人逢喜事精神爽是哪种情绪状态？心境还是激情？

心境。

根据价值的强度和持续时间的不同，情感可分为心境、热情与激情。

1、心境是指强度较低但持续时间较长的情感，它是一种微弱、平静而持久的情感，如绵绵柔情、闷闷不乐、耿耿于怀等；

2、热情是指强度较高但持续时间较短的情感，它是一种强有力、稳定而深厚的情感，如兴高采烈、欢欣鼓舞、孜孜不倦等；

3、激情是指强度很高但持续时间很短的情感，它是一种猛烈、迅速爆发、短暂的情感，如狂喜、愤怒、恐惧、绝望等。

扩展资料

影响心境的原因是多方面的，如健康状况、工作成效、生活条件、自然环境等，但根本的原因是个人的意愿或欲望是否得到满足。产生某种心境的原因并不一定能被主体自觉地意识到。

但是在一定条件下，人的主观意志也可以控制心境。因此，人应该通过主观努力克服消极不良心境，培养积极的良好心境。

武场音乐作为传统的中国器乐表演形式，其音乐表现的情绪包含了多种情感，具有极强的艺术表现力。下面介绍一些常见的情绪：

雄浑豪迈：武场音乐常常表达出雄壮、豪迈的气魄，让人心潮澎湃，充满冲劲和力量感。

深情厚谊：在表现深情、厚爱、友谊等方面，武场音乐也有着独特的表现方式，旋律优美流畅，动人心弦。

恬淡心境：某些曲目表现出恬淡、舒适、安详的情境，无论是曲调还是情感体现都让人感到平静和舒缓。

悲壮感人：在表达悲情、哀思、思乡等方面，武场音乐也做得非常好，给人以沉重、深刻、忧伤的感觉。

欢乐喜庆：武场音乐中也常常表现出欢快、喜庆的情绪，活泼、明快的节奏营造出轻松愉悦的氛围。

总之，武场音乐作为一种独具中华文化魅力的传统音乐形式，在表现情绪上拥有丰富的内涵。无论是表达雄浑豪放的气势、深情厚爱的情感，还是表现出欢快喜庆的节日气氛，武场音乐都能够很好地展现情感和氛围，给人们带来灵魂的触动。

中世纪时期的音乐特点

中世纪是欧洲封建社会最主要的阶段，宗教势力强大，形成了政教合一的政体，教会反科学、反人道的黑暗统治，使艺术发展受到了极大压抑，音乐发展非常缓慢。但因为教会对音乐教化作用的重视，此时期宗教音乐得到了一定发展，最突出的成就是格里高利圣咏的兴盛和流传、职业音乐家的形成以及记谱法的完善和复调的出现。 中世纪的宗教音乐基本为单声部的齐唱，也有齐唱与独唱、对唱的等形式，以格里高利圣咏为典型代表，音乐理性、平缓、无情绪变化，呆板而单调。戏剧中的人声演唱形式多样。世俗音乐多反映民间生活和爱情，较为生动丰富，但不是此时期音乐的主流。 教会音乐，即歌唱圣诗、朗诵圣经，可以想象是纯粹的声乐。宗教音乐历来以声乐为主，这是因为声乐有歌词。与此相反，器乐主要是作为世俗音乐而得以发展起来的。 罗马式音乐是中世纪这一时期的重要音乐形式之一，其代表当首推格雷戈里圣咏，这是典型的天主教音乐。

文艺复兴时期音乐的特点 文艺复兴从意大利尼德兰乐派的出现开始，逐步扩展到全欧洲。文艺复兴提倡人文主义，宣传从本质上关心人和人的价值，主张艺术表现人的情感，强调人的伟大和巨大潜能。在此阶段，大量世俗音乐广泛流传，贵族阶层地位上升，雇佣专门音乐家不再是教会的专利。音乐逐渐脱离宗教音乐的单纯教化功能而重新以表达人的情感作为根本目的。复调音乐发展，器乐演奏作为独立表演形式的出现，改变着人声在音乐中的主导地位，成为此时期音乐发展的重要成就。 文艺复兴时期，音乐开始以表现人的情感为主要目的和内容，风格优美、和谐、华丽、音色纯净。这时期不再拘泥于两声部，有了三声部，注重和声效果。 文艺复兴时期的旋律以级进为主，是歌唱性的,与歌词的抑扬顿挫有关系,很少有大跳音音程出现。

巴洛克时期音乐的特点

巴洛克时期，宫廷成为音乐文化的中心，贵族可以组织个人乐队，城市出现民间音乐机构和团体，市民音乐生活愈加丰富。 数字低音的出现，平均律的确立，大小调体系的建立，和声功能体系的形成，使巴洛克时期的音乐开始从单一乐思、没有强弱起伏情绪变化的单声部旋律，向多声部、音乐出现对比、和声概念确立以致形成主调音乐过渡。 歌剧的创立是巴洛克时期最突出的音乐成就。而器乐与声乐此时在音乐生活中平分秋色，奏鸣曲体裁形成，器乐合奏形式出现；古钢琴、小提琴逐渐成为器乐演奏中的主要乐器。巴洛克时期的音乐风格尚有着浓厚的宗教色彩，音乐理性、优雅、均衡、纯净、旋律的反复出现缺少对比与起伏。 巴洛克时期通常仅表达一种基本情绪，具有情绪的一致性、节奏的持续性、主题的反复出现、力度的一致性，达到了旋律的流畅性，伴奏织体的简洁性，演唱风格的抒情性。

古典主义时期音乐特点

在资产阶级革命兴起与启蒙运动的影响下，欧洲中产阶级逐渐走上政治舞台。中产阶级以人为本的思想意识，积极向上、富于革命精神的面貌，极大影响了音乐家们的创作倾向和风格。崇高、朴素、完美、和谐与庄严，民族民间音乐与世俗音乐素材的采用，以及音乐发展中戏剧性的追求、奏鸣曲式的完善与交响乐形式的确立，成为古典主义时期音乐发展的突出特点。其中，奏鸣曲式结构以对比统一作为器乐作品音乐发展的基本原则，强调了音乐的复杂性、丰富性、突出了音乐发展中内在矛盾冲突与解决的关系，为交响乐等所有大型器乐作品的形成和发展奠定了基础。此时，音乐会的普及，职业音乐家地位的改变，作曲家带有个人属性的创作风格，使音乐的专业化程度与在大众中的普及程度同时得到提高，进而推动了欧洲音乐走向辉煌。

古典主义时期的音乐，情绪的丰富变化和对比获得了全新的强调。节奏的灵活性，在织体上基本属于主调音乐。旋律悦耳动听，渐强与渐弱的力度变化，表现了该时期的音乐特点。

浪漫主义时期的音乐特点

欧洲资产阶级革命浪潮席卷整个欧洲，上层建筑的革命进一步推动了科学技术的进步和资本主义经济的发展，与之相应，资产阶级自由民主思潮的兴起，是欧洲音乐文化也进入了发展的新阶段。追求自由和崇尚个人主义，成为此时期的时代精神。作为对古典乐派理性主义的反动，以自我表达为主、注重抒发个人情感与意识、强调个人主观感受为主要特征的浪漫主义音乐思潮应运而生。 浪漫主义将情感作为音乐表现的主要内容，更注重音乐旋律的的歌唱性。抒情、自由、诗意、充满个性的音乐风格，与富有色彩的情绪渲染以及音乐的民族性，成为浪漫主义音乐的主要特点。因此，艺术歌曲、钢琴抒情小品等善于表现个人情感的音乐体裁在此时得到很大发展； 交响乐与歌剧也更加注重人物的内心情感描写和抒发。以单乐章交响诗为典型的标题音乐的出现，强调了音乐内容的具体指向和主题性。钢琴成为浪漫主义时期最主要的乐器。 浪漫主义时期的音乐强调了自我表现和风格的个性化，富有表现的的目的与主题，民族主义与异国情调，标题音乐，富有表现的音色，丰富的和声，力度音高与速度范围的扩展，这些都在一定程度上最大限度的体现了个人的情感与抒发。

近现代时期音乐的特点

世界进入20世纪后，科学技术高度发展，社会物质极大丰富，世界各国、各地区、各民族之间开始有机会平等地进行全面的文化对话。经济的全球化、政治的多元化、文化的本土化，极大地影响了欧洲艺术流派的演变与发展。各种艺术思潮的层出不穷，信息时代高科技手段的参与，成为构建欧洲20世纪音乐发展多元、多变、流派纷呈的基础与条件。20世纪音乐最突出的特点，是它对以往音乐传统的颠覆和创新。各民族地区的本土音乐，开始堂而皇之地与西方主流音乐并列，欧洲音乐中心的概念从此动摇。 20世纪音乐的特色，在音色，和声，传统调性体系的改变（甚至出现无调性音乐），节奏（自由而多变的节奏结构），旋律，都进行了大的突破和颠覆。呈现出20世纪音乐风格的多元化，多样性的特点。

　　作为一名教师，常常要写一份优秀的教案，编写教案有利于我们科学、合理地支配课堂时间。我们应该怎么写教案呢？以下是我整理的幼儿园大班音乐教案7篇，欢迎大家分享。 幼儿园大班音乐教案 篇1 活动目标：　1、感受歌曲轻快的情绪，初步学习用两个声部进行演唱歌曲。 2、在图谱的帮助下演唱歌曲。 3、积极参与活动，体验歌唱活动的快乐。 4、通过学唱歌曲，体验歌曲的氛围。 5、能唱准曲调，吐字清晰，并能大胆的在集体面前演唱。 活动准备：　图谱。 活动过程：　一、练声。 “孩子们，让我们先来亮一亮咱们的嗓子吧!” 二、学习歌曲。 1、欣赏教师范唱，了解歌曲与内容。 “今天，有位小姑娘，她也要上山摘草莓，我们一起来听一听。” “好听吗”“这首歌曲比较轻快，非常的好听。歌曲的名字就叫《摘草莓》。”出示背景图。 2、再次欣赏教师范唱。 “再来仔细地听一听，听听歌曲里唱了什么” 根据孩子的回答，取出大图谱，放于黑板。 3、摆放图谱。 “谁来把这些图谱根据歌曲摆一摆”摆得对不对呢我们一起来看一看。” 4、看图完整演唱第一声部，将歌词与图谱匹配。 “让我们看着图谱跟着老师轻轻地来唱一唱。” 三、练习两个声部。 1、讨论、了解第二声部演唱的位置。 “老师这儿还有一些小图谱，为了使歌曲更好听，我们还要在歌曲里加入小图谱，放在哪儿呢” “不仅要唱大图谱，还要唱小图谱，小图谱怎么唱呢” 2、教师唱第一声部，并用体态提示幼儿演唱第二声部。 “我们来试一试唱这首歌，你们唱大图谱，我来唱小图谱。” 3、将幼儿分成两个声部演唱2——3遍。 “在唱歌的时候，我们要一边唱歌，一边听别人的声音，和别人的声音和谐一致就好听了。” 四、活动结束。 “我们把这么好听的歌去唱给弟弟妹妹们听听吧!” 活动反思：　1、图谱与歌曲的结合。 在活动前，我准备了背景图、大图谱以及小图谱，活动中，我先利用大图谱来学习歌曲的第一声部，在用小图谱来学习歌曲的第二声部，吸引、调动孩子来参与活动，并通过摆一摆、看一看，使孩子们从中理解了歌词，记忆了歌曲。 2、动作与歌曲的结合。 由于孩子是初次尝试演唱两声部的歌曲，对于第二声部的切入，孩子们不能很好地把握节奏，所以在活动中我利用肢体动作来提示孩子，被分成两部分的孩子看了指挥就能很好地演唱歌曲了。 3、活动流程层层递进，过渡流畅。 用《摘苹果》的曲调来唱《摘草莓》练声，从两声部练声到学习新歌，再加入第二声部，环节层层递进、环环相扣。 过渡时，紧接练声时的情景衔接道：“有位小姑娘，她也要上山摘草莓”来引出新歌，引出老师的范唱。在出示大图谱时，由于每张大图谱上有两句歌词，所以范唱完让孩子说，当孩子说出一句的时候，我会追问与之一起的另一句，“除了风轻轻吹，还有什么在飞”“什么在风中飘香味”“一颗颗红草莓好象什么唱了几次”等等语句组织得很自然、流畅。 当然，“有完美的教案，没有完美的课堂。”课堂是活的，总会存在一些不足，或者说有些地方可以上得更好。在这个活动中，让孩子摆大图谱的时间控制得再短一点，再紧凑一些，在请两三个孩子摆完后，我就可以清唱来纠正孩子摆放的对错与否。 幼儿园大班音乐教案 篇2 设计思路：　诗歌是我国文化的瑰宝，在幼儿园课程中不乏诗歌教学，但孩子是否能真正理解诗歌中的内容，是否能真正体会诗歌的意境，不得而知。于是我们班从一开学就让他们接触古诗词，幼儿对年代久远，与他们生活毫无关系的古诗词从一无所知到饶有兴趣。因此，特意设计了《清明》的音乐活动，开始尝试将语言教育与音乐教育融合在一起，让幼儿随着音乐吟诵了古诗词，使幼儿大胆地，富有创造性地表现自我的认识与想像。 重难点分析：　幼儿在体会古诗词的意境方面是最困难的，他们往往能流利地背诵出古诗词，却讲不出诗歌里面表达的是什么事情，更无法体会诗歌的意境。在进行教学前，我发现我班绝大多数的小朋友都能背诵这首诗歌，但他们对诗中描绘的意境及所传达的情感一无所知。于是，我首先让孩子欣赏音乐、感受音乐，体会其中的情绪；另外，通过运用图画和配乐讲故事的方式将诗词的创作背景、诗词大意表现出来，帮助幼儿理解诗歌的内容和意境。 活动目标：　1、体验音乐与古诗的意境，学习在伴奏声中有节奏地吟诵古诗，尝试用自己的方式表现作品。 2、探索用动作表现音乐内容，愿意与同伴一起参与音乐活动进行表演。 3、尝试根据古诗情境进行绘画。 活动准备：　幼儿在语言活动中已经会吟诵《清明》这首诗歌，并对清明节有一定的认识。材料准备：《清明》，音乐，纸，颜料等。 活动过程：　1、在情境中创编动作，初步用动作表现诗歌《清明》 师：你们知道古诗里描绘的是哪个季节吗？猜猜诗人杜牧想表达什么样的情感？ （评：古诗对幼儿来说是比较难以领会的，因此我决定用音乐，动作来帮助幼儿更好的体会古诗的含义 ）2、按节奏吟诵《清明》 （1）教师朗诵《清明》，同时出示，幼儿欣赏。 （评：在第一个环节中大部分使用听觉帮助幼儿理解，而在这个环节中我追加了视觉，运用帮助幼儿，更上一层楼。） （2）教师再次示范朗诵歌词，并以稳定拍的节奏配合拍手，幼儿跟随教师按稳定拍的节奏拍手。 （评：稳定的节奏帮助幼儿稳，准地熟悉古诗。） （3）引导幼儿结合稳定拍，进行歌词的朗诵，注意重拍的运用。 （4）教师用动作提示，与幼儿进行歌词的对答，教师说前半句，幼儿对下半句。如，教师说“清明时节”，幼儿接“雨纷纷”，以此类推。 （评：以不同的方式帮助幼儿重复学习，记住古诗） （5）幼儿跟着音乐完整地朗诵，吟唱歌词。 3、根据理解绘制图画：幼儿根据自己对古诗的理解，画出他们想象中的《清明》图。 （评：这个环节是自主性比较强的，希望幼儿根据自己的理解和意愿，用画画的方式来表达自己对古诗的理解。） 4、交流欣赏：幼儿介绍和欣赏小朋友的图画，加深对《清明》的理解。 附古诗：清明（杜牧）清明时节雨纷纷，路上行人欲断浑。借问酒家何处有，牧童遥指杏花村。 幼儿园大班音乐教案 篇3 活动目标：　1、倾听音乐，探索用绿毛虫吃东西、蠕动、蜕皮等动作来表现音乐结构，体会其情趣。 2、借助及语言的提示创编相应动作，并学会等待最后一拍时静止造型给别人带来惊喜。 3、初步体验用身体动作表现动物的生长过程，体验自我成长的快乐。 活动准备：　教学挂图：《绿毛虫》。 活动过程：　1、幼儿倾听音乐，自由想象音乐所表现的现象。 教师引导幼儿倾听音乐，自由猜想音乐所表现的动物形象。 ——我们一起来听听、猜猜，今天我们将和哪个动物一起玩游戏 教师出示教学挂图。 ——我们来看一看，是哪个小动物最先跑来和我们一起玩的 2、幼儿在教师引导下理解图的内容，并创编动作来表现图的内容。 教师逐幅出示小图，引导幼儿观察、了解其中内容，并创编相关动作。 ——你发现这个故事里有什么事情绿毛虫在干什么你是怎么知道的你能学一学绿毛虫的动作吗 教师在引导幼儿做出蜕皮动作时，有意识地说：还差一点，还差一点、、、、、、直到音乐最后一拍时，用夸张的动作使劲将粘在身上的“皮”用脚踹下，让幼儿体验成长必须经过的努力，激发幼儿期盼并积极参与活动的兴趣。 教师按顺序出示，引导幼儿了解绿冒充变蝴蝶的音乐情节。 ——绿毛虫们，我们今天要听音乐变蝴蝶了! 3、幼儿用动作参与，进一步感受并表现音乐。 在教师的带领下，幼儿听音乐用动作表现绿毛虫。 ——绿毛虫们，我们今天要听音乐变蝴蝶了! 4、幼儿创编蝴蝶造型。 教师鼓励幼儿用动作表现不同蝴蝶。 ——我们比比哪只绿毛虫变的蝴蝶最漂亮。 幼儿吸纳他人做的蝴蝶动作，再次表演。 ——刚才你发现哪只蝴蝶最漂亮这次请你来学她(他)的蝴蝶动作。 5、教师和幼儿共同，体验用身体动作边县小动物的快乐。 ——我们今天是和哪个小动物一起听音乐、玩游戏的原来我们的身体也可以表演绿毛虫变蝴蝶的过程。下次我们还会和其他小动物一起玩游戏。 幼儿园大班音乐教案 篇4　一、说教材　音乐是表现情绪、情感的最好方式。想让幼儿喜欢参加艺术活动，大胆表现自己的情感和体验，寻找合适的歌曲教材是至关重要的。歌曲《蹦蹦跳跳身体好》旋律欢快，内容有趣，整个歌曲极短的句子中包含了一个有趣的动物运动会场景。 我们进行唱歌教学的目的是为了给幼儿提供享受美的机会，使幼儿获得快乐的源泉，掌握表达感情的工具，养成良好的唱歌习惯，使幼儿能在快乐的唱歌活动中得到身心全面健康的发展。　二、说教学目标　根据大班幼儿的年龄特点我制定了以下几个目标 1、理解歌曲的内容，并能按照歌曲旋律准确的演唱。 2、学习用说唱方式与同伴合作演唱歌曲，并尝试为歌曲议定名字。 3、体验歌曲带来的愉快情绪，激发幼儿表现自己的欲望。 根据目标，我把活动重点定位于：理解歌曲的主要内容和旋律特点，学会有感情地演唱歌曲。活动的难点是：幼儿与同伴合作完成歌曲的两声部演唱。　活动准备： 歌曲伴奏MP3、图谱　活动过程：一、图谱导入 通过大森林开动物运动会作为活动导入，出示图谱并说出歌曲中的句子，让幼儿初步感受歌曲 二、学唱歌曲 通过提问这首歌曲的旋律怎么样，节奏是快的还是慢的来告诉幼儿，这是一首旋律欢快的歌曲，接着提问“你还听到了什么，能用歌曲中的句子来回答吗？”作为学习歌词的衔接，与幼儿熟系记忆歌词；然后与幼儿一起轻轻地歌唱。 三、学习简单的两声部合唱 “小动物们的比赛太精彩了，你看拉拉队也赶来为他们加油助威了”出示拉拉队，介绍拉拉队，听歌曲提问“拉拉队在哪里为运动员加油助威的？都喊了什么？”让幼儿通过图谱，知道拉拉队在什么地方出现，出现的时候都说了什么。师幼练习两声部合唱，接着幼儿分组尝试两声部合唱。 四、创编歌曲的名字 好听的歌曲我们已经学会了，我们能不能为这首歌曲想一个好听又好记的名字。让幼儿思考出自己满意的答案 五、与同伴分享歌曲，结束活动　活动反思：　本次音乐活动我能紧紧围绕教学目标，让幼儿始终保持浓厚的学习兴趣。活动开始时让幼儿边看图谱边听歌曲中的句子，熟系歌曲句子，然后播放音乐，使幼儿感受到了乐曲所表现的高兴、快乐的情绪，为幼儿后面的学习作下了铺垫。在学习理解歌词部分，我采用了清唱的方法，让幼儿去倾听、感受，当幼儿说出歌曲中的内容时，我就指着幼儿说到的地方，再说一遍歌曲句子，活动中，我运用帮助幼儿记忆歌词，从效果看，幼儿很快就理解并掌握了这首歌曲的内容，他们很愿意、很积极的要用一种愉快、活泼、欢快的声音来演唱这首歌曲。当幼儿基本学会了这首歌曲，为了进一步体现歌曲热烈欢快的情绪，我设计了唱说唱词的环节，我先向他们介绍拉拉队，让他们知道歌曲中的拉拉队在唱到哪一句的时候为运动员加油呐喊的，接着分组演唱，让一部分幼儿当“运动员”，一部分幼儿当“拉拉队”，通过运用说唱词唱出重唱部分，体现出小动物比赛的精彩，使他们在唱的过程中感受热烈的气氛，体验乐曲表达的快乐情绪。 不足之处：这节课在让幼儿理解、感受的部分还可以再充分些，幼儿学唱歌曲时要让幼儿感受出、说出要用活泼、欢快的声音演唱；而不是由教师讲，幼儿唱，幼儿没有充分感受、理解的时间和机会。我在问问题时，显得过于繁琐，一个小问题问了好几次，有点罗嗦，在时间上也没有把握好，在下次音乐活动中，我一定会多多注意这次音乐活动所存在的问题，并争取改进！ 幼儿园大班音乐教案 篇5 活动目标：　1、运用多种形式，培养幼儿的节奏感，让幼儿熟练掌握四分音符、八分音符及休止符的混合节奏型。 2、培养幼儿反应敏捷及注意力集中。 3、通过音乐活动培养幼儿想象力、口语表达能力及肢体的表现能力。 4、在感受歌曲的'基础上，理解歌曲意境。 活动准备：　十六宫格、小落叶的若干，呼啦圈六个。 活动过程：　一、幼儿进场，要求幼儿的脚步随音乐的变化而迅速改变师：秋天到了，小树叶们从树上落了下来，跟着秋风姐姐跳起了舞。 l、听，风越吹越慢了，我们该怎么飞呢？ 2、哟，风又大了，我们该怎么飞呢？ 3、真累，坐下来休息一会儿吧！ 二、理解并学拍四分音符和八分音符 1、小树叶长得真漂亮，有几片小树叶也想飞上来玩一玩，你看，这片大树叶“”的一声，就飞到天上去了。这片小树叶也想上来，可它有点害怕，于是又找了一片小树叶，两个人“”两声也飞到了天上。 提问： a、大树叶是怎么飞上来的？（）我们把大树叶飞上来的节奏叫一拍。 b、小树叶是怎么飞上来的？（）小树叶很灵活，所以一下子就飞上来了。 c、一共有几片小树叶飞上来呢？（2片）我们把一片小树叶飞上去的节奏叫半拍，用手来拍拍看。 2、大树叶和小树叶飞上去的速度是不一样的，我们用手拍一拍。原来，树叶们呆在一起，就是一句好听的节奏了。（幼儿练习用手拍节奏） 3、落叶的节奏还会变呢！看，把他们的位置换一下，就变成什么样的节奏了？ 4、谁能上来让落叶变成不一样的节奏呢？（请个别幼儿变换节奏，其余幼儿练习） 三、游戏：小落叶回家 l、师：秋风姐姐带来了六间小房子（呼啦圈），你们想不想进来作客？不过一间房里最多只能站两片小树叶。现在我们一起唱歌（歌曲附后），被秋风姐姐点到的小树叶就可以飘到小房子里了。（游戏第一遍）提问：这间小房子里有几片小树叶？应该怎么拍？那间小房子里有几片小树叶？应该怎么拍？ 2、原来：小树叶站在房子里，也是一句好听的节奏。除了拍手，还可以用什么动作表示？ 3、你们想不想也变成节奏？谁来当秋风姐姐？（游戏第二次） 四、认识十六宫格，学拍并创编十六宫格中的节奏 l、师：小树叶们快回来，告诉你们一个好消息。森林里要举行舞蹈比赛，请小树叶们编一个好看的舞蹈。怎么编呢？秋风接姐姐编了一个，你看：（出示十六宫格如图一） a、一片大树叶表示什么？ b、一片小树叶表示什么？ c、空白的地方表示什么？可以用什么动作表示？ 2、运用多种形式让幼儿练习节奏 a、这么多的格子连起来，就是小落叶的舞蹈了，我们从红色格子开始来拍拍看 b、加点音乐好不好？跳舞没有音乐可不行。 c、参加比赛光用手可不行，我们让脚也动起来！ d、跳得真棒，要是再整齐一点就好了。 e、你们这么有本事，我也有本事。你看，让我的小格子翻个身，从绿色格子开始，就变成不一样的舞蹈了，我们再来跳跳看。师：原来，从不同颜色的格子起拍，节奏会变得不一样。 3、师：风姐姐的舞蹈编好了，你们的任务还没完成呢！看，那边地上有许多小树叶，你们六人一组，商量一下，编一个好看的舞蹈来跳跳看。（请幼儿合作，将树叶贴到十六宫格纸上，并商量用什么动作来表示出不同的节奏。） 4、师：小落叶们，把你们的舞蹈带过来！ a、这是哪组编的？谁来跳给大家看一下？（请一位幼儿跳） b、这是谁编的舞蹈？（请几位幼儿同时跳） c、这又是谁编的？（请这组幼儿一起跳） 5、师：每一组小落叶都编得这么好看，到底谁去参加比赛呢？这样吧，我们把这三个舞蹈连起来一起去参加比赛。第一段用什么动作表示？第二段？第三段？（全体幼儿把三段舞蹈连起来跳）五、师：森林里的舞蹈比赛马上就要开始了，小落叶们准备好了吗？我们出发吧！（听音乐出活动室） 活动反思：　本节音乐活动的主要目标是让幼儿在歌唱时能控制声音的轻重和节奏的快慢，能够表现出小树叶的不同情感。为达成此目标，我在图谱的设计上做了一些改进，比如我用灰亮不同的背景色来表明小树叶的不同心情：灰色表示伤心、亮色表示开心；背景色块形状上高矮、长短的不同代表声音高低和节奏快慢的不同：高短的表示节奏快声音高、矮长的表示节奏慢声音低。在实践操作中，我发现这个方法作用真的很大，通过简单的图谱一方面帮助幼儿理解了歌词含义、另一方面又让幼儿掌握了歌曲节奏，真是一举多得。 歌唱活动主要就是通过不同的方式让幼儿学会唱这首歌，让他们能够从不同的角度感受这首歌。为此，我在设计活动过程时，也是一步步深化，让幼儿先从感受歌曲开始，接着再了解歌曲，然后才是学唱歌曲，最后能够扮演角色表现歌曲。 在感受歌曲环节中，幼儿通过听老师有情感的演唱，发现两段歌词所表现的情绪是不同的，了解小树叶为什么要这样歌唱。在小朋友的叙述中，他们基本都能够清晰感受到小树叶离开妈妈后的伤感，还有回到妈妈身边的高兴，还有个别幼儿感同身受，想起了自己的妈妈，伤心的哭了起来。在了解歌曲环节，幼儿再次欣赏歌曲，说说听到了什么，老师出示，肯定小朋友的表诉，通过引导让幼儿发现传达的含义，理解歌词内容以及图谱含义。然后在学唱部分，我用对比分明的两种状态演唱歌曲，巩固幼儿对歌曲的理解和表现。最后的角色扮演本来在设计时是分组演唱，可在教学中发现小朋友的情绪很高，于是临时添加修改了这个环节，分别邀请两个小朋友来扮演黄树叶和绿树叶，我来扮演大树妈妈，请大家给他们伴奏演唱，他们来表现不同的两段内容，小朋友的表现力真不错，表演黄树叶的幼儿很伤心的离开了，飘落到了别处，绿树叶高兴的回到了妈妈身边。活动本该到此就结束了 ，可是小朋友依然兴趣很浓，于是我在延伸活动中，让小朋友继续表演，自己分配角色，选好搭档边唱边演。 通过这次音乐活动，我感受到要想让幼儿学会一首歌，首先得让他了解歌曲的背景、里面包含的不同情感；接着再通过图谱辅助手段帮助他们记忆歌词，当然图谱不是简单的歌词的呈现，也可以包括节奏和情感；最后对歌词内容的动作神态表现，让他们更进一步理解歌曲的涵义。我相信只要我们平时教学时多用心，肯定还能发现更多更加恰当的方法，让幼儿在愉快、轻松的氛围中学会唱歌。 幼儿园大班音乐教案 篇6 活动目标：　1感受乐曲轻松愉快、诙谐幽默的情绪，初步理解乐曲'ABAB’…反复的结构，感知A段欢快跳跃、B段延长且层层累加的特点。 2引导幼儿在现有生活经验的基础上，创编牙膏跳舞及挤牙膏的动作。 3在表演中愉快地进行表情交流。 4感受歌曲诙谐幽默的特点，能听着音乐游戏。 5在感受歌曲的基础上，理解歌曲意境。 活动准备：　教学图谱一张，用小纸张将“牙膏条”一一遮住；教具大牙膏一个；音乐磁带。 活动重点、难点：　重点：感受乐曲轻松、诙谐的情绪，并大胆用动作愉快地表现。 难点：初步理解乐曲的结构，感知A段欢快跳跃、B段延长且层层累加。 活动过程：　1幼儿完整地倾听乐曲，体验乐曲欢快、诙谐的情绪。 2教师结合教具简述故事《牙膏舞会》，帮助幼儿了解乐曲所表现的形象和内容。 3结合图谱，欣赏音乐，初步了解乐曲结构。 （1）教师听音乐指图谱，依次出示牙膏条；提问：牙膏跳舞时，音乐是一样的吗？ （2）幼儿随音乐指图谱；提问：挤牙膏时，音乐一样吗？有什么变化？ （3）请能力强的幼儿听音乐领指图谱。 4教师启发幼儿创编牙膏跳舞及挤牙膏的动作 5完整地随音乐表演。全体幼儿跳圆圈舞，B段时，教师依次请幼儿进圈当牙膏条，做出各种造型。 6教师简单介绍乐曲，启发幼儿起名字。 活动延伸：　1可在欣赏音乐的基础上，学习用打击乐器为乐曲伴奏。 2可启发幼儿用牙膏盒、牙膏皮制作美工作品。 小百科：牙膏是日常生活中常用的清洁用品，是一种洁齿剂，一般呈凝胶状，通常会抹在牙刷上，用于清洁牙齿，保持牙齿美观和亮白，牙膏有着很悠久的历史，而随着科学技术的不断发展，制作工艺以及设备的不断改进和完善，各种类型的牙膏相继问世，产品的质量和档次也在不断提高，截止20xx年牙膏品种已由单一的清洁型牙膏，发展成为品种齐全、功能多样，上百个品牌的多功能型牙膏，满足了不同层次消费水平的需要。 幼儿园大班音乐教案 篇7　活动目标：　1学唱歌曲《喇叭花》，并尝试用不同的形式进行歌唱。 2感受北京童谣的韵味，激发幼儿进一步演唱的愿望。　活动准备：　认识四季的花、多媒体课件、《喇叭花》伴奏音乐。　活动过程：一、一年四季的花真多。　欣赏媒体、说说喜欢的花。 师：“看看这些花儿你们都认识吗？” 师：“你们都看到些什么花儿呀？它们是什么季节开发放的？”　二、喇叭花开嘀嘀嗒。　1完整感受，摘句练唱。 师：“今天我来解释一种夏天的花，听听是什么花？” “为什么小朋友都喜欢叫它喇叭花呢？”（摘句练唱） 2听辨对比，感受京味。 师：“这是一首北京的童谣，什么地方听上去有京味儿？” 师：“请你来听一听哪一遍是北京话，哪一遍是普通话？”（听辨方言） 教师小结：原来京味儿就是要用儿化音，舌头要卷起来说话和唱歌。 师：“谁能和我一起来试一试？” 3多样歌唱，体验快乐。 师：“喇叭花的藤是怎么长得呀？”（引导幼儿看媒体和听旋律） 教师小结：原来喇叭花的藤蔓是跟着音乐的变化爬高爬低的。 “让喇叭花的藤随着你们的歌声长一长吧。” 师：“你有什么好办法能让这首歌唱的更有趣？” 那我们一起来试试你的办法吧！（尝试不同歌唱形式）　三、早起锻炼身体好。　律动《锻炼身体》。 师：“喇叭花的小喇叭一吹，小朋友都起床了，早早地来到草地上锻炼身体，我们也去锻炼锻炼吧！”

谈谈古典主义音乐风格是怎样的？ 1、 情绪的对比：

古典主义时期的音乐，情绪的丰富变化和对比获得了全新的强调。相对于晚期巴洛克音乐中单一情感的表达，古典主义作品中的情绪波动起伏。戏剧性、不稳定的音乐，可能导向一段轻快随意的舞曲旋律。主题的对比不仅表现在同一乐章中使用具对比性的不同主题，即使是一个单一特定的主题内，也可能存在明显的对比。

2、 节奏：

节奏的灵活性，给古典主义音乐增添了变化。古典作品包含了丰富的节奏模式，不同于巴洛克乐曲只有少数的节奏模式在全曲中反复出现。巴洛克作品表达出连续的感觉和永恒的运动。因此，在开始几小节之后观众就能大概知道整个乐章的节奏特性。但古典主义风格包括了出其不意的停顿、切分音，以及从长音到短音的频繁转换。而从一种长度的音符模式到另一种的改变，可能是突然的也可能是渐进式的。

3、 织体：

与晚期巴洛克音乐的复调织体相比，古典主义音乐基本上属于主调音乐。然而，织体的运用与节奏一样灵活，织体之间的转换有时平稳有时突然。一首作品也许以一条旋律和简单的伴奏组成的主调织体开始，但是随后可能转变为复杂的复调织体，含有两个旋律或旋律片断在不同乐器间模仿。

4、 旋律：

古典时期的旋律悦耳动听，且容易记忆。即使在一首非常复杂的作品中，也可能含有民谣或通俗的感觉，有时作曲家也会直接借用一些通俗的曲调。（如莫扎特以法国歌曲《哦！妈妈请告诉我》的旋律为主题，写了一首钢琴变奏曲《小星星亮晶晶》。）更多时候，作曲家根据流行的风格创作新的主题。

古典主义音乐的旋律听起来较为平衡与对称，因为作品通常由两个长度相同的乐句构成。第二个乐句的开头与第一个乐句类似，但结束部分更具终止性。相反，巴洛克旋律较不对称，精巧复杂，比较不容易演唱。

5、 力度与钢琴：

古典主义作曲家对于情感表达的细微差别的兴趣，导致了渐进力度的广泛使用，如渐强与渐弱。这些作曲家不把自己限制在巴洛克音乐中常用的那种极端力度的改变（从大声到小声的突然转变），渐强与渐弱的力度改变，表现出令人震惊的新鲜感。

在古典主义时期，作曲家对渐进力度的爱好，导致了钢琴取代了大键琴。钢琴家通过控制手指对琴健的压力，来控制声音的大小。虽然钢琴在1700年左右即产生，但直到1775年左右才开始取代大键琴的地位。海顿、莫扎特、贝多芬的大部分成熟作品都是为钢琴而作，而不是为大键琴、古钢琴及管风琴等巴洛克键盘乐器而写。

6、 通奏低音的消失：

通奏低音在古典主义时期被淘汰。在海顿与莫扎特的作品中，大键琴演奏者者不必再做即兴的伴奏。导致通奏低音消失的原因之一是越来越多的作品是写给业余爱乐者，而通奏低音所需要的即兴演奏技巧对他们而言有相当的难度。 概括地说，深度，高度，广度。

1，深度，古典乐派时期欧洲的政治和社会发展，作曲家对生活，情感都有更深层次的认识和体会，所有情感融入到音乐作品中，继承的巴洛克音乐的优良传统，也就成就了古典乐派音乐的辉煌，聆听古典乐派的音乐，会让人思考人生，如贝多芬的交响《命运》，莫扎特的歌剧《唐璜》，反正我听了看了，思考了。

2高度，和声的发展越来越丰富，不知是音乐成就了贝多芬，还是贝多芬成就了音乐，贝多芬时期的和声运用以及配器手法，是前无古人后无来者的，所以古典乐派的音乐，就音乐的专业性来看，是发展到一个不可超越的高度的。如贝多芬第九交响《合唱》，是第一个把合唱加入到交响的作曲家。巴洛克时期有吗？浪漫乐派时期有吗？

3广度，古典乐派时期，各个国家的交流更加频繁，也就为各国音乐人建立了一个相互交流的平台，更多地去感受不同的生活，所创作创作出来的音乐，自然而然，是包罗永珍的，不管是国家（海顿交响《伦敦》），还是个人（贝多芬交响《英雄》，写给拿破仑），还是家庭（莫扎特歌剧《唐璜》，写给他父亲），。。。。。时间关系，不多举例，总之是无所不包。

总结之，古典乐派的音乐三个词概括，深度、高度、广度，都是前无古人后无来者的。

纯属个人意见。

楼上的真搞笑，土耳其进行曲民族色彩强烈吗？对土耳其人民又有什么力量？瞎掰。 古典音乐派的三大音乐巨匠是谁谈谈古典主义音乐风格是怎样的(贝多芬) 海顿，贝多芬，莫扎特

海顿

海顿的全部音乐作品都是反映普通人的生活，表现人淳朴的美好境界，可以用“生活风俗性”来概括。海顿的音乐作品具有结构严谨，逻辑性强，形式对称，音乐语言典雅，清新，明快，无强烈戏剧性对比风格特征。

海顿的贡献是确立了奏鸣曲交响套曲的形式结构和奏鸣曲式原则，成为MOZART，BEETHOVEN音乐创作的发源地，一生创作104首交响乐被成为“交响乐之父”，又因创作84首弦乐4重奏并使其专业化，被称为“弦乐4重奏之父”。

莫扎特

莫扎特短暂的一生共创作了四十一部交响曲，为交响曲的发展作出了重要的贡献。他在整部曲子风格统一的前景下，突出了各乐章之间的对比，增加了作品的感染力，从而达到了更高的艺术境界。莫扎特的交响曲首先吸收了他歌剧富有表情的、如歌的曲调和其戏剧对比的因素；其次在以主调和声的基础上，广泛采用了复调手法，旋律灵活，但不失巨集大的气魄，纯净而富有感染力。

贝多芬

贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，这在当时最能激动人心。他的创作的构思之宽广，形象之巨集伟，感情之深邃，对比之鲜明，都使他偏重于采用并扩充奏鸣曲形式。他对奏鸣曲形式的处理，在音调和形象上都达到了内在的统一——他不仅在一个乐章的范围内使各个主题形成相互间的统一，而且在整个套曲的不同乐章中也是这样。他还把歌剧创作的戏剧性手法应用到他的交响乐创作中去，使交响曲成为一种深具戏剧性的器乐体裁；他把交响曲中原来的小步舞曲乐章改为诙谐曲，扩大了表现力的范围。 古典主义音乐风格的主要特征： 我也在做会考卷 这句话应该是错的吧 下面是我从里粘的关于印象主义音乐的相关内容 题目中那句话描述的应该是印象主义音乐 古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与 的发挥。 与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画， 而是更多地 德彪西 描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。 古典主义音乐前是哪一种音乐风格占主导 古典主义音乐前是哪一种音乐风格占主导(巴洛克音乐)

巴洛克原意指形状不规则的珍珠，是一种艺术形式，由于这种艺术风格的盛行后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现在义大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。 古典主义歌剧的音乐风格与艺术特点 古典主义歌剧 （Classical Opera）在题材上力求贴近人心，强调歌剧音乐与戏剧内容更加紧密的结合。旋律简洁明快，乐队的重要性得到重视，并去掉了“数字低音”写法。 希望以上资讯可以帮到您，欢迎您登陆我们的网站，查询全国各大城市最新、热门演出资讯

具体请点选：:chinaticket ^_^ 古典主义音乐和浪漫主义音乐风格上的不同和这两个时期的过渡人物？ 古典主义和浪漫主义并没有严格的界限来划分，它们之间的过渡人物显然是“集古典主义之大成，开浪漫主义之先河”的贝多芬（1770-1827）。贝多芬是18世纪末19世纪初的作曲家，在他略微之前的莫扎特，海顿等作曲家的作品都属于古典主义，他们的作品结构严谨，宗教味道较浓，浪漫主义时期，自1820年到1920年。产生的音乐家多为我们所熟悉，创作的作品被演奏的次数最多。代表音乐家：贝多芬、舒伯特、柏辽兹、肖邦、门德尔松、舒曼、威尔地、瓦格纳、比才、勃拉姆斯、柴可夫斯基、约翰．斯特劳斯、德沃夏克、圣桑等等，浪漫主义时期的作品注重抒情性，写作方法也突破原来的框架，大胆而富有想象力，管线乐队编制较以前更加扩大。自己总结的，有点乱。 古典音乐风格是什么 这种风格的基本特征是采用主调和声织体和更简化与更“ 自然 ”的旋律（这在当时被称为“华丽风格”）。这种风格还可以包括结构的方整性，结构内部（乐章间或乐章内）的更大的对比，力度等级的渐变，节奏轮廓更加清晰，和声语汇简化，和声节奏放慢等等。在1730年前后这种新风格也出现在义大利的器乐作品中，特别是节奏复杂化和旋律装饰化的倾向在德国的情感风格的键盘乐器的作品中达到了高峰。此外，早期古典主义音乐还包括了以法国音乐为主的洛可可风格，这种高度装饰化的宫廷风格与当时的义大利和德国音乐相比带有更多的巴洛克遗风。 fusion这种音乐风格是怎样的？ 就是爵士乐啦！

爵士乐的起源、含义：

爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。

在众多流行音乐中，爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种，爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调"，"拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。

从17-18世纪西方殖民主义者，将大批非洲黑人贩卖到美洲，成为那里白人的奴隶之后，他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余，黑奴 们怀念故乡和亲人，常常唱一种哀歌，以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中，被看作是忧郁的色彩，这种悲哀的歌曲，也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名，如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。

爵士乐的另一个起源，是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末，一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手，创造了一种新风格的钢琴音乐：右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲，一、三拍为强拍，二、四拍为弱拍，而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时，就出现一次强音，而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏， 一、三拍为低音强拍，二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍，使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣，由于这一创造，乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。

有人说Jazz这个词，是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓"；另一种说法是：早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了，都叫他Jas,后来一传再传，就变 成了Jazz了；还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。

早期的黑人爵士乐师多不识谱，演奏时只是凭著灵感，对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多，三五个乐手经常在一起合作，时间久了，彼此之间也就自然地形成一种默契。

1923年冬天，纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温，说他想举办一次别出心裁的音乐会，其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目，就是把爵士乐和交响乐揉合在一起，格什温是一位音乐革新者，他从1924年元月开始动笔，仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦，故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此，爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现，许多作曲家也竟相效仿，创作了许多爵士风格的音乐作品，如美国的一些音乐剧，兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等，都运用了爵士音乐的素材和节奏。

爵士乐音乐的特点：

(1)从大音阶来讲，它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音，实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音，因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩；由于有以上这些特点，按这种方法形成的音阶，人们称之为"布鲁斯音阶"。

(2)旋律中多用切分节奏和三连音，形成轻重音颠倒；

(3)节奏多为双拍，通常为4/4拍，也有部分是2/4拍 ；

(4)从歌词、曲调结构上讲，布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节，每句4小节，从而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式结构

(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ)，因此，和声听起来很和谐，而且朴素。

其他特点因素：

爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。

爵士乐的切分节奏复杂多样，特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位，造成一种飘忽不定的游移感。

原来的4／4拍节奏经改变后变成了3／16拍。

爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）来形成它的特点，有时还在布鲁斯音阶的基础上增加＃4和其他一些变化音，使其变得更加丰富多彩 。

爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多，它以七和弦为基础，并且大量的运用扩充套件音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行，使其呈现出丰富多彩的和声效果。

即兴是爵士乐手（或歌手）必练的演奏（或演唱）技巧之一 。

爵士乐的一些变化分支：

早期爵士乐

早期的爵士乐（1900—1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称，而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。

早期爵士乐队的设定平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是“爵士乐”。

自由爵士

自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。

自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子装置及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。

摇摆乐

二十年代末，美国出现大萧条，爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所，致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson（费莱切·汉德森）的大乐队，但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大乐队的成功，直到1946年大乐队时代结束为止，摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐，在演奏过程中不太注重合奏，反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础，与以前的演奏相比，这更具有冒险性。

这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴，所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。

摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统，同时也开辟了个人表演的新领域，许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。

Cool爵士

1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志著Cool爵士的产

生。

Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的，音质柔和干爽。独奏中，带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥，有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势，但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑，音色更加和谐，与Bop相比，Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感，而没有Bop那么强的内在张力。

Cool爵士鼓手也更加安静，不干扰其他音色，总而言之，Cool爵士风格是节制的，“点到为止”，这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。

Fusion

二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。

Regtime

Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐。

Bebop

“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫）。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。

Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。

Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程式是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复著全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。 古埃及的音乐风格是怎样的 具有传统非洲音乐的特色，体现了苍茫的感觉，音乐风格你去听埃及王子这部**的插曲和**场景就能深刻感受到了