作乐曲。父亲的早逝，迫使他遵从母亲的愿望中断学习音乐攻读法律。20岁时放弃了法律的学习，说服了母亲，回到莱比锡立志献身音乐。他干脆住在维克老师家里，练习钢琴演奏，可是过度的勤奋练习使得他手指受伤，将梦想转入作曲。30岁时不顾老师的激励反对，娶了老师的小女儿女钢琴家卡拉拉。此后开始了创作的繁荣时期，从主要创作钢琴曲等小型作品转向了声乐曲，大型管弦乐曲、室内乐和戏剧音乐的创作。作品有《桃金娘》、《核桃树》、《诗人之恋》、《C大调第二交响曲》、《日诺维瓦》等。但是，后来由于遭受母亲、哥哥、嫂子、朋友的相继去世等一系列打击，舒曼脆弱的神经日益衰退。1854年因精神病入院治疗，于1856年7月29日告别人间，年仅46岁。舒曼堪称第一流的音乐诗人，每首作品都充满了诗意的环境，他喜欢在文学中汲取主题和形象，极力把音乐和文学相接近。他以诗人的灵感把握音乐的意境，以诗意的想象勾画人的情感。他细腻敏感的心总处于感情的漩涡中，并在波浪起伏中日渐衰弱，他只有在自己构建的世界里才能获得永恒。他没有压倒一切的力量，却有着丰富多彩的艺术手法。舒曼的音乐是一个人文知识分子内心世界的纯粹表露。对舒曼来说，音乐是灵魂的完美表现。从自觉的程度上说，舒曼比其他音乐家更意识到自己是一个浪漫主义者。无论是艺术评论还是音乐创作，都使他成为浪漫主义浪潮中的核心人物。

Fchopin(1810-1849)

波兰音乐家佛里德里克·肖邦生于华沙近郊，他的父亲尼古拉斯是法籍移民，喜爱音乐，母亲加斯蒂娜是波兰人，虽然是伯爵夫人的侍女，但受到过良好的教育，会弹钢琴。在良好的环境中长大的肖邦深爱着自己的祖国，无论生活在哪里，他都眷恋着波兰。他继承了母亲的敏感和富于想象力。7岁时，他优良的音乐素质使得父母为他找了一位钢琴教师——61岁的内尼。在5年时间里，他循序渐进教给肖邦巴赫、莫扎特的作品，为肖邦打下了坚实的音乐基础。年幼的他开始公开演奏和作曲，并告诉父亲：“通过音符，我更容易表达自己的感觉”。16岁的肖邦经过波折按照自己的意愿进入了华沙音乐学院作曲班就读，从师于华沙音乐学院院长、德国音乐家爱尔斯纳接受全面正规的音乐教育。1830年为了在音乐上有更大的建树，肖邦在家人的建议下出国深造。11月2日，肖邦携带了一抔祖国的泥土，离开华沙，从此再也没有回到祖国的怀抱。当他在路途中得知起义失败华沙陷落时，他陷入了极大的精神痛苦和悲愤之中，甚至想返回波兰参加战斗，后被友人拦住。但是这些都使他精神受到了强烈的刺激，并在创作中留下了——悲剧性、戏剧性和矛盾冲突力量，作品从情感深度到形式技法都发生了转折。在1833年和李斯特合作举行音乐会后，他集中时间进行创作，写下了大量流芳百世的作品，涉及到钢琴音乐的各种体裁：练习曲、前奏曲、马祖卡舞曲、波洛奈兹舞曲、夜曲、圆舞曲等等等等。其中《马祖卡》和《波洛奈兹》，具有浓厚的波兰乡土气息，民族精神体现得最为强烈。马祖卡体裁直接来源于波兰传统的边唱边跳豪放热情的乡村舞曲。后者最早为贵族生活中隆重的仪式队列舞，后移植到钢琴音乐中。肖邦的夜曲最富于优美的旋律和浪漫的情感，抒情又个性化。其夜曲早期深受爱尔兰音乐家菲尔德的影响，后期无论在形式还是内容上，都使之发展到一个前所未有的地步，主题严肃悲哀能容纳深刻的社会内容，音乐发展富于戏剧性和歌唱性。他的《葬礼进行曲》、《革命练习曲》情感严峻，气势磅礴，主题肃穆。肖邦将很多音乐体裁上进行了创新，使之成为独立的钢琴特性曲，并赋予了它浪漫主义的气质。在钢琴演奏上，他更是一位杰出代表。他受到帕格尼尼的影响，把钢琴技巧不断提高到新的境界。他精致的装饰音、轻盈的过渡句、自由速度等，都使钢琴艺术有了诗意。他技术娴熟，而且从不炫耀，却懂得如何更好得让技术去服务音乐。无论是乐曲创作，还是演奏技巧，肖邦都是西方音乐史上一位奇才，贡献卓著。

门德尔松对传统作曲的布局形式、乐器个性色彩的开发利用都有自己独特的见解和改革。并且利用自己在音乐届的声望，以及良好家庭环境的基础，不仅为浪漫主义音乐做出了承上启下的作业，还宣传新人，为音乐教育事业做出了巨大的贡献。舒曼不仅追求歌曲诗歌般的意境，而更侧重于情感和心理状态的表现。而且作为音乐评论家，他对音乐作品的社会功能提出了更高的要求。肖邦的艺术成就更在于他在钢琴体裁上的创新，以及钢琴技巧的提升，他的爱国情怀更是在后人心中留下了深深的印记。

浪漫主义音乐时期是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。我喜欢浪漫主义音乐，因为他们重视个人主观情感的抒发。作者的创作灵感，来自他们的情感世界，当然，他们不拘泥于传统形式，不等于完全不注意形式。他们抒发的情感也不都局限于个人生活的狭小天地，都有与他们的音乐内容相适应的完美的形式。而他们的音乐内容，也远远超出了个人的范围，具有广泛社会性、普遍性的道德伦理的意义。西方浪漫主义音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。

（武汉音乐学院 音乐教育学院,湖北 武汉 430000）

法国艺术歌曲“Mélodie”起源于18 世纪末19 世纪初的欧洲，和更早的“浪漫曲”有所区别。19 世纪中叶至20 世纪初期是法国艺术歌曲的繁荣发展时期，在这一时期著名的代表人物有福雷、德彪西等人。19 世纪末正值大变革时期，此背景催生了象征主义文学，使得法国象征主义成为当时火热的一种艺术思潮，成为连接浪漫主义和现代主义音乐之间的桥梁。德彪西是这一特殊时期的代表人物，被誉为“法国印象主义之父”。象征主义诗歌强调感知，在象征主义诗歌中感受到的是模糊、缥缈。它以隐喻的形式，使艺术得到升华，让人们去探究更深层次的含义。德彪西采用象征主义诗歌《浪漫曲》完成了这首艺术歌曲，本论文基于相关研究理论，通过对该歌曲的深入研究并结合自身的演唱实践，帮助歌者在了解《浪漫曲》的艺术特点的基础上更好地歌唱。

一、《浪漫曲》作曲家和词作者简介

克劳德·德彪西（Achille Claude Debussy）（1862年8 月22 日-1918 年3 月25 日）是法国19 世纪末、20 世纪初作曲家，近代“印象主义”音乐的鼻祖。他在音乐学院学习期间就展现出了打破常规、探索未知的创新精神，受到作曲家穆索尔斯基、瓦格纳以及象征主义文学、印象主义绘画的影响，形成自己独特的印象主义风格。他的代表作有歌剧《佩列阿斯和梅丽桑德》、管弦乐曲《牧神午后》、交响素描《大海》等。除此之外，他的艺术歌曲也非常有代表性，如《曼陀林》《阳台》《浪漫曲》等，都采用著名诗人的诗歌。他的作品充满奇异的幻想因素、朦胧的感觉和神奇莫测的色彩。他的和声细腻、繁复，配器新奇而富有色彩，旋律略带冷漠飘忽的感觉。他的创作可分为三个阶段：第一阶段是在1890 年之前，作品带有浪漫主义色彩，有瓦格纳等作曲家的影子；第二阶段1890-1904 年是他的创作高峰期 ；第三阶段1905-1918 年是他对二十世纪音乐的展望以及对古典浪漫时期音乐的回归 。《浪漫曲》于德彪西创作初期1880-1884 年完成的。他继承了福雷所确定的浪漫主义时期法国艺术歌曲的风格，同时又独具个性，将自身对音乐和调性的独特色彩感，融入自己的声乐线条和钢琴伴奏织体中。

保尔·布尔热（Pual Boueget)（1852 年-1935 年）是法国小说家、文学评论家、诗人，曾在巴黎大学攻读古典文学，对诗词有较深的研究，受象征派文学的影响颇深，作品带有印象主义特点，在1872-1882 十年间刻苦钻研诗歌，发表了《在海滨》《希望》等几部诗集。在德彪西创作的艺术歌曲中，有八首艺术歌曲采用了保尔·布尔热的诗歌。其中一首就是《浪漫曲》，德彪西于1880-1884 年完成《浪漫曲》的创作。

二、《浪漫曲》的音乐分析

（一）《浪漫曲》的音乐结构和创作技法

该歌曲为二段曲式，主调性为D 大调，节拍为4/4 拍，一共28 小节。第一段一共转了三次调（D-A-D-G),都为近关系转调；第二段转入了远关系E 大调，最后回至主调D 大调。

《浪漫曲》是德彪西早期创作的艺术歌曲，受象征主义诗歌和印象主义绘画的影响，德彪西创作音乐往往将音乐和绘画联想构思，将音色和音响作为音乐的表现手段，把音乐的强弱变比作成绘画中光线强弱的变化，利用音乐的强弱变化和色彩性和弦营造歌曲要表达的朦胧的、飘渺的意境。在《浪漫曲》中德彪西多次使用带有浓厚个人风格的音乐创作手法，如该歌曲的16-20 小节一共包括三句话，皆使用了全音音阶，一定程度上回避了大调音阶中的半音音程，避免了导音倾向性，造成调性模糊的感觉，歌曲的功能性和声减弱。不仅如此，德彪西因为不满足调性的稳定，歌曲多次使用离调的手法，带给听众新鲜感，添加了一些色彩感和音响上的特殊意境。歌曲还多次使用减五、七度等不协和音程，如歌曲开头伴奏下方两个声部音程构成减五度，造成一定扩张感和色彩感。并且作者在创作该歌曲的时有着链环衍展的思维方式，着眼于音乐材料的连锁式发展，使音乐进行及发展的关联性始终得以保持，采用了顶真的作曲技法，在歌曲的第1-2、第4-5、第5-6 等句中均能体现出来，保持了作品内在的统一。

（二）钢琴伴奏织体特点

《浪漫曲》钢琴伴奏是随歌曲的发展而改变的，具有一定的规律，该歌曲最低声部皆为长音，通过二度、三度进行连接全曲，呈现宣叙性质的音调,突出了一种虚无缥缈的、朦胧的音响效果。该歌曲的钢琴伴奏中有一句旋律（第1、2 小节），作为贯穿全曲的纽带，一共出现了三次，而全曲的织体改变一共有五次，下面一一论述。

歌曲引子（1-2 小节）为三个单音声部加上伴奏旋律声部，伴奏旋律辅助音式级进下行，结合四分、八分音符的节奏型，其余三声部皆为长音，而后又反复一次该旋律，这是该旋律声部的第一次出现。

歌曲在第6-8 小节，变换了钢琴伴奏织体，原先的三个长音声部变为了一个，原先伴奏旋律声部变为了以两拍切分为主要节奏型的柱式和弦，给全曲带来了一种紧张感，但很快这种紧张感消失了，两拍切分的柱式和弦隐藏声部二度级进上行，使歌曲听起来仍然带有一种朦胧感，仿佛刚刚的紧张感只是插曲。

歌曲在9-13 小节处，第二次出现了钢琴伴奏旋律声部，这一次将1-5 小节使用过的旋律和6-8 小节使用过的二拍切分节奏型相融合，相比1-5 小节，切分节奏使音乐听起来更加流动，在听觉上造成了一种意外的强弱交错，推动了歌曲情绪的发展。

歌曲第二部分14-21 小节由原先四声部变为了三声部，左手是以四分音符为基础节奏型的单音分解和弦，右手则为柱式分解和弦，伴奏整体听起来舒缓、悠远，和使用全音阶的旋律声部相配合，营造飘渺、梦幻的意境。

歌曲22-28 小节处第三次出现钢琴伴奏旋律声部，力度达到了mf，回到了原速，在9-13 小节的基础上增加了两个声部，增强了歌曲结尾的稳定感。

（三）旋律线条和歌词的巧妙结合

1旋律节奏和歌词节奏的配合

该歌曲中的每一个音节对应旋律部分的一个单音，每一个音节皆对应一个元音。

2诗歌旋律中的韵律

《浪漫曲》的歌词含有独特韵律，歌曲共分为两个乐段，一共十二个乐句，歌词的第1-3 句L'âme évaporée et souffrante，L'âme douce，L'âme odorante 以及歌词的7-8、11-12句N'est il plus un parfum qui reste，De la suaviré céleste，D'une vapeur surnaturelle，Faite déspoir d'amour fidèle 皆押韵。

3旋律的走向和歌词含义、语调的配合

德彪西的《浪漫曲》具有典型的印象主义风格，歌曲多次使用同音反复的创作手法和宣叙般的声调渲染出一种缥缈的神秘感，从某种意义上说保留了诗词朗读的韵味。全曲的大部分以级进和三度进行为主，声乐旋律音程起伏很小，表现出诗词中的朦胧的气氛和对爱情充满美好的憧憬。

歌曲开头第一句“受苦的灵魂在飘荡”旋律多次同音反跳后，让歌唱如诗词朗读一般，同音反复后的大跳仿佛让人感觉真的在飘荡。歌曲第一段（1-13 小节）歌词的大意是受苦的灵魂在空中飘荡，圣洁的百合花用它的纯净和香气安抚了疲倦的灵魂，无论是花香还是灵魂都是在空中漂浮着，旋律的走向非常契合歌词，每一乐句皆未落到主音上，正好与歌词所表现的语气语意相契合。歌曲第二段(14-28小节）歌词的大意是两个人相爱了。两个人身旁笼罩着浪漫、唯美的氛围，相比第一段，第二段歌词将浪漫气息和爱意讲述得更加明白，而旋律的第八—第十句采用大连线，均为音阶级进上行/下行，大幅度的音阶流动推动了歌曲情绪的发展，旋律和歌词相契合得非常完美。

三、该作品的语言艺术和演唱艺术表现

（一）歌唱语言

法语被公认为是世界上最优美的语言之一，它优美动听、明亮悦耳、柔和抒情。演唱该歌曲需着重注意咬字，要遵循法语发音的语言特点，注重元音的发音，法语是世界上元音最多的语言，一共有16 个元音，其中a/e/i/u/y/o 六个元音字母需要单独练习，保持语言的连贯特点，使单词与单词之间通过元音连起来,歌唱时要注意歌词的“联诵”，两元音在一起只读后一元音，前一元音不发音，如《浪漫曲》第一句L'âme évaporée 两个词联诵的结尾音不发音。在这首法语歌曲中，要注意一些字母的发音，如字母j 发音与中文“日”相近；字母s 在字尾不发音；字母qu 发拼音k 的音；还需要特别注意一下鼻化元音，鼻化元音是法语的特有现象，法语有4 个鼻化元音，该歌曲中有两个鼻化元音，该歌曲中的单词dans、vent 发a 的鼻音ã，donc 发o 的鼻音õ。

（二）演唱的声乐技巧

1气息的控制

该歌曲的音域是d1-g2,大部分的音在中低音区，中低音区音色得到了充分的重视，中低音区要唱的浑厚、实在、沉稳，中低音区一定要把喉位放下来，保持喉部肌肉的松弛去进行演唱，这样出来的气息才是平稳的，中低音声部不能只用纯真声，仍需真假声混用，保持声音的饱满状态，高音的部分要唱得飘逸、朦胧，越高的音越需要气沉下去，不可扯着嗓子唱，这样的声音是尖锐、不圆润的。中低音区和高音区的过渡也要引起重视，要统一状态和音色。总体来说，整个歌唱是自由的，是通过气息的支持控制来完成的，气息要深、松、稳、有弹性。

2音量的控制

《浪漫曲》整首歌曲包括三个力度的标记，分别是pp、p、mf，这首歌曲带有强烈的印象主义色彩，歌曲音量的变化幅度不能太大，它展现的是一幅幅印象画，演唱时避免乐句与乐句之间音量差距过大破坏总的音乐的感觉。

（三）恰到好处的情感处理

歌曲的表达要建立在歌曲的深入了解之上，该歌曲具有浓厚的印象派特征，歌曲中有许多色彩性和弦并且在不停地转调、离调，这需要演唱者演唱之前要细心感受音乐的色彩感。《浪漫曲》展现的是一种朦胧的气氛，表达的是对爱情的憧憬之意，突出了一种虚无缥缈的朦胧的音响效果和旋律色彩感，旋律没有内在的紧张感，更像是脑海中回想的一帧帧画面，故演唱时避免加入过多的情感表达，或者夸张的抒情和喜悦。要注意声音细腻的把控，获得艺术之前的通感（和诗歌、绘画一样的情感），从而反映诗歌、绘画中的情感变化。歌唱者在歌唱之前可反复朗诵歌词，在脑海中构思出一帧帧画面，把握歌曲的整体意境和感觉，为歌唱时有恰到好处的情感处理做好准备。

四、结语

德彪西艺术歌曲《浪漫曲》受印象主义绘画和象征主义文学的影响，带有浓烈的印象主义风格，更加追求自由，更加注重作品的意境，不同于传统音乐的风格，不局限于传统音乐中那种严密的结构。该篇通过研究钢琴伴奏、旋律和歌词的配合来加深读者和演唱者对艺术歌曲的感受和认识，主要通过语言艺术、声乐技巧和情感处理三个方面来帮助演唱者理解和欣赏印象派音乐创作的风格特点，进而更好地演唱《浪漫曲》这首歌。

注释：

①Mélodie：柏辽兹作为史上第一人用这个词来称呼他所作的歌曲，并以此来区分德国艺术歌曲和那种旋律就是一切的歌曲。

②受苦的灵魂在飘荡：受苦的灵魂在飘荡是浪漫曲的歌词，浪漫曲歌词是由玛利亚翻译的。

③联诵：在同一节奏组中，如果前一词以不发音的辅音字母结尾，后一词以元音字母开始时，前一词的词末辅音字母由不发音变为发音，与后面的元音组成一个音节，这种现象叫做联诵。

　　浪漫主义一词具有多种多样的含义，可以指一种艺术手法，也可以指历史上特定的一个文学流派。

　　浪漫主义一词源自romance，原指用罗曼语写成的中世纪英雄故事或诗歌，但如今浪漫主义一词同它原来的含义已经相去甚远。浪漫主义在文学艺术诸领域中打开了一个崭新的世界——个满怀热情、追求理想的世界，一个耽于幻想、勇于创造的世界。作为一种文艺思潮，浪漫主义本身虽然充满矛盾，但它依然取得重大的成果，推动文学艺术的进一步发展。

　　人们习惯于把雨果的《<克伦威尔>序》称为浪漫主义的纲领，文学史上常把雨果发表这篇序言的1827年和随后因雨果的浪漫主义戏剧《欧那尼》上演成功而达到浪漫主义发展高潮的1830年，作为古典主义同浪漫主义在时间上的分界。

　　关于浪漫主义，历来聚讼纷纭，莫衷一是，但有一点倒是意见一致的，那就是浪漫主义感情的激流冲垮了古典主义的理性王国。如果把古典时期的理性比作冰层，而古典主义作品中情绪的激流只能在这冰层下边翻滚，那么，浪漫主义却已经是从热情的火山爆发出的熊熊烈火了。

　　作为创作方法和风格，浪漫主义在表现现实上，强调主观与主体性，侧重表现理想世界，把情感和想象提到创作的首位，常用热情奔放的语言、超越现实的想象和夸张的手法塑造理想中的形象。古今中外的文艺创作自始就有这种特色。如中国屈原、李白的诗歌和吴承恩的小说《西游记》，德国的歌德和席勒、法国的雨果和乔治·桑、英国的拜伦和雪莱等人的作品中都具有鲜明的浪漫主义特色。

　　作为文艺思潮，浪漫主义产生并风行于18世纪末～19世纪初的欧洲。其时正值资产阶级革命的时代，资产阶级处于上升时期，要求个性解放和感情自由，在政治上反抗封建主义的统治，在文学艺术上反对古典主义的束缚。为适应这样的需要，浪漫主义思潮应运而生。

内容摘要：文章论述了德国浪漫主义作曲家舒曼艺术歌曲创作方面的主要特征。这位继“歌曲之王”舒伯特之后的又一位艺术歌曲创作大师，他在选词、旋律、节拍、和声、曲式、钢琴伴奏等方面具有独特的创作风格和特点。　关 键 词：舒曼 艺术歌曲 创作 浪漫主义　　舒曼（1810—1856）是19世纪上半叶德国浪漫主义作曲家、音乐评论家，是继舒伯特之后为德国艺术歌曲创作做出重大贡献的第一人。舒曼和舒伯特一样，都用浪漫主义的灵感去创作艺术歌曲。然而舒曼具有非常丰富的文学修养，他的音乐比后者的音乐更精雕细琢，深刻细致；不像舒伯特的易于外露的感情，舒曼的作品与他内向的个性相吻合。他的大多数作品是受到诗意的启示创作而成的，浪漫主义的诗意想象力和音乐家的敏感、细腻在舒曼身上完美地结合在一起，舒曼是乐坛上的浪漫诗人。本文主要阐述舒曼艺术歌曲在创作方面的主要特点。　　一、声乐作品借助诗歌的明确语义，充满真情，富于幻想，具有强烈的浪漫主义气质　　舒曼少年时代在文学、诗歌、音乐方面同时显露出天才，富有诗人气质与灵性。歌德、海涅的作品对他影响很大。舒曼的艺术歌曲，大多数以这些浪漫主义诗人的诗歌谱曲。艺术歌曲选词严格，通常采用诗人最有价值的诗歌作为歌词，非常注重诗歌本身的艺术性。他希望通过音乐的本质，使诗歌焕发出更加动人的诗意来。　如著名的声乐套曲《诗人之恋》，这部声乐套曲是根据海涅的一首长诗改编的，它描写了一个诗人对真诚爱情的向往以及失恋以后的痛苦，作者用音乐的手段着力挖掘诗歌的深刻感情，更加细腻地表现原作的诗情画意，使套曲具有很深的感染力。《诗人之恋》这部套曲共有13首歌曲，舒曼用简洁的笔法写出了复杂多变的艺术形象，其中细腻的情感变化和诗情画意，都通过音符表达出来，吸引和感动着人们。这部套曲的第一首歌曲《灿烂鲜艳的五月里》描写春天来到了，百花盛开，欣欣向荣，诗人心里萌发了对爱情的渴望。这首歌的曲调并不华丽，却表达出发自内心的真诚，歌曲到了结尾，曲调有意地并不终止，停在一个不稳定音上，给人一种回味无穷的感受，形象地表达出诗人对爱情生活的向往。　　二、舒曼的艺术歌曲以爱情为主要题材，还兼有一些抒情的以风景描写为题材的歌曲和一些叙事曲　　在舒曼的五百多首艺术歌曲中，占比例最高的是爱情歌曲，其中有很多艺术性非常高。歌曲集《桃金娘》是舒曼在1840年作为结婚礼物送给克拉拉的。该集共有26首歌曲，每一首都写得极其动人，其中最受人们喜爱并传唱最广的是第一首《献词》。在舒曼的歌曲中，以抒情的风景描写为题材的歌曲也很多，如《月夜》是一首具有典型的舒曼式浪漫主义风格的歌曲。它是根据德国浪漫主义诗人艾兴多夫的原诗创作的。这是一首分节歌，钢琴引出月夜的宁静、安详的自然美丽夜空之景，歌曲在宽广宁静的旋律上展开，在第三节情感加强，推向高潮，抒发了作者思念故国、热爱家乡的心情，在减弱的和声中，全曲结束。舒曼还写过不少叙事曲，最出色的是《两个掷弹兵》。这是舒曼思想性和艺术性都很杰出的叙事歌曲代表作，歌词也是海涅的诗作。它通过1812年从俄罗斯战败的两个法国士兵的对话，来表达欧洲封建复辟以后，人们重新怀念拿破仑、向往资产阶级民主革命的思想情绪。全曲采用通俗的手法，音调铿锵有力，引用了标志法国革命精神的《马赛曲》，表现了战士视死如归的英雄气概。　　三、舒曼的艺术歌曲与德国民歌的联系比较隐晦，旋律很短小，大多不是结构完整的乐句　　德国民歌有着与其他民族不同的特点，它既不像意大利民歌外露的抒情，也没有西班牙民歌豪放的性格，它始终保持着朴实、内在、简洁、工整的特点。舒曼在歌曲创作中，虽然极少直接地引用德国民歌的曲调，但他十分忠实于民歌的特色。　舒曼的节奏最具有独创性，他非常爱用复杂的节奏，我们常见到跨小节的切分音，高低声部的复节奏，但有时他又坚持不变地在一个较长的段落中使用一个节奏型，表现他独具的风格。　在和声上，舒伯特虽在创作手法上开创了浪漫主义表现手法的新领域，但还没有跳出古典和声的窠臼。而舒曼则开辟了浪漫主义和声手法的新领域，他力求和声“功能”强度的减弱，运用不协和音，转离调大胆，他常采用大小调交替以及模糊调性的离调手法，制造一种诗意的朦胧气氛和充满幻想的意境。因此，在演唱舒曼的抒情性艺术歌曲时，必须具备能在高音区上渐弱和运用轻声的技巧。唯此才能表达出这种缥缈的、超脱尘世的遐想和令人神往的意境。　如舒曼用海涅的诗歌谱写的《莲花》，音调自然朴素，全曲基调是F大调,当唱到“月亮是她的情人，用光辉将她唤醒”时，调性向bA大调离调，使歌曲进入一个情感高潮。接着，伴奏又造成离调效果，舒曼用这样多变的调性对人物内心进行细致刻画，形象地描绘了莲花的情态。　在曲式上，他挣脱古典样式，不受束缚，依从感情的自由奔放，抒发内心的感受。曲式自由松弛，从而形成了他创作上的又一大特点。　四、舒曼的钢琴伴奏写作具有非常独特的效果，歌曲旋律与钢琴伴奏结合完美，音乐形象鲜明　　舒曼在艺术歌曲的创作中，独具匠心地对歌曲伴奏也作了非常精确的首尾一贯的设计，把艺术歌曲曲调与钢琴伴奏结合得天衣无缝，使钢琴伴奏更能体贴入微，展现了无穷无尽的可能性。在舒曼的歌曲中钢琴与人声密不可分。有时钢琴部分甚至超过歌唱部分。他还常常在歌曲的末尾加上大段的钢琴尾奏，像尾声，又像发展部分，在这些部分常会出现新的乐思，使歌曲的意境更上一层楼。　假如说舒伯特的钢琴伴奏写作还属于古典技巧的话，舒曼的伴奏则已开创了浪漫主义钢琴表现技巧的新天地，他的转调手法，使音乐从古典和声和转调法中解放了出来，从而丰富了和声色彩和变化，丰富了表现的手法和技巧。此外，他还吸收了复调音乐的织体写作风格，加强了钢琴伴奏内声部旋律的活跃性，更丰富了钢琴的表现力及表现范围。　俄罗斯音乐评论家斯塔索夫说，舒曼是贝多芬、伯富朗兹、舒伯特之后最有天赋的一个继承者。他的艺术歌曲更侧重于通过贴切的情感与心理状态，描绘大自然的优美景色，使音乐形象更加鲜明生动呈示出一种独特的“意境美”。　如 《核桃树》，这是一首突出的带有舒曼歌曲中“钢琴伴奏与歌唱同样重要”之特点的声乐作品，歌曲旋律并不十分宽广、流畅，而大多是短呼吸式的小句子，在曲子中起着主导作用。美丽的钢琴琶音音型和一再出现的主题动机，把春风荡漾、树叶沙沙作响的诗意，以及青年人对爱情的幸福憧憬，表现得无比生动。在变化三段式的中段，则进一步表现了树叶在耳语、少女在倾诉的意境。而后，随着旋律线的低沉，刻画了少女憧憬着爱情的幸福，含笑进入梦乡的形象。全曲在盎然的诗意中达到了高潮，听来让人回味无穷，给人以一种身临其境的美感享受。　还有如《奉献》的结束部分，舒曼借用了舒伯特的《圣母赞》的旋律，把克拉拉比作圣母，来倾诉他对克拉拉的赞美和敬仰。舒曼很多歌曲的主要内容是用伴奏来表达的，因此，要深刻理解舒曼的艺术歌曲，就必须认真理解其伴奏的每一个细节。　舒曼的艺术歌曲，能够深刻准确地从独特的角度表达出诗歌的意境，他将旋律与语言音节、语调紧密地结合在一起，以至于他的歌曲如果不用德语演唱就会黯然失色。　舒曼这位伟大的作曲家在艺术歌曲的创作方面，显示出了其过人的浪漫主义才情，他的歌曲创作对德国艺术歌曲的发展产生了深远的影响。

　　浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。

　　这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒柏特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》，等，就是浪漫乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

　　浪漫注意音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白**或版画的话，那么浪漫乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。

　　早期浪漫乐派的代表人物舒柏特的创作中心是艺术歌曲，艺术歌剧是诗歌和音乐的结合，这是浪漫乐派作曲家抒发诗情画意的理想领域。舒柏特选用的诗歌范围很广，有歌德、席勒等大诗人的诗，也有它的朋友朔贝尔的作品。他歌剧中的钢琴伴奏，不仅起了陪衬旋律的作用，也是创造特定意境的主要手段。舒柏特的歌曲被称为“艺术歌曲”，但许多歌剧中淳朴的音乐语言，常常接近于民歌，他的《野玫瑰》、《鳟鱼》、《菩提树》等歌曲，后来都成为广泛流传的民歌。民歌常用的分节歌的形式也是舒柏特歌曲创作的主要形式。

　　李斯特是中期浪漫乐派的代表人物，他出生在匈牙利，他的一生对音乐突出的贡献主要有两方面，一是丰富了钢琴技巧的表现力。

　　他的钢琴音乐不仅有诗情画意的小品，也有宏伟、辉煌的艺术效果和具有交响性的乐曲，他使钢琴音乐获得了管弦乐队般的效果，气势宏伟，热情磅礴。二是他首创了单乐章标题交响诗体裁。一生中他写了十三首交响诗，以《前奏曲》和《塔索》最为著名，这些交响诗具有叙事性、抒情性、描写性和戏剧性的特点。此外，在李斯特的作品中鲜明的匈牙利民族特色体现得尤为突出，如反映匈牙利民间生活的19首匈牙利狂想曲，其中第2、6、12、15首是经典之作。

　　理查施特劳斯是晚期浪漫乐派作曲家。作为一位作曲家，施特劳斯的贡献主要表现在交响诗方面，他完善了交响诗的结构形式，精心创作主导动机以及专门描写人物、地点、情景的音乐片断。他的管弦乐配器方面同样显露了卓越的才能，他的作品线条思绪极尽各种乐器之性能，使他的作品中一个极平常的动机或主题也能发出最迷人的光彩。施特劳斯的歌剧创作主要受瓦格那的“乐剧”的影响，作曲技巧虽然高超，但内容比较苍白，与瓦格那的作品相比较要单薄得多。他的作品有时象一篇充满绚丽辞藻的散文，但却在复述一个空洞无聊的内容。施特劳斯是由古典创作和浪漫主义音乐的杰出综合者，莫扎特的明澈，贝多芬的动荡，勃拉姆斯的结构感，瓦格那的英雄性，李斯特的标题音乐，激发了他的创作欲望。他对管弦乐队的熟练把握使他的作品发出迷人的光彩，但世纪末的文化特征，也充分体现在他的作品中，即唯美主义和颓废主义的倾向。他的创作和瓦格那一道预示了二十世纪音乐的来临。

　　早期浪漫主义音乐

　　“浪漫歌剧的创始人”——韦伯

　　德国作曲家韦伯(1786—1826)出生在一个旅行剧团领班的家庭，他的父亲是一位热心的戏剧和音乐爱好者，有一副漂亮的歌喉，母亲是一位德国女高音歌唱家。

　　韦伯从小常常随着父亲率领的小剧团，沿着德、奥两国的小城镇流浪演出，受到剧院、舞台气氛的熏陶。这种流浪生活使他广泛地接触到了社会和民间音乐， 他的歌剧《自由射手》被公认为德国第一部民族歌剧。歌剧上演后，很快地传遍每个偏僻角落。著名诗人海涅在给友人的信中饶有风趣地描写了《自由射手》在群众中流传的盛况：清早从他窗户下走过的小学生用口哨吹着《出嫁时的花环》；理发师上楼时也唱这首歌；在他外出作客时，一位姑娘在钢琴上弹的也是这支歌。德国甚至还出现了“自由射手”牌啤酒，“自由射手”式女装。它也为欧洲浪漫主义的歌剧奠定了基础。

　　“歌曲之王”—— 舒柏特

　　舒柏特(1797—1828)出生于维也纳近郊一个小学教员家庭。他8岁开始学习音乐；16岁担任助理教师，教授私人钢琴，以此谋生。1813年，当他毅然离家去维也纳作一个“自由艺术家”的时候，对未来充满了美好的向往。但他所处的时代正是法国资产阶级革命失败，欧洲处于反动王朝复辟的时期。

　　他一生共写下了1500首作品。包括14部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲及600多首歌曲等，其中最著名的有交响曲《未完成》、钢琴五重奏《鳟鱼》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》等。

　　他创作的中心是歌曲，有“歌曲之王”的美称，他的歌曲优美、质朴而深刻，充分体现了诗歌的意境。作品中折射出那个时代小知识分子的苦闷与压抑、欢乐与痛苦，成为浪漫主义艺术的典范。

　　“标题交响乐奠基人”——柏辽兹

　　柏辽兹（1803——1869）是法国浪漫乐派音乐的创始人。1803年12月11日，出生在法国里昂近郊的一个医生家庭。童年时学习过长笛和吉他，1826年进入巴黎音乐学院学习作曲。1830年，获罗马大奖赴意大利留学，一年后回国进入创作的全盛时期。于1869年3月8日病逝于巴黎。

　　他的作品中最具有代表性的当推《幻想交响曲》，还有戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、《罗马狂欢节》序曲、《拉科奇进行曲 》等都是深受人们喜爱的作品。此外，他撰写了著名论著《配器法》，还留下了大量的音乐评论，对高尚音乐的鉴赏等方面都产生了重要的影响。

　　他的音乐热情奔放，富于幻想。他开创了浪漫主义标题音乐的先河。他首创了“固定乐思”的手法，在配器方面他是管弦乐大师，他大胆创新，探索各种乐器组合的可能性，使管弦乐队的色彩焕然一新。

　　“最幸福的音乐家”——门德尔松

　　德国著名作曲家、浪漫乐派的杰出代表。1809年2月3日，生于汉堡，父亲是大银行家。4岁随母亲学习钢琴，12岁开始作曲，17岁成名，20岁时开始以钢琴家、指挥家、作曲家的身份游历了欧洲各国，从此名声大振。1843年，创办了莱比锡音乐学院，由于常年过度劳累，损害了他的健康，加上亲人逝世的打击，使他心力交瘁，不幸于1847年11月11日逝世，年仅38岁。

　　他的作品旋律流畅、结构完整、温柔舒适、极少矛盾冲突、富于诗意幻想。由于生活经历所限，音乐难免缺乏深刻的思想表达，但其幽雅、宁静、精致、诗意的音乐境界却很少有人可以做到的。他的交响曲《苏格兰》、《意大利》，序曲《芬格尔山洞》、《仲夏夜之梦》及《e小调小提琴协奏曲》都是著名作品。除此之外，由于他的发掘、推崇和亲自指挥，巴赫的作品才受到重视。他还独创了“无词歌”的器乐体裁，他也是早期标题音乐的代表。以他为代表的莱比锡乐派对19世纪德国音乐生活产生了很大的影响。

　　“德国浪漫乐派领袖”——舒曼

　　舒曼（1810——1856）德国作曲家、音乐评论家，德国浪漫乐派的领袖。他出生于一个书商家庭，从小受到良好的教育。7岁学习钢琴，1834年他创办了音乐杂志《音乐时报》，1840年与他钢琴老师车尔尼的女儿克拉拉结婚，幸福的生活给他带来了一系列创作上的灵感。在创作的同时他开始写音乐评论，他是第一个肯定柏辽兹、肖邦、李斯特、勃拉姆斯的音乐才华的人。1854年资产阶级革命失败，他由于只看到革命的败局，看不到未来的革命曙光，内心非常痛苦，以致精神失常，自投莱茵河。他虽然被救起来，但最后还是在精神病院中悲惨地死去。

　　他的主要作品有：钢琴曲《狂欢节》、钢琴套曲《童年情景》、交响曲四首、协奏曲及歌曲集等等。他的作品充满了浪漫主义的激情，他大量深刻生动、尖锐泼辣的评论，对引导社会音乐思潮的健康发展，抨击庸俗落后的音乐观念起到了积极重要的作用。

　　“钢琴诗人”——肖邦

　　肖邦（1810——1849）波兰钢琴家、作曲家。生于华沙附近的一个教师家庭，父亲是侨居波兰的法国人，并是一位长笛演奏家，母亲是波兰贵族世家的女儿，钢琴弹得很好。他从小喜欢音乐，6岁接受严格的钢琴教育，9岁就在音乐会上公开演出。16岁时进入华沙音乐学院，跟随院长艾尔斯纳学习音乐理论。1830年，20岁的肖邦出国作旅行演出。他来到了巴黎，当时的巴黎是群星荟翠的艺术之都。他在这里以作曲家、钢琴家的身份获得了盛誉。1849年10月17日，他在巴黎病逝。

　　他的音乐潇洒、飘逸、含蓄、柔情，而这一切又都是在浓郁、鲜明的民族风格和热烈、深沉的富爱国热情中表现出来的。，人们称他为“钢琴诗人”。他为后世留下了二百余首钢琴珍品，有以《c小调革命练习曲》为代表的27首练习曲，有富于民族风格的51首玛祖卡舞曲，有着阳刚之美的《降A大调波兰舞曲》（也叫波罗涅兹舞曲），而他的21首《夜曲》更是钢琴音乐中的精品，另外还创作了许多钢琴奏鸣曲和协奏曲等。

　　“钢琴魔王”——李斯特

　　李斯特（1811——1886）是19世纪欧洲乐坛上声名显赫的匈牙利钢琴家和作曲家。1811年生于匈牙利的雷丁，父亲是贵族庄园的管家，业余音乐家。他6岁起学习钢琴。8岁开始作曲。9岁已成功地举办了钢琴独奏会。10岁时，全家迁往维也纳，他跟车尔尼学习钢琴，跟萨列埃里学习作曲。13岁创作了歌剧。40年代末，进入了创作的黄金时期。1886年7月31日逝世。

　　他在作曲方面，主张标题音乐，创造了交响诗这一体裁（注：一种单乐章的表现诗情画意和文学性内容的管弦乐曲）。他一生创作了许多交响乐作品，如《浮士德》、《但丁》等等，此外，还创作了19首匈牙利狂想曲、12首高级钢琴练习曲、13部前奏曲等作品。

　　做为一代钢琴巨匠，他将钢琴的演奏技巧发展到了顶峰。在钢琴上创造了管弦乐的效果，被称为钢琴上的帕格尼尼，因此获得了“钢琴魔王”的美称。

　　“新古典主义者”——勃拉姆斯

　　勃拉姆斯（1833——1897）德国著名作曲家、钢琴家，19世纪新古典主义最杰出的代表人物。1833年5月7日，生于汉堡的一个音乐家庭。父亲是业余乐师，母亲是裁缝，家境非常贫困。自幼随父亲学习小提琴，7岁学习钢琴，10岁开始学习作曲。20岁时，舒曼发现了他，并在《音乐时报》上发表了一篇引人瞩目的文章《新的道路》，热情赞扬了这位青年音乐家。

　　当时德国音乐界有两种流派，一派是魏玛乐派，他们主张标题音乐，提倡综合艺术，代表人物有李斯特等人。另一派是以门德尔松、舒曼组成的莱比锡乐派，他们搞无标题的纯音乐，不写歌剧，只写器乐作品。因为勃拉姆斯固守传统，有人说他是生活在浪漫主义盛行时期的一个“古典主义者” 。

　　他的代表作品中以《c 小调第一交响曲》（1876年）最引人注目（曾被称作贝十），还有《D大调小提琴协奏曲》（1878年）、《降B大调第二钢琴协奏曲》（1881年）和管弦乐曲《匈牙利舞曲》21首等，都是广大音乐爱好者喜欢的作品。

　　“俄罗斯音乐巨匠”——柴科夫斯基

　　柴科夫斯基（1840—1893）生于乌拉尔一个采矿工程师的家庭。自幼学习钢琴，10岁考入法律学校学习，毕业后在司法部工作。1862年进入彼得堡音乐学院学习作曲，毕业后赴莫斯科音乐学院任教。后与他的学生米留科娃结婚，这不幸的婚姻使他极度失望，从而陷于绝望。就在这个时候，一位富孀冯-梅克夫人给予了他精神和物质的支援。1893年，柴科夫斯基染上霍乱，同年11月6日在彼得堡去世，终年53岁。

　　他广泛地吸收意大利的歌剧、法国的芭蕾舞、德国的交响乐和歌曲的精华，他的音乐着重刻画人的内心世界，具有强烈的戏剧性和温暖的抒情性，旋律和配器都极富表现力。 他的代表作品是交响曲：第四、五、六（1878、1888、1893年）；管弦乐：《罗米欧与朱丽叶》（1869年）；歌剧：《奥涅金》（1878年）、《黑桃皇后》（1890年）；芭蕾舞剧：《天鹅湖》（1876年）、《睡美人》（1889年）、《胡桃夹子》（1892年）；协奏曲：《降b小调第一钢琴协奏曲》（1875年）、《D大调小提琴协奏曲》（1878年）等。此外，还有序曲、室内乐、歌曲等大量优秀作品。

　　晚期浪漫主义音乐的代表——马勒

　　马勒 （1860——1911）奥地利作曲家、指挥家。生于波西米亚（捷克）的一个犹太小商人家庭。6岁时参加钢琴比赛，被誉为“钢琴天才”。15岁考入维也纳音乐学院学习钢琴、作曲、指挥，成绩优异。19岁时开始了他的指挥和创作生涯，他受聘于维也纳皇家歌剧院。1907年他侨居美国继续他的指挥和创作活动，但每年都回到维也纳度假。1911年5月18日，因心脏病死于维也纳。

　　他开创了音乐的新形式——声乐交响曲（注：艺术歌曲与交响乐相结合的一种艺术形式）。他的代表作品有10部规模宏大交响曲，晚年根据中国唐诗谱写的《大地之歌》（注：马勒称它是一部男高音、女低音和乐队的交响曲）等。 作为19世纪和20世纪之交的音乐家，马勒在创作手法上进一步强化了浪漫音乐的发展方向，如在音乐语言上更加个性化，感情表现更加激烈夸张，和声方面极度半音化，这些对20世纪的现代音乐产生了深远的影响。

　　古老的浪漫主义的代表人物

　　——拉赫玛尼诺夫

　　谢尔盖·瓦西利耶维奇·拉赫玛尼诺夫（Rachmaninov SergeiVasilyevich）1873年4月1日生于俄国斯塔罗鲁斯基的谢苗诺沃；1943年3月28日，卒于加利福尼亚州的贝弗利山。他出生于俄国贵族家庭，父亲和祖父都是杰出的业余音乐家。谢尔盖5岁开始学习钢琴，1882年（9岁）时获得圣彼得堡音乐学院的奖学金而入校就读。1885年转入莫斯科音乐学院，先后跟尼古拉·兹韦列夫学习钢琴，跟谢尔盖·塔涅耶夫学对位法，跟安东·阿连斯基学和声学。1891年毕业作品根据普希金的长诗《茨冈》而改编的独幕歌剧《阿列科》获得作曲大金质奖。然而1897年他的《第一交响曲》在圣彼得堡演出时却惨遭失败，创作陷入低潮。1906-1908年移居德国德累斯顿，在这段时间里他创作了大量优秀作品。1917年，苏维埃革命政权建立以后，由于他对无产阶级革命政权的不理解，永久的离开了俄国，定居美国。此后他主要从事演奏活动，晚期作品较少。在他死前数周宣誓成为美国公民。

　　作有三部歌剧、三首交响曲、音诗《死岛》及其他管弦乐曲、四首协奏曲、一首钢琴与乐队的《帕格尼尼主题狂想曲》、钢琴音乐（包括一系列重要的前奏曲和图画练习曲）、合唱曲、室内乐和歌曲。

　　一、继承民族传统，走向世界舞台

　　拉赫玛尼诺夫的音乐风格自始至终都没有改变，他一贯沿着俄罗斯音乐传统及音乐史上的莫斯科乐派前进。他的作品深深植根于柴科夫斯基、穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫的音乐中，并具有肖邦的诗情画意和李斯特的强烈效果。深厚的民族感情和精湛的演奏技巧在他身上相溶相通。在拉赫玛尼诺夫的音乐中，俄罗斯的大自然、俄罗斯的心理、俄罗斯的生活、俄罗斯民歌的韵味和钟声的情调，充满了俄罗斯的赤子心肠和雄浑力量。柔美的旋律、深邃的内涵又贯通于俄罗斯独特的音乐语言，悠长宽广、气宇轩昂，处处映射出浓郁的民族风格和精神。也正是因为有着这样很强的俄罗斯音乐特性，拉赫玛尼诺夫的音乐令成千上万的人们为之感动，为之折服，征服了整个世界！

　　二、坚持走“传统”基础上的创新道路

　　拉赫玛尼诺夫的艺术生涯虽然跨入了20世纪上半叶，但是他却基本保持了19世纪的浪漫主义艺术观，没有去追随瓦格纳、德彪西及更新的潮流。这也许是因为他出生在崩溃了的帝俄时代的没落地主家庭，坚持继承贵族文化的幻梦所致吧！浪漫主义音乐的现象在好像反浪漫主义的时代继续存在和发展说明在他的精神和音乐语言内部还保有适合的土壤。拉赫玛尼诺夫无疑是俄罗斯浪漫主义音乐仅存的一位代表人物，没有他很难想象20世纪的音乐生活。但是值得注意的是，他的创作虽然实质上仍是浪漫主义的，却经受了20世纪气息的熏陶形成了拉赫玛尼诺夫独特的创作风格：他作品的许多片断即使把属于近现代和声技法的部分去掉，也很难用传统和声理论来分析。这说明他的和声技法属于“传统”与“近现代”之间的“探索阶段”。和声语言仍以功能性和声为基础，却在扩大和丰富和声色彩方面使用了具有鲜明个性特点的手法。拉赫玛尼诺夫的旋律特点清新自然、纯净质朴，直接继承了从安东鲁宾斯坦到柴科夫斯基的音乐体系，具有鲜明的俄罗斯气质。另外，他本人特有的那具有“阶梯状”的迂回音调又形成了其固有的“拉赫玛尼诺夫式风格”特点。

　　三、“泪盈满眶”的悲剧性艺术风格

　　拉赫玛尼诺夫在给一位朋友的信中曾说过：“在伤感和快乐两种主题中，我更偏爱前者。”“光明、欢快的色彩不是我所乐见的。”的确，不论就调式的意义上来说，或就心理刻画的意义上来说，拉赫玛尼诺夫特别倾向于小调，倾向于小调性的主题以及悲歌性或悲剧性的形象领域。在他的艺术作品中，总有一些主题不断出现在他的创作中。例如：

　　死亡的主题，贯穿于他的早期的第一交响曲，成熟时期的《死岛》及晚期的科列里主题变奏曲、帕格尼尼主题狂想曲、第三交响曲以及他的绝笔之作《交响舞曲》等作品里。

　　拉赫玛尼诺夫的“命运”形象是柴科夫斯基“命运”形象的直接继承者，他对命运总有一种不可言喻的恐惧感。如《升C小调前奏曲》中命运的脚步声。

　　“魔鬼”形象在拉赫玛尼诺夫的戏剧性音乐构思中也起着显著作用。因而拉赫玛尼诺夫的音乐总让人感受到一种笼罩在潜在悲剧性之中的辉煌气势和巨大感染力。

　　四、矛盾的性格特征，顽强的生命信念

　　拉赫玛尼诺夫在生活中给人的印象是性情忧郁，惧怕一切，但是在这一层灰暗的薄膜下隐藏的是另一个拉赫玛尼诺夫：一个善良开朗，坚韧勇敢的人。这种矛盾会互不相容的贯穿在拉赫玛尼诺夫的同一件作品里。G小调前奏曲中，拉赫玛尼诺夫现实主义的鲜明语言，火热的力度，富有生命信念的坚定节奏，战胜了标题中“来世”的命意。使听众感受到的并不是恐惧而是一种坚定的力量。

　　他的一切作品中都不断暗涌着另一个拉赫玛尼诺夫响亮的、坚定的、热爱生活的声音。突破了“装腔作势的悲泣”“故作惊人的音响”，换之于或慷慨激昂或诙谐愉快或如“潺潺流水声”般的低语。尤其对大自然的热爱更使拉赫玛尼诺夫豪情勃发。俄罗斯一望无垠的大平原，麦浪滚滚的田野，冰雪融化的春潮……他在用心聆听、感受、谱写着这迷人的一切。

　　五、集钢琴家、指挥家、作曲家于一身的伟大音乐家

　　作为音乐家拉赫玛尼诺夫集作曲家、钢琴家、指挥家三职于一身。以钢琴家而言，他是“钢琴音乐的建筑师”。他对作品的诠释往往透射出一个作曲家的丰富想象力和对音乐色彩的极度敏感。同时具有精湛的演奏技艺，尤以坚强有力与悠长宽广的音响见长。但他最为人乐道的是他能将敲击的钢琴音响化成优美的吟唱。

　　以作曲家而言，他写作了许多体裁的大量作品。包括他的钢琴曲《前奏曲集》、四首协奏曲及《帕格尼尼主题狂想曲》、三首交响曲、一首带合唱的交响曲《钟》、一首交响诗《死岛》、一套交响诗曲、79首歌曲及许多零星的钢琴小品，另外还有大量改编曲等。

　　同时在指挥方面他的成就也较为可观。1904-1906，他被聘为莫斯科布尔希歌剧院之指挥，演出了一系列俄罗斯经典歌剧。1911-1913在莫斯科爱乐协会音乐会上指挥交响乐演出。几年后，他开始在意大利、德国、巴黎游历，以钢琴家和指挥家的身份演奏及指挥自己的作品。同时，他那充满活力又精细入微的指挥也在唱片中永久的保存下来。

　　在拉赫玛尼诺夫的音乐生涯中，这种多元化的音乐生活虽然也曾给他带来工作上的矛盾，但更重要的则是由于它们之间的互补所带来的理解、创作和演绎作品的巨大优势。

　　拉赫玛尼诺夫，19世纪后期多彩多姿的俄罗斯音乐大师中最后一位晚期浪漫主义的代表人物，就是在表面简单平静，单调平凡的语言中揭示着丰富的生活，多彩的人生。

浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。浪漫主义音乐也是一座桥梁：韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统，传至近代的瓦格纳；舒伯特在器乐方面是贝多芬的继承人，他的浪漫主义艺术歌曲，则是经由舒曼和奥尔夫流传至今；柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲，其后又与近代法国的印象主义相关联。

<1>歌曲的形式同诗歌的题材形式相统一 他常采用分节歌 变化分节歌 通谱歌这三种艺术歌曲形式进行创作 并根据诗歌的具体内容与形式 选择最适当的形式进行写作; <2>诗歌意境与旋律的统一 他的歌曲旋律注重表现诗歌的意境 他根据诗歌的形式与内涵进行旋律创作 注重诗歌与音乐的交融 抒情 叙事 戏剧性都有所体现; <3>钢琴伴奏织体的重要性 在艺术歌曲的创作中 他首先将钢琴伴奏提高到与旋律 诗歌同等重要的位置 共同表达诗歌意境; <4>和声的巧妙运用 他非常重视和声的色彩变化 用它们来烘托诗歌的意境 他巧妙地运用半音和声 常用同名大小调或关系大小调的调式交替 转调自如流畅