梵高的向日葵现存于哪个博物馆 梵高的向日葵简单介绍

1、梵高的向日葵现收藏于德国慕尼黑新美术馆、英国伦敦国家画廊、日本东京兴亜美术馆、荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆、美国费城美术馆。

2、梵高通过该系列作品向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。

3、《向日葵》（法语：Les Tournesols；荷兰语：Zonnebloemen；英语：Sunflowers），是1888年8月—1889年1月期间荷兰画家文森特·梵高所绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，作品分别绘制了插在花瓶中的3朵，5朵，12朵，以及15朵向日葵。

导语：梵高是荷兰后印象派画家。其中比较经典的代表画作有自画像系列和向日葵系列等经典艺术杰作。梵高是一个色彩主义画家，他的作品充满天然的悲悯情怀和苦难意识。他的艺术成就很高。下面本站为大家介绍一下梵高十大名画，一起来看看。

梵高十大名画

1星夜

2向日葵

3鸢尾花

4乌鸦群飞的麦田

5罗纳河上的星空

6夜晚露天咖啡座

7夜间咖啡馆

8吃马铃薯的人

9加歇医生

10梵高在阿尔的卧室

1星夜：

这幅画是梵高的知名画作，很多人看见这幅画都觉得很佩服。给人的感觉是又安静又热闹，色调上梵高采用大面积的偏冷偏沉的颜色来打造一个比较安静的夜晚，画中橙色增添了快乐的元素。

2向日葵：

这幅画相信大家都比较熟悉了，这幅画是梵高的象征，很多人看到这幅油画就能想到梵高，把后印象主义的特征表现得非常好，强烈的色彩对比，画中的向日葵花瓣富有张力，颜色鲜艳夺目。

3鸢尾花：

这幅画是梵高比较经典的一部画作了，画中描绘的是鸢尾花，看起来非常漂亮。这部作品创作于1889年5月，目前被收藏在美国加州保罗盖兹美术馆。

4乌鸦群飞的麦田：

这幅画创作于1890年7月，是梵高自杀之前创作的一幅油画作品，画中绿色的小路在**麦田中深入远方，黑暗的天空增添了不安和忧郁的精神状态。

5罗纳河上的星空：

这幅画是梵高梵高十大名画之一，创作于1888年，是在法国南部城市阿尔的罗纳河画的。冷色迷人的夜空，点缀其上的微明星子和倒映在河面上的瓦斯灯灯影相互辉映能够表现出当时画家澎湃的心情。

6夜晚露天咖啡座：

这幅画创作于1888 年，这幅画能够看出画家作画的热情，画中的**咖啡座和蓝色的星空形成对比，让这幅画显得更美。这幅画更富有色彩，是一个很美的作品。

7夜间咖啡馆：

这幅画是梵高1888年9月在法国普罗旺斯的时候创作的一幅画，这幅画目前被收藏在荷兰的克勒勒米勒博物馆内，是梵高十大名画之一。

8吃马铃薯的人：

这部作品画出了贫穷的一家人辛苦的劳动，晚餐桌子上面就只有土豆吃。这幅画创作于1885年目前被收藏在阿姆斯特丹的梵高博物馆。

9加歇医生：

这幅画创作于1890年6月的一幅油画作品，目前被收藏在 巴黎奥赛博物馆。这是梵高为照顾自己的医生加歇医生画的一幅肖像。目前这幅画是世界昂贵的艺术品。

10凡高在阿尔的卧室 ：

这幅画是梵高 1889年创作的一幅油画，这幅画运用鲜艳的色彩，非凡的透视效果以及比较亲切的主题是一幅比较受欢迎的画作，目前被收藏在巴黎奥赛博物馆。

| 文：天辰

梵高，后印象派的代表艺术家之一，创作了很多直戳人心的作品，如《星夜》《有乌鸦的麦田》《夜间咖啡馆》《向日葵》等等。

他一生中，画了十多幅《向日葵》。在1888年8月的某一天，在画完最后一笔后，后退几步再整体看看画面，十分满意。于是，按照一般的习惯，他又拿起了画笔，在画面中签上名字，代表这幅画已经完成。

但梵高并没有签上“van Gogh”，这个我们习惯称呼他的名字，而是签上了“Vincent”，

完全不符合逻辑。

梵高在1862年画的素描（有人认为这是他画的第一张画）上，“Van Gogh”还被写在上面，在后面的作品中为什么不见了呢？

一般签法

画家在作品上签名，从意大利文艺复兴时期开始流行。在那时，个人的价值逐渐得到重视，同时画家也开始从合作制的绘画作坊分离，可以接受独立完成的订单。所以签名成为画家区别于其他同行的标志。1

有些名字签在画面背后，但为了方便识别，提高知名度，大多数的签名一般是在画面上。

梵高的全名是Vincent Willem Van Gogh，中文一般翻译为文森特·威廉·梵·高。

在日常使用中，习惯简称他为梵高（Van Gogh），因为这是他姓，文森特是他的名字。

荷兰阿姆斯特丹的一个博物馆，馆藏了他黄金时期的200多件作品，其中就有《向日葵》。这个博物馆就以梵高（Van Gogh）来命名。

体育明星杜兰特、科比、梅西，这些都是姓。

同时代印象派奠基人之一的爱德华·马奈（Édouard Manet）在作品上的签名也是用姓——马奈（Manet）。

也有把姓名全写上的画家，比如印象派的克劳德·莫奈（Claude Monet），因为姓名短就全写上了。名字太长，但又想写完怎么办？答案：简写。梵高钦佩的法国现实主义画家让·弗朗索瓦·米勒（Jean-Francois Millet ），画面签名是“JFMillet”。不管哪种方式，都会写上姓。

梵高为什么不这样干呢？

梵高的原因

梵高正式开始绘画前，他做过传教士，熟悉荷兰语、英语、法语与比利时语，到1880年，这四个国家都待过。所以梵高在语言的交流上有相当深的了解。

在日常，英语世界的言语交往中，Vincent 比Van Gogh 更为顺口，因此他的很多朋友都喊他Vincent。Van Gogh 发音挺拗口的，在法国甚至很多人都不知道如何发音。梵高曾经写弟弟提奥写信说，我的名字虽然在现在算不了什么，但是在未来，应该像我签在画布上那样，写在展览的目录上——是文森特，而不是梵高，我这样做只是为了一个简单的理由，因为这里的人不懂得后一个名字的发音。

虽然梵高说原因很简单，但从侧一方面反映出他的艺术野心——成为广为人知的大艺术家。

梵高对“Vincent”寄托了他的艺术理想。

结局

在《星夜》里，火焰般的柏树高高矗立，蜿蜒而上，就像渴望都能触摸到漫天星辰的天空。梵高何尝不是这样呢，他希望作品能触碰到公众，期盼星空能看到柏树的倾诉，哪怕是参加艺术群展。对“Vincent”寄托的理想，一直到他37岁（1890年）死去都未能看到。在离开数年以后，他的作品终于引起轰动了，从荷兰到国际，由默默无闻迅速地成为了世界闻名的大艺术家。荷兰政府还专门建盖了他的博物馆——梵高博物馆。可这时，被梵高寄予希望的“Vincent”鲜为人知，反而是“Van Gogh”红遍了全球。

——END——

今天，人们的生活已经慢慢变成了碎片化的阅读、碎片化的时间、碎片化的社交、碎片化的购物等。面对海量的信息碎片，注意力成为稀缺资源，各大品牌都面临着如何抓住顾客注意力的新课题。

作为一个高价值、强调体验式消费的珠宝品牌，周大生一直以顾客为导向，创新新的营销模式，为消费者带来新的产品，创造新的记忆。

2016年，周大生因时而变，以其独特的产品视角和创新的品牌理念，独创推出“情境风格珠宝”，在多重挑战下寻求新的发展空间。“风光式珠宝”将珠宝款式与客户的穿衣风格相匹配，满足客户在不同情景使用下的珠宝搭配需求，实现周大生品牌“爱与愉悦”的产品诉求。

通过海量数据分析、多位资深人士的专业评估和研发；d人员，并根据不同的女装装扮学，周大生构建了主流目标客户的风格体系，并分解为浪漫、优雅、妩媚、自然、现代五大风格。

浪漫珠宝，打造甜美可爱、浪漫梦幻的少女风格；优雅的首饰，展现女性的高级品味和时尚感；迷人风格的珠宝，展现女性魅力的性感风情；天然首饰，散发着自然随和的气息，造型简洁舒适；现代风格的珠宝，诠释鲜明的个性，营造整洁的氛围。

面对互联网上信息碎片化、商品同质化，很多消费者遭遇“选择难”。周大生天猫旗舰店直击消费者痛点，大胆提出“让选择简单”。这个极具互联网营销的口号，掀起了一股“极简风格”的风潮。

周大生希望用最简单的方式向消费者推荐最合适的产品，从而优化客户体验，将品牌营销提升到一个新的高度。

2017年7月，周大生携手艺术类IP——《梵高》，大胆跨界推陈出新，倾力打造独具特色的艺术珠宝。他用珠宝向梵高致敬，用珠宝倡导“生而狂热，乐在生活”的积极生活态度，在珠宝品牌营销上玩出了新花样。

7月10日至16日，周大生携手天猫在沪举办“欢聚时光印象派对，暨梵高新品发布会”。

发布会现场火爆，绘画大师黄现场作画，将活动气氛推向高潮；DIY区人山人海，男女老少都在台上一展身手；现场还有杂志拍照区、拟建的梵高博物馆、新品展示区，吸引了整个商场90%以上的人流量；还有几位美女，网络名人，直播与消费者互动，带领观众感知珠宝与艺术结合的美好。

这款新品的发布也点燃了大众平台上的人气。活动期间，微博关于梵高珠宝的热门话题传播上亿，看直播平台上百万的播放量，可以看出周大生梵高的新品受到年轻人的喜爱。

珠宝与艺术相结合的跨界艺术珠宝，是周大生立足人群的表现，在周大生推出的“场景式珠宝”基调下，更注重产品内涵。

周大生的跨界营销、情景珠宝、创新零售模式、线上线下整合营销，都致力于为消费者带来更有趣的营销、更优质的服务、更便捷的服务。

你好，说实话周杰伦最新专辑《最伟大的作品》，听了以后很失望，没觉得多好听。

盼了好久，终于盼到他出新专辑了，可是听到了以后又很失望，还是一如既往的风格，如果不看字幕的话，一个字都听不清。我不知道是我的审美出现的问题，还是他吐字不清。

以前觉得听不懂是种时尚，现在没有这种感觉，就是觉得听不下去的感觉。当然了，这不仅是我个人的感觉，还有很多人评论一样的观点。就是mv中还请来了朗朗，两人斗琴，看到朗朗的穿搭。

摘部分评论

1。网友笑评说“周杰伦，你请朗朗来是为了显得你瘦吗”网友的评论让我哭笑不得。

2。还有人这也行啊。形容朗朗的形象“像一条吃饱了的蟒蛇

了。没惊喜，曲风就是周杰伦自己15 20年前的，旋律歌词也是就是那些年的那种 求生欲一下，不是说难听哈，只是说相对于对六年和周杰伦的期待，这次的先行曲只让我觉得 就emmm那样。

《最伟大的作品》这首歌的第一段还是如此熟悉的RAP，虽说副歌有点平淡，不怎么出彩，但MV拍的还是非常有趣的，尤其是郎朗出现的片段，两人斗琴的画面还是挺让人回味无穷的，让很多粉丝忆起青春。

或许是杰伦现在结婚了，所以他的旋律比之以往，更加的甜美一点，虽说融入了很多古典音乐的东西，但总体给人一种迷一样的感觉。

众所周知，梵高是印象派的画家，它所创作的作品都举世无双。这次法国的一家拍卖行，将梵高一幅从来没有公开的作品以1309万欧元卖出。这幅作品《蒙马特街景》具有非常大的意义，不仅因为梵高这个时期的作品比较少，并且这是他作品格调的转变的过程，从原来的暗色调，转为运用鲜艳和丰富的色彩。

《蒙马特街景》是由一位法国的私藏家获得，并世代传承至今，从来没有对外展出过，这也是为数不多的梵高私人收藏的作品之一。

一、梵高134年前从未公开的画件重见天日

梵高这幅有一百多年，由法国收藏家世代传承的名作《蒙马特街景》终于对外展示，这是让全世界都为之高兴的事情。

他的大部分的作品都被收藏在博物馆中，只有少部分作品被私人所珍藏，而这幅《蒙马特街景》就是其中的一幅。这幅名作在1915年至1920年期间，被一位法国私人收藏家所获得，于是它就成为了家族世代传承的宝贝，从来没有对外展示过它的真容。

而这幅画的真实性也已经由梵高博物馆所鉴定为真迹，保守的估价在五百万至八百万欧元左右。而这次这幅名画由法国苏富经拍卖行经过两次竞拍，以1309欧元的价格拍出。

二、《蒙马特街景》的特别之处

《蒙马特街景》是梵高于1887年所绘画的，它画的是有一双年轻男女在木栅栏前面散步，在画中还有孩童在此玩耍，同时还有巴黎蒙马特尔这里比较常见的风车也出现在画作当中。

梵高早期的作品是暗色调，直到他移居到巴黎，接触到了许多巴黎的艺术先锋人物，于是他画作的风格开始改变。而在他创作《蒙马特街景》这个作品的时候，正是他绘画风格转变的一个过程，从最开始的暗色调，改变成颜色更为鲜活和丰富的颜色。

梵高沉睡百年的画作《蒙马特街景》终于展示出来，这是他绘画过程当中的过渡期，因为搬到巴黎，这里的绘画氛围和画家们对他影响了他，从而他的绘画用色开始变的明亮起来。跟在荷兰时期所惯用的偏暗的色调截然不同，直到梵高遇上了画家西尼亚克，逐渐的他成为了后印象派著名的画家。

同时这幅画是巴黎19世纪末时，蒙马特高地区景象非常宝贵的历史见证，当时巴黎在进行改造，而蒙马特因为工程进度而有所保留。但随着历史的变迁，梵高笔下的这个地点逐渐的消失。但是这幅画所描绘的巴黎田园景色却永远的保存在了画作当中。

作品名：盛开的杏花 branches of an almond tree in blossom

艺术家：文森特·梵高 Vincent Willem van Gogh (1853年3月30日-1890年7月29日)

创作时间：1890年

作品材质：布面油画 733厘米x924厘米

现藏地点：荷兰阿姆斯特丹-梵高博物馆

1889年5月8日至1890年5月16日，梵高在圣雷米疗养院的这一年时间里，创作量非常丰富，旺盛的创作精力犹如火山爆发，之后又异常宁静的自我休眠，这一年他创作了高达150多幅作品，发生过数次持续两周到一个月的病情发作，最后一次发作持续了两个月，在不发作的时候他平静而清醒，热情地投身于喜爱的绘画事业。

这一年的1月31日，他的侄子出生了，父母为了纪念他的教父叔叔文森特，取同名文森特·威廉姆·梵高。在得知小文森特的出生，又恰逢初春的到来，梵高感受到了生命的喜悦和复苏的力量。所以他创作了这张《盛开的杏花》作为送给刚出生的侄子受洗礼物。

在法国南部，杏花通常在早春2月开放，是开花极早的花树，所以在梵高的眼里，杏花是生命的象征。画中所绘的是一棵杏树的某个分叉部分。大片平静的青蓝色与花瓣的纯白色的舞动形成鲜明的对比，生机勃勃，充满着生命的纯洁与美好。此画作于梵高生命的最后一年，他告诉弟弟，这是他迄今最好、最细心的作品，作画时他感到平静，下笔没有丝毫的犹疑。此刻的梵高似乎忘却了自身的痛苦与煎熬，面对盛开的杏花，他心怀对新生命的圣洁祝福。这张作品没有了以往那抽动旋转的笔触，有的只是一片安宁，像极了东方意蕴，如此繁盛华丽，又如此宁静工整，将人带入瞬间的永恒。

梵高曾画过许许多多开花的树，开花的树对于梵高来说是一个很特别的主题——他们代表着觉醒与希望。他曾在信中写道："我简直忙得不可开交，因为每一个树木都在开花，我想画一个普罗旺斯（当时梵高所在的地方）花园，里面洋溢着令人惊叹的快乐。"

梵高的画作《盛开的杏花》反映了他的作画特点——简化的形式，平坦的色彩，绘画的对象都被黑色的线条从背景中勾勒出来，没有繁杂而多余的细节。

同时，这幅画中平面的构图方式还受到了当时日本浮世绘的影响。梵高曾收集过上百幅日本版画作品，梵高曾称，日本绘画的构图与色彩给予他宁静。

《盛开的杏花》中的花和树将梵高从消沉中唤醒，帮助他进入一种清醒和愉悦的状态。尽管因为他的精神疾病，他在一段非常兴奋的时间后会异常精疲力竭，但这次的创作却使他十分精力充沛。

美国诗人Bruce Ross曾称梵高将自己对生活的价值观灌输到了他的静物画创作之中，他将一种生命与可能性注入了无生命的物体。然而，遗憾的是，在梵高画完他最后一幅象征生命与希望的画作的几个月之后，他便自杀了。

■ ■■■■

本期的每天一幅画到此就结束了，我们特意准备了《盛开的杏花》1080P高清分辨率原图，可以用作收藏或是艺术参考，在多学充电站后台回复HUA9958即可获取

往期回顾：

孤独的流浪者 -- 梵高和他的朋友们（一）

孤独的流浪者 -- 梵高和他的朋友们（二）

孤独的流浪者 -- 梵高和他的朋友们（三）

1888年初梵高来到法国南部普罗旺斯的阿尔勒（Arles），他在这个充满田园气息的小镇住下来，并创作了许多作品。他用画布来呈现身边普通生活的不同方面，他画了一系列的肖像画，自画像，景物画，静物花卉（向日葵）等。梵高的一些最为人熟知画作就是在这个时期完成的。为了将他对绘画的想法表达出来，他疯狂地工作着。这可能是梵高人生最快乐的时期之一，他充满自信，头脑清晰，醉心于创作，非常满足。

约瑟夫·罗林（Joseph Roulin）是一位邮递员。在阿尔勒期间，梵高和他结下了深厚的友谊。他成为梵高的一个亲密、忠诚、并且支持他的朋友。对约瑟夫来说，梵高是他敬仰和真正崇拜的艺术家。

梵高在1888年到1889年间为罗林家的家庭成员画肖像画，他的妻子奥古斯丁（Augustine）和他们的三个孩子：阿尔芒（Armand）、卡米尔（Camille）和马塞勒（Marcelle）。梵高把这家人描述为“真正的法国人，即使他们的容貌看起来像俄罗斯人。”

在短短几个月的时间里，他把奥古斯丁和孩子们画了好几遍。这个家庭中的孩子年龄从4个月到17岁不等，这也给了梵高一个创作不同年龄阶段肖像画的机会。他总共给罗林的家庭成员画了二十多幅肖像。他将完成的肖像画分别赠送给他们每人一幅，这样罗林家的成员都可以拥有一幅自己的肖像画。

这个肖像系列在很多方面都是绝无仅有的。尽管梵高喜欢画肖像画，但由于经济或其他原因，他很难找到模特，因此他画得最多的是自己。能找到这样的一整个家庭，全家人都愿意坐下来让他画肖像，对他来说无疑每一幅画都是弥足珍贵的犒赏。

这一系列肖像是在梵高最高产的时期创作的，这使他有机会将过去几年里对绘画艺术的学习和对色彩搭配的研究付诸实践。如何在画作中传达一些有意义的东西是梵高作为艺术家的创作目标。梵高并不是单纯在创作像照片一样的肖像画，而是运用他的想象力、色彩和主题，以及他艺术性和创造性的笔法来激发观众的情感。

梵高以他的风景画而闻名，不过他觉得肖像画才是他最大的追求。对于肖像研究，他曾说过：“绘画（肖像）能让我兴奋的是那些灵魂深处的东西，这让我觉得自己是无限的。”他想要表达的意思是：“在一幅画（肖像）中，我想说出安慰人心的话，就像音乐能给予人安慰一样。我想用那些象征永恒的光晕来描绘男人和女人。”

梵高使用强烈的色彩来产生戏剧效果。每个家庭成员的衣服都大胆采用了原色，梵高在背景中更是使用对比色来加强作品的视觉冲击力。

约瑟夫·罗林于1841年4月4日出生在兰贝斯（Lambesc）。他的妻子奥古斯汀-亚历克斯·佩利科特也来自于兰贝斯，他们于1868年8月31日结婚。在画这些肖像时，罗林的年龄是47岁，比他的妻子年长十岁。这是一个工人阶级的家庭，罗林是在火车站工作的邮递员。

梵高和罗林相识并成为好朋友，同时也是酒友。梵高曾多次将罗林比作苏格拉底。虽然罗林并不属于最有魅力的那种人，但梵高却发现他是“如此善良的灵魂，如此睿智，如此充满感情，如此能够信任。”罗林的相貌让梵高想起了俄罗斯小说家费奥多尔·陀思妥耶夫斯基，同样宽阔的前额、宽阔的鼻子以及胡须的形状。

罗林见证了梵高在阿尔勒度过的快乐和艰难的时光，在梵高和高更决裂进入精神病院后，他也一直陪在梵高的身边。

罗林的夫人奥古斯丁·罗林（Augustine Roulin）于1851年10月9日出生，于1930年4月5日去世。在梵高给她的丈夫画了几幅肖像之后，奥古斯丁也来到梵高和高更所住的黄房子，成为了他们的模特。她坐在房间的角落里，坐了一晚上。梵高和高更同时画出的奥古斯丁是完全不同的，这是艺术家们分享相同模特的典型结果。高更画的肖像背景是他最近完成的一幅名为《蓝树》（Blue trees）的画。他以最直接的方式来画奥古斯丁，不加任何修饰。

相比高更，梵高画得更快，他采用了浓郁的色彩使这幅画更富有表现力。梵高很欣赏荷兰大师弗朗斯·哈尔斯的作品，哈尔斯的肖像画的特色是生动的笔法和直接的、率真的风格。

在这幅画中，梵高用**笔触来表现奥古斯丁头部侧面煤气灯的反光。他没有特意刻画夜晚的气氛，而在背景中画了几盆发芽的球根植物。梵高通过对背景的设计，将奥古斯丁的朴实自然表现出来。在完成这幅画的几天后，梵高开始画其他的罗林家族成员，包括四个月大的婴儿马赛勒。

此外，梵高还创作了几幅被称为“La Berceuse”的肖像，画中奥古斯丁手拿一根用来摇晃摇篮的绳子，而摇篮并不在画面里。梵高把“La Berceuse”称为“我们的摇篮曲”或是“摇摇篮的女人”。画中的色彩和背景是梵高为“摇篮曲”设定一个场景，意在给“孤独的灵魂”带来安慰。梵高也为这几幅画设想了几种摆设方式，比如把画挂在渔船船舱的墙壁上，或者是放在两幅向日葵的中间。

梵高画这幅画有着特殊的意图。他对画面的气氛比对罗林夫人的肖像本身更感兴趣。奥古斯丁是母亲身份的象征。这幅画的标题和色彩，就像摇篮曲中的音符一样，意在唤起那些看到这幅画的人感到舒适和温暖。

阿尔芒·罗林（Armand Roulin），罗林家的长子（1871年5月5日-1945年11月14日），梵高给他画肖像时，他正值17岁。他在画中被描绘成一个严肃的年轻人，他当时离开了父母的家到铁匠铺当学徒。这幅藏于佛克旺博物馆（The Museum Folkwang）的肖像展现了阿尔芒的样子，他身上穿的可能是他最好的衣服，一顶优雅的软呢帽、鲜艳的**外套、黑色背心和领带。阿尔芒看起来有点悲伤，或者可能是坐着感到有些无聊。他的身型充满整个画面，让人觉得他是个自信、充满阳刚气的年轻人。在第二幅作品中，他的身体微微转开，他的眼睛向下看，似乎有些悲伤。甚至连帽子的角度都给人悲伤的感觉。

卡米尔·罗林（Camille Roulin）（1877年7月10日-1922年6月4日）出生在法国南部的兰贝斯，罗林家的小儿子。梵高给他画肖像时，卡米尔已经11岁了。梵高博物馆馆藏的卡米尔肖像展示了卡米尔的头和肩膀。他身后背景中明亮的**令人联想到太阳。另一幅非常相似的画收藏在费城艺术博物馆。第三幅红色背景里的戴着制服帽的卡米尔似乎在凝视着什么。他的手臂搁在椅背上面，嘴巴微张，似乎是在沉思中迷失了方向。这是卡米尔的肖像作品中比较大的一个。

马赛勒·罗林（Marcelle Roulin）是罗林家最小的孩子（1888年7月31日- 1980年2月22日），在她四个月大的时候，梵高给她画了肖像，三幅是她自己的，两幅是坐在妈妈腿上和妈妈一起的。其中三幅个人肖像都展示了马赛勒的相同头部和肩膀，她胖胖脸颊和手臂，全都采用了绿色的背景。梵高把其中一幅寄给了提奥，当时怀孕的提奥妻子乔安娜·梵高（Johanna van Gogh）看到这幅画时，她写道:“我喜欢想象，我想我们的孩子会像她一样强壮、健康、美丽，而且他的叔叔总有一天也会给他的画肖像的”。

费城艺术博物馆收藏了奥古斯丁抱着小马赛勒的肖像。画中的母亲阴影中的脸部神情轻松。从奥古斯丁倾斜的粗壮肩膀、手臂和手可以看出她努力工作照顾家人。奥古斯丁抱着她的宝宝，她用右臂支撑着婴儿的背部，用左手扶住婴儿的腹部。马塞勒的脸向外，生动的吸引着观众。梵高用浓重蓝色勾勒出母亲和婴儿的轮廓。

为了象征母亲和婴儿的亲密，他使用了相近的色系，绿色、蓝色和**。明亮的**背景会在母亲和婴儿周围产生温暖的光芒，就像一个巨大的光环。关于他的色彩使用，梵高写道:“我不是在试图重现我眼前所见的东西，而是用色彩…更有说服力地表达自己”。作品用了不同的笔触，有些是直的，有些是紊流的——这让我们能够看到一种能量的流动，“就像湍急的水流”。梵高的朋友埃米尔·伯纳德（Emile Bernard）是这幅画的最初拥有者。

这幅母亲抱着婴儿的肖像的第二个版本现在收藏于美国纽约的大都会艺术博物馆。

后来，罗林搬去了马赛，梵高只能偶尔去看他，但即使是这些短暂的拜访也对这位画家有着极其重要的意义。

To be continued…