唱歌怎么才能更有感情

1练气息

气息是歌唱声音的支撑 嗨C不是每个人都可以上 但是气息是最基本的 在天赋的条件允许下带上气息 真假声转换 高音就自然解决了

2乐感既节奏

培养乐感就要先学会节奏 节拍 节奏的实质是什么 节拍怎么打 一段音乐里面什么是强 什么是弱 什么是渲染 什么是主题 都是通过节奏节拍来表现 所以要掌握节奏节拍就好好学学视唱练耳 很重要!

3感觉既歌唱情感

3和6其实是同一个意思 有了感觉自然不会空洞无味 歌唱的情感 即是歌唱的灵魂 它是个很复杂很深奥的问题 它首先要求歌唱者要有很强很扎实的演唱功底 再来 它要求歌唱者的文化修养 内涵要高 最后 具备了前2点后 怎样表现感情就是最后一步了 它要求歌唱者 全神贯注 声情并茂 好好理解歌词大意 适当运用自己的歌唱技巧 全身心的演唱投入 唱出来的歌自然就有了灵魂!

4韵

音准可以通过视唱练耳来练习 咬字就要先练好普通话 字正腔圆 把每个音归上它的韵 a e i o u

5练声

通过音阶练习 带上气息 歌唱是抽象的东西 只有刻苦 才能抓住它的精髓 掌握它 驾御它

上面是在演唱方面的提高

怎样把美声的歌渠完美用声音表达感情唱

要多听 多看

多听不同类型的音乐

多看不同类型的演出 书籍

多观察多留言身边的人 事

那些可以丰富自身的人生阅历和感情世界

在演唱之前 对歌曲作品就会有更深的体验和理解

在演唱时就更能做到上面说的第3点：歌唱的情感

再就是具有声音要培养穿透力和表现力

天生丽质的条件 丰富的人生、音乐修养

扎实的演唱功底 声情并茂的演绎

就是音乐国度里的最高境界

但是要做到 很难很难

需要刻苦 热情 持之以恒

以上都是亲身经历

不是复制

希望可以帮到你

如果是专业模仿别人唱歌的，那就应该多听别人的歌，学习别人的唱法，理解歌词中的含义，是伤感的或是喜悦的，然后投入自己的感情进行演唱练习，俗话说熟能生巧。

还可以找到演唱者的演唱视频进行观摩，对演唱者的各种发音，演唱歌曲时的手势或是动作，必要时可以增加些舞蹈动作，给自己加分。

其实你自己本来就有演唱天赋的话，完全不用去刻意模仿别人，用自己的理解能力去读懂一首歌，然后用自己的嗓音去征服每一个听众，形成自己的风格，有很多翻唱就比原唱唱得好听，加油，要相信自己。

要抓住歌曲的内容，首先要知道这首歌的意义。然后再加上唱功和技巧

认真的把歌唱给你最爱的人听

把这次当成最后一次演出

把握这二个点，就会突破你以往的成绩

唱歌最主要的表现方式就是歌曲的 情感 表达，首先要理解词曲作者在什麼样的背景下创作的歌曲，歌曲主要表达什麼样的 情感 ？在理解了歌曲表达的内容以後在用自己对歌曲的理解来演绎这首歌曲。

艺考生演唱歌曲时的注意事项：

1、首先是演唱基本功的扎实与巩固，气息的运用以及口腔打开的状态，都要运用到像如同成为身体本能一样的程度，尤其注意，艺考中会有很多学生选择相对难度较高的歌曲，这些歌运用头腔共鸣相对较多，同时音区跨度较大，这就要求演唱者要有很饱满的气息做支撑；

2、把歌曲听熟，歌词要读顺（粤语歌在非粤语地区可标注好谐音），旋律段落要清晰；

（PS：分享一个快速学歌小技巧，先不唱词，听歌时以哼唱的方式去先熟悉旋律，这样既有助于你快速专注掌握旋律，又能同步练习哼鸣以及头腔的运用，最主要是能够练习你模唱的能力，锻炼听音技巧，从而保证音准。）

3、尝试对照歌词清唱一遍整首歌，这样做是为了加深对歌曲的熟悉程度，熟能生巧，越熟悉就越能自由的掌控。

首先要了解所唱歌曲作者的创作意图，了解歌曲表达的内涵和意义，然后要熟记歌词和旋律，反复练唱，可以在自己练习唱歌的时候录一下音，自己听听，有没有什么问题，或者找老师指点一下，把音高，节奏，气息等等都要唱准确和控制好，在艺考演唱时要放松自己的情绪，不能紧张，紧张的话就容易唱跑音和节奏不准确，表达不好歌曲的感情，所以要做好充分的准备，才能在艺考时表达出歌曲的 情感 和自己的真实水平。

首先你要了解这首歌的创作背景和意境，再根据自己的理解，把自己想成这首歌曲要表达的人和事，在伴奏音乐的带动下，脑海中要浮现一个你自己理解画面，如果你全身心投入的话，感情以及面部表情油然而生的。

返璞归真，寻找真我。

不管是艺考还是爱好，都要对作品的背景熟知。

刚开始可以模仿，借鉴他人的经验和技巧。

之后就要加入自己的理解和创作，融入作品，情景交融，人歌合一。

要把任何的作品都演绎出自己的风格。

祝你成功！

跟着歌曲的音调，人本身在生活当中都会有一些 情感 动作，一旦音乐响起，自然而然的就会投入到 情感 当中了，这就是我的想法！

歌唱是音乐艺术中最富有表现力的一门艺术，具有较强的艺术表现力的歌唱，会使人们获得百般的情感体验和感受，从而使人们心灵得到净化，情感受到陶冶、心智得到开发，信心得以坚定，从歌声中人们得到艺术的享受，感受到歌唱艺术的美。然而，缺少表现力的歌唱，不仅声音空洞乏味，缺乏感情色彩，而且更谈不上艺术感染力和艺术美感。因此，歌唱艺术的表现力是评价歌唱技术水平高低的唯一标准，也是歌唱者必须具备的基本素质。歌唱是音乐与语言相结合的表演艺术，歌者通过美好的声音和音乐性的语言，来传递情感、表达意境，那么，这种传情达意是否准确生动、真切感人，它来自于声音和语言的艺术性和动力性。完美的声音是获得歌唱艺术表现力的基础，声情并茂的良好表现，是歌唱获得艺术表现力的关键，因此，提高歌唱的艺术表现力应从提高声音、情感、表演三方面的能力入手。具体阐述如下。

一、提高声音的表现力

1 ．合理的控制气息是形成良好声音的关键声音是歌唱的基础，没有良好的声音也就谈不上好的歌唱，那么良好声音的形成必须是在保持良好的歌唱机能状态的基础上，使声音能够得到正确的、持久的、有利的气息的支持。因为气息是歌唱的动力，声带是歌唱的音源体（也是发声器）,音源体发出的声音质量取决于气息这种动力的适度作用，声带靠气息冲击而发音，那么，冲击力（即动力）过大或过猛，都会使声音受到挤压发出尖裂、刺耳的声音，而动力过小或过弱，又会使音源体振动乏力，使声音空洞、虚弱。因此，合理地控制气息，使气息这种动力能够根据需要，即不同的情感表现、力度和色彩的变化等，有节制地、均匀地向上输送，这是形成良好声音的关键，而这种节制性的控制应该是贯穿整个歌唱的始终。具体方法是，始终保持吸气状态，即上胸平稳，头、肩、背部舒展、挺拔，胸底部即整个腰的周围向外膨胀，当气息即将耗尽时，在状态不变的情况下，用口和鼻同时快速将气息吸入胸底部进行充气。在控制气息的同时要在三种力量协同作用下进行，即隔肌向下、肋间肌向外、腹肌向里，三种力的结合点就是气息的支点，有支点的控制才能形成比较稳固、持久、灵活的、富有动力性的控制能力，也只有在这种情形下才能形成良好的声音。

2 ．运用整体共鸣是形成美好声音的重要条件。人能获得歌唱的声音，是由于声带这种音源体受到振动后发出的基音，得到了人体固有部分共鸣空间的共振，使基音得到了扩大和美化。然而，要想获得歌唱的完美声音，光靠自然的声音共鸣是不够的，必须要在不断调整歌唱的机能状态、合理的控制声音方向的基础上，使声音获得整体的共鸣效果，即胸腔、口腔、头腔等共鸣腔体的完美结合，缺少哪一部分的参与都会影响声音的整体性。当然，不同声区共鸣的运用可以有偏重，即高声区可偏重于头腔共鸣；中声区可偏重于口咽腔共鸣；低声区可偏重于胸腔共鸣，但是，只可偏重，不可忽视，如扔掉了某个部位的共鸣，就会产生声音不统一现象。只有最有效地发挥共鸣的整体作用，才能发出明亮、饱满、纯净、圆润的美好声音来，使声音统一、自如、具有丰富的表现力。3．准确、清晰的咬字吐字，是声情并茂的基础。歌曲的旋律音调是在语言音调的基础上形成的，语言是声乐的重要组成部分，忽视了语言这个声乐艺术的核心，声音再好也不会有歌唱艺术的真正意义，因此歌唱语言的准确程度，直接影响歌唱的艺术感染力。歌唱中的咬字，指的是字头，即声母，咬字时要依据声母的不同发音部位及发音方法予以咬准；吐字，指的是字腹和字尾，即韵母，要按照韵母的不同口型要求，予以引长、吐准，并收清字尾。只有做到这样，才能保证字正腔圆，声情并茂。

二、提高情感的表现力

1 ．理解歌曲内涵是表达情感的基础。歌曲是音乐与诗歌的结合，每一首歌都具有一种诗的意境和韵律，而诗歌的最大特点是；语言凝练；具有高度的概括性和抒情性，而音乐的最大特点也是具有抒情性，二者结合在一起，虽然塑造的人物形象不十分具体，但形象生动，寓意深刻。我们在把握歌曲的人物与意境时，不仅要通过语言的描述，而且必须借助想像的参与来深刻领会。如歌曲《槐花几时开》四句歌词；高高山上一树槐，手把栏杆望郎来，娘问女儿望什么，我望槐花几时开。短短四句就做到了情景交融，鲜明细腻地刻画了人物形象，表达了爱情的主题。因此，只有真正地理解了歌曲的内涵，才能准确地塑造人物形象，表达思想感情。

2 ．把握情感类型及情绪状态，获得真实的情感体验，使情感表现具有动力性特征。音乐是表现感情的艺术，它和人类所从事的其他活动一样，是人的主体行为，受人的心理活动的支配。我国古代音乐论著《乐记》中就提出过“凡音之起，由人心生也”的看法，并将人的感情划分为哀、乐、喜、怒、敬、爱等六种类型。人们喜欢歌唱也正是因为歌声能直抒人们内心丰富的情感，从而唤起人们对真善美的向往与感受。在歌唱中，必须根据歌曲的情感类型，进入一种情绪状态，使自身的心理运动形态与歌曲的情感表现产生同态，并通过声音的色彩性，即声音强弱、轻重、快慢的对比变化表现出来，这样，歌曲的情感表现就具有动力性特征。而这种动力性特征，正是歌唱美感的创造性表现，也是最有感染力的部分。

3 ．激情演唱，体现歌唱的创造性。激情是一种强烈、激动而短促的情绪状态，处于激情状态中的人，能够在一定的时间内调动起自己身心的巨大潜力，把全部感情、注意力和能力高度集中于某一创作对象上。歌唱的过程正是对音乐作品的再现和创意的过程，激情的演唱，不仅会使感情色彩更加浓厚，而且会使歌唱技术得以充分发挥。这种声音、情感和歌唱技术的高度统一，正是歌唱创造性的完美体现。

三．表演能力的提高

1、表情动作的统一。人的感情活动不只藏在心里，而是要借助于某种外在动作来宣泄和释放，心理学把这些动作称为表情动作，即面部表情、身段表情、语言表情。歌唱的声音就是语言表情，而声音的表现往往还需要借助于部表情和身段的一些辅助动作予以传递，因此，表情和身段的动作必须和歌曲的内容、情感及情绪状态形成统一，如出现任何不合适的动作，都会影响歌唱的表现力。

2 ．歌曲风格及韵味的把握。不同时代，不同民族和不同地域的歌曲，都有着不同的风格和韵味，要演唱好一首歌，首先必须了解这首歌曲的时代背景、民族及地域特点，根据不同的时代特征，不同的民族风格和地方特色，选用不同的演唱方式和方法进行演唱，否则，将失去演唱的意义。

3 ．提高表演过程中的心理调控能力。歌唱者在进行歌唱表演的过程中，有时也会出现一些意想不到的现象，如：紧张得发抖、忘词、大脑空白、出错等，这些现象的出现往往来自于个人的心理素质，要想克服这些现象，必须从提高自身的心理控制和调节能力入手。控制能力即稳定情绪、从容自信、不怯不慌、自然大方。调节能力即使注意力合理分配，及时反馈信息，对不合适的地方迅速进行调整。当然，只有比较成熟的歌唱者，才会具备如此的能力，否则也谈不上歌唱的艺术表现力。总之，声音和情感的表达与传递，也就是歌唱的表现必须通过表演才能实现，而三者的完美结合，正是歌唱获得艺术表现力的最佳体现。

在以往的音乐教学中，常常出现这样的现象：低年级学生在音乐活动中喜欢表演，但他们给人的感觉往往“没有表演”，即动作单调、表情单一，缺乏表演意识，没有表现力，更谈不上感染观（听）众。究其原因：有心理方面的，如在众人面前表演心里发慌，胆小放不开；有观念意识方面的，如怕表演不好，别人笑话；也许更多的是知识能力方面的，如对作品不理解，无感受，或表演技能未达到相当的程度等。

在音乐活动中，如何帮助广大学生克服以上的心理、能力障碍，培养学生自信的演唱及有情绪地参与综合性艺术表演活动，发展学生的表演潜能甚至创造性潜能呢？我认为可以结合教师的示范、启发，引导学生通过自己的感受表现音乐内容。在整个音乐教育过程中，教师的示范对学生来讲是一种形象的感性的认识活动。然而，更重要的还是学生自身的音乐实践活动，才能将感性的认识变为内心趋动，上升为理性的本能，使学生在活动中享受到美的愉悦，受到情感的陶冶。我们知道，音乐表现力的形成与发展，对音乐实践活动有着绝对的依赖性。而实践活动是形成和发展音乐表现力的重要前提。依据新课程标准的基本理念，我从以下几个方面去创设条件，引导学生主动参与活动，增强学生的音乐表现意识，提高其音乐表现力。

一、歌词朗诵。

在学唱歌词过程中，朗诵歌词对于学生来讲是比较具体，较易把握的技能。这里可将语文学科中“读”的因素渗透到音乐中来。在此环节中，可先请学生自己读，他们往往会平淡地念过去，然后教师用饱满的情绪，富有感染力的声音和表情、体态“朗诵”，使之在学生心灵中形成鲜明对比，产生感染和共鸣，从而激发起学生对作品的浓厚兴趣，产生学习和表现的欲望。之后，可适当安排一段朗诵表演时间，让学生（特别是平时不太善于表演的）能有机会充分展示自己的朗诵表演才能。这样通过有感情地朗诵歌词感受歌曲的意境，那么在学唱歌曲时学生自然用歌声流露出作品所蕴含的美。

二、演唱。

唱，是学生最易于接受和乐于参与的表现形式。如何使学生在“唱”中受到美的熏陶，进而得到心灵的滋养，提高其表现力呢？据观察，许多同学唱歌都会不自然地喊唱，甚至有时提出了“不许喊唱”的要求，但有的学生仍然直着脖子，闭着眼睛“喊”，到头来自己喊了些什么，唱了些什么他都不知道。还有就是和尚念经似的毫无表情，毫无生气地“念唱”。究其原因，都是对作品不理解，没有感受所致。对此，教师首先从姿势、气息、发声方法等技能方面去纠正不良的歌唱习惯。其次，还需要教师声情并茂地范唱表达出作品的思想感情，使学生对作品有所感受、理解。从而产生表现作品的欲望。在此基础上教师为学生创设一定的情境，启发学生去亲身感受、理解作品的美，用歌声来表现对作品的感情。

三、创作。

小学生的音乐创作是一种发散思维活动。在音乐教学中，处处都有发挥学生创造性的机会，要启发学生创造性地进行艺术表现，不要用“标准答案”去束缚学生，如果这样，学生对作品的表现会很死板。（1）

创编歌词方面：按歌曲的旋律，在老师的示范指导下，让学生根据自己的经历创编新的歌词并演唱给大家听赏。如歌曲《好朋友》，学生通过回忆与好朋友在一起愉快的情景，创编出许多不同的歌词“一起拍球笑嘻嘻”、“一起秋游真开心”。。。。。。学生在演唱这些歌词时，脸上自然流露出喜悦心情。

（2）

创编舞蹈动作方面：在活动中，学生往往会根据音乐内容或形象做出简单一致的动作。为了使学生的动作更加丰富、形象，具有表现力，我在活动中对于学生稚嫩、不够完美的不同动作给予肯定，并通过比较，评选出优美的动作引导学生一起进行表演。

四、文娱表演。

在“六一”、“元旦”等节日庆祝活动和少先队活动中，一般都要开展文娱节目表演。在班内应鼓励学生人人积极参与活动。学生在节目排练过程中，通过与同伴的合作，其音乐表现力也能得到锻炼、增强。

当然，所有这些音乐实践活动，教师应让学生自己参与评论。在评论中，学生之间平等、坦率、融洽、自由，对以前不太明白的某些概念在评论中进一步明确。知道谁表演得好，好在哪里；谁表演得不好，差在哪里。这样就会取长补短，达到教学相长的效果。

有意识的培养、提高学生音乐表现力的过程，也是提高学生素质能力的过程。这对推进素质教育，适应当前教育的发展趋势有着一定的积极作用。

唱是声乐的艺术。好的唱应该是声音优美悦耳，感情真挚动人，语言形象准确，技法运用自如，多种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术。换种说法就是，只有技艺结合，声情并茂，才能使唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术效果。一、 唱中技与艺、声与情的辩证关系。 技与艺、声与情、向来是唱中血肉相连的两个部分。发声的技能技巧与曲情感和内容的表达构成唱的整体，二者不可分割，好的唱不仅发声的方法技巧好，更重要的是，情感的内容表达要好。声乐是听觉的艺术，是唱出来给人听的，作品写得好，还要靠演唱者进行高超的二度创作，才能激发起听众强烈的共鸣。科学辩证地处理技与艺、声与情的关系，深入地探讨唱艺术的二度创作，显然是提高和发展声乐艺术的重要课题。 关于这二者，古今中外的唱论中多有论述。在艺术历史发展的长河中也曾有过"唱声"与 "唱情"的不同主张。 在17、18世纪的欧洲阉人手盛行的两百年间，声乐的美学原理就是"惟声论"。后来虽然经过了格鲁克的剧改革，但"惟声论"的观点对欧洲的声乐艺术还是造成了深远的影响。直到19世纪，意大利的剧演唱已经到了"美声学派新时期"这个阶段时，有人询问起当时著名的剧作家罗西尼，演唱剧需要什么条件，罗西尼回答说："第一是声音，第二是声音，第三还是声音。"唱艺术发展到现在，在理论上持这种观点的人好像是不多了，但在唱实践中，这种声乐重技术轻情感和艺术表现的唱者却依旧不乏其人。当然，有些唱者，因为声音修养的不成熟，技术的不完备，或在发声上还存在某些负担和障碍，使得他的演唱意识不能从声音观念中解脱出来，这自当别论。问题是有一些演唱者或声乐教育者认为，只要声音完美，就没有无情之声。也有人认为声伟曲即传情，没有无情之曲、无情之声和少情之声。在这些人的唱观念和唱思维中，主要是声音。实际上，他们自己已经把声音当作了一种形式，在演唱中，为声音而紧张，为高音而发抖，对唱意识的思维，停留在声音的圆润、气息的支持、声区的统一、共鸣的运用等方面，从而使它们的演唱在听众的听觉中有形无神，有声无情，甚至是生硬、机械的，他们这种外在的紧张和内在的空虚，必然造成艺术表现力的苍白和肤浅。 演唱艺术需要美好的声音，高超的技巧，这是很重要的条件，是这门艺术的物质基础。因此如何提高发声技巧、强化和美化嗓音是每个声乐工作者所努力追求的，但唱作为一门艺术，必须要通过声音，把情感和内容，深刻地体现出来，以感化听众，"心的唱"、"唱情"、"唱神"这都是指要把音乐的最深情感唱出来。 从唱艺术对人的感染作用来讲，唱必须先"入人"才能"化人"。你的声要"入人"，就必须与人"情通"；你的声要"化人"，就必须使人"神往"，也就是"声入而应，情交而感"。所谓"神往"应当是者与听众"情通"之后，达到的另一个更深刻的思想境界，也就是"同声相应，同气相求"的深刻感应。这既是唱艺术的社会作用的规律，也是客观的音乐美的欣赏规律，从这个意义上讲，人们的声乐艺术中强调唱情，当然是无可非议的。 我国的传统声乐艺术，比如戏曲、曲艺的演唱者，大多是沿用现实主义的美学原则发展下来的。有情有声，每位演唱的曲、段子，大都有故事情节，特别是说唱，唱的成分比一般唱要少一些，因而注重情感就特别重要，这是我国现代声乐工作者该继承下来下来的民族声乐艺术的优良传统之一。当然不是说在我国古代就无"惟声论"者了，唐代诗人白易有诗曰；"古人唱兼唱情，今人唱惟唱情。"就表达了诗人对有些人唱只唱声而没有情感所发出的慨叹。二、 在声乐教学中对二者的正确把握和具体要求 一提到声乐教学，大家想到的首先就是声音技巧的训练。没错，嗓音的训练在声乐教学中占非常重要的地位。但这不是全部,更不是最终的目的。声乐训练最重要的目的是要让学生用优美的声音唱出动人的声来。石惟亚教授在《声乐教学法》中对演唱水平的评价标准用了"正确、规格、动人"六字进行了高度概括。这里"正确"或"规格"还是处于学生学习的不成熟阶段,只有在"正确""规格"的基础上再加上"动人",他就已经步入了艺术成熟的阶段。可以这样说:"正确、规格"的目的是为了"动人",但是否在达到"正确、规格"这一标准的过程中就可以不要"动人"呢不是,其实达到前两项要求就意味着已在一定程度上达到了"动人"的标准,并且只要教师在教学中注意引导,学生在任何阶段,即便是学唱的初级阶段都能在不同程度上让情感参与体验并通过声音表达出一种情绪状态来。比如说用一条五度下行的音阶做为练声曲时,老师除了提出呼吸、声音位置等方面的要求外,还必须要求学生唱得"乐感"些,提示学生,让他想象着"我高兴极了"、"我幸福极了",让学生唱出来的声音显得有乐感,在很大程度,若使声与情二者互动起来了,学生就体验到了"情带声,声托情"的感觉。 声乐教师面对的所有声乐学生并不个个都是乐感非常好,音乐天赋极高的学生。那么对乐感一般,甚至很差的人,我们用些什么办法和手段来增强他们的唱表现力呢 首先,教师选择教学曲目要适人适时适难度。"适人"是指根据学生的声音、性格等方面去选择与之吻合的作品教学。"适时"是指根据学生的学习阶段去选择曲目,或者是在了解到他对某种情感刚好有了极强的体会后,比如说学生正在经受失恋的痛苦,你若布置他此时唱《悲叹小夜曲》,他可能会把这一作品的情感演绎得很感人。"适难度"则是根据学生的演唱能力来选择作品,演唱能力不仅指发声技术上的能力,同时也包括艺术表现上的能力。同时恰当地选择一些学生自己非常喜欢唱的去带动其唱欲望,不拘形式地让学生演绎一些他力所能及的作品。比如有些学生演唱一些美声风格的曲时,声音非常"硬",喉咙难以放松;有些学生演唱民族风格的曲时,声音习惯"挤"或"捏",用很重的基音来唱,给听者带来一种非常吃力的感觉。遇到这些学生,我通常给他们找一些很抒情的现代流行曲,并且是演唱者用了很多的"气声"来演绎的、音域及音乐的张力都较适当的这样一些曲来让他们昕,让他们去学唱。这样,他们往往能做得非常好,唱得松了,通了,感情也非常地投入。当学生再捡起以前唱得吃力的那首传统教学曲目时,我要他带着唱流行曲的那种"松"和"遇"的感觉来唱,"硬"或"挤"的问题往往就迎刃而解了。当然,这是通过教学曲目的选择来解决学生某个阶段的发声技术问题,或是唱缺少感情投入的问题,并不是让学生把任何风格的曲都演绎成流行风格,这是必须在教学过程中要让学生弄明白的道理。 其次,就是对比手法在曲艺术表现教学中的运用和强调。经常遇到这样的学生,比如在唱一首三拍子节奏的曲中,若拍子本身强弱弱的节拍规律都不能突出来,还谈什么音乐表现昵还有就是作品的谱面上标注的一些表情记,以及一些节奏型运用和表现中所蕴含着的规律,这都是些司空见惯的,几乎是只要有旋律就会有一些诸如强弱、快慢、轻重上的对比,我们的学生往往因为熟视无睹而把这些给忽略了,这是最基本的要求,在演唱中,没把它们给做出来的话,那就不是叫缺乏表现力了,那是属于"唱的还不如说的好听"呢。相反,若能恰当而巧妙地运用这些对比技巧,将会给你的演唱增添不少活力。 再次，就是要学生有感情的朗诵词。一首好的曲往往是由优美的旋律和富有诗意的词完美的结合而成的，那么，除了在旋律上多做文章外，还有一条途径就是通过对词进行研究来进行表现。在这种处理中，要求演唱者去细心地体会词所描绘的情感和整首要"说"的"事儿"。斯坦所斯拉夫斯基曾这样要求唱家："你们的唱应该出色到观众不再发觉你们在唱。"要让你的唱像在绘声绘色地讲故事一样，吸引别人。这就要求你在唱出语气、语感、感情起伏等方面狠下功夫才能做到的。 对一个作品进行教和学是要花很多心思的，就像是一个戏剧演员设计一个角色一样，认真研究他所需表现的东西，即使是一个小作品也不放过。独唱艺术和戏剧、剧或戏曲的演唱技巧不全相同，后者有一个故事情节连着，表演或演唱的东西有一个底子或线条可寻。而一首曲，就算内容比较曲折吧，也只那么几小段，若不用心演唱，就很容易唱得平平淡淡，故"简单"的曲更需要有缜密、细心的，合理安排布局，严格把握词曲所表达的内涵，做出周详的设计，声与情，技与艺有机的结合，才能使唱艺术达到日臻完美的境界。一个演唱者要达到艺术上的成熟阶段，的确不是件容易的事，也不是仅靠声乐老师的指导就能达到的，同时需要自身的不懈努力。 最后，希望所有的声乐学习者通过自己不懈的追求，不断的努力，对生活进行深入的观察、体验、感受，并化入自己的艺术创造中，再通过艺术实践的控索，对表现方式的反复钻研，并在唱"情"上狠下功夫，逐步到达成熟的境地。

在声乐演唱中如何体现情感-表演技巧的作用

　如何在声乐的演唱中融入情感是很重要的，其中就是通过表演的传达。下面我为大家整理了情感表现与表演技巧在声乐演唱中的方法，希望能帮到大家！

　音乐是利用人的声音塑造出各种音乐形象，并表达情感，在实践以及表演著名音乐家的创作成果中对音乐形象进行塑造的艺术形式。音乐作为听觉艺术，可以通过表演者的表演以及歌唱对观众的听觉和视觉神经产生刺激，进而将音乐的内涵准确的传达给观众。此外在声乐是声音和伴奏的完美结合，是人们表达情感以及实行情感交流的重要方法和手段。因此在声乐演唱中不但要在其中融入自身的情感，还要通过一定的表演技巧来向人们展示自身想要表达的内容。

一、在声乐演唱中融入情感的重要作用

　1、帮助解决声乐作品的内涵情感

　声乐作品的基础是对生活经历的感受以及对乐曲内涵的理解。首先演唱者要深入了解月曲折的生活经历，对其创作的风格和特点实现掌握，此外还要了解声乐中的社会背景和历史条件;此外演唱者还要快速的融入在意境内，设定自我的角色感受乐曲的精髓，将声乐内的情感实现有效的挖掘，并且将生活经验代入到延长内，只有这样才能将乐曲中的深层含义全面的展现出来。若是演唱者无法对声乐中潜藏的情感实行完全的消化，就不能全面的诠释歌曲中蕴含的情感，这种演唱就一定是枯燥的，不能对将观众的心进行打动，更无法引起观众的共鸣，无法展现出音乐的精华。不同的演唱者在延长同一首声乐中可能会出现不同的表达效果，情感表达的方式对乐曲的总体演唱效果具有决定性的作用。

　 2、帮助对作品角色的全面演绎

　声乐作品在演唱中是要将无生命的静态音符转化为生动悦耳的声音。对此演唱者就必须对整个乐曲的旋律、节奏和情感的转变等进行把握，同时还要用心去体会。随后将自己融入在相应的意境内，这样的演唱才能真正的打动人心。演唱者在对乐曲进行熟悉的过程中，需要站在创作者的情感思路角度上，对作者的情感实行把握，对作品的潜在思想和精华实现感受，并且融合自身的生活经验，准确表达作品中的思想情感，不能对作者的真实情感产生误解。在演唱中，演唱者要对每一个词与的褒贬和语调的变化就行把握，不要放过对作品中任何一个展现作品情感的地方，实现自身角色对乐曲背景的更加贴近，如在对《白毛女》进行演唱中，在唱出了北风那个吹这一段中，演唱者要将自己化身为喜儿，这样才能够成功准确的塑造出作品中的角色。因此演唱者在延长前要对喜儿的身世、处境进行了解，同时了解其内心想要表达的情感。演唱者只有在事前对相应的角色进行良好的解读，才能将自己更好的融合在乐曲背景内，通过虚拟的角色来对乐曲中包含的情感实行体验，演唱者必须具备丰富的生活经历和深厚的人文情感，这样才能对曲子中的情感因素以及虚拟角色实现把握。

　 二、表演对于声乐演唱的重要作用

　1、表演可以进一步丰富演唱者的艺术想象力

　艺术在创作中的想象力是创作者必不可少的心理能力，并且想象力和其思维、情感以及周围的环境是存在着相互的关系，并且是相互渗透和相互影响着的。在声乐演唱中，表演能够对演唱者的艺术想象力实行进一步的丰富，进而对演唱者的艺术想象力进行有效的激发，在其想象力的作用下推动其进一步的去参与表演。此外表演者可以在丰富艺术想象力的基础上，结合声乐中的内涵和情感，很好的运用自身的音色、音质以及乐感等来塑造歌曲的意境和任务形象，实现对原始作品的的二度创作，进而促使演唱者在演唱以及表演形式上形成较为独特的风格，使其能够传达出与众不同的音乐美。同时演唱者可以将自己的生活和艺术想象进行结合，通过自身的生活体验来对作品中的真实情感进行领悟，同时将其中的情感和精髓完美和准确的表现出来，这样才能够实现声情并茂的演唱。歌曲作品好，表演者演唱的好，这样能够达到双重效果，这样才能够展现出声乐的演唱者在音乐殿堂中演唱的艺术美。此外表演者可以结合艺术想象，通过情感来对演唱的声音进行带动，这样会更容易找到感觉，实现对声乐演唱者的领悟。

　2、对艺术实践中的自我感觉进行确定

　声乐演唱的过程中，要具备良好和强大的心理素质，这样才能够在众人的目光中自由和大方的展现自己，放开表演，这样才能够充分实现自己的价值。也就是说，演唱者需要在演唱中具备充分的自信心，充满自信心的演唱者首先要对自身的演唱能力在心理以及精神上实行自我的肯定，这样才能够更加从容的`去面对演唱中出现的各种意外情况。声乐演唱的过程中，演唱者要对自身的态度进行端正，将一切杂念进行抛开，轻松的站在声乐表演的舞台上，提前准备，帮助自己创造出演唱的意境，促使自身提前进入到演唱的角色中，这样才能够在舞台上更加自信的歌唱，在表演中才能够更好的展现自己独特的风格。这样的延长着才能够通过演唱作品来对自己的情感进行突出，实现自身的价值，并且突出自身在艺术实践中的良好感觉。

　3、表演可以提升声乐演唱者的文化素质

　在声乐演表演中，表演是能够让声乐演唱成功的重要方法。在演唱中，演唱者要结合歌曲的内容，对创作者的主要经历、风格、创最背景进行了解，同时掌握创作者背景下的音乐特征和民族特点，这样才能够全面的释放自己，同时演唱者的文化素质也得到了提升。作为优秀的演唱者，表演技巧在声乐演唱中的作用是不可或缺的。众所周知，技巧是音乐中的重要部分，并且表演者要想完美的诠释一首作品，必须不断对自身的文化修养进行提升，表演技巧会随着文化素养的提升而提升。两者之间的关系是相互渗透和相互促进的，声乐表演者不但可以使得表演者在演唱中不断提升演唱的技巧，同时还能潜移默化的对演唱者的文化素养进行提升。

4、在声乐的演唱中，演唱者为了更好的对声乐作品中想要

　表达的艺术形象进行充分的展现，就必须在其中融入更多的表演，这对演唱者而言工作量会更大，在声乐演唱中，不断要对演唱的技巧实现熟练掌握，同时还要将表演和歌曲实行相互融合，给人一种身临其境的感觉，这样才能更好的展示艺术的内涵。不同的人的声乐演唱特点是不同的，演唱者通过自己的主观意识对创作者的构思和想法进行领悟和揣摩，通过自己的独特的风格将歌曲完全的演绎出来。

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声乐教学的最大意义是让学生在充分正确了解作品内涵的基础上，将自己丰沛的感情融入到歌唱中去。在教学活动中表现音乐的重要途径是学生的歌唱，它也是最好的艺术实践行为，是声乐教学课程关键的部分。传授正确的歌唱方式、以适当情感表现歌曲内涵是声乐教学的总要求，这些教学应该做到让学生的歌唱声情并茂，以情感表达带动歌唱的声与韵，从而提升歌唱的感染力与表现力。下文将从以下几个部分来分析声乐教学中培养学生歌唱表现力的方法。

　　一、教授科学的发声方式

　　要将学生带入追寻和探求音乐美感的华丽殿堂，完全融入音乐表演的情境中，必须使学生具备极强的表现欲。声乐教师诱发学生表现欲的条件是课堂上饱满的教唱热情、丰富的表情、灵动的肢体语言、科学可行的歌唱发生技巧，以此激发课堂上师生情感的共鸣非常重要。声乐课堂关键性的教学目标之一是使学生掌握科学合理的发声方式，达到歌唱的声线温润、柔和、自然。要达到这个目标应该训练学生的语言表达能力和歌唱吐字能力，做到清晰、准确。将表达歌曲艺术形象的方式拓展开来，最终能够通过学生歌唱的技巧传达这种艺术形象。不过，很多教学案例中却发生过学生歌唱发声方法不准确致使情感表达平铺直叙的现象，有的简直到了声嘶力竭的地步。这样，歌曲的音乐内涵抒发也受到了阻碍。针对类似的情况，声乐教师应该在教学过程中要求学生以轻声和头声歌唱、坚持找准气息指点再发声。逐渐确立学生自身的标准音色。在这些基本条件达到的前提下，以正确的歌唱姿态，一点一点练习自身发声器官的技能。声乐教师应该通过饶有趣味的训练方式和逼真形象的肢体语言来激发学生基于直白化感官审美的学习兴趣点。根据教学内容歌曲的实际内容，选择先唱后练或者反之。歌唱和练习同时进行也是可以的。通过全方位的训练，让学生在歌唱过程中初步了解自身各个部位发声和呼吸器官相互协调的功能，训练他们美好的肢体语言。只有实现声乐教学课堂知识讲述与师生互动的过程充满趣味性又兼顾科学性，才能促进学生从被动到主动地学习掌握演唱的技能，并且对其进一步地探索。

　　二、深入理解歌曲曲谱

　　歌唱者须以自身美好的歌声，抒发对歌词和音乐的感受和理解。因此对于歌曲的音乐和歌词必须认真领会，才能清晰准确、并且深入地表达出歌曲的音乐内涵和风韵。歌唱作为一种基于歌曲成品的二次创作，歌者仔细推敲和研究音乐的歌词、曲调以及相关表情符号，深切体会其中传达的情感内涵，是进行再创作的基本条件。通过多次富于感情地朗读歌词可以在某种程度上加深对歌词和乐谱的领会，逐渐达到熟练和精准掌握。朗读是以诗歌的形式体现歌曲的情与境，能将声音传达与语言艺术融会贯通。歌谱看起来静谧无声，却蕴含和记述着作曲者波涛汹涌的情感和复杂多样的艺术表达方式技巧。因此它代表歌曲的灵魂，声乐教师应该教会学生用心去领悟。每一首歌曲都是一座艺术殿堂，以精美绝伦的歌词为富丽堂皇的装饰，以内涵丰沛的曲调为气势恢宏的穹顶。徜徉于其中的歌者应该用发自内心对美的领悟与感叹，发掘自己的音乐想象力，激发自己的歌唱热情。进而让自身的情感与歌曲的艺术境界融为一体，用优美的歌声将歌曲的艺术形象完美地勾勒出来。

　　三、把握歌曲的节奏

　　在任何一种具有流动性的艺术形式中，节奏都是一个非常重要的变现方式。众所周知，**、动画要强调节奏；诗歌中的平仄韵脚也是对其节奏性的体现；一篇文章更要强调起承转合的节奏。节奏在音乐表现力上更是不容忽视。一首乐曲演义的速度力度或者节奏不同，产生的结果可能与最初预想的大相径庭，让音乐的艺术形象产生扭曲或者残缺。一部分学生非自觉性地将歌曲的某些段落处理得快慢不均匀、轻重落点错误，这会使歌唱的艺术表现力大打折扣。究其原因：首先是节奏感的缺乏。对于某些特定段落的处理，例如三连音、密集型音符的掌握不到位造成基本节奏错误。而后则是不能很好地领会歌曲的内蕴和含义造成节奏处理的失常。节奏是表达音乐艺术主题的关键，处理它应该遵循严格准确的规范，但绝不能变为机械呆板的形式。在歌唱的过程中，对于歌曲力度着重点的把握也同样重要，对于力度处理的偏颇很可能影响到音乐作品的整体风格和情感表达。

　　四、正确理解歌曲的内涵

　　在教育改革的大潮中，声乐教育同样走在前列。在改革后的声乐课程中，学生变被动为主动。教师应该在其中充当引领者而不是灌输者，让学生尽量自主地分析和领会处理歌曲。教师可以通过比较法让学生逐渐体会两种不同情感在乐曲中的表达，体会其中音乐语言的千变万化，从而逐步掌握不同类型歌曲的共性与特异性，提高歌唱的表现力。

　　五、启发学生带着情感去歌唱

　　任何艺术形式的表达，如果仅仅拘泥于对技巧的卖弄都会沦为匠气之作。音乐也不能例外。因此，声乐教师在传授学生歌唱技艺的同时，一定要注重培养学生对音乐学习的热情。教师要以自己的真实情感打动学生，同时感动自己。教师对课堂上每一首歌曲的内涵都充分地领会，这样才能激发学生的音乐热情，让整个课堂变得气氛生动，富于感染力。让学生在今后的音乐从艺之路上永远拥有饱满的创作激情。

情感控制在演唱过程中起着重要作用，既需要自身对作品有着足够了解，又需要有着较强的演唱技巧、能力作为支撑，对于演唱者而言有着更高的要求。为此，演唱者可以从以下几方面着手，加强情感的控制。

（一）正确理解流行音乐作品

流行音乐作品的诞生，往往有着特定的时代背景，以及创作者自身的亲身经历，其中往往包含了较为丰富的情感。若是想要较好的进行情感控制，演唱者首先要做的，就是理解音乐作品，只有在理解后，才能更好的诠释音乐作品，做好一系列的准备工作，然后对音乐作品进行二次加工，升华音乐情感，丰富情感表现。

首先，要对创作的创作初衷有着一定的认知，从时代与创作背景、创作意图、作者情感经历等方面着手，进行分析，掌握创作者的音乐风格，然后对音乐作品的旋律、节奏、歌词加以理解、剖析，以便于更好的调整自身情感。

其次，演唱者需要在音乐中融入自身的情感，在理解的基础上，还要结合自身情感，在演唱过程中加以展现，从某种意义上来说，演唱者必须与创作者有着较强的音乐共鸣，才能真正展现音乐作品，演唱者要具有较强的个人阅历、理解能力，以及共情能力，便于将创作者的情感内化，逐渐转变为自身情感，以达到较好的音乐效果。

（二）合理换气，较好的控制演唱情绪

在音乐演唱中，换气是十分重要的，对于情感的把控尤为重要，而演唱情绪也通常都是借由换气、气息控制来加以实现的。换气是否合理，也将会影响到流行音乐的演唱效果，若换气合理，则能提升音乐演唱品质，增强情感把控能力。当人处于不同的情感状态时，气息也会发生较变化，并呈现明显差异，兴奋状态下，人的气息会较为急促、激烈，低落情绪下，气息则会相对平缓、压抑，这也就不难看出气息与情感控制之间有着紧密联系，演唱者必须要根据音乐作品本身，对换气时机进行把控，使情绪、情感流露更为自然。

（三）较好地把控流行音乐节奏

节奏是音乐作品的重要骨架，不同的节奏类型能够展现出不同的情绪，要求演唱者必须对流行音乐作品的节奏有着较好把控，实现情感外化，引导观众情绪。随着我国流行音乐的快速发展，音乐作品在形式、内容等方面都有着较为明显的差异性，为了适应时代发展，更是延伸出不同的流行音乐风格，这也就为演唱者提出了更高的要求，若是要精准传递音乐中的情感，就必须对音乐作品本身的风格、节奏等进行详细分析，把控节奏后才能更好的进行情感输出。

一般情况下，愉悦、积极情绪，主要会通过快节奏来展现，比如《双截棍》就是用快速节奏演唱的方式，展现愉悦的情感；叙事、抒情风格，则可以用中速完成演唱；悲伤情绪表达，则会选择慢节奏，如《可惜不是你》就是利用慢节奏、舒缓节奏，展现出对人的忧伤、惋惜，将创作者的深刻情感，利用节奏控制、把握重音拍子等方式，较好控制，提升音乐情感表达的精确性。

（四）提升流行音乐的演唱技巧

流行音乐演唱主要包含了作品、歌唱技巧、歌者本人等方面的相关内容，若是想要较好的进行情感把控，技巧是十分重要的，是演唱者自身综合能力的重要体现，包括声音强弱、高低变化、音色等，都需要演唱者依靠技巧进行主观调控，才能较好的进行情感控制，使音乐作品内涵能够借由演唱者的真情表演充分展现。

综上所述，不管是任何形式的音乐作品，情感都是其核心，只有将其中蕴含的情感充分展现出来，才能更好的吸引听众。因此，在流行音乐演唱中，较好的控制有助于与引起听众共鸣、较好展现音乐作品、提升舞台表演效果，对于演唱者而言至关重要。

因此，演唱者必须要较好的掌握情感控制技巧，通过正确理解流行音乐作品、合理换气较好控制演唱情绪、较好把控流行音乐节奏、提升流行音乐演唱技巧等方式加强情感控制，以及音乐细节处理，使得音乐更具表现力、张力，为听众带来良好的听觉感受。