弹钢琴的时候手臂如何自然,放松,不紧张

说起放松，先要了解什么是弹奏上的紧张。基本上分两种:一、生理上的;二、心理上的。

一、心理上的紧张

不论弹奏或演奏都需要一定程度心理精神上的紧张。这时最需要一种全神贯注的兴奋状态,从而充满感情地把乐曲忠实、完整地演奏出来。这里成功的基础:一是技术上对乐曲的练习已达到非常熟练的程度;二是对乐曲的处理做到心中有数;三是心理上处于非常健康的状态。但我们有些时候却在弹(演)奏前或弹(演)奏时,不由自主地产生一种有害的心理上的紧张,其原因大致是:(1)技术上没把握;(2)乐曲处理上做不到心中有数;(3)环境上不适应。

1 由于技术上没有把握造成的紧张　如果自己感觉对乐曲没有完全掌握、技术上的难点没有完全克服,或感到对乐曲的风格、表现还无法把握等等,精神上就会不由自主地紧张起来,或手心出汗,或手指发抖,从而影响、破坏了演奏,产生差错;这反过来又会引起心理上的进一步紧张,形成一个不可收拾的恶性循环,最后只有以一塌糊涂而告终。

2 由于演奏时对乐曲处理、表现思路不明确造成的紧张　一首好的乐曲令人百听不厌,这正是弹(演)奏者很好的诠释了作曲家乐曲内容而形成的。如何表现一首乐曲这与演奏者的处理是分不开的。了解作曲家生活时代背景,写作背景及写作意图正是处理乐曲的关键所在。然而有的学生拿到一首新的乐曲后,只是一味地把音符弹响,对乐曲的理解只停留在谱面的表情记号上,经过这样机械的练习后,乍一听很熟练,但由于大脑对乐曲的思路、结构不甚明确,只是靠手的惯性往下演奏,一但出错便会造成心理紧张,乐曲中断。即使能完整地弹奏,也如一篇内容空洞的文章,令人听来索然无味。

3 由于对环境的变化不能很好适应而造成的紧张　常常发现,有的学生在小琴房中弹得不错,而一旦到大教室考试却不行了;有时在同学面前弹得很好,在老师面前又不行了,这些都是由于环境的变化造成的。在小的环境、熟的环境,自己的感觉和突然到一个大的、陌生的环境是很不同的,往往会由于对琴、手指触感、座位、房子大小差别引起的音响上、共鸣上和光线上等等的不习惯,使心情不那么安定而影响到演奏。

二、生理上的紧张

1 由于弹奏的基本姿势不够良好而形成的　很多学生在弹奏速度较快的曲目时,经常感到前臂、手腕肌肉发热、酸疼,这是因为没能正确运用全臂弹奏法,而仅用连接肘部关节的肌肉力量举起和支持住前臂来进行弹奏,使肌肉始终处于收缩状态,肘关节处于固定状态,这样很难使上臂及全身的重量完全送下去,也就很难发出丰满、明亮的音质和音量。时间一长就会形成所谓的“职业病”,甚至肌肉损伤无法弹琴。所以,用全臂弹奏是钢琴学生所必须的。最成问题的还在于肌肉是有“记忆力”的,一种形式的肌肉运动一旦经过千百次习惯性的反复,就会形成一种条件反射,形成一种后天得来的自然,要想改过来是非常困难的。如果已经习惯了只用前臂的力量进行弹奏,要想改过来也是很难的。因此,教师在学生学琴的开始阶段就应以正确、有效的教学方法使其不走或少走弯路。

2 由于触键后没有立即放松而形成的　当手指抬起触键发出声音后,就应立刻放松,让刚才触键而收缩的肌肉立即恢复原来平静的状态,只保留一点使琴键不致于起来的重量就行了,这样出来的声音是明亮透彻的。

我们在听到有些钢琴学生在弹奏曲目时,所表现出的声音很闷,很死,乐曲全无音乐可言,这就是因为触键后仍然用劲按住琴键,没有使手臂里的肌肉放松下来, 键盘被压得很死,止音器不能完全弹开,从而使琴弦共鸣不良。还有的学生在弹奏快速的练习曲或有技术难度的段落时,越往后越觉得手腕、前臂酸困,弹不动。这是因为第一次下键的紧张还没有消除,又加上弹第二、三个音,造成了紧张的积累,使手一直处于紧张的状态下弹奏,就不可能弹好流畅的音群和较难的技术部分, 同时也使肌肉过于疲劳造成损伤。 解决以上问题的办法就是在很慢的的速度下,先把弹一个音松一下的练习练好。这里可采用肖邦的练习方法,用五个手指分别把E、#F、#G、#A、C五个音同时按下后,再一个个举起来触键,等到各个手指都在这样全部按下去的练习中习惯了以后,再将手指浮起在键面上,作同样的练习。然后再继续两个音松一下,弹三个音松一下,弹四、五、六……音松一下等等。在练习一首新的乐曲时,运用以上肌肉轮换紧张的法则进行慢练是非常重要的。例如:我们在慢速弹奏《哈农钢琴练指法》第一条时,大指在弹“DO”音时,主要是用上臂的肌肉轮换收缩和放松,使其在一个十六分音符的时间里紧张地收缩一次,却在三个十六分音符的时间里得到休息。

除了这些自身的紧张之外,乐曲所要求的声音变化也容易引起上述紧张,这时就需要手臂放松来弹。大致分为两类:重手臂式的放松;轻手臂式的放松。(1)重手臂式的放松。当要求声音有力、结实、速度也不太快时,应将手臂上的重量基本都松下来,找这样的感觉可将手拿起来用三指触键,三指的指尖一定要把住键盘,感觉到整个手的重量都集中在三指指尖。(2)轻手臂式的放松。当要求声音明亮、轻快和迅速地跑动的时候,手臂就不能这么重地放在键盘上了,而要将重量收回,使落在手指指头尖的重量由很重到很轻地做各种程度的减少。这时整个手臂由于有肩关节强大的肌肉群块控制住,就可以变得很轻,而且手臂的肌肉也没有一点紧张的感觉。例如:《肖邦练习曲》NO2。

要解决以上问题,首先,教师在布置曲目时要依据学生的程度选择曲目,拔高程度无异于拔苗助长,是非常有害的,要让学生有发挥自己技术水平的余地;其次,从一开始就应要求学生仔细读谱,放慢练习,绝不能养成大概差不多的习惯。消除求快、贪多、马虎的思想,否则后患无穷。另外,当学生处理、表现好一首乐曲后,不可在考试或演出前拼命练习,因为这样不但大量消耗精力,而且会使感觉麻痹,使真正演奏时失去新鲜感,只需活动一下手指,使其暖和、灵活,处于一种临场前良好的状态。最后,当坐到琴凳上后,绝不要马上就弹,应静下心在把乐曲的结构,处理大概想一遍,做到心中有数后再开始。在演奏时最好跟着乐曲在内心歌唱,这样可使自己完全投入音乐的意境中,排除杂念的产生,从而保证演奏的圆满成功。

1、重要的不是手势，而是如何灵活运用自己的肌肉和关节，放松手腕，在最省力的情况下最快最大地限度保持对手指的控制。规范的手形可以对自己的手指进行更有效地控制，事实上手形随着学琴的深入要求也会有所改变。2、譬如一开始小孩手很小，关节柔软使不上劲，就会在手中握乒乓球、握小苹果，这就是为了锻炼关节的力量，所以初学琴时的手形都是有一点“握着”甚至“往里勾”的感觉的。然而随着时间的推移和练习的加深，手腕逐渐放松，指关节渐渐变得有力、独立，手势就不需要保持“握”的形状了，而是尽量将手指铺开（如果多观察大师的手形，也会发现他们并不是握着，以避免因难度加大导致的“握着”不能实现对手指的充分控制。3、初学者千万不要模仿，此时指关节力量不强，直接铺开手则不能锻炼指关节，弹出的音爆发力和力度都不强，声音听起来有粘连，并且需要弹强音时会强迫手腕用力，导致手腕更加紧张。

掌关节(手指与手掌连接的关节,也称手指第三关节)是手指工作的发动机、发力点。

掌关节发力要到手指第一关节指尖这个“点”的位置,并且,指尖这个“点”与掌关节的发力“点”要形成相互支持的状态(请注意:这点很关键)。这样,手指第一关节才能找到正确的站立“支点”。手指要“拢”起来,指尖要与琴键抓住劲。

掌心支点是整个手在弹奏运动过程中的组织核心,是很重要的“点”。如果掌心没有“支点”,整个手就失去了组织状态,失去了平稳的重心。五个手指之间就会毫不相干失去了组织关系。在弹奏中,尤其是在快速跑动中,掌心没有了支点,就没有了重心平稳,手指就会乱甩,力量不集中,声音散乱,准确性差,根本无法正确发音,事必造成向下按、压的错误弹法。那么,前面所讲的抓拢用力也就根本无法完成。因此,必须保持好掌心的“支点”,才能拥有一双有良好组织能力的弹奏状态的手。

不全是，钢琴的基本功练好、扎实，只要看谱就可以自然去弹奏，就像电脑打字的盲打一样，这其中有一部分是靠肌肉记忆，但主要还是靠人对音乐的理解与修养。而在实际演出中，弹钢琴是很少看谱的，这除了头脑的记忆和熟能生巧的技能外，仍然是演奏者的音乐修养和情感的表达，有了扎实的钢琴弹奏基本功和对乐曲弹奏的熟识，再加上对乐曲的理解和正确的情感表达且能够打动人心，这才是钢琴演奏的最高境界。