用声音来表达情感的两种方式是什么和什么

音乐的元素是音，作曲家不能像文字般明确表达感情，只能用声音的表现来引起人们的情绪。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声及音色。节奏使人们联想起形体动作，旋律使人们联想起精神情绪。音乐以旋律的差别，节奏的快慢，声音的高低强弱，和声的变化，以及音色的不同等方法来表现其情感。比如以大调表示愉快、雄壮，小调表示悲哀、忧郁；紧张而短促的节奏表现奋发激怒，和缓而悠长的节奏表现婉转柔和，音高且强为热情，音低而弱为沉静；不协和音表示奋斗争执，协和音表示和平宁静；小号表现战争，双簧管表现田园等等。 怎样欣赏音乐？ 每个人都根据自己不同的欣赏能力和爱好来倾听音乐。为便于分析，我们把对音乐的欣赏分成3个方面。 (1)美感 听音乐纯粹是对音乐的乐趣，只求悦耳，仅是知觉的欣赏，不需要任何形式的思考，任由音乐的感染力将自己带进一个幻想的境界。如干某件事时，将音响打开，心不在焉地沉浸在音乐中。这时单凭音乐的感染力就把人带到一种无意识然而又有魅力的心境中去。 美感在音乐中占有非常重要的位置，但不应让它占过多位置。即使在这个聆听音乐的初级阶段，也应采用更有意义的聆听方式。 (2)表达 所有音乐都有表达能力，音符后面总具有某种涵义，这种涵义构成作品的内容，能唤起情感，这是情感的欣赏。 (3)纯音乐 音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。为了追随作曲家的思路，有意识地探求乐曲的结构、主题的变化及作曲家技巧的运用，这是理智的欣赏，也是欣赏音乐的高级阶段。 大多数听者并不能充分意，识到这第3方面。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤为重要的是，追随作曲家的思路，懂得一些音乐曲式的原理。 理想的聆听者是既能进入音乐又能超脱音乐的人，他一面品评音乐，一面欣赏音乐，不断加深对音乐的理解。 要对音乐加以理解，唯一的方法就是倾听，只有从头至尾地反复认真地倾听，直到熟悉，才能加深理解。 当你听到一个旋律，能把它辨认出来时，你就具备了欣赏音乐的条件。若能听出不同演奏家演奏同一首曲子时表现方法的差别，并了解作曲家的想法，那你已经踏入欣赏音乐的大门。 音乐都有表达能力，从而具有某种涵义，但无法用语言说清楚，也没有必要去找恰当的言词来表达音乐的涵义。 音乐的表现方法大致可分为纯音乐(absolute music)和标题音乐(programme music)两类。以音乐本身为目的的音乐，称为纯音乐，它只以音和形式来构成，是与音乐本身以外任何事物无明确联系的音乐。绝大部分器乐曲，如交响曲和奏鸣曲即属此范畴。把文学、思想、绘画等内容以具体性的标题暗示的音乐，总称为标题音乐。 奏鸣曲(Sonata) 是包含4个独立乐章的器乐大曲，各乐章都具有独立的结构与风格，由钢琴、小提琴、大提琴分别演奏。钢琴演奏时称钢琴奏鸣曲，小提琴演奏称小提琴奏鸣曲，大提琴演奏称大提琴奏鸣曲，室内乐所奏者、亦为奏鸣曲。 协牵曲(Concerto) 是独奏乐器与管弦乐队以平等地位联合演奏的器乐大曲。协奏曲通常以小提琴、钢琴、大提琴或长笛为独奏乐器。 交响曲(Symphony) 是由管弦乐联合演奏的奏鸣曲型器乐大曲，通常它分为4个乐章，音色之复杂、色彩之丰富为一切乐曲之冠。 组曲(Suite) 是由若干短曲连为一体的管弦乐或钢琴套曲，其中各曲相对独立。 序曲(Overture) 原指歌剧、清唱剧或戏剧配乐等开场前由管弦乐队演奏的器乐大曲，但近代有专为音乐会演奏而作的单乐章管弦乐序曲。 前奏曲(Prelude) 多为短小的管弦乐曲，常用于大型乐曲及影剧的前奏。 间奏曲(Intermezzo) 是戏剧或歌剧各幕之间演奏的音乐，具有暗示场面与转换听众气氛的作用，亦有独立形式的作品，它的形式比较自由，篇幅较为短小。 托卡塔(Toccata) 是一种形式自由能展示各种华丽技巧的键盘乐曲。 小夜曲(Serenade) 是一种于黄昏或夜晚在户外演奏的独唱或器乐曲，音乐情绪缠绵委婉。 夜曲(Nocturn) 是一种格调高雅、充满浪漫色彩的乐曲，旋律富于歌唱性，往往有精致的装饰音，伴奏用琶音或和弦。它是小夜曲的一个分支。 即兴曲(1mpromptu) 是一种即兴创作的器乐小品。 叙事曲(Ballade) 原有叙述故事意味，是一种具抒情浪漫性格的器乐曲。 练习曲(Study) 是用于提高器乐演奏技巧的乐曲。 诙谐曲(Scherzo) 又称谐谑曲，是一种速度较快，节奏活跃明确，常出现突发性强弱对照的器乐曲。 幽默曲(Humoresque) 潇洒而自由、具有幽默与幻想特点的曲目。 随想曲(Capriccio) 作曲家凭幻想创作的乐曲的通称，是一种以自由形式表现出富于变化的乐曲。 狂想曲(Rhapsody) 是作曲家为具英雄气概题材、民族题材或情辞并茂的题材而作的器乐曲。 幻想曲(Fantasia) 是具有幻想和自由奔放特点的器乐曲，是一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐短曲。 田园曲(Pastoral) 曲调柔和，是模仿牧羊人所用的乐器发展而成的田园音乐。 船歌(Gondoliera) 缓慢而摇荡的音乐，旋律优美流畅。 变奏曲(Variation) 是根据某一主题为蓝本，运用各种不同方法陆续变化奏出的器乐曲。 交响诗(Symphonicpoem) 又称音诗，李斯特首创，通常表现诗情画意等文学性内容，只有一个乐章，结构上可自由发挥，音乐形式不限，是较交响曲要短得多的交响性作品。 进行曲(March) 是用以伴随群体前进的音乐，多为四拍子，突出强拍。通常用管乐演奏，常用于军队，使行列整齐并鼓舞士气。还有婚礼、丧礼、凯旋庆祝等进行曲。 摇篮曲(Berceuse) 亦称催眠曲，形式简单，速度徐缓，主旋律柔婉抒情，节奏摇荡，以模拟摇篮摆动的节奏使婴儿入睡。 圣咏曲(Chorus) 原为德国民谣和基督教赞美歌，后变成器乐曲。 舞曲 分为6种。①圆舞曲(Waltz)也有译作华尔兹的，是一种每小节一个重拍的三拍子舞曲，兼具实用性与艺术性。其伴奏由低音的第一拍与高音和弦的第二、第三拍组成。主旋律流利舒展，和声和曲式结构简单明晰。②加沃特舞曲(Gavotte)，一种法国舞曲，2／2拍子充满活泼气氛。⑧小步舞曲(Minuet)，原为法国土风舞曲，中速3／4拍子，是速度徐缓、风格典雅的舞曲。④马祖卡舞曲(Mazurka)，一种中速到快速的三拍子的波兰民间舞曲，流行于农村。⑤波洛奈兹舞曲(Polonaise)，与马祖卡舞曲同为波兰的代表性舞曲，流行于贵族社会，在热烈的气氛中透着壮大华丽感，节奏为独特的三拍子，快慢适中，庄重的节奏始终如一。又译作波兰舞曲。⑥波尔卡舞曲(Polka)，19世纪盛行于波希米亚的快速二拍子舞曲。

　　1、 开始，由铜管奏出富有战斗性的庄严引子，象征着毛主席党中央发出战斗号召。钢琴急速的奏出八度的华彩乐段，表现全国人民紧急行动起来。随后，由乐队引出钢琴主奏的“保卫黄河”主调，表现抗日军民斗志昂扬，奔赴战场。接着，“保卫黄河”主调突然转轻，由钢琴主奏，然后与乐队轮奏，此起彼伏，逐渐高涨，表现出革命武装在斗争中不断壮大。战马驰骋，硝烟迷漫，游击健儿机智顽强英勇杀敌。革命队伍千军万马势不可挡。乐曲在激烈的发展中，出现钢琴和乐队的竞奏，表现抗日军民同仇敌忾，誓与敌人血战到底。这时，乐曲达到了最高潮，奏处〈东方红〉，热烈歌颂伟大领袖毛主席人民战争西乡的光辉胜利。尾声在坚定有力的步伐中，出现〈东方红〉与〈国际歌〉结合的音调，表现亿万人民在马克思主义，列宁主义，毛泽东思想伟大红旗指引下奋勇前进，发誓将革命进行到底！

　　正是由于这些感人的形象，才能够引起人们的共鸣，走进人们的内心，打动人们的心灵，鼓舞人们的斗志。

　　2、力度保卫黄河基本上是强的，东方红是很深情地歌颂着自己的祖国！

　　3、速度是138

　　4 情感内涵美。

　　黄河象征中华民族，保卫黄河，保卫全中国永远是每一个中国人的情节与责任。过去，中国人民万众一心，同仇敌忾。现在，我们仍不能忘记历史，居安思危，让民族精神扎根于我们的内心！！

　　从远古时期的《侯人歌》到唐诗、宋词、元曲、明清的民歌以及中国戏剧、说唱艺术等各种民族音乐体系都离不开声乐。公元前11世纪到公元前221年，中国进入西周、春秋战国时期，经历了奴隶制社会由鼎盛走向衰落，并向封建社会过渡的过程。这个时期，歌唱作为古代重要的音乐形式更加盛行，是社会各个阶层的共同爱好。中国原始的音乐是歌、舞、乐一体的，当时的舞大多是巫术性和简单劳动性的，伴奏乐器极其简单，主要以“歌”为主。尽管当时已有《九歌》一类较为完整的声乐套曲，但由于其表现形式有着原始的一面，我们把这一个时期形成的声乐艺术，称为“古歌时代”的声乐艺术。

民族声乐艺术是中国音乐艺术的基本组成部分，包括声乐艺术中的民歌、戏曲、曲艺及近现代声乐艺术中的歌剧。特定时期的音乐文化具有独特的历史内涵，从西周“无物而不在礼”的一元文化，发展到春秋战国时期“礼崩乐坏”“百家争鸣”的多元文化时代，以礼为中心的文化由鼎盛发展到衰微。随着西周的衰落，奴隶社会的消亡，礼乐制度的土崩瓦解，民族声乐艺术开始迎来了一个迅速发展的春天。古歌时代声乐艺术的发展为我国民族音乐的多元化发展奠定了坚实的基础，歌唱在社会各阶层广泛流行，促使民族声乐艺术在声乐思想、声乐理论、声乐教育、声乐功能等各方面趋于完善和成熟。

中国的民族声乐艺术有着悠久的历史和深厚的文化传统，无论是表演的内容还是演唱的技巧，都是依据中国的传统文化和人民群众的审美标准产生发展的，是中华民族文化的重要组成部分。中华民族几千年文明史创造、积淀了丰厚的歌唱艺术，中国传统民族声乐艺术内容丰富、自成体系、独具特色，是当代声乐艺术发展的源泉和沃土。中国现代民族声乐可以汲取传统民族声乐艺术发展的精粹，服务于人民大众，体现其自身的艺术价值。

一、古歌时代声乐艺术的历史价值

古歌时代民族声乐艺术的发展成果可谓硕果累累，包括民间歌唱家的大量涌现，民族音乐思想的百家争鸣，民族声乐艺术理论的发展和民族声乐艺术功能的完善，下文将分别介绍。

随着俗乐的发展，春秋、战国时期从事音乐的奴隶，乐工队伍迅猛发展，民族声乐艺术在社会各阶层得到广泛流行。“昔者桀之时，女乐三万人，晨噪于端门，乐闻于三衢”，许多功力深厚的民间音乐家也相继出现。宁国射稽用雄壮有力的歌声鼓舞修筑兵场的士气；秦青歌声震林木，向遏行云，使徒弟改变学习态度，随师终身学艺；韩娥美妙而婉转的歌声，绕梁三日不绝；还有王豹、绵驹、侯同、曼声等。当时的歌唱技术已达到相当高的水平，形成了科学的歌唱方法，而且已形成系统的声乐教学方法。民间优秀歌唱家的大量涌现，使民族声乐艺术与民族歌曲达到了完美的结合。

春秋时期由于礼乐制的崩溃，音乐思想从礼乐制度中解脱出来，出现了音乐思想空前活跃的局面，促进了声乐艺术思想的繁荣。孔子认识到音乐可以影响人的精神，把音乐作为“六艺”之一加以传授，并以此达到其所提倡的人性标准即“仁”，也即“仁者，爱人”；墨子提出著名的“非乐”观点；老子认为“五色令人目弦，五音令人耳聋，五味令人口爽”“大音希声”。对歌唱起源的说法也不尽相同，有神起说，“生于度量，本于太一”（见《吕氏春秋・古乐篇》）；有自然界鸣响模拟说，“质及效山林溪谷之音以作歌”，“听凤凰之鸣，以别十二律”（见《吕氏春秋・古乐篇》）。

古歌时代，民族声乐艺术理论得到了空前的发展。周代为察民情民风专门设有“采风”制度，把收集到的“民风”分成三种类别――风、雅、颂。我国第一部歌曲集《诗经》汇集了自商至周四五百年的民间歌曲，创作歌曲和祭礼歌曲。《乐记》以客观的艺术实践总结出音乐的原理和规律，具有朴素的唯物主义思想，“同则相亲，异则相敬。相敬则不争，相亲则不怨，天下天宁”。《楚辞》的《九歌》、《离骚》、《天问》、《招魂》都是很好的歌曲，其中《九歌》汇集了楚国民歌的精华，并被屈原提炼成中国第一部大型声乐套曲。

随着歌唱艺术的发展，民族声乐艺术在经历了长时期的实践过程后产生了自己的声乐理论。《乐记・师乙篇》记载：故歌者，上如抗，下如坠，曲如折，止如蒿木，倨中矩，句中钧，累累乎端如贯珠。《韩非子・外储说右上》载：夫教歌者，先呼而出之，其声及清徵，疾不中宫，徐不中徵，不可谓教。

古歌时代的民族声乐艺术功能逐渐完善，主要包括如下功能：（1）娱乐功能：孔子闻《韶乐》，“三月不知肉味”，“夫乐者乐也，人情之所不能免也。”（《简子・乐伦》）。声乐可以使情绪和精力得以休整、调剂和恢复、重振，使人心旷神怡得到美的享乐。（2）教育功能：“安上治民，莫善于礼。移风易俗，莫善于乐” 。孟子更进一步深化了民族声乐教育功能，《孟子・尽心章句上》说：“仁言不如仁声入人深也” 。当时流传下来的长篇叙事民歌，是少数民族对本民族历史、文化、礼节、习俗编成歌曲对本民族进行教育的依据。（3）意识功能：“声乐之入人也深，其他人也速”（《荀子・乐论》），审美情感是声乐艺术意识功能的体现，“悟理于情，情理相溶”，从而改变人的世界观，道德观，声乐最深入人心的功能是意识作用。（4）社会功能：声乐通过情感来影响社会生活、习俗、品德和时尚的变化。“乐行而民仿，可以观德矣”“可以善民心”，其感人深，其移风易俗（《乐记》），声乐可以使社会风尚发生变化。（5）治疗功能：“故乐行而伦清，耳聪目明，血气和平”（《乐记・乐象遍》）。唱歌或听歌能对人体的律动、心脉、血气、筋络有连接作用；对人体各大生理系统有调节作用；对人的心理和大脑有刺激作用，有利于人的健康。

二、古歌时代声乐艺术的现代启示

古歌时代对民族声乐艺术的发展完善起到了重要的作用，他们世代相传的歌唱，形成了我国丰富多彩、辉煌灿烂的民族音乐文化遗产，为不断提高我国民族声乐艺术水平，提供了最宝贵的依据。在民族艺术不断发展进步的今天，我们从古歌时代声乐艺术的发展成果中，可以汲取以下几个方面的经验。

1、 重视民间歌手的地位

民族音乐来源于劳动人民，古歌时代的民间歌唱家对民族艺术的发展有不可忽视的作用。民间歌手是那些拥有“民间歌曲”的、具有口头创作传统和演唱历史习惯的社会群体之中的，并能够在民歌演唱方面起示范和标准作用的个别或一部分。今年中央电视台春节联欢晚会，两位来自民间的“歌唱家”东北种粮高手马广福、养牛大户刘仁喜，跟吕继宏、王宏伟同台演唱《今夜无人入睡》《乌苏里船歌》《超越梦想》等歌曲，他们来自生活的真实感受渗透到了作品的表演中，具有很强的感染力。今天，我们的民族声乐艺术要获得发展，仍然要扎根于优秀的中国民间文化。我们往往重视音乐专业人才的培养，听的、唱的、学的基本都是专业民族声乐艺术家的作品，很大程度上忽视了普通民间歌手的作用。我们要重视民间歌手在传承民族声乐艺术中的地位，他们是当代民族声乐艺术发展的宝贵资源。

2、 促进民族声乐艺术思想的繁荣

春秋战国时期，中国历史上出现“百家争鸣”的局面，关于社会经济、政治道德、美学、哲学的大讨论中，音乐美学思想也获得了极大发展。其中儒家学派和道家学派奠定了中国封建社会音乐美学思想的基础，构建了中国封建社会的音乐文化。我国民族声乐艺术是有着悠久传统的民族文化艺术，它植根于广袤的中华沃土，是各族人民在漫长的歌唱实践中共同创造和发展起来的，随着社会的进步，科技的发展，民族声乐艺术更是“百花齐放”。现代民族声乐艺术是一个多元的话语平台，需要来自不同社会阶层、不同观点的声音，形成多个学派，发出多种声音，包容、欢迎、扶持多学派思想的交流和争锋，这样才能保持民族声乐多彩的生命力，使作为中华民族传统文化艺术瑰宝的民族声乐艺术更加丰富多彩、源远流长。

3、加强民族声乐艺术理论研究

中国人民在劳动和生活中创造了多种歌唱艺术形式，《诗经》《楚辞》中记载了很多歌唱内容，中国传统的声乐艺术内容丰富，自成体系，独具特色，中华民族几千年文明史创造与积淀了丰厚的歌唱艺术理论。民族声乐艺术并非仅仅包括传统的民族唱法，还有科学、系统的传统理论和讲究“字，腔、声、情、味”的唱技特点。理论来源于实践，又促进实践的发展，我们往往更重视声乐技能技巧的研究和突破，其实民族声乐的发展同样也需要坚实的理论根基。民族声乐理论的研究作为衡量一个国家和民族整体艺术水平的标志，已经得到整个社会的普遍公认。建立和形成新的中华民族声乐学派体系，既要继承和发扬民族声乐的优良传统，保持民族特色和地方风格，又要借鉴，吸收外国古典和近代声乐精华，不断探索，不断提高，为了发展和提高民族声乐艺术，必须大力加强民族声乐艺术的理论研究。

4、 拓展民族声乐艺术发展空间

古歌时代的民族声乐艺术发掘了其娱乐、教育、社会、意识、治疗等功能。民族声乐艺术在当代中国更应该彰显其独特的魅力，为社会主义精神文明建设发挥不可替代的作用。我国的民族声乐是世界多元文化资源中的一种，具有自己独特的地位、作用及价值，有其生存的土壤和一定时期内继续发展的合理性。随着当今社会的发展和时代的进步，人类生活、娱乐的各个方面都在不断地交替和变化，人们的审美意识也随之不断加强。比如 “新民歌”，把以前各地的民歌汇总到一起，加上现在的流行元素。这种民歌和流行的结合形式能充分体现中西合璧的效果，它作为一种新流行元素，很有发展空间，可以让更多的人去了解民歌。现代民族声乐艺术要以其特有的机制，鲜明的个性色彩，增强自身竞争力，走进校园、走向大众，拓展其发展的空间。

总之，民族声乐艺术自西周、春秋战国时期兴起，经过不断的创新和发展演变成为现代民族声乐艺术。其作品创作的深度和难度、演唱技巧的发挥和运用、表演风格和个性、艺术想象和表现力上都突出了强烈的时代气息。中国民族声乐艺术在经历了数千年的传播、流变、创新、积累之后，必须紧密结合时代的步伐，不断汲取优秀的民族文化传统，加强与世界各国的交流，才能迎来百花争艳的新局面。

参考文献

1 《简明音乐辞典》，志敏、国华著，黑龙江出版社，1985年，P328页。

2 《民族声乐演唱艺术》李晓贰 著湖南文艺出版社2001年

3 《中国音乐通史简编》孙继楠周柱铨 著 山东教育出版社2000年

4 《中国民间音乐概述》肖常纬 著 西南师范大学出版社2008年

本文为湖南省教育教学“十一五”规划，2008年度立项课题《女子高校特色性艺术教育中的素质教育研究》的阶段研究成果之一。课题批准号：XJK08CJJ039

汪琦：湖南女子职业大学艺术表演系

责任编辑：赵卓

　　声乐演唱是演唱者利用声乐技巧表现艺术作品情感的活动。在诠释音乐作品的整个过程中，不仅需要演唱者用声音来演绎，更需要演唱者通过自身对作品情感的准确把握，将作品中的思想感情和内涵传达给听众。也就是说，声乐演唱过程，其实是演唱者将自己对作品中词曲的理解，运用自己的声音进行二度创作，把歌曲的思想内容和情感通过自己的声乐语言准确地表达出来，所以，歌唱是情感表现的艺术。因此，歌唱者除了在演唱过程中要全身心地投入表现歌曲作品外，还必须提前对歌曲作品进行分析与研究。然而，在现实教学中，我们却发现一些学习声乐的学生在演唱过程中一味地追求声音的响亮、技巧的运用，却忽视了对歌曲情感的思考与处理，以至于唱出的歌声没有内容，缺乏灵魂，不能打动听众。原因何在？下面，笔者将声乐演唱过程中影响情感表达的因素进行粗浅的分析，进一步强调在声乐演唱中情感表达的重要性，让歌唱者的演唱更优美动听，准确到位。

一、对作品风格及内涵认识不够

歌唱是艺术化的音乐语言，是旋律与诗词相结合的综合艺术，它与纯音乐最大的不同在于，纯音乐是以描绘意境为主，让听众随着音符的变更感受作品的灵魂，而歌唱则往往是一个具体的影像，它所要表达的内容是真切而实在的。一首好的声乐作品的演唱，应该是歌唱者用心去体会歌曲作品，并通过演唱来表达和诠释作品的真正灵魂。吉赛尔・布雷勒认为，“音乐表演不是物质的实现，而是精神作用促使这一实现的产生。”表演的重要意义就在于忠实于自己演出的作品。演唱者必须赋予演唱以个人的想象，只有演唱者的临场演唱深入意境，将自己投入到作品角色当中，才能给演唱以准确的情感表达。在演唱过程中，有些演唱者往往通过自己的主观臆想揣度作者想要表达的意图，这就有很大的局限性，因为每一位演唱者的文化阅历都不同，思维方式也有不同程度的差异，所以难以做到对作品风格的准确把握，因而就容易导致歌唱者所演绎出来的歌曲的情感与歌曲作品本身的要求有相当的出入与冲突，使歌曲中包含的感情不能得到恰到好处的抒发。①这无论对于歌唱者自身还是一首好的声乐作品来讲，都是尴尬的。笔者认为，在演绎一首歌曲作品之前，演唱者应首先了解作品产生的时代背景，掌握大背景下的音乐总体的特征，以及了解作曲家的总体创作风格及民族文化特色，在此基础上，再由普遍性到特殊性来做进一步分析。只有先把案头工作做好，才能在表现歌曲作品时有的放矢，恰到好处地诠释歌曲。只有对作品进行全面透彻的研究与分析，才能够有条件进行二度创作，从而更准确地把握作品。

二、演唱者在表现作品时受到能力的限制

技巧在声乐学科中的重要作用是毋庸置疑的，演唱者要想完美地表现一首声乐作品，在提高自身文化涵养的同时，更要努力提高演和唱的技巧，并对各种技巧有全面的掌握。在一部声乐作品中，无论歌曲采用何种写法，是AAB、ABA还是ABAC，在不同的阶段，就会运用到不同声区的声音来表现感情，这就对歌唱者提出了更高的要求，能够在高、中、低不同的声区自如地转换和运用，一定要拥有良好的声音表现力，才能使整部作品的声音过渡把握得自然有度。此外，诠释一首声乐作品，唱和演是同等重要的。在形体表演方面，演唱者要努力把作品中人物的喜、怒、哀、乐，根据自己对作品的正确理解与把握，通过表演去准确、细腻地传达给观众。比如我国著名的京剧表演艺术家杜近芳老师在《白蛇传》的断桥一折戏中，面对着跪求原谅的许仙，先是用兰花指指了一下许仙的额头，许仙稍往后倒了一下，然后又关切地扶了一把，而又轻轻推开了，这样一推、一扶，再一推，就将当时白娘子心中又爱又恨的感情表演得淋漓尽致，而这些细节的表演，都是演员通过自己的理解、揣摩，并精确地表现出来。在声乐演唱中，也只有仔细品味、细腻表演，才能将歌曲很好地完成，打动自己，也打动别人。可以说，声乐演唱，总体上就是灵活运用发声技巧和形体表演技巧来完美表现作品的。然而有些演唱者，不考虑自己所能掌握的技巧范围，也不考虑“人体乐器”脆弱的一面，不加节制地乱唱一些不适合自己的、力所不能及的歌曲，只顾得一时痛快，谈不上有情感的表现和艺术加工。演唱技巧和舞台表演能力是完成一部声乐作品必不可少的两个方面，两者相辅相成，缺一不可。因此，在声乐学习的开始，首先要明白歌唱艺术的原则：艺术表现第一，技巧第二。完美的舞台声乐表演是追求的目标，而演唱技巧（不管是发声技巧还是形体表演技巧）都是为了舞台声乐表演这一综合性的艺术服务的，因此，在艺术表现与技术发生冲突时，舞台艺术表演是第一位的，演唱技巧是第二位的，演唱技巧必须服从于舞台艺术表演。

三、舞台表演上的心理素质较差

演唱者在演唱过程中需要充分的自信，一个自信的演唱者，首先是对自身的演唱能力在心理上的一种自我肯定，这样才能从容地应对演出现场出现的一切意外情况，比如话筒、音响、不小心的一个破音，还有来自观众的心理干扰等都容易打乱演唱者全身心地演绎作品，不能以最佳的状态去演唱。也有些演唱者在上台前，总考虑歌曲的高音能否上得去，伴奏是否合得上，唱完了听众会不会鼓掌等，没有全神贯注地考虑歌曲的完整表现，给自己造成心理压力和紧张气氛。演唱者应首先端正心态，抛开一切杂念，以最轻松的心态上场，自己提前酝酿，创造情境，逐步进入角色。此外，作为一名专业演唱者应多参加各种实践演出，培养自身的舞台感觉。当然，要想在舞台上坦然自若，是需要一定的舞台经验积累的，这是每位声乐学习者都要亲历的成长过程。能够在舞台上将自身交给艺术，并全身心地投入到声乐艺术表演中，才能声情并茂地演绎好一首歌曲。“声乐作为一门表演艺术，对歌唱者而言，就是将自己内心领悟到的作品中的印象、认识、感情、感想、愿望，以旋律和歌词为载体，通过自己的声音进行阐述和倾诉，是一种经过再创造后信息的输出。”②

总之，发声技巧是声乐演唱的基础，情感表达是声乐演唱的核心。演唱者不仅要有好的声音，还要有准确的、恰如其分的情感表现。演唱者在演唱一首歌曲之前，必须去理解歌曲的思想内容、表现手法，对歌词的内容、曲风、节奏、速度、旋律线的起伏、曲式及歌曲的创作背景等有所了解，通过分析和处理去增强演唱时的形象思维和对音乐的感受力，把歌曲的艺术形象和思想感情准确地表现出来。

注释：

①张拜侬论声乐表演艺术中的情感因素[J]西安音乐学院学报，2004（4）

②范晓峰声乐美学导论[M]上海音乐出版社，2004

作者单位：长江大学艺术学院

（责任编辑：贺秀梅）

声乐： 人声按音域的高低和音色的差异，可以分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。每一种人声的音域，大约为二个八度。女高音的音域通常是从中央c即小字一组的c到小字三组的c 。演唱女高音的歌手，由于音色、音域和演唱技巧的差别，又可以分为抒情、花腔和戏剧三类。抒情女高音的声音宽广而清朗，擅于演唱歌唱性的曲调，抒发富于诗意的和内在的感情，冼星海的《黄河大合唱》中的《黄河怨》就是一首抒情女高音独唱曲。花腔女高音的音域比一般女高音还要高。声音轻巧灵活，色彩丰富，性质与长笛相似，擅于演唱快速的音阶、顿音和装饰性的华丽曲调，表现欢乐的、热烈的情绪或抒发胸中的理想。如意大利作曲家贝内狄克特的声乐变奏曲《威尼斯狂欢节》就是由花腔女高音独唱。戏剧女高音的声音坚强有力，能够表现强烈的、激动的、复杂的情绪，擅于演唱戏剧性的喧叙调。意大利作曲家威尔第的歌剧《阿伊达》第一幕第一场中的《胜利归来》就是一首典型的戏剧女高音独唱曲。 女中音的音域和音色都在女高音和女低音之间。音域通常从中央c下面小字组的a到小字二组的a 。法国作曲家比才的歌剧《卡门》中的女主角卡门是一个放荡、泼辣的吉普赛女郎，运用女中音演唱恰好表现了卡门的野性。 女低音是女声中最低的声部，音域通常从中央c下面小字组的f到小字二组的f 。音色不如女高音明亮，但比较丰满坚实。俄罗斯作曲家柴可夫斯基的歌剧《叶甫根尼·奥涅金》第一幕第一场的《奥尔伽的叙咏调》就是由女低音独唱。 男高音是男声的最高声部，音域通常从中央c下面小字组的c到小字二组的c 。按音色的特点可分为抒情和戏剧二类。抒情男高音也象抒情女高音一样明朗而富于诗意，擅于演唱歌唱性的曲调。戏剧男高音的音色强劲有力，富于英雄气概。擅于表现强烈的感情。柴可夫斯基的歌剧《黑桃皇后》中的男主人公格尔曼，就是典型的戏剧男高音。 男低音是男声的最低音。音域通常从大字组的E到小字一组的e 。按音色的特点还可细分为抒情男低音和深厚男低音等。男低音的音色深沉浑厚，擅于表现庄严雄伟和苍劲沉着的感情。马可等作曲的歌剧《白毛女》中的杨白劳就是男低音，浓重的歌声倾诉出心头的满腔悲愤。 男中音的音域和音色介乎男高音和男低音之间，在一定程度上兼有两者的特色。音域一般从大字组的降A到小字一组的降a 。冼星海的《黄河大合唱》中的《黄河颂》，就是著名的男中音独唱曲。这首歌以宽厚的曲调，雄浑的气魄，展现了一幅气象万千的黄河的壮丽图景，它象征着我们民族伟大而崇高的精神。 基本分为： 美声唱法 美声唱法渊源于意大利，它是从17世纪开始经历长时期发展而形成的一整套声乐艺术的技法，有着完整的理论体系。美声唱法强调气息的控制和共鸣的运用，它要求发音纯净、柔美、明亮，能在整个歌唱音域的范围内保持声音的均匀、圆润、毫不费力地演唱华彩、辉煌的作用，并积累了一套对高音、假声、轻声等演唱技巧训练的方法。美声唱法对世界各国声乐艺术的发展有着深远的影响。著名的男高音歌唱家，杰出的歌剧演员卡鲁索（1873-1921），是意大利美声乐派的最重要的奠基者。当今著名的男高音歌唱家帕瓦罗蒂（意大利籍）和多明戈（西班牙籍），是意大利美声学派的优秀代表者。 民族唱法 民族唱法是指我国传统的民族声乐演唱方法，它包括我国各地区各种不同的戏曲、曲艺、民歌的传统唱法。民族唱法十分强调语言的音乐的关系，讲究根据演唱语言的发音规律来处理发声、共鸣、行腔，讲究字音的五音、四呼、出声、归韵、收声。民族唱法具有浓郁的中华民族气质、个性、风格。自元、明、清以来，不断有一些系统的唱法论著问世，如：[元]燕南芝庵的《唱论》，[明]魏良辅的《曲律》，[明]沈宠绥的《度曲须知》，[清]徐大椿的《乐府传声》，[清]李渔的《闲情偶寄》等。 通俗唱法 通俗唱法在我国是20世纪80年代逐渐兴起的，它作为一种世界性的通俗文化的组成部分，已受到我国民众的普遍欢迎。通俗唱法也可称为流行唱法，具有通俗性、自娱性等艺术特色，擅长抒发以个人为主体的内心情感。一般说来，其演唱注重掌握语言的韵律，讲究吐词、咬字的清晰、委婉，并在演唱中经常运用轻声、气声以及颤音、滑音、音色变化等装饰性技法。通俗唱法目前尚未形成系统的发声训练体系。其中用沙哑、干枯的音色"狂唱"和用矫揉、做作的姿态"哆唱"，不属于声乐艺术的正道之物，更不为音乐理论界所齿，应予以摒弃。 器乐： 音乐作品的分类： 1 、分类一：音乐作品总体上可分为声乐、器乐、戏剧音乐（包括歌剧音乐、舞剧音乐、戏剧配乐等）三类。其中戏剧音乐的音乐部分也含在声乐和器乐中，通常也分别并入声乐和器乐中。 2、分类二：音乐作品分为创作音乐和民间音乐，通常讲的"外国音乐作品"都是指专业创作的音乐作品。 3、分类三：有古典音乐与现代音乐之分。回答者： 周盛赟 - 大魔法师 八级 2-15 15:36评价已经被关闭 目前有 1 个人评价 好100% （1） 不好0% （0） 其他回答共 1 条器乐的基本分类 ： （一）音乐作品的分类： 1 、分类一：音乐作品总体上可分为声乐、器乐、戏剧音乐（包括歌剧音乐、舞剧音乐、戏剧配乐等）三类。其中戏剧音乐的音乐部分也含在声乐和器乐中，通常也分别并入声乐和器乐中。 2、分类二：音乐作品分为创作音乐和民间音乐，通常讲的"外国音乐作品"都是指专业创作的音乐作品。 3、分类三：有古典音乐与现代音乐之分。 （二）器乐曲的分类 器乐曲有各式各样的曲名、曲式结构、演奏方式等。基本上又可分为两、三大类。例如标题音乐与无标题音乐；室内乐和交响音乐；单声音乐和多声音乐。多声音乐中又可分为复调音乐与主调音乐。以上各种类型，也是音乐作品的各种体裁，是各有特点的。 （三）器乐曲的分类介绍 1、无标题音乐 无标题音乐作品没有说明乐曲具体内容的文字标题，而只是用曲式名称如："奏鸣曲"、"赋格"、"变奏曲"等作为曲名，或用乐器体裁名称如："前奏曲"、"练习曲"、"小步舞曲"等作为曲名。为了避免同名有所区别，就加上乐曲的开始调名，例如""C大调奏鸣曲"、"e小调交响曲"，或者再加上作者创作此种体裁作品的编号，如莫扎特《第四十交响曲》，李斯特的《匈牙利狂想曲第二号》，肖邦的《夜曲--作品第九号之二》等。 许多音乐家在无标题音乐在创作时，只求通过音乐创作来抒发某种主观情绪，表现某种精神意境，体现音乐艺术本身的音响美、形式美及体裁风格特征，并不想用音乐去反映客观事物。有的作者不愿通过文字标题来使乐曲的内容一目了然，而只希望找到知音去体会真正的音乐精髓。所以只以曲式名称或音乐体裁的名称作为曲名，而不设标题。 2、标题音乐 标题音乐是以文字或标题来阐明作品思想内容的器乐作品。 十六世纪以前标题音乐出现，十九世纪上半叶标题音乐因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。标题音乐的名称也于此时产生。您熟悉的柏辽兹、李斯特是这一类音乐作品的代表人物。标题音乐在器乐作品中占有很重要的地位。比起无标题音乐来说它的表现力尖锐、音乐形象生动，更受广大群众喜爱。 3、室内乐 室内乐原指西欧宫廷贵族中演奏、演唱的世俗音乐，以区别于教堂音乐及歌剧音乐。 室内乐于十六世纪初发源于意大利，代表作有"室内奏鸣曲"、"室内康塔塔"等。十八世纪末叶以后，室内乐是指由少数人演奏、演唱并为少数人所欣赏的音乐。现今，室内乐多指各种重奏曲（有时也包括独奏曲），使用少数乐器伴奏的独唱、重唱曲等。室内乐对于演奏者要求很高，不仅需具备独奏的技巧，同时要有同别人合作的能力。 4、交响音乐 交响乐是指用管弦乐队演奏的管弦乐曲。 交响乐可以采用任何曲式谱曲（通常是中大型结构的），而最典型的曲式结构则是"交响曲"。交响乐和交响曲是两个概念，交响曲是由三、四个乐章组成的管弦乐队演奏的大曲。代表人物有您熟悉的贝多芬等。 5、复调音乐 复调音乐是主调音乐的对称，多声部音乐的一种。它是以若干个旋律同时进行并相互关联的有机整体。在横的关系上，各种声部又彼此形成良好、协调的和声关系。 复调音乐分为： （1） 因对比的方式所写的复调音乐称"对位音乐"，简称"对位"，即对位式的复调音乐。 （2） 以模仿方式为基础所写的复调音乐，通称"卡农"，即"轮唱"或"轮奏"。 （3） 用衬托的方式所写的复调音乐称"支声复调"。复调音乐以对位法为其主要创作技法 6、主调音乐 主调音乐是复调音乐的对称，多声部音乐的一种。其中有一个声部（通常是高音部）旋律性最强，处于主要地位，其他声部则以和声等手法对主旋律进行烘托和陪衬的作用。 7、歌剧音乐 歌剧音乐是欧洲十六世纪以来一种社会影响较大的音乐与戏剧相结合的综合艺术体裁。欧洲十八、十九世纪的歌剧音乐一般包含有序曲及幕间曲、咏叹调及其它抒情性的独唱、宣叙调及咏叙调、合唱及重唱等。 （1）序曲：它是当歌剧还未开幕前，由管弦乐队演奏的音乐，其使命在于综合地叙述全部歌剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角的旋律，它仿佛是剧情的缩图。合唱常用于歌剧中的群众场面。 （2）咏叹调：歌剧主角的独唱，相当于戏剧中的独白，它的任务是表现歌剧中主要人物各自的特性，描绘他们的"肖像"。咏叹调是歌剧中最精采的音乐，它有完整的结构形式和情感层次，可以单独演唱。 （3）宣叙调：接近于咏叹调的一种短小的乐曲，它经常出现在咏叹调之后。宣叙调又名"朗诵调"，是一种朗诵式的歌曲，相当于戏剧中的对白

现代家庭对于孩子的教育是格外的重视，除了会给孩子提供优良的学习环境，还会考虑让孩子去学习一两门艺术方面课程，比如美术、乐器，由于中国人传统上就喜欢热闹，而能够烘托热闹气氛的乐器，也就成了许多家庭的首选，当自己的孩子学习乐器之后，许多人发现自己的孩子会有很大的改变，让人感觉惊喜之余又有些意外，那么学习一门乐器对人会有多大的改变呢？笔者就用自己亲眼看到过的例子来进行说明，毕竟耳听为虚，眼见为实：

一、改变自己的性格和气质；

我们都知道人的性格和气质，都是在后天的环境之中慢慢养成的，居移气，养移体，地位和环境可以改变人的气质，修养或涵养可以改变人的素质。所谓人随着地位、待遇的变化而变化。也就是因为环境对于一个人的性格和气质影响太大，所以孟母才会进行三迁。

孟子小时候，居住的地方离墓地很近，孟子学了些祭拜之类的事，玩起办理丧事的游戏。他的母亲说:"这个地方不适合孩子居住。"于是将家搬到集市旁，孟子学了些做买卖和屠杀的东西。母亲又想:"这个地方还是不适合孩子居住。"又将家搬到学宫旁边。孟子学习会了在朝廷上鞠躬行礼及进退的礼节。孟母说:"这才是孩子居住的地方。"就在这里定居下来了。等孟子长大成人后,学成六艺,获得大儒的名望。

笔者朋友的妹妹也有类似的孟子的经历，朋友居住的环境并不太好，导致朋友的妹妹小小年纪就能张嘴骂人，动手打架，甚至还背着家长开始抽烟喝酒，像一个小小混混，朋友的母亲感觉对于一个女生影响太大，可是短时间之内又难以搬离，便选择了将自己的女儿送去了音乐培训机构，过了一段时间，当我再一次看到的时候，是一个温温柔柔、安安静静的小女生，轻轻一笑的时候，也让人感觉到了阳光。

二、改变自己平时一些不好的习惯；

学习音乐会提高自己的注意力，至少可以提高我邻居家孩子注意力，我家邻居的孩子注意力极差，上课并不容易集中精力，各种思想还开小差，长期喜欢丢三落四，常常可以听见邻居家传来的狂躁的吼声，暑假的时候怕孩子出现安全问题就送去学习乐器，那两个月常常能听见小男生拉小提琴的声音。一天的无意聊天中，邻居告诉我小男生的注意力有大大的改善，对于自己的东西是有收捡，不再丢三落四。也的确，开学之后再也没有听见楼上的吼声。

三、改变自己的命运；

笔者的一个族弟是因为学了一门乐器，改变自己的命运，他在学生时代就一直很喜欢吹笛子，在高中的时候经常是校园各种迎新活动上的保留曲目，高考结束那个时候，他家中发生变故，父母并没有能力支撑他去上大学。他于是就去培训机构去当老师，在两个月之中赚回了学费，进入大学之后他又在学校旁边的音乐培训机构当老师，在这四年之中他赚回了自己的学费和生活费，此外每年还会贴补家中一部分。