画素描最重要的是结构,因为好的明暗关系和透视头衔都是在准确的结构上面体现的,所以素描静物也一样,评价的标准的第一点和最重要的一点就是结构的准确,然后到透视关系,最后才是明暗关系,因为一幅画有了准确的结构和透视关系以后才有深入刻画的资本,才有给人评价的价值,所以不管你的明暗画的多好,没有准确的结构和透视关系去体现去衬托多好的明暗都是没用的,只有这两个方面都做好了才可以深入的体现明暗的关系,让人看上去才能清楚的看见你要表达的是什么,才会有评价的价值,当然,这不是叫你一味的去最求结构的完美,还有透视的准确,素描本来就是一种加上了你自己对美的理解对风格的体现的一种艺术,他不紧紧是要表达你画的物品,更要表达你当时的情感,而你风格的体现和情感的表达很多时候都是从明暗关系里面表达出来的,总的来说,准确的结构和透视关系才能为一幅画打下基础,而明暗关系的深入刻画就可以给你的作品添加灵魂,而这个灵魂是需要有很好的承载体的,所以素描静物的评价标准就是你对基本功的了解,也就是打结构和透视关系的了解,还有你作画的风格还有情感,也就是你的明暗关系的了解这个亮点。
(此评论为个人观点,请慎重采纳)
以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张,人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩,转而强调抒发作者的自我感受,主观感情和情绪。在艺术表现上,“后印象派”重视形、色、体积的构成关系,强调艺术形象要异于生活的物象,要用作者的主观感情去改造客观物象,要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就,但不追求外光,侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。 塞尚(1839~1906),是后印象派的重要画家,现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派,并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析,为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索,确立了自己的艺术方法和风格。
塞尚经过长期的观察和实践,提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说,主要不是平面而是深度,要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的,明暗也不存在,只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感,作品中景物无论远近,没有模糊朦胧的地方,十分清新明快,同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的,而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积,颜色关系代替了明暗关系,他是在用颜色造型。我们知道,困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系,塞尚则成功地克服了这一困难。 塞尚的作品,大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感,忽略了物体的质感及造型的准确与否,着重强调厚重、沉稳的体积感,物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实,而是寻求诸种关系的和谐。塞尚经过长期的观察和实践,提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说,主要不是平面而是深度,要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的,明暗也不存在,只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感,作品中景物无论远近,没有模糊朦胧的地方,十分清新明快,同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的,而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积,颜色关系代替了明暗关系,他是在用颜色造型。我们知道,困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系,塞尚则成功地克服了这一困难。 塞尚的作品,大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感,忽略了物体的质感及造型的准确与否,着重强调厚重、沉稳的体积感,物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实,而是寻求诸种关系的和谐。塞尚这种对体积感和空间感的强调,对色彩的巧妙安排和运用,对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等,这些追求形式美感的艺术方法,对后来现代流派有着十分重大的影响。所以,塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇,并尊称他为“现代艺术之父”。 塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。
凡·高(1853~1890),是后印象派的重要画家,荷兰人,家庭生活贫困,年轻时曾干过许多职业,如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时,他才开始绘画艺术的生涯。由于他有过丰富的生活体验,同劳动人民有着深厚感情,所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法,描写乡村景色和人们的劳动生活,在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年,凡·高来到巴黎,被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引,并开始改变原有的画法,以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来,多使用鲜艳和火辣辣的色彩,以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触,构成他绘画的特色。他把所描绘的对象,当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介,以表达他的主观感受和激情。他把印象派的艺术方法,尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法,发展到更加独立于传统之外的地步。凡·高的艺术在他生前是不为世人所承认的,但是后来,人们慢慢的理解和认识了他的艺术创造。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望,他尤其被后来发展起来的“野兽派”和“表现派”的画家们所接受,直至今天,凡·高仍然活在艺术世界中。凡·高的代表作品有:早期创作的作品《吃土豆的人》,后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。
高更(1848~1903),是后印象派的重要画家。他出生在巴黎,青年时当过船员、店员,后来他弃商从艺,把大部分时间投入在绘画的创作上。最初他是由印象派画家毕沙罗引导走向印象派绘画的道路。不久他便改变画风,开始创造一种更偏重艺术家主观幻想、更富于装饰意味的风格。他厌倦繁华而充满纷争的都市生活,向往着纯朴的自然和离群索居的生活方式。高更放弃富裕生活,离开巴黎,远涉重洋,来到太平洋中部赤道以南的热带岛屿——塔希提岛,开始探求他独恃的艺术风格,他一生中最主要的作品就是在这里完成的。在这里他找到了童年时代从母亲那接受的,对土著民族很深的感情。高更用极大的热情表现具有原始美的,未开发的热带大自然,表现远离文明喧扰的,简单纯朴的土著人的生活。他采用近于古代埃及美术中庄严、平稳、安宁而富有图案装饰风格的艺术手法,并追求简单、稚拙的粗线条结构形式。在色彩上,他从形式美感的要求出发,注重色块之间的布局和整体效果,以主观创造来加以安排,使色彩之间的关系简化,多使用较纯的色彩,追求一种跳跃性的或对比的谐和,表现出一种强烈的装饰感。高更主张艺术家不仅要表现客观自然,而且还要探求思想中神秘的内心,表现主观的东西,所以他同塞尚、凡·高一样启发了一批现代流派的画家。
建议你看一看西方美术史之类的书,应该有所帮助!
论画家梁颖的超写实静物画美学风格取向
梁颖,1978年出生于辽宁锦州,自幼热爱美术,毕业于吉林省艺术学院,是中国美术家协会、辽宁省超写实派油画家的杰出代表。在系统深厚功力的写实画基础上,梁颖开始向超写实主义画风迈进,并取得杰出的成果。超写实主义作品更多地关注细节和对象,绘画在色调和情调上有别于照片,“概括”和“提炼”只是对照片的切割剪裁。非常大的绘画尺幅, 放大“照片”几十倍的精确雕琢,常达数月的描摹,其带来的强大视觉冲击力不言而梁颖给超写实油画里加入了鲜明的光影对比关系,用光影明暗变化来体现画面的节奏感,从而展现人物内心的情感倾向。同时也通过渲染画面的古典意境和梦幻的真实,来表达自己的审美趣味。
梁颖运用细致的极端的、严谨的手法,创作出一种能比肩照片那样的油画,达到一种以假乱真的效果。这种油画首先在视觉上拥有强烈的震撼力。
梁颖的作品让人能感觉到一种静谧的力量,细腻的绘画风格之中保持着一种原始绘画的力度,太完美了。把静物绘画的超强还原性给体现了出来。
梁颖通过对颜料的把控,在最直接的颜料上来体现绘画的工笔细致度。尤其是静物绘画对于物件与光线的处理,还有颜料的对比明暗度,达到了大师的级别。
梁颖通过运用视角和光影的安排,再通过精确的描绘,使物体的形态和质感令人惊叹地呈现在人们的眼前。这明晰而结实的轮廓;这单纯而质朴的光线;这鲜明而实在的苹果、葡萄、叶子、水珠,以及这如实刻画的苹果上的斑点她笔下将静物作品描画得更加具有立体感,变现的丰富,逼真的效果十足。
画家梁颖色彩的运用非常有肌理感,每一幅作品都值得欣赏和琢磨。作品既专心于细节本身,又达到内心想象的高度。梁颖创作的水果题材作品多以平视、俯视的视角,将水果置于高光之下,细节描绘丝丝入扣,对质感的追求达到了极致。梁颖创造的水果是温暖的、诱人的,散发着浓浓的果香。
我们能看到梁颖扎实的油画绘画功底和绘画实力。每一幅油画作品都具有意境美。喻,并极具装饰性特色!
超写实主义已经被越来越多人接受和喜欢,它以超真实还原人物和静物本身,受到人们的赞叹。
1:静物写生的意义 静物写生,对形体质感的表白现,主要靠笔触、线条和色调的对比变化。例如,表现坚硬光滑的物体如铁器,陶器,玻璃等,要有严密的线条、均匀的色调、笔触不要很明显;表现松软物体如毛线制品、棉花制品等,要用较松散的线条,色调不要过于均匀,色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触;画绸缎,笔触和色调要有跳跃感,以表现其闪光的特点,但在跳跃之中,笔触和色调的过渡要柔和,以表其光滑柔软的特点.学习表现不同物体的质感,可以丰富表现技巧,提高素描造型能力。但由于素描工具的局限性,只能要求质感的相对真实。 2.静物组合的原则 (1)体现生活气息,合乎情理。 这是首要的一点,富有生活气息便能产生自然美,合乎情理便能产生某种情调或意味.因此,在选择静物前应先有构思,不要盲口拼凑一堆静物。 (2)有中心、有变化、有对比。 摆静物应先选一个主体静物,一般形体较大,也就是要大于从属的静物,占据构图的主要位置,在构思和色调上起决定作用。选择从属的,也就是配角静物,其形体要小于或低于主体静物。搭配的静物可以是一个,也可以是多个,应该考虑它们在大小、高低、方圆、深浅及质感上的变化,不要过于单一或过于杂乱,这样才能获得既有中心秩序,又有对比变化的理想效果。 3:静物构图的形式美法则 不论选择什么样的静物,体现的情调如何,若想摆十较理想的组合关系,画出较理想的构图,就要认识别构图形式美的一般规律。静物写生形象比较丰富,是培养构图能力和认识构图形式美的良好机会.应引起重视。 一般说来,较好的构图必然符合美的规律,其优点如下: 1:集中而不单调;2:稳定而不呆板;3:饱满而不滞塞;4:活泼而不散乱;5:有主有次;6:有远有近;7:疏密相间;黑白有致;8:考虑动势;9:不分割画面。 以上各点除“考虑动势’外,都是比较容易理解的。静物是处于静止状态的,但由于视觉心理的作用,在某种情况下,静物也会产生某种动势,给人某种动的感觉,包括动势的方向感,力量感等,从而影响构图的形式美。如将—把茶壶放在桌子上,那么,茶壶嘴所指的方向就是茶壶的动势方向.将两把茶壶放在桌子上,茶壶嘴同朝一个方向,可以使这种动势感加强并产生形式美;如果壶嘴朝着不同的方向,则会产生不同的动势和不同的形式美.将一把水果刀放在桌子上或盘子里,其刀尖所指的方向构成它的动势方向;如果将两把水果刀放在一起,不同的摆法会产生不同的动势。一个圆罐和一个苹果.如果单看其中任何个,都不会产生某种方向的动势;若把它们放在一起,就会产生某种动势.一般地说,较小物体所处的位置,即是这组物体的动势指向,如果沿着这种指向在较小物体的前面再放一个更小的物体,这种动势就会更加强烈,形成一边倒的动势形式;如果在相反的方向放一个物体,则会使这种动势有所抵消,构成某种动势的平衡。 在静物组合,背景的衬布也会构成某种动势.衬布呈垂直状,动势最为稳定;如果是呈倾斜状,或它的折纹呈倾斜状,就会形成某种动势并带有方向性.如果这种方向性和静物的动势方向相—致,则会加强静物的动势感;如果相反,则会减弱具动势感,产生某种视觉平衡. 以上所述只是构图的最基本的原则,在实践中应灵活运用。可以说,组织和摆放静物的过程就是艺术实践的过程,就是学习和提高的过程。所以,应学会组织静物,从而画出较理想的作品 4:静物质感的表现技法 静物写生,对形体质感的表白现,主要靠笔触、线条和色调的对比变化。例如,表现坚硬光滑的物体如铁器,陶器,玻璃等,要有严密的线条、均匀的色调、笔触不要很明显;表现松软物体如毛线制品、棉花制品等,要用较松散的线条,色调不要过于均匀,色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触;画绸缎,笔触和色调要有跳跃感,以表现其闪光的特点,但在跳跃之中,笔触和色调的过渡要柔和,以表其光滑柔软的特点.学习表现不同物体的质感,可以丰富表现技巧,提高素描造型能力。但由于素描工具的局限性,只能要求质感的相对真实。
我们在学习绘画的过程当中,静物画是我们的必须课,从艺考的培训到大学绘画专业的训练都把静物画当作重点来看待,那么静物画的具体含义是什么呢?下面就来解释一下静物画的含义。
静物画是从表现内容上区别于人物画和风景画的画种名称。一般说来它是将大自然中一部分自然物或人造物拿来单独描绘或组合描绘,而且多数是人们日常生活中常见或常用之物。当这些静态的物品被艺术家创作成静物画,成为艺术品时,它能通过人的视觉感官引起人们对美好事物的联想、回忆,或欲望、观感的满足。
静物画在文艺复兴之前还没有成为一个单独的画种,只是在壁画的配景中有一些静物的描写。文艺复兴时期的艺术家卡拉瓦乔在1590年左右创作了艺术史上首批静物写生,如《盛水果的花篮》;与卡拉瓦乔差不多同时期的西班牙画家苏巴朗也画了类似的水果静物画。堪与卡拉瓦乔作品相比美的中国两宋时期的花鸟画,可称中国式的静物画。自卡拉瓦乔之后欧洲艺术史上出现了不少以创作静物画为主的绘画大师,如法兰德斯画派的斯奈德斯,赫达(荷)、法国18世纪的静物画大师夏尔丹等。后来的德拉克洛瓦、库尔贝、莫奈、雷诺阿、米勒、塞尚、博纳尔,包括些现代的艺术大师如毕加索、马蒂斯、勃拉克等,都画静物画。可以说西方大多数艺术家在他们的艺术生涯中,都研究静物画。静物画同样也经过了写实的古典画风格到现代的装饰变形风格的历史演变。
我们不应该将静物画看成仅仅是初学者入门时画的画,从而有所忽视。静物作为一个画种,在人们审美的心目中已占有相当的位置,许多画家如斯奈德斯、赫达、夏尔丹、塞上、塞尚、梵高等耗费了一生中多数乃至全部精力,在这个领域上进行研究,而且为人类留下了为数不少的极其宝贵的艺术珍品。
中国的花鸟画包括花卉、瓜果等植物和昆虫、鸟类、鱼类、走兽等动物题材。西洋画中画花卉、鸟雀的绘画称之为静物画,画家以写实的方法对着景物写生,甚至画僵死的猎物。与此相对应的中国绘画中的花鸟画,完全是凭借记忆默画花卉和动物,也称之为写生。与西方绘画的写生概念不同的是,中国绘画的写生是表现自然物象的生命活力。此外,中国花鸟画家借画花鸟表达了许多寓意,如画家往往以动植物的自然属性比喻人的社会属性。
高大的松树不畏风寒,画家将它喻为英雄,而矮小的荆棘多刺,画家将之喻为小人,竹子、梅花、菊花都较耐寒,故将它们比作君子。有的花鸟画表达了追求幸福生活的愿望,也有的花鸟画是表达作者对人生、世事的感怀。
中国古代皇帝比较喜欢画花鸟画。宋徽宗赵佶画芙蓉锦鸡图轴,目的即借鸡的五种自然天性宣扬人的五种道德品性。比如一,鸡身上的花纹表示有文化。二,雄鸡的模样很英武。三,雄鸡打架很勇猛。四,母鸡护小鸡很仁慈。五,雄鸡报晓很守时,表示守信用。这些都是他对大臣的要求。画家的表现手法十分生动,一只锦鸡纵身上攀,压弯了芙蓉枝,表现出了锦鸡的重量感。
明代宣德皇帝朱瞻基的三鼠图轴是很有意趣的写意画,看到图中机敏可爱的老鼠,使人忘记了鼠类可憎可怖的一面。朱瞻基最早将老鼠作为美好的艺术形象来描绘,也是世界上最早发现老鼠之美感的艺术家。由于老鼠一胎多子,苦瓜等果实里面也有很多种子,因此将它们作为繁育能力最强的动物和植物。宣德二年(1427年),盼望生子多年的朱瞻基终于得了第一个儿子朱祁镇,即后来的明代正统皇帝。朱瞻基画此图正是为了记录他得子的最幸福的一年。
明末画家徐渭没有帝王那样的心态,更没有优裕的生活条件,他一生非常坎坷,多次参加科举考试,没有一次成功。徐渭怀才不遇,发出了癫狂般的感慨和愤怒,他画墨葡萄轴,正是比喻自己像野葡萄一样被抛在野藤里。人们说,这张画的墨点就如同徐渭辛酸的泪珠。比较不同身份、不同地位的画家,他们的花鸟画透露着不同的情感,这就是中国古代绘画内在的不同的精神所在。
欢迎分享,转载请注明来源:浪漫分享网
评论列表(0条)