通俗音乐唱法的特色是如何的？

民族，美声，通俗是我们对声乐最常见的分类方式，而这三者之间又有什么区别呢？

其实他们之间的不同，更多的来自于音乐的起源。

一、民族唱法

民族唱法的由来是传统民间歌曲，演唱方式上也是由此发展而来。在现代民歌诞生前的年代，传统民间歌曲更多的是“山歌”，而山歌最重要的就是要传得远。

所以我们听到的民歌一般会很尖亮，在声音比例中，高频多，低频少，头声多，胸声少，因为这样的声音会传得最远。此外，民歌的另外一类来源是戏曲，由于戏曲也需要露天表演且没有话筒，在音色层面和山歌需求相近，整体看胸声成分会略多些，但差异并不大。

这两种演唱方式共同决定了在民歌演唱中，由于受条件的限制，稳定是第一要务，核心是声音位置的稳定，与此同时和传得远的特性共同塑造了民歌演唱中高音区为主，喉位更高，以假声和混声为主的特点，而胸声成分多的歌曲并不是很多。

在本世纪以来，民族唱法进一步借鉴了美声唱法的一些成分，逐渐成型，我们最终得到的民族声音状态是，高音多，高位置多，混声形态为主，音域宽广，咬字字正腔圆，高喉位。

二、美声唱法

美声唱法是从宗教音乐中脱离出来的，而这种音乐的形态主要是室内无话筒的演唱方式。

在美声演唱的过程中，虽然要求声音传播的距离比民族唱法少些，但想要场内的观众都听到饱满的音色，仍旧有自己的需求。

在这种情景下，共鸣和音量就成了美声唱法中最重要的两部分。在美声唱法的演唱中，胸声，低位置共鸣是一个非常重要的因素。这样的声音音量会很大，而且会有一个共鸣饱满穿透力更强的音色，低喉位拥有足够的喉咽腔共鸣是保证胸声足的关键因素。因此，美声唱法需要更低的喉位。

此外，和民族唱法的道理一致，由于在那个时代没有修音技术，稳定性也是第一要素，导致的结果就是在演唱中，声音位置需要非常稳定，且共鸣饱满，亮度高。

美声唱法中虽然也有以“半声”为代表的柔的声音，但仍旧以强声系统为主。而由于要保证更好的共鸣与音色，相较于民族唱法和流行唱法音域上要狭窄一些，有句说法highC是美声男高音的试金石，但其实对于民族唱法和流行唱法来说C5并不算特别高的音。

另外，由于美声唱法是由宗教音乐发展而来，所以在演唱的过程中，在站姿上会要求比较严格标准。

三、通俗唱法（流行唱法）

流行乐来源于黑人音乐，是普通大众经常演唱的音乐形式。

在流行唱法的演唱中，由于对麦克风的依赖度高，所以在演唱中可以获得更多的灵活性，声音位置变化更多，音色上的形态也会更多，但与此同时声音的稳定性也要比民族唱法和美声唱法弱一些。

另外，由于流行唱法更多的是麦克风的艺术，所以相对对共鸣的要求没有那么高，更多的倾向在语气的表达上，节奏的变化上，是更贴近于生活的一种表达方式。音色上不需要那么纯净，反倒是有气感或是有颗粒感的音色更容易入麦，也更容易表达情绪。

此外由于流行歌曲更适合平时民众演唱，所以整体看来流行音乐的时长也较短，旋律上也相对简单，咬字上也更加口语化，希望能给人带来亲近感，唇齿音更重。另外在站姿上更随意，更放松，身体可以根据节拍运动，唱到一些高音时，也可以弯腰辅助发力。

民族，美声，通俗唱法之间的区别就和大家介绍到这里了，其实在三种演唱方式的演变过程中有很多交合的点。比如在美声唱法中，很大程度上和中文咬字并不是很搭，这个时候就要借鉴民族唱法和流行唱法的技术。而在流行唱法和民族唱法的发展史里，美声唱法都是具有标志性的因素。

　　音乐的物质材料和形式要素相关资料

　　各种样态的声波振动，是音乐赖以存在的物质材料。它们是人类运用各种物质手段而发出的，其中，既包括人类天生的器官(发声器官、四肢等)，也包括人类所创造的各种器具。人类之所以会造成某种样态的声波，一方面取决于物质条件（生理或生产条件）所提供的可能性，另一方面也受听觉审美需求的引导。古人最初追求乐音的纯净性和音程关系的协和性，很可能是由于受到某些狩猎工具（如猎哨、猎角、弓弦）所发乐音和某些鸟类啼鸣的启发，在自然界的天籁中，具有纯净、协和这类性质的音响和这种声音的泛音列，使人感到悦耳动听,人们才会去追寻、探求,创造各种器具将其模仿、再现出来。人类对声波样态（作为物质材料）的审美追求，推动了歌唱技术、乐器制作技术（作为物质手段）的发展；反过来，新的发音器具（新乐器、电子合成器等）的创制，又提供了获得新的音响材料的可能性；材料与手段的交互作用，模仿与创造的辩证结合，使音乐所运用的物质材料不断丰富提高。

　　乐器是人类所创造的发音器具，当代的乐器学已经根据声学原理把乐器分为五大类（体鸣、 膜鸣、 弦鸣、气鸣、电鸣），形成科学的系统。但从人类学的角度看，从人类运用发音手段以支配音响材料的方式这一更广的角度看，可把发音手段区分为如下三类：

　　第一类发音手段，由人类天生的器官、肢体构成。其中主要的是人声歌唱所用的整套器官，由于它的复杂的生理结构和丰富的性能，使运用人声的歌唱艺术（声乐）成为音乐表演艺术的一大重要门类。此外，口哨、拍手等发音手段，在初期的舞蹈中，曾有过重大的作用，其后由于各自的局限性虽都不占主要地位，但在音乐基础教育的节奏训练中，拍手仍有其重要价值。

　　第二类发音手段，由人类运用天生器官、肢体直接激发与控制乐器构成。其中由呼吸器官用气息激发声源的是吹奏乐器（管乐器、气鸣类乐器）；由手的动作激发声源的则有：以摩擦发音的弓弦乐器，以弹拨发音的拨弦乐器，以敲击发音的击弦乐器和体鸣类、膜鸣类乐器。上述发音体中，凡是音域宽广，音位齐全，音色富于变化，声学性能丰富，乃至能同时奏出几个不同乐音的，它的艺术表现力就强，演奏技巧就发展得高超。中国传统乐器琴、筝、琵琶、二胡、笛、箫等，现代乐器提琴、竖琴、圆号、小号、双簧管、单簧管等，都各自形成一整套演奏艺术。

　　第三类发音手段，是在人类天生肢体与发音体之间介入一系列部件而构成的复合系统。其中首先应当提到的是带有键盘装置的乐器，如管风琴、钢琴、手风琴、电子琴等。键盘作为人类手指的延长，使演奏者的手可以发挥好几倍的效能，能够同时奏出许多乐音，并可自由地选择它们的组合方案，它向人类提供了发展多声部音乐思维的条件。在工业文明条件下，人类可以进一步利用机械和电声手段自动化地演奏音乐，八音盒、音乐自鸣钟、唱片唱机、磁带录音放音机等，仅仅是这个等级里的历史前奏，当电子乐器开创了用电子技术模仿乐器音色和探寻新鲜音色的先例之后，真正成熟的自动化电鸣演奏是通过电脑（计算机）控制电子合成器进行音乐表演，甚至进行音乐创作的实验。

　　当人们把任何一首优美动听的乐曲象分解化合物那样拆成各种元素时，会发现构成音乐的基本要素是十分简单的，不外乎音的高低、音的长短、音的强弱、音色的差异而已。由这些基本要素互相结合，形成一些常用的形式要素，例如节奏、句法、音程进行、和弦、调式等；由这些形式要素进一步构成一些形态侧面，例如曲调、织体、和声、曲式等。音乐艺术品就是由这样一些侧面综合而成的。

　　节奏是音乐最重要的形式要素，从最早期、最幼稚、甚至没有明确音高的原始音乐起，直到最复杂、最丰富、含有和声、复调的多声音乐，都离不开节奏。在节奏中，实际上包含了音的强弱和长短两种不同的简单基本要素在内。节奏的最小单位是节奏型，不同的节奏型有不同的性格和表情，它们好比是音乐生命体上有活力的细胞。一连串的节奏型前后相继时，通常由节拍把它们组织起来（散板除外）。节拍是要求重拍周期性地出现的强弱配置规律的格式，它作为一个潜伏在低音区或隐藏在欣赏者内心中的规律性框架，起组织节奏型的作用。节奏型的多样性和重拍周期的统一性结合在一起，大大加强了音乐的艺术魅力。

　　与节奏节拍密切联系的是速度和力度。从音乐可以表达什么样的情感内容这个角度来看，速度和力度具有特殊的作用。假如把一首葬礼进行曲用快两倍的速度来演奏，它就不再具有沉痛哀悼的情感内容了；又如把一首乐曲中经过渐强发展、引出凯旋主题的段落，改为渐弱来演奏，它也就会不再具有欢庆凯旋的意味了。这是因为速度的快慢、力度的强弱都有助于表达音乐作品中某种性格和表情。速度的准确和力度的恰如其份，是音乐表演艺术中头等重要的问题。

　　由节奏组织起来的一系列乐音，在高低方面呈现出有秩序的起伏呼应，就形成了曲调（旋律）。曲调是音乐的各种形态侧面中最重要的，被誉为音乐的灵魂。任何一首脍炙人口的世界名曲，首先是在曲调上有动人心弦的艺术魅力，才能使人喜爱，经久不忘。曲调有不同的类型，一类是吟诵性的，一类是歌唱性的，还有一类是器乐化的。曲调在音高方面的横向组织，可以区别为浅层和深层两个层次：浅层就是音程的进行，即使是缺少音乐修养的人，也能凭听觉直接感受到一串旋律音程的不同样式：上行、下行、级进、大跳、小跳等连缀起来形成的音调；从深层来看，不同音高的音在音乐艺术品中,有支柱音与非支柱音的区别，有静与动的区别,在动的性格中还有支持性与对比性的区别，又有阳刚与阴柔的区别……。这些细微、奥妙的形式要素与表情手段，都由调式理论加以阐述。

　　由音高与节奏两方面的横向(继时性)组织综合在一起构成曲调以后，音乐的形态就呈现出一定的乐节、乐句和曲式逻辑。不同的乐句，除了在幅度的长短方面有其规定性外，还在结束音方面有其特征。各个乐句用相同的还是不同的结束音，不同的结束音相互间要求有什么样的音程关系，这些都影响到曲调的表情性格。曲调中相继出现的各个部分的形态样式彼此间的相同与相异，形成逻辑因素，例如最简单的“问答式”句法，进而有“正反合”结构、“起承转合”逻辑模式等等,都是凭听觉直接可辨的。相同或大同小异的音调材料的重复，显示肯定；相异或大异小同的音调材料的并置，显示否定；处于这类逻辑关系中的各个音调材料可以按某种格式加以布置，这样的布局格式就是曲式。

　　和声是音乐的又一重要形态侧面，它的素材是音高之间的纵向(同时性)组织，在纵向组织基础上形成更高等级的横向组织(和声进行)。在一些古老的民族中，可以发现各具特色的民间合唱，如中国的侗族、壮族、瑶族、都有多声部民歌在流传，几条旋律线按某种音程关系作纵向的结合，形成和声效果。但是朴素的民间合唱仅仅凭习惯选择了和声手段中的一小部分；至于把和声手段作为一个独立的形态侧面来开发它的表情力量，在掌握规律的基础上运用自如，则是到近代才发展起来的。

　　当音乐形态从单声部发展到多声部以后，在形成和声手段的同时，也形成了织体手段。如果同时演唱演奏的是几条各有自己独立个性的曲调，就形成复调性织体；如果几个声部中只有一个具有独立个性，其余的都是为烘托它而结合成各种和弦的，就形成主调性织体。主调织体是一个大类，在它下面，还可以由于陪伴声部的厚薄、节奏、音型的不同，以及它们与主旋律声部在音区与节奏上的不同关系而形成许多织体小类。各种织体都有自己的表情性能。

　　音色，是音乐形态中直接作用于人类听觉器官的、最为感性的要素。人类只是到了近代才学会从物理学的角度，用声谱分析的方法来描述每一种音色的构成。仅凭听觉的直感分辨各种音色以及它们的表情性能，是古代音乐家们早已具备的本领。音乐的表演艺术，无论是声乐还是器乐，都在追求美好音色上花费了大量功夫。表现在人声歌唱中的音色，是最为丰富和多彩的。除了男高音、女高音、男低音、女低音等不同的声型分类外，每一个歌唱家的发声都具有各自不同的音色特质，在中国的戏曲和欧美的歌剧中，不同类型的角色使用不同的音色和表演风格，更促使声乐艺术呈现极为绚丽多姿的面貌。在器乐领域,每一种新乐器的发明,都给人类带来一种新的音色；乐器改良工作的重要一环，也是为了追求更加美好和纯净的音色。各种民族乐器所特有的音色常常唤起本民族人民特殊的情感共鸣，带来特别亲切的精神交流，这是音色手段具有特殊审美价值的例证。自从人类学会运用电子振荡器发出声波以来，人们除了用它模拟各种喜爱的音色外，还致力于开发闻所未闻的崭新音色，以扩大音乐的表现力。音色的创造和运用，也是作曲技法中的一个方面。在配器法中特别讨论到各种音色的选择、配合，通过乐器组合获得新的音色，以及运用织体、和声手段创造新的音色等。

　　音乐的基本要素是简单的，由基本要素所构成的各个侧面的样式形态却是无限丰富的。它们是在人类文化发展的历史过程中逐渐形成和积累起来的，其中不仅有专业音乐家的创造，更有广大人民的创造和积累；正是由于各民族各地区的人民群众在漫长的历史年代，以自己的生活和艺术实践使音乐呈现出种种鲜明的民族性和地区性特点，世界音乐宝库才能达到今日的壮观规模。

01trip-hop

trip-hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是"trip＋hip hop"＝ trip-hop"，因为它发源自英国的bristol,因此最早时称作"bristol hip-hop"。由于把hip-hop(其实很多音乐都是架构在hip-hop上的不知啥是hip-hop的去看看跳街舞的人, 他们多半是用hip-hop音乐来跳的)节奏变慢(有时很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的bass,轻微但迷幻的合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被"故意"取样进去所谓"trip"，指迷幻，氤氲的药物'旅程'，所以，trip-hop是种慢板的迷幻的、有jazz感觉的、迷糊的、带点hip hop节奏的break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。

外国 trip-hop代表人物：trip-hop中公认的铁三角ortishead, tricky, massive attack mandalay moloko coldcut

02world music

world music是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落后地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 world music通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 king sunny ade，东欧的don byron，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 nusrat fatehali kahn等是西方乐迷较熟悉的 world music乐手。

03new age

new age是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 new age可以是纯 acoustic(即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 new age很多时与音乐治疗有关，不少new age音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 new age思潮哲学有莫大关系。 new age音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐，windham hill是最具代表性的 new age唱片公司。 new age代表乐手有 enya，george winston，william ackerman，yanni， kitaro等等。

04dream-pop

dream-pop是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多Ksynthesizers(电子合成器)造成，加了echo效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 'breathy'即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 cocteau twins， lisa germano， stetienne， this mortal coil， my bloody valentine， mazzy star和 dead can dance等。

05classical pop

classical pop是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 the beatles的 "eleanorrigby"就是。澳洲乐队 crowded house的一些作品也可列入此类。如果说 classical pop，则是指经典的流行曲。

06acappella

acappella是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 acappella，不过今天我们说 acappella通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 acappella的相反是 umental，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 acappella形式唱出。香港人最熟悉的 acappella歌曲是 "so much in love"，香港 acappella乐队有姬声雅士等。

07bossa nova

在“谜”新专辑中传达了了许多自然的、哲学的观念。这个观念的主题就是“为什幺”。《冥界之外》是“谜”一首经典的单曲。通过克里图的声音铺垫首一种不可抵挡的圣歌迭句和有力的旋律。

bossa nova是种带 jazz味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 antonio carlos jobim将巴西音乐节奏与美国西岸 cool jazz混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 bar的第 1,4,7,11,14拍为重拍。歌手 joao gilberto的纯厚歌声是 jobim音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国后大受欢迎，其它着名 bossa nova乐手有 charlie byrd,stan getz和 astrud gilberto等，最着名的歌曲为 "the girlfrom ipanema"。 ossa nova于 60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。

08post rock

post-rock是九十年代中期冒起的一种实验性、前卫摇滚乐，多带催眠感觉，风格取自ambient、free-form jazz、avant garde及电子音乐。代表乐队有tortoise，他们视他们的音乐不是歌，而是不断改变、晚晚新鲜的作品，大部分post-rock乐队都反主流音乐，也反indie-rock，不过也有些比较pop，如stereolab等。

post-rock 乐队例子还有cul de sac、ui、flying saucer attack、the high llamas、mogwai、trans am等。

09britpop

britpop虽有个"pop"字，但其实是 rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， britpop风格其实十分广泛，如 oasis是结他摇滚乐队， blur则pop很多，而pulp则接近glam rook及跳舞风格，不过他们都被列作 britpop。

英国 britpop代表人物： oasis blur suede pulp radiohead

10dub

dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的reggae(瑞格，也有称之为雷鬼,一种很有节拍性 ,唱腔特别的南美黑人音乐)。而将dub运用在 电子乐上,则是将部份歌声抽离,将bass和鼓声加重,并且加入大量的echo(回音)等效果。这种技术常在现场表演时,将歌曲重新混音(remix)呈现。像massive attack 的专辑protection便由mad professor从trip-hop音乐混音成了dub版本。

11electro

早在70年代末,80年代初,那时还没有house,techno这类玩意儿,电子音乐也较不盛行,只有electro这类电子音乐而已 electro可说是纯粹以电子合成器(synthesizer,长得有点像keyboard)来发声的音乐,通常蛮轻柔的,且常使用roland公司的鼓机(drum machine)tr-808来发鼓声。德国的kraftwerk乐团可算是代表。 现在的electro音色比以前明亮,透明许多。后来一些dj利用electro变形成了一种hip-hop乐,被称作old school。现在的fatboy slim(流线胖小子)也融合了一些electro和old school在音乐中。

12jungle

jungle就是drum'n'bass的前身。jungle的速度比drum'n'bass快很多,而且节拍更为 复杂,比较强悍,有时会搭配一些rap,不像drum'n'bass会融合一些jazz,soul等元素,听起来比较柔，连"摇滚变色龙" david bowie现在都搞起jungle了。

13drum'n'bass

对某些人来说,drum'n'bass的音乐可能很烦,因为drum'n'bass很注重在节奏上玩花样,还有bass的表现, 像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓,或是取样而来的鼓声。因此drum'n'bass也是breakbeat的一种，4hero为drum'n'bass的知名乐团

14big-beat

"大节拍",把brit-hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将brit-hop改良后, 更成熟的一种曲风,你可以想像一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子。如the prodigy,the chemical brothers, fat boy slim即是big beat的"大角。

15brit-hop

把黑人hip-hop的节奏加快鼓声加重,配合些许电吉他,bass,有摇滚乐的味道, 如the chemical brothers的曲风即是。

16break beat

不像house的拍子boom-boom-boom-boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓,等等,breakbeat只是一 个总称而已,有很多种音乐都属breakbeat,如以下的brit-hop,big-beat,和黑人的hip-hop便是一种。

17psychedelic trance

又名goa trance,发源于印度的一个小岛上。goa即为这小岛的名字 ,旋律常带有印度风味，这类trance的特徵,就是很重视旋律,音符之间的细微变化,且常有重叠的旋律,和高亢的tb-303声音出现，有点ambient的味道。

18trance

迷幻舞曲,由techno演变而来,听了会让你有"出神"的感觉,但还是保有舞曲的律动 ,很注重bass的表现,某些听了会有"催眠"的效果，拍子也是以4/4拍为主。

19ambient

听起来起伏不大,但其实一直在做改变,像是长时间的音效, 或是渐进式的音乐编排等等,常会营造出有层次的空间感,所以被称为"情境音乐", 且常对於生活周遭的声音做取样,如人声,汽车声,甚至是其他音乐的旋律等等。为70年代的brian eno所创,是一种很"高深"的电子音乐后来ambient也有分支,如ambient house, ambient techno等等,相信大家从字面上就能了解,其实在很多种音乐中都会有ambient的影子,甚至某些古典乐中也有ambient的味道。

20techno

technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的 techno的节拍也是4/4拍,但速度较house快,且听起来具重复性,较强硬,较机械化,所以某些人称techno为"工业噪音",但某些还是会注重旋律的 techno起源于美国底特律,有三名dj: derrick may,kevin saunderson juan atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合,而产生了detroit techno detroit techno通常较平缓, 不像一般的techno那样强劲,可说是现代techno的起源。

21electrophonic music

electrophonic music(电子音乐)随着时代的演进,音乐家有了更多制作音乐的方法所谓电子音乐,就是以电子合成器,音乐软体,电脑等所产生的电子声响来制作音乐电子音乐范围广泛,生活周遭常常能听到,在**配乐,广告配乐,甚至某些国语流行歌中都有用到,不过以电子舞曲为最很多人认为电子乐是一种冷冰冰,没有感情的音乐其实电子乐也可融入rock, jazz甚至blues等多种元素而充满情感的。

电子音乐的类型也是多种多样的，包括house 、techno、ambient、trance、psychedelic trance、 breakbeat、 brit-hop、 big-beat、 trip-hop、drum'n'bass、 jungle、electro、dub、chill out、 minimalism。

22folk (民歌)

民歌(folk)原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌 (folk)，大都是指流行曲年代的民歌 (folk)，所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 woody guthrie在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌 (folk)的祖师。之后 pete seeger、 the weavers继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 bob dylan,joan baez,peter,paul and mary等成为时代的呼声。后民歌向 pop,rock及都市化发展， bob dylan发明了 folkrock, simon & garfunkel发展出中产口味的都市 folk pop，风行一时。八十年代 suzanne vega,tracychapman等，走出一种更富现在都市感觉的 urban folk(城市) / contemporary(当代) folk路线。民歌 (folk)在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌 (folk近年较新的发展是与 new age结合 (如 enya)，及与 trip hop结合(如 beth orton)。

23 chamber pop

chamber pop是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 chamber music一词来自古典音乐，中文叫"室内乐"，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。 chamber pop於九十年代兴起，是对当时的 lo-fi及 grunge的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。

外国代表乐队有 the divine comedy， rialto， eric matthews及 balle & sebastian等

24 synth pop

synth pop中的 " synth"，即 synthesizer，顾名思义， synth pop就是“由 sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 synth pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。 synth pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” (3-minutes pop)，很多时 synth pop乐手会作入时打扮。

synth pop代表组合： depeche mode、 human league、 duran duran、 omd、 gary numan

25 orchestra

orchestra就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏 (竖琴除外 )，四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 orchestra於17世纪出现，到 18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。 19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 orchestra是西方古典 /正统音乐的正宗。西方流行 /摇滚乐也经常运用orchestra的部分或全部团员协助演出。

26 gangsta rap

gangsta rap是 rap的一种，以 rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 gangsta rap於八十年代末期在美国兴起，音乐rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 gangsta rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。

gangsta rap化表组合： ice-t、 ice cube、 dr dre、 snoop doggy dogg、 2 pac、 geto boys

27house

house是於八十年代沿自 disco发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的dj玩出的音乐,他们将德国电子乐团kraftwerk的一张唱片和电子鼓(drum machine)规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一起,house就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱 disco流行后，一些dj将它改变，有心将disco变得较为不商业化， bass和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。渐渐的，有人加入了latin(拉丁)、 reggae(瑞格源在西印度群岛)、 rap(说唱)或 jazz(爵士)等元素，至八十年代后期， house冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。

28 r&b

r&b的全名是 rhythm & blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上， r&b可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础，billboard杂志曾介定 r&b为所有黑人音乐，除了 jazz和blues之外，都可列作 r&b，可见 r&b的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的hip hop和 rap都源於 r&b，并且同时保存着不少 r&b成分。

29disco(迪斯科)

discotheque的简称，原意为唱片舞会，起先是指黑人在夜总会按录音跳舞的音乐，70年代实际上成了对任何时新的舞蹈音乐的统称。与摇滚相比，它的特点是强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的4/4拍子，歌词和曲调简单。1977年，因澳大利亚流行音乐小组“比吉斯”(bee gees)的**录音《周末狂热》在美国掀起迪斯科热。迪斯科经常在录音室进行音响合成，制成唱片，但终因节奏单调、风格雷同，于80年代初逐渐被其他节奏不那么显著、速度稍慢的流行舞曲所代替。

30punk(朋克)

70年代中期发展起来的一种摇滚乐，或称“朋克摇滚”(punk rock)，80年代初扩展到全美国。朋克针对摇滚乐的反抗性减弱这一情况，以一种故意与比较文明的摇滚乐相对立的面目出现。它继承了摇滚乐开始时的反叛精神，蔑视一切传统，蔑视、宗教、教育机构等等，但却是用一种更加颓废的方式，极端无主义的言行表现出来。他们的唱词*狠、粗鲁；在舞台上尖叫、跺脚、斗殴；音乐上与硬摇滚比较接近，音响极大，音色浓烈浑厚。代表性乐队有“性手枪”(sex pistols)、“撞击”(the clash)等。

70年代末，从朋克中分离出一支比较能被人接受的、也更带点艺术性的新品种，叫“新浪潮”(new wave)。

31soul(索尔)

亦称“灵歌”。1969年，“公告牌”用“索尔”来代替原来对“节奏布鲁斯”的称呼。它是由布鲁斯、摇滚乐与黑人福音歌混合而成的一种黑人流行音乐，演唱时较少演奏乐器。索尔的著名歌手有詹姆斯．布朗(james brown)、查尔斯(ray charles)、雷丁(ons redding)、史蒂夫．旺德(stevle wonder)、普林斯(prince)等。

32reggae(雷鬼)

起源于牙买加，70年代中期传入美国。它把非洲、拉丁美洲节奏和类似非洲流行的那种呼应式的歌唱法，与强劲的、有推动力的摇滚乐音响相结合。

33rap(说唱)

黑人俚语，相当于“谈话”(talking)，产自纽约贫困黑人聚居区。它以在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的诗句为特征。这种形式来源之一是过去电台节目主持人在介绍唱片时所用的一种快速的、押韵的行话性的语言。莱普的歌词幽默、风趣，常带讽刺性，80年代尤其受到黑人欢迎。

最有代表性的乐队是“公开的敌人”(public enemy)。莱普有时也称“希普－霍普”(hip－hop)。实际上，希普－霍普的含义更宽，泛指当时纽约街头文化的各种成分，除莱普外，还有：(莱普经常采用的)用手把放在唱机转盘上的唱片前后移动，发出有节奏的刮擦声；唱片播放员(dj)在转换唱片拼接唱片音乐片断时，听不出中断痕迹的技法；霹雳舞等等。

34pop(波普)

一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为，流行音乐有广义和狭义之分，这里的“波普”是指狭义的流行音乐，如 70、80年代著名歌手罗斯(diana ross)、里奇(lionel richie)、惠特妮．休斯顿(whitney houston)、麦当娜(madonna)、迈克尔．杰克逊(michael jackson)、普林斯(prince)、珍妮特．杰克逊(janet jackson)等人演唱的很多歌曲。

35art rock(艺术摇滚)

于70年代后流行，主要在欧洲，英国人领头，如"moody blues"(穆迪布鲁斯)乐队，但在美国也有影响。艺术摇滚把摇滚与古典音乐结合起来，利用电子设备演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品，又称"prosressive rock"(进步摇滚)。

　　音乐剧是以简单、独特且具吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐舞蹈得以充分发挥其性能，并把这些因素融合为有机统一体的艺术。百老汇的音乐剧更是凭其优美动听的音律节奏，绚烂多姿的艺术效果，令人陶醉的戏剧故事使之成为一种与众不同的“日用商品”，被全世界的人们所热爱。虽然它的形式本身发源于其它门类，但它依然靠着自己的魅力成为了一门独立的、伟大的戏剧形式。

在西方音乐剧一百多年的发展历史中，从早期二、三十年代的《演艺船》、《引吭高歌》、《波吉与贝丝》，到五十年代的《西区故事》、《窈窕淑女》，六十年代的《屋顶上的提琴手》、《你好，多丽》、《啊，加尔各答》，七十年代的《耶酥基督超级明星》、《油脂》、《艾维塔》，一直到九十年代的《猫》、《歌剧院的幽灵》、《西贡**》、《悲惨世界》、《美女和野兽》，音乐剧一直处在不断的发展变化中。伴随着音乐剧的发展，音乐剧的演唱方法也同样走过了漫长的发展道路，音乐剧的演唱方法从最初的单一的、类似轻歌剧的美声唱法为主再到爵士、流行、摇滚等各种唱法并存，并且在这种基础上形成一种以美声唱法为基础，融合了各种唱法特点的音乐剧主流唱法，我在这里称之为“音乐剧唱法”。西方音乐剧的大量经典曲目以及目前正在纽约百老汇及伦敦西区这两个世界音乐剧中心上演的音乐剧基本都是采用这种唱法在演唱。

在演唱技巧上音乐剧唱法重视呼吸技巧的运用，大多采用与美声唱法相同或相似的深呼吸支持――也叫做“胸腹式联合呼吸法”，尤其是在高音区这种呼吸方法的采用具有很强的爆发力，从而可以比流行唱法采用的“胸式呼吸”具有更多的艺术表现力，往往具有震撼人心的强烈艺术感染力。但在很多抒情的段落和中声区，音乐剧唱法又往往采用与流行唱法相似的较浅的呼吸支持的“气声唱法”，这种呼吸的支持因为借助于话筒能使演唱者的发音吐字自然清晰、有亲切感，更容易被普通的观众所接受。在共鸣的运用上，音乐剧唱法主要使用较低位置的口腔和胸腔共鸣，因为有电声音响扩音的帮助，音乐剧演员不必象歌剧演员那样为了获得最大的音量而追求“全共鸣”，尤其是“头腔共鸣”。美声唱法对于歌唱共鸣的要求是全共鸣和保持声音的位置的统一，其中尤其涉及到美声唱法中的一个非常重要的技巧――“关闭”（close），简单地说这一技术的目的就是要做到声音在高、中、低音区位置和音色的统一，而这一技术的掌握也是美声演唱中最难的歌唱技巧之一，尤其对男声部来说。而音乐剧唱法因为在中声区就多采用口腔和胸腔共鸣，因此进高声区时就不必采用“关闭”的技巧，借助话筒的帮助，音乐剧唱法在高声区唱法往往采用“开放式”的唱法，主要依靠良好的深呼吸支持和声带闭合能力来完成这一技术，这种技巧的掌握从难易程度上比美声唱法的“关闭”技术也要容易很多，而且从另一个方面来说正是因为音乐剧唱法的这种“共鸣位置的不统一”反而增加了它的艺术表现手段。

总的来说，“音乐剧唱法”的演唱特点是：深、浅呼吸支持的灵活运用，共鸣多采用口腔、胸腔共鸣，高音区多采用“呐喊”式的开放唱法，咬字比较强调字头、字尾的形状，比较注重音色的明亮度，善于运用麦克风进行多种音色的灵活变化，行腔、走句、润腔、装饰音的处理细腻、自然，在情感表达和艺术形象的塑造上有很强的运用能力。

将音乐剧发展过程中的演唱方法进行归类总结，大致可以分为：美声唱法、流行唱法（包括爵士、摇滚唱法）、音乐剧唱法。（在我国音乐剧的创作中对于西方音乐剧演唱方法的类型有了创造性的发展。从中国音乐剧的最早雏形――歌舞剧如60年代的《刘三姐》开始，直到我国原创音乐剧如90年代的《秧歌烂漫曲》、《白莲》、《秋千架》、《中国蝴蝶》、《五姑娘》、《同一个月亮》等作品，在唱法上将中国的民族唱法、民间原生态唱法、戏曲唱法都运用到其中，这些唱法的采用可以看作是我国音乐剧工作者对西方音乐剧演唱方法的大胆开拓和创新。）在音乐剧的表演过程中，上述的几种演唱方法往往并不是独立存在的，在大多数情况下，可以根据作品的题材和风格进行相应的组合。

音乐剧的演唱有强烈的戏剧性和角色的多样性，很多的演唱唱段完全是流行歌曲的升华，要做到歌手与人物角色、声音与演唱表现的完美结合，甚至在同一首歌中，有多种不同的声音位置变化，即不同“支点”的运用，这些看似很单一的问题，联系在一起，其实是一个很综合的运用过程，我们以《回忆》为例：

《回忆》（MEMORY）这首歌是大家较为熟悉的经典唱段，它是音乐剧《猫》中“魅力猫”格瑞泽贝拉的内心独白，它的旋律好听，被众多的声乐演员选择为参赛曲目，这说明歌曲难度较大，有很高的艺术性。我们试着分析，如果这首歌曲只是用纯粹的、自然的声音来演唱，歌曲的技术含量就体现不出来了。正是因为扮演“魅力猫”的演员在演唱中用到了表现悲哀的声音，颤抖的声音以及绝望的呼喊等等，这些声音的运用都是有规律可循的，具体表现为在垂直通道中，然后建立不同“着力点”，最后将“着力点”的理性使用上升为下意识的舞台演唱运用。

一、分析剧中人物的需求，选择相对应的适用声线。

运用正确的发声方法时，气息稳定和腔体打开是演唱歌曲的前提。气息作为演唱的根本和支点，在任何演唱中都不会变化。而腔体也是实实在在的存在于我们的肉体之中，它是由上共鸣腔中的口腔、咽腔、鼻腔、鼻咽腔、头部的孔腔和下共鸣腔的胸腔共同组成。这些共鸣腔体是根据人体的生理条件决定的。由于每个人的生理条件不同，思考方式不同，产生的听觉和感受就会不同，运用“垂直通道”时就会产生微妙的变化，因此获得的声音效果就不一样了。我们把气息作用在自然发声的同时，训练共鸣腔体的运用，最后获得的声线就是在一定合理用声的方法下，形成的自己最本质自然的声线。

人声作为一种“器乐”的声音也是有多种声线，根据不同角色的需求我们可以在原声上，进行控制和调节，变化后的声线更适合于歌曲的需要。二十岁左右的演员，要演唱“魅力猫”这种声线，就必须把声音做得成熟，厚重一些。据个人声线的不同，本身偏厚重的声线，变化不会很大，而较为细窄的声线就要夸张的运用到“垂直通道”的共鸣。这个腔体的管道越大，声音就越大越厚实；腔体的管道适中，一般是自己的自然声道；刻意收住腔体的管道，声音会变得细腻、单薄一些。总之，腔体调节到不同的开度，也会产生不同的声音效果。

二、分析剧中人物唱段要表达的情绪，来选择修饰的具体运用。

找到最合适的声线后，对歌曲的音乐情绪表现要进行分析，在音乐的哪个部分表现得悲伤或绝望等等。“修饰音”中的呐喊、上滑音、下滑音、颤音、抽泣、假声包括一些气声的特殊运用等等，都是演绎歌曲的忧伤、悲泣、真挚、委婉、激情等声音表情的一些适用从技术用声的演唱技术上来讲，每一种“修饰音”的发声位置又有不同的变化。例如“呐喊”的声音位置用在喉咽腔较末尾的部位，“着力点”在咽壁的最里端；“抽泣”的声音位置在鼻咽腔，强烈的“抽泣”在中部，一带而过的下“抽泣”，“着力点”在鼻腔的前端。在这些细微的音乐表现中，我们也能感觉到声音位置的细微变化，这就是“横向共鸣”在“纵向腔体”中所产生的具体声音特点。不假思索的运用“修饰音”的话，会导致“修饰音”失去个性的特征，乱用声音导致嗓音损耗，原本修饰的效果变成画蛇添足的败笔。

我们要关注的是这些声音的位置，都是在不同的共鸣腔体中涉及到的发声器官的肌肉运动。每一个“着力点”也是“共鸣”与“垂直通道”的“焦点”。它所对应的是一些发声器官的一些不同的肌肉或肌群，这些肌肉或肌群是一个大的机理的组成部分，要想正确的找到所需的声音，应对每一个声音位置依次进行训练，直到各部分肌肉或肌群都得到了神经系统很好的支配，不需费更多的力气就能自如的运作。可见，我们获得的声音，不是单一的一条渠道可以完成的，深入到音乐中每句演唱，我们就不难发现，每一个或每一组声音都是有据可查的。

三、在完善演唱技巧的基础上，用真实的情感带动演唱。

我们在做好声音的主要线条时，要有一个声音倾斜的方向。例如《回忆》的高潮部分“Memory”这一句的演唱，乐句起音”ME“的位置较高，要做到很有张力的声音效果，“着力点”必须靠后，一张嘴就要打到口腔共鸣的最高点，小舌头的部位就是“横向共鸣”在整个腔体中的“着力点”，后面的“MORY”的演唱是延续前面的声音位置，但是当开口音逐渐转化到闭口音“I”上时，我们的 “着力点”的位置又转向到口腔的前方，声音在唇齿之间受力。需注意的是，在这种很短的旋律当中，位置发生变化时，我们要提前做好用声“着力点”的倾向，不能很唐突的变换声音位置，要在自己事先准备好的状态中，提前感受声音的位置做到流畅、圆润的转化。如果音乐演唱中，没有了这些细微的声音变化，音乐就会变得淡如清水，毫无滋味。

但是完全用技术来武装声音的演唱，也会显得生硬。因此在不断完善演唱技巧的同时，要用真实的情绪带动方法的演唱。完善这些在不同位置的声音是歌唱的基础，要训练好有目的地声音，首先要了解所参与发声器官的构造（在哪个腔体、受力在哪个部位）和作用（形成什么样的声音、达到什么样的声音效果）。这一系列歌唱运动的感觉，都是建立在“事先准备好”的歌唱状态中，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合发声器官运动的基本规律。

还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上，这样才能真正达到以情代声。

责任编辑：蒋晗玉