中国线描艺术发展历史？

　　2007年8月“中国美术家协会中国线描艺术研究会”的成立和2008年5月“首届中国画线描艺术展”的举办，是21世纪初期中国美术界值得关注的两件盛事，对于推动当代中国线描艺术的传承与拓展具有里程碑的意义。

　　线描是绘画的基本要素之一。线描的起源可以追溯到人类文明的早期，例如原始岩画、彩陶纹样、古代瓶画、壁画、帛画等。西方传统绘画的素描（drawing），虽然可以纳入广义的线描范畴，但其概念却似乎比线描（line drawing）宽泛，甚至近代人们通常把传统中国画的线描——白描也归为素描的一种。尽管作为绘画技法，素描无所谓中西，东西方画家都可以采用，但在历史上东西方传统绘画毕竟属于不同的造型艺术体系。一般说来，东方传统绘画以线条造型为主，西方传统绘画以素描造型为主。西方传统绘画的素描，固然也是以单色线条描绘物体，但更加注重模仿对象的写实性塑造，注重明暗光影的立体感形式结构；而东方传统绘画的线描，则更加注重线条自身的程序化表现，注重虚实疏密的平面化装饰效果。印度壁画和细密画、波斯细密画、日本浮世绘，都属于以线条造型为主的东方传统绘画体系，中国画更是东方传统绘画的最典型的代表。

　　传统中国画的线描称为白描或白画，特指用毛笔墨线勾勒物象、不着色彩或略施淡墨的画法，多用于人物、花鸟。这种纯粹的毛笔墨线画法，是传统中国画笔墨造型的骨干，用笔与书法相通，“运墨而五色具”（张彦远），富于传神写意的表现力、单纯空灵的抽象美和黑白交响的韵律感，堪称中国美术独特的创造。在中国美术史上，顾恺之、曹仲达、吴道子、武宗元、李公麟、梁楷、赵孟坚、王绎、张渥、陈洪绶、任伯年诸家都擅长白描，其中北齐曹仲达的“曹衣出水”（密体）、盛唐吴道子的“吴带当风”（疏体）笔法最负盛名。历代名家传世的白描作品，包括寺观壁画粉本和木刻版画插图，至今仍是初学线描者临摹的模板。明清时期的绘画启蒙读物，把历代白描人物衣纹概括为高古游丝描、铁线描、行云流水描、钉头鼠尾描、折芦描、柳叶描等十八种描法（有人又归纳为铁线描、兰叶描、减笔描三类），坊间还刻印了不少白描花卉图谱。这些从自然生活和书画实践中提炼出来的线描程序，形成了传统中国画线条造型的规范，标志着中国画线描技法的高度成熟，但也束缚了中国画线描艺术的进一步发展。正如现代中国美学家宗白华所说：“中国的素描——线描与水墨——本为唐宋绘画的伟大创造，光彩灿烂，照耀百世，然宋元以后逐渐流为僵化的定型。绘艺衰落，自不待言。”（《美学散步·论素描》）

　　20世纪80年代至21世纪初，改革开放新时期孕育着中华民族文艺复兴的理想，当代中国艺术出现了分化与整合的多元发展局面，曾经衰落的民族艺术传统画种纷纷独立和复兴，同时又整合了其它画种的可利用资源。当代中国线描艺术作为一个独立的画种也已经呈现复兴的趋势，主要体现在理论研究的自觉和艺术创作的繁荣。21世纪初应运而生的中国线描艺术研究会和“首届中国画线描艺术展”，就是当代中国线描艺术复兴的重要标志。

　　中国线描艺术研究会会长李魁正先生，为推动当代中国线描艺术的传承与拓展做出了突出贡献。李魁正先生身兼中央民族大学美术学院教授、博士生导师和中国艺术研究院博士生导师等职，他不仅是富有创新意识的画家，创作了大量线描作品和精致的工笔花鸟画，又开创了“现代没骨”和“写意泼绘”画派，而且是富有理论素养的学者，多年来一直从事中国线描艺术研究，出版过《中国白描·花鸟现代卷》、《中国当代线描艺术·花鸟篇》等专著，发表过多篇关于中国线描艺术的论文。他认为：线描（白描）一直是中国画主要的造型表现手法，具备表现形体、质量、光色、情意的功能。而中国古代线描往往依托于壁画粉本和版画插图，后来线描又往往依托于连环画稿，或者线描仅仅作为美术专业学生的基础课程练习，仍处于附属地位，很少作为一个独立的画种来进行创作，这在一定程度上抑制了中国线描艺术的发展。今天，我们应该在传承中国画传统白描艺术的基础上推进当代线描艺术的发展，也应该吸收世界各国古代和现代线描艺术的优长，创造符合新时代的民族精神和审美需求的线描艺术。为此，他在教学中还倡导以“意象写实”的线描手法到大自然和社会生活中写生的理念。李魁正先生的中国线描艺术研究，为当代中国线描艺术的全方位拓展提供了清晰的思路。当然，要完整地建构当代中国线描艺术独立的绘画语言体系，还需要中国线描艺术研究会的同仁与美术理论家们长期合作，从技法层面到精神层面深入系统地研究中国线描艺术的传统，研究东西方各国线描艺术的历史与现状，也需要及时总结当代中国线描艺术创作的新鲜经验。

　　“首届中国画线描艺术展”是中国线描艺术研究会成立以来举办的第一次全国性的线描艺术大展，展示了当代中国线描艺术创作的繁荣盛况和最新成果。本届展览的名称“中国画线描艺术展”把线描艺术界定在中国画范围之内，参展作品以毛笔墨线的白描作品为主，表明了展览组织策划者对传承和弘扬中国画白描艺术传统的主导意向。同时，入选的作品特别是大量“意象写实”线描写生的人物画和花鸟画，又给中国画白描艺术传统赋予了新意，注入了生机。根据表现当代中国人的精神面貌和审美情感的需要，不论是工笔线描还是意笔线描，都突破了中国画传统的线描程序，丰富了当代中国线描艺术的表现语言。从本届展览的参展作品中，我们不难发现当代中国线描艺术名家和新秀多方面的探索和实验。而这些多方面的探索和实验，又为当代中国线描艺术的全方位拓展准备了条件。

“素描是一切造型艺术的基础。”(当然,在我们今天看来,它已不仅仅是一个基础问题,它也是一门独立的造型艺术。)其概念有广义和狭义之分，但无论如何都逃避不了“形”的塑造问题。形状是素描中最重要的元素，没有形状，素描无从谈起，其他造型元素都是依它而生的。绘画中的“形”就其是否比照客观事物而言，又有具象和抽象之分。

　　那么如何评价素描作品中具象的“形”呢？我想先谈一个很古老的话题：“似”与“不似”。“似”是指画得与客观对象吻合，即“准确”。但艺术上的“似”与非艺术上的“似”是有区别的。非艺术的“似”是指对客观事物不加选择，不加处理，面面俱到的把形象搬上画面，这样的画面上的“形”是经得起科学检验的，但不一定美，这样的画一定画出了我们所看到的具体的东西，但不一定画出了我们的感受。正如我们常常看到一幅很令人激动的风景，兴奋之余用相机拍下来的照片洗出来后却平淡无奇。因为相机没有取舍地把所有的东西都暴露了，美与不美的形都堆积了上来。但实际上当我们觉得一幅风景美的的时候眼睛是有过滤功能的，我们的眼睛很可能并没有在意那些不美的形。我们现在的素描教学中常出现这样的现象：看一些美院学生的画，总有学生基础功底很好，把模特画得很像，也很深入，结构，明暗，解剖各方面关系都对，但整个画面却缺乏美感，没有活力，仿佛一堆堆的死肉摆在那儿，这实际上就犯了这个毛病：把艺术的“似”与非艺术的“似”混淆了，也就是说他实际上还没有学会用正确的“艺术”的眼睛去观察，表现对象。艺术的“似”是融入了艺术家的感情和处理技巧的，绝不仅仅是形状上的准确。这一点，王华祥先生是很有感触的，甚至提出“将错就错”以达到艺术的“似”。观意大利文艺复兴时的大师素描，我们在感叹其高超的形体塑造“准确”的能力时，也毫不怀疑那画面是很有美感的,很概括，很轻松，既准确又生动……郭润文先生去年湖南师大讲学时曾给大家看了一张伦勃朗作品幻灯，他重点提醒大家看了一下伦勃朗画里的那双手，单独看那手，似乎画得不很精致也不很准确的，这当然不是伦勃朗能力的问题，而是他有意的处理。

　　但既然艺术的“似”是融入了艺术家感情与处理技巧的，因艺术家有其鲜明的独特个性，故艺术的“似”也是因人而异的，米开朗基罗有米开朗基罗的“似”，凡高有凡高的“似”，毕加索有毕加索的“似”，贾科梅蒂有贾科梅蒂的“似”。凡高初学画的时候认为自己怎么也画不好石膏像，终于有一天他砸掉了石膏像，他砸得好！他砸掉了一个标准答案，砸掉了一个“似”与“不似”的标准。我这里不是说石膏像不好，对凡高而言，他不需要这种“似”。今天，我们看他各个时期的自画像，愁眉苦脸的加歇医生，像火焰一样松树，燃烧的麦田，有谁会说他画得不“似”？太“似”了，这是入木三分的“似”呀！

　　由于艺术的“似”是艺术家自己真实感受的表现，很多艺术家为了强化感受，把形状作了一些夸张的处理。于是，艺术上又出现了一个“不似”的概念，在形状上来说，可称之“变形”，如席勒那神经质紧张不安的形，莫迪利阿尼那优雅的形，贾科梅蒂瘦长而虚空的形，博特罗那胖得有点荒谬的形……这样一来，艺术的“似”似乎走到了它的反面，即“不似”。

　　但我前面讲的那个学生的“变形”与他们相比，有没有价值呢？我们一定不能忽视这个事实：这些艺术家早期素描的写实能力已达到了炉火纯青的地步，他们都有各自特殊的生活经历，有了自己独特的艺术感受，才有了自己的“变形图式”：席勒深受弗洛尹德精神分析说的影响，对人类内心深处的激情和潜意识有极大的兴趣；莫迪利阿尼很多造型是从黑人木雕中嫁接过来；贾科梅蒂认为人是运动的，又是痛苦的，是一群孤独的，失魂落魄朝着不同方向行走的幽灵；博特罗在这个物欲膨胀的社会里感触良深，给自己提出一个假设，一个人的身体是否可以像一只气球那样吹至无限的膨胀……他们的“不似”都是很有创造力的，并不是盲目跟风，为“变形”而“变形”，而是为找到一种适合于自己艺术感受的“表达图式”，其“不似”也即艺术的“似”。这些形也都是很美的，大大拓宽了人们的艺术视野。而那学生的“变形”显然是缺乏绘画基础和生活基础的。其“变形”只能是模仿，只能是无病之呻吟，或者只是对自己画不好的一种狡辩式的安慰。再来看看我们现在的美术界现状吧，昨天方力均用原色画了一个大光头，今天，“一批小方力均蓬勃而生，光头，怪相，原色之类。”对于刚结束不久的第三届油画展，有论者认为，那里面的人物造型，女的多画得很妖，男的多画的很怪，缺乏一种健康之美，这是值得大家深思的。我想我们的素描教学一定要注意好这个问题。现在很多学生搞表现主义，在素描上追求变形，但变得在意味，有美感的太少了。

　　与西方造型体系不同，中国似乎更重视追求“不似”之美，顾虎头早就提出了“以形写神”说，至东坡居士更云：“论画于形似，见与儿童邻。”的确，中国文人更注重自身内在情感的表达和笔墨情趣，中国美术史上亦留下了很多“变形”的杰作，如贯休十八罗汉的奇诡，梁楷泼墨仙人的憨态，八大山人花鸟的清高……后来徐悲鸿引进了西方写实主义，中国美术出现了一些变化，但齐白石还是主张“妙在似与不似之间”。的确，中国画的这种“变形”是很值得玩味的，是客观物象与艺术家自身感受及笔墨情趣的结合体。这种“变形”与西方美术史上的“变形”一样，也不是随意为之的“涂鸦”，亦有其深厚的传统文化修养和绘画素养。在素描教学中，让学生明白这个道理是很重要的，在评价学生具象作品中造型时，我们应肯定那些把对象画得很“似”也很有美感的学生，也当鼓励那些画得有点“不似”却很有美感的学生，也可参照中国画中的那种尺度，赞扬那些画出了“似与不似之间”的“妙”处的学生。

　　上面，我谈到了素描教学体系中关于具象形的评价问题，那么，对于一张抽象素描，我们是否也可评价其优劣呢？首先，我们当然不能再用具象的眼光去评价其作品中的形。抽象形“并不表明任何现实对象，而是完全抽象的实体，四方形、三角形、菱形、梯形和无数的形变得日趋复杂，不再具有物质标记的其他式，也是类似的纯抽象的实体——它们也是那样，有自己的生命，自己的影响和自己的作用。这些形式在抽象的王国中都是权利平等的公民。”在引用了康定斯基的这段文字之后，我需补充指出的是：在艺术王国里，抽象形与任何具象形一样，都是权利平等的公民，不能“戴有色眼镜”去看待它们。其次，抽象形并不是无源之水，无本之末，它们是来源于具象的，是是具象形的归纳与升华。正如大自然中的万事万物都有一定的生存秩序一样，评价抽象素描时我们一定要重视各抽象形之间的秩序感。一定要引导学生分析其画面的构成关系，抽象素描决不是随便分几块不同形状施以不同明暗这么简单，各“形”之间的变化，穿插，呼应，重叠……都要仔细斟酌，都要服从形式美的法则，整个画面必须有秩序感，有节奏，既协调又有视觉张力……因此我们不能只就其中某一块“形”的好看与否进行评价，我们应着重评价学生对各种抽象形的组合与构建能力。再者，在评价抽象素描时，我们要重视学生对材料的运用能力，与具象素描相比，学生的这种能力尤为重要。（当然具象素描中我们也应十分重视材料技法，但由于我只限于论“形”的评价问题，故不多着笔墨。）各种各样的“形”运用不同的材质会产生不同的画面效果，材质会丰富画面的语言，使“形”显得更有意味。可喜的是，现在我们的学生已经很主动地探索材料技法问题，我们当积极正确地引导。

　　最后，我想提一下抽象画家赵无极1985年在浙江美院的讲学，当时很多学生期望他能传授许多抽象绘画的知识与方法，但结果是“令人失望”的。赵先生给学员们讲的依然是一些传统的绘画方式，即一些有关写实绘画基本语言的训练，如光与物体的关系，线条的理解和运用等。是赵先生“保守”吗？是赵先生“藏私”吗？当然不是，其实，无论具象画也好，抽象画也罢，打好坚实的基础是必不可少的，了解西方的造型语系或东方的造型语系是必不可少的。只有这样，我们的素描之“形”才能在“似”与“不似”之间，具象与抽象之间游刃有余。

1学习素描有哪些常用的知识啊

素描是绘画的一种形式。

如果说绘画是使用一定的物质材料，通过线条、色彩、明暗、及构图等手段，在平面上创造出可视的、具有一定形式、体积、质感和空间感的艺术形象，那么从广义来讲，素描则是指“单色”的绘画。 素描的概念由四个方面来认识一下 1、素描是与色彩画相对而言的。

素及素色，取朴素之意，也包含单色的意思。素描是借助单色线条或块面来塑造形象，是一种对客观物象的形态和结构特征做朴素表现的绘画形式。

2、素描是造型的基本功。造型，包括造型的观念、造型的美学原则、造型的形式要素和造型的表现手法等，构成了绘画艺术语言的基础。

可以说出色彩而外，绘画造型的基础都属于素描研究的内容。 3、素描作为画家艺术创作意图、观念的体现，是为美术创作服务的。

它可以是画家最原始、最直接的创作意图的形象表现，也可以是绘画、雕塑、工艺美术、建筑美术的创作或设计的草图、正稿、粉本（中国画），以及资料性的习作。 4、素描作为绘画的一种表现形式，是具有独立审美价值的画种。

以素描形式表现的肖像、风景、静物、组画、连环画以及主题画，都是绘画创作的一种形式。优秀的素描同其他绘画一样，是人类造型艺术的组成部分。

2学习素描需要具备哪些知识吗

素描是绘画的基础，绘画的骨骼；也是最节制、最需要理智来协助的艺术。

初学绘画的人一定要先学素描，素描画得好的人，油画自然画得好。素描的起源，普通都是以文艺复兴开始，事实上希腊的瓶绘、雕塑都有良好的素描基础。

初期的素描是视为绘画的底稿，例如作壁画先要有构想的草稿，然后有素描的底稿，同时也要有手、脸部分精密素描图。 作壁画习惯上是不看模特儿写生的，完全要靠使先准备的习作素描和画家的记忆。

近代素描，已脱离了原来的底稿和及作的地位，可以成为艺品来欣赏。画素描的态度不只培养描写力，同时也培养造型的能力，最后仅仅是素描也可视为作品来欣赏。

相反的单看油画作品就可知道作者在素描上的造诣如何。 因此，素描是绘画的基础，也是绘画的骨骼，是故学画的人无论如何要先认真学素描。

素描在严格的解释上，只有单色的黑与白，但如加上淡彩或颜色，仍可认作素描。君友会美术文献依素描的表现方法分成：一、以描画材料来看可分成木炭素描、铅笔素描、炭精素描、钢笔素描、银笔素描、毛笔素描等。

二、以所画的题材可分成石膏像素描，风景素描，静物素描、人体素描、幻想素描。三、依素描的目的又可分成作为构想的素描、用作画稿的素描、速写、作品、习作。

3素描涵盖内容及含意是什么

素描 简而言之就是单色画。

却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。

同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是 者，如诸位大师们，他廖寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握。

4素描表达技巧是什么

线和线条技法 素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。

直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独 素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，即由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。

弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。

因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。

5素描艺术创作有哪些特点

素描艺术特点 由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称作素描。

单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。

素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。 素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等。

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。

不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。 素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。

它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

6素描的基础知识

1、铅笔 铅笔的种类较多，笔芯的质地有硬有软，颜色有深有浅，可画出不同的调子，尤其便于表现调子中的银灰色层次。

现有的国产铅笔分两种，以HB型为中界线，软的为B型至8B型，数字越大，表示铅笔的软度越强，色度越黑；硬的为，H型至6H型，数字越大，表示铅笔的硬度越强，色度越淡。学生用铅笔一般是HB型，软硬适中；建议素描初学者选用HB型到6B型之间的铅笔。

2、素描纸 选择素描纸时，要注意选用纸质坚实、平整、耐磨、纹理细腻、不毛不皱、易于修改的纸张，如素描纸、铅笔画纸等。还有纸张的大小，素描纸最大的是1开（全开），常见的还有2开（对开）、4开、8开等。

初学者使用的纸张大小应以8开或4开为宜；16开大小的铜版纸和复印纸，适合使用钢笔或圆珠笔来画。 3、橡皮擦 橡皮擦需要谨慎使用，因为每次使用，都有可能留下痕迹或者损坏纸张。

橡皮擦大致可分为两种：普通橡皮擦、质地较软的可塑橡皮擦。 4、基本素描 首先从排线条开始。

初学者画的素描一般都是线条构成的……横的，竖的，斜的，各 种方向，用的要灵活，一般是顺着结构，外加整体的线条，摆的是膀臂，不是手腕，不然你的线条是弯的，当然画人物时也就没有那么多规矩了，不知道哪个匝碎偏 偏要求新手必须这么做，坑害了多多少少广大素描爱好者的一颗纯洁善良无暇的心。 现在拿个画板，找个小凳子，把画板架在腿上〔不是平放在腿上〕，用素描纸， 固定，用多种线条组合从左向右或者从右向左，渐渐过度，注意最好少用垂直交叉的线条，那个用不好会很丑的，甚至会比我还丑，用笔姿势是拿毛笔的姿势，只不 过我们用的是上面的一端，小拇指可以抵在纸上，摆动膀臂，用笔尖画（其实没有什么规定的，只是我建议）（用侧锋也一定要试试，很多时候也是很有用的），熟练了后你会发现很方便的。

7素描创作怎样抓住重点

比较是重要的观察方法之一，不比不知道，一比什么变化，什么区别一目而尽然。

需要比较的内容是：大与小、长与短、方与圆、主与次、曲与直、深与淡、远与近、虚与实、刚与柔、松与紧、疏与密、简与繁……等等。 画的时候要一边比较一边向整体上去归纳，去整理，去协调，去取舍与概括；不应在局部上纠缠。

比较是全方位的，不只是两点之间的局部比较，比较是多向的，包括横向、纵向和斜方向在一条直线带上的各种关系的比较。 横向比较就是在一条横向带上，把对象中的各种不同因素的差别，从总体上作各自不同的比较。

各种形之间有何不同，对比上的强弱有何不同，虚实上有何不同，哪些形是融合的哪些形是分开的等等。 纵向与斜向也同样在一个带状地带找出形与形之间的各种差别。

这样的比较才是全面的，不会陷入局部间的简单比较。 通过比较找到差别容易，把诸多比较出来的变化统一于一个整体之中，就要有明确的整体观念，把各种比较控制于整体大关系之中。

西安青卓美术学校老师为你解答。 。

8素描理论知识

1素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。

2素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕）， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

3素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的 性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素 描却是一切观赏艺术的基础。

在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然 后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素 描只是一种技术准备。

到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门 独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质 和动作。

文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人 类创作能力的艺术品。一何谓素描：1素描（ DRAWING ）、速写（ SKETCH ）、素描（ DESSEIN ）。

2由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。 素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。

（艺术家杂志，论素描--萧如松）3素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔 ，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属， 石器，容器或布的表面所造成的磨损。 （艺术视觉百科全书）4轮廓和线条是素描的一般称谓。

素描具备了自然律动感，观者从欣赏过 程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括 节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

5素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦 可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像 绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

（大不列颠百科全书）6在西洋美术辞典（雄狮图书公司出版）这本书中，与素描相关的解释，只 有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影 、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图 或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录， 用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

二素描的地位：1素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。2素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕）， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。

素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。3素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的 性质而言，它是独特的。

虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素 描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然 后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。

因此，素 描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门 独立的艺术。

它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质 和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人 类创作能力的艺术品。

三素描的技法和种类：1线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只 代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代， 线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。

2素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式 引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面 的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。

弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。

因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展 成精致的素描。3在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清 整体与部分的关系。

我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界 ，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

4素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。

而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥 笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色 画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。

四素描工具：1素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。

2工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的 田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。

炭笔是两者都可兼用的。3以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。

至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅 笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画。