古典芭蕾和浪漫芭蕾的区别？

在舞蹈史上，浪漫芭蕾与“古典芭蕾”是两个互有联系又互相区别的概念。严格说来，它们是两个不同的时期：前者指十九世纪初萌芽，三十～五十年代达到高潮的舞剧发展阶段(主要在法国)；后者是指十九世纪下半叶，特别是最后二十五年这一舞剧发展时期(主要在俄国)。其次，在浪漫主义舞剧中，刻画非人间的世界、揭示理想与现实生活矛盾的主题占绝大多数，但抒情性仍然是必须强调的侧面；同样，描写民间传说题材，在“古典芭蕾”中，却逐渐形成了气势宏伟的“大型舞剧”这一舞剧样式。以彼季帕为首的编导们创造了复杂的舞蹈结构，独舞和群舞动作的相互配合、图形和节奏的各种变化构成了多种多样的造型主题。正是由于交响音乐家参加创作，舞剧才终于从单一的浪漫芭蕾的“舞蹈戏剧结构”真正“进化”成了“音乐舞蹈戏剧结构”。

芭蕾舞的种类有哪些

芭蕾舞的种类有哪些，很多女孩子心里都有一个洁白轻盈的芭蕾舞梦想，能改善人的气质，让人充满自信。想要学好芭蕾舞，要先知道芭蕾舞有哪些种类，下面我为大家整理的关于芭蕾舞的特征，欢迎参考阅读。

芭蕾舞的种类有哪些1

1、古典芭蕾

古典芭蕾是在古希腊、古罗马民间自编自演、家族式舞蹈基础上萌发的，它自然纯朴，多半是露天野外起舞的。

古典芭蕾有一套固定的审美模式，即“开、绷、直、立”，开是指男女演员的身躯肩、胸、胯、膝、踝的关节向外打开，特别两脚外开是一条线，呈180度，以展示人体修长，显示一种贵族气质。“绷”是指舞者在舞蹈进行中始终绷直腿部、脚部，展示一种挺拔修长之美。“直”有两层意思：一是指舞者在舞蹈中保持直立；二是指无论是舞蹈构图还是舞姿造型都强调直线运行。“立”是指芭蕾艺术是直立式的，体现欧洲人传统思维模式，对天充满着无限的向往。这就对芭蕾舞演员的身体条件提出了严格的要求，那就是“三长一小一高”。三长：腿长、臂长、身长；头要小，脚背要高，腿的长度要比由颈骨到臀线长20公分。

在古典芭蕾舞剧中，通常以慢舞来表现男女的情爱场面，如天鹅湖中的第二幕公主与王子的双人慢舞。慢舞基本上是属于女性的舞蹈，而男舞者只是支扶女舞者的陪衬而已，对于女舞者来说，无非是一个呈现其舞艺与优美曲线的大好机会，而此时表现身体的平衡更显得格外重要。

如今快舞与慢舞虽以交互使用，但仍可视其强调的程度，来分辨意大利派的华丽与法国的浪漫气质。

2、现代芭蕾

现代芭蕾吸纳了现代舞的编排设计特色，在芭蕾中融入现代元素，淡化情节，以表达内心的感受及心理活动为主。在舞台设计和服装上更简洁凝练。舞蹈造型独立于情节，注重表现音乐本身的内涵，音乐与舞蹈紧紧相随。在音乐的取材上呈现出多元化特征，既运用古典音乐，也大量运用现代音乐，后现代音乐。电子合成音乐，流行歌曲，摇滚音乐，爵士乐曲等都已融进现代芭蕾中。独到的音乐理解和编导设计使得现代芭蕾更加绚烂多姿，异彩纷呈。

比如《红色娘子军》，描写的是中国30年代的故事，反映的是现代生活的舞剧，所以就标示为“现代芭蕾舞剧”。在古典芭蕾基础上发生较大变化的还有运用交响乐编舞的“交响芭蕾”代表作有《小夜曲》，《协奏曲》，主要吸收现代舞的编舞方法与技巧。

现代芭蕾摒弃或淡化戏剧情节；重视形式和结构；能自由处理时空转换；追求现代主义文化知识；追求舞蹈语音的流畅；对人生哲理和价值观的思索，题材的广泛性形式的`多样化，风格的多元化和发展三维空间技术等为基本艺术特征。

现代芭蕾完成了从戏剧芭蕾向交响芭蕾的历史性转变；实现了与现代舞的结合；从民间舞蹈中吸收营养，促进了东西方向文化的交流；最终完成了与现代主义文化的并轨。

3、当代芭蕾

当代芭蕾是指从1977年一直到现在仍在发展着的芭蕾。当代芭蕾是集前四个时期辉煌成就之大成的硕果，在审美原则、创作过程和训练方法等方面，积极借鉴和吸收现代舞的一些经验，融合现代舞训练体系，因而形成了具有现代意识和当代精神的新芭蕾风格。当代芭蕾具有多元化、开放性的艺术特征。

这一时期的代表作是威廉·福赛斯编导的《多少悬在半空中》。我们可以从这一作品中总结出，当代芭蕾弱化了审美性，甚至完全摈弃了戏剧般的情节性，在其中可以看到很多现代舞的影子，使芭蕾俨然成了竞技型舞蹈。

当代芭蕾深受1970年代“知识爆炸”、90年代“冷战”结束的影响，美学特征是将古典芭蕾的条件、能力、技术和流畅同现代舞的时代、个性、开放和原创完美地融为一体；训练方法是在古典芭蕾的基础上，融合玛莎·格莱姆和默斯·堪宁汉的两大现代舞体系。

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1、芭蕾艺术孕育在意大利

早在文艺复兴时期，人文主义思潮影响下的人们开始重视人体本身的价值和作用，从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展。而在文艺复兴的摇篮“意大利”，王公贵族竞相把艺术做为炫耀自己的权势与扩大政治影响的工具和手段，他们不惜巨资相互攀比，相互竞争，因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。芭蕾就是在这样的一个历史背景下，在古朴的民间舞的基础上，从一种游戏性质的舞蹈开始在意大利宫廷中逐渐形成一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。那时的芭蕾作为一种简单的娱乐形式由王公贵族在各种宫廷庆祝活动和宴会上亲自表演，因此也叫“席间芭蕾”。1489年，米兰公爵的婚礼上演出的《宴会芭蕾》就是他的代表。与此同时宫廷里出现了一种新的职业——舞蹈大师。

2、芭蕾史上的黄金时代

从1789年开始，出现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时期)芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832)、《吉赛尔》（1841)和《葛蓓莉娅》（1870)为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890)、《胡桃夹子》（1892)和《天鹅湖》（1895)这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后，尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区，竭力回归动作本体，以美籍俄国芭蕾大师乔治？巴兰钦（1904—1983)为首的“纯芭蕾”（即非舞剧式的芭蕾作品，又称“新古典芭蕾”)开始占领主导地位以来，才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。

芭蕾史上的黄金时代

1、芭蕾实际上是一种内外兼修的训练

它不光是让人有一个优雅的体态，而且还能改善人的气质，让人充满自信。课堂上，老师用这种高贵的肢体语言向学生传达着一种美的信息，让学生觉得自己就是漂亮，就像公主或王子那样骄傲！同时训练还需要音乐伴奏，这更是一种艺术的综合培训。长期“熏陶”，形体与气质都油然而生。从这一点上来说，芭蕾作为健美身材、提升气质的一种方式，任何人都可以学习。

2、 训练耐性，意志及自信

芭蕾舞的学习结果不如绘画及唱歌般快捷，要跳得好，不是一朝一夕的事，学员需要一段时间揣摩动作技巧及感受音乐动作的关系，从而表达动作及带出自己所思所想，可训练耐性和意志。由于确定自己表达方针，习惯与人沟通，更可提高自信心。

如何跳好芭蕾舞

1、芭蕾舞的地面素质训练

主要锻炼的是身体的软度、开度和力度，芭蕾舞中很多动作需要身体打开肩部和胯部关节韧带、腰的柔韧性、腿部和后背肌群的弹性和力量，所以对于少儿芭蕾初学者来说，这部分的训练是非常基础、非常重要的一课。

2、按照自己的节奏跳舞

当你看到那些专业舞者，或是其他很酷的网上视频时，你可能会想和他们一样优秀，但是这样的水平不是一两天就能达到的。如果你过早去学难度太大的舞蹈，你就不能享受学习跳舞和表演的过程，反而会阻碍你继续学习。也就是说，如果你觉得你的水平比你现在所学习的要高，那么就开始尝试一些更难的舞步，或是如果你报名了舞蹈班，就可以学习进阶的课程。在自己能力范围内挑战自己是加快学习和进步的好方法。

　　法语（ballet）的音译，意指：①一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体,用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。

　　ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷,这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王和贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。

浪漫芭蕾 一 来龙去脉（1832～1876） 浪漫主义文艺思潮发端于18世纪末和19世纪初的巴黎，现实生活中的战乱和苦难不但未泯灭人们对美好生活的向往，反而促使这个流派的艺术家创作出大量的不朽之作，其主要特征是通过表现神秘莫测的超自然境界，传达人们在世俗空间中难以如愿的理想。表现在这个时期的芭蕾舞剧中，就大多是些不现实的仙凡之恋，如《仙女》(1832)、《吉赛尔》(1841)、《帕基塔》（1846）、《海盗》（1856）、《葛蓓莉娅》(1870)和《希尔维娅》（1876）等等。“巴黎”和“芭蕾”因此结下了不解之缘，而当时的芭蕾舞校曾多达数百家。 法国流派对芭蕾史作出的最大贡献，是率先推出了轻盈飘逸的脚尖舞技术，而身为瑞典-意大利后裔的法国芭蕾巨星玛丽·塔里奥妮则因在巴黎歌剧院金碧辉煌的大舞台上，主演了父亲菲利波·塔里奥尼专门为她度身创作的“浪漫芭蕾的处女作”——《仙女》而名垂青史，更开创了一个“白裙芭蕾”的新时代。 作为“浪漫芭蕾的悲剧代表作”，《吉赛尔》将浪漫芭蕾那种“仙凡之恋”的题材和轻盈飘逸的动感发挥到了极致，其中由法国诗人和舞评家泰奥菲勒·戈捷创作的剧本令人心驰神往，法国作曲家阿道夫·亚当创作的音乐使人心旷神怡，两位法国编导家让·科拉利和朱尔·彼罗在第一、二幕中分别创作的好戏和好舞足以感天动地，而意大利表演家卡洛塔·格里西则将吉赛尔的人鬼情表现得摧人泪下。 浪漫芭蕾是法国流派芭蕾的兴盛时期，其总体特征与整个法国文化一样，可谓高贵典雅、严谨规范、轻盈飘逸、情怀浪漫，具有典型的浪漫主义艺术特征。这些特征由于布农维尔这个法裔芭蕾家族的传播，很快便在丹麦这个北欧国家生根、开花、结果，甚至在法国芭蕾衰落时，也依然得到发扬光大，并逐渐形成一个取之于法国，并具有自身风范的丹麦流派。

舞蹈形态与舞蹈文化

在人类的发展史上，舞蹈与人类的生存现实一直存在着本质性的关联，舞蹈与人类学也有着漫长的、相互联系的历史。闻一多先生很早就运用文化人类学的研究方法对舞蹈“是什么”作出了精辟的阐解：“舞是生命情调最直接、最实质、最强烈、最尖锐、最单纯而又最充足的表现。”这一著名的论断，从实质而言是闻一多先生在客观的人类学视野中，通过舞蹈形态来解析、透视舞蹈的本质内涵。他的思维角度是从较为广阔的意义上来阐释“舞蹈是什么”这样一个哲学命题。他在《说舞》中根据澳洲风行的科罗泼利舞，进一步推论出世界各国的原始舞蹈都具有“生命机能总动员”的特点。应该说，闻一多先生的文化人类学探索向度，对我们认识舞蹈的文化原理是有很大帮助的，我们看到的是与生命本能最贴近的文化。毫无疑问，舞蹈是文化的一种表述形式，人类借助了手舞足蹈的形式，把想象的、观念的、整合着多种文化因素的东西化为形象性的、象征性的舞蹈形态来转述我们对生命及自然规律的认识。由此看来，任何形态的舞蹈，都是由它的文化因素所决定的，我们了解和分析这些舞蹈形态非常重要，但是更重要和最困难的是认识这些形态背后的东西。几年前，我曾和日本的几位文化人类学者赴西藏考察萨迦教派的喇嘛跳神。平心而论，如果仅从舞蹈形态上来欣赏萨迦跳神，它可能是一种低消耗的艺术审美，很难从形态上找出动律特征。举手投足极其缓慢，结构与情节全部仪式化了，一尊又一尊的佛神我行我素地表演法事仪轨，“局内”观众是那样地虔诚和顶礼膜拜，而“局外”人要从头到尾看完全部的跳神，还真需要耐性。然而，文化人类学者看到的是巫术与艺术、神学与美学、神格与人格的关联，看到的是一种文化模式，一种可印证的历史、社会、宗教、民俗的文化观念。也许萨迦人并不认为他们在跳舞或从事什么舞蹈活动，对他们来说，重要的是明了生死之念的虚幻，体悟生时救度的征兆。在这里，跳神不是艺术形式而是心灵的表述。舞情、舞律、构图在这里没有更多的价值和意义，真正的价值和意义在于他们必须跳神，跳神是他们生命中的一部分。

在文化人类学的视野中舞蹈是一种文化象征，它包括两个层面的内容，一是外显媒介和载体，它可能是最为民族化，最具地方色彩，最具有民俗意味，最受当地人认可的文化形态。另一层面是这种文化形态所包涵和体现的内隐的文化价值和意义。在这里，形态和文化是不可分隔的，这是因为文化因素形成了特定的形态，反过来形态又在很大程度上反映了文化。文化人类学的结论是：一定的文化意义是以一定的艺术元素为传播媒介的，艺术形式反映了一定的社会行为和社会结构。并进一步回答艺术形式的文化特质是什么，它体现和负载了何种文化意义，为什么会制造和使用这种艺术形式，等等。

二、采风与田野调查

文化人类学的舞蹈研究有其独特的立场，它与舞蹈艺术家的角度有其不同的地方。一般来说，舞蹈艺术家注重艺术的、美学的意义，而文化人类学者注重其文化意义的探讨。但是在两个不同的领域却也有其共同的地方，他们都是深入到民间去采风和搜集资料，然而艺术家到民间去采风其关注点往往是舞蹈本身。诸如表现形式、语言符号、象征意义以及风格、韵味、形态等，较少地研究和观察舞蹈以外的其他文化现象。而文化人类学者的田野调查的概念范围相当广泛，他也探讨艺术家所关注的问题，但是他对艺术的关注是全方位的，他研究的对象不仅是作为艺术的舞蹈，而是整个社区的各种文化现象与舞蹈的相互交织，以及它们之间的相互关系。文化人类学在描述和分析一个文化现象时，强调将研究对象置于整体文化中来观察理解，要求在深入细致的田野调查中集中精力分析这个文化行为的结构与功能，以及整体文化与部分文化的关系。文化人类学认为社会文化每一个部分(制度、观念、生存方式、生态环境等)都是紧密地关联在一起的。目前散存在中国各民族的形态各异的民族民间舞蹈除了自己的一些独立形态和表现方式之外，它世世代代沉淀在人们意识深层和社会心理机制中，它的文化包容量非常复杂而又博大精深，仅从舞蹈这个学科去研究可能会显得贫乏和单薄。因此研究的方法应该是一种新型的、综合性的、交叉性的、边缘性的多学科研究。文化人类学的研究方法最大的特点就是深入田野调查，掌握第一手资料。因为田野调查能提供人类学家由内部去理解人们在一个特殊的生态环境所从事的特殊文化行为，通过深入的观察和访谈来记录、收集第一手资料。 舞蹈是人类最早发生的文化现象之一。舞蹈是原始人类生命情调最充足的表现，舞蹈是原始社会中拔高了的简朴生活，舞蹈随着原始人类身体的进化而发展，舞蹈又作为发达的肢体语言团聚起人类的原始社会。

自觉地把舞蹈作为审美对象，同时又自觉地把舞蹈作为人类自我形象塑造的艺术手段，严格来说是发生在近代以来的舞蹈现象。认识作为审美对象的舞蹈，一方面需要了解自然沉淀着历史文化的舞蹈，一方面则需要了解舞蹈审美的动作协调原理与动机展开原则。本书并不罗列舞蹈艺术作品的形象营造与形态沿革，而是通过舞蹈艺术作品的典型剖析，帮助读者步入舞蹈审美之门……

舞蹈诗

之所以为“诗”，就在于其动态表现具有诗的韵律和诗的意象。“舞蹈诗”的创作，说到底是“动态意象组合的造境活动”。这就是说“意象”作为诗歌艺术的最小单位，也是舞蹈诗的最小单位；在舞蹈诗中，直抒胸臆的动态应当让位于审美意象的动态．在一部大型舞蹈诗中，作为最小艺术单位的“意象”要服从于整体“意境”的营造；因为意象着眼的是与单个物象或事象相联系的动态，而意境着眼的是整个舞蹈诗的构思和境界．正是在这个意义上，我们视“舞蹈诗”为“动态意象组合的造境活动”。

浪漫派芭蕾舞衣　它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。　1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣，例如《四人舞》《玫瑰花精》；　2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰例如《吉赛尔》第二幕，《仙女》舞剧　3、村姑式舞衣，背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如《吉赛尔》第一幕，《柯贝莉亚》第一幕，《风流女儿》舞剧。