贝多芬第五交响曲3种不同版本的情感 音乐 手段

贝多芬第五交响曲版本进一步比较（二）

综合上一乐章的情况，Toscanini、Karajan、Monteux属于快速的代表，时间都是七分钟略多一点，Szell、Kleiber、Dorati、Reiner属于中等速度，大概在七分半钟，而Bernstein、Furtwangler、Bohm却属于比较慢速度的，在八分钟这个范围。

前两天晚上也在加班做事情，没时间来听音乐，今天来继续谈贝多芬第五交响曲第二乐章。相比第一乐章来说，第二乐章这个行板所体现的就不是第一乐章那种流畅的快板的风格了。实际上第二乐章的风格跨度可能是这部交响曲里面最大的一个乐章，从比较抒情、比较柔和的由提琴演奏的部分，转换到很雄壮、很庄严的进行曲部分，这种情绪上的变化无论对指挥还是听众来说都是有一定挑战性的。由于风格的强烈反差，指挥对于乐队的绝对控制力在此乐章应该是至关重要的。虽然我没有听过Klemperer指挥的版本，但是我很确信，以他的风格而言，指挥此乐章应该是非常出众的样板式演奏。继续选择SONY出品的Szell指挥Cleverland乐团的版本作为标准。下面所涉及的版本第二乐章演奏时间多半在十分钟、十一分钟这个范围内，由于有庄严肃穆的进行曲部分，时间稍微长一些并没有感觉上显著的差异。唯一的例外似乎是Dorati的水星版本，此版本耗时只有九分钟不到，下面再具体谈。

版本一：Furtwangler指挥Berliner Philharmoniker在1944年的录音，EMI指挥大师系列。Furtwangler很明显希望自己在这个乐章里面用强烈的动态反差来凸现两个主题的冲撞。如果不小心把声音开得大一点，到了第二主题出现的时候，实在有种震耳欲聋的感觉，那鼓声、那管乐犹如澎湃的巨浪，让人不由得打个寒颤。如果用一个词汇形容，那大概就是火爆了。其实，在比较抒情的部分，Furtwangler是能够把情绪迅速转换过来的，并没有受到进行曲部分感情的影响。这就显示了大师的功力。此乐章有个明显的问题，就是老旧的录音很明显无法纪录如此庞大的动态范围，在高分贝的段落，所有乐器显得声嘶力竭却有气无力。

版本二：Carlos Kleiber指挥Weiner Philharmoniker在1975年的录音，DG大郁金香系列。Kleiber此乐章基本上遵守了Furtwangler的风格，强调巨大的反差，强调大动态。不过相对来说，Kleiber此版本的处理相对内敛一些，抒情部分也更温柔一点。Weiner Philharmoniker出色华丽的弦乐显露无遗。此版本的速度也是比较适中的。

版本三：Pierre Monteux指挥London Symphony乐团于1960年代录制，DECCA双张系列。与Monteux的第一乐章相比，此乐章采取了比较传统的做法，演奏速度也下来了，其实London Symphony的演奏水平是相当高的，这一乐章确实比第一乐章更能体现这个乐团的实力。Monteux不像Furtwangler和Kleiber那样营造巨大的反差，而是用他自己的理解娓娓道来，进行曲部分节奏把握有板有眼，并没有因为相对较小的动态就削弱了那种豪迈、庄重。相比BPO和VPO而言，LSO也是个总体水准很均衡的乐团，不过LSO的管乐音色似乎比较明亮，有更多通俗音乐的色彩。录音还是那种感觉，似乎平衡度稍微有点欠缺。DECCA确实是搞室内乐的行家，录制交响曲麦克风摆放也是那种近声场风格，此感觉在Dorati水星版也很明显。

版本四：Karajan指挥Berliner Philharmoniker 1963DG版光碟加黑胶。此版本的演奏时间不像第一乐章那样感觉比较短，充分把握了行板的特点。Karajan也是个演奏进行曲的大师，整体感觉很到位，不过他也不很强调反差，因此总体感受和Furtwangler、Kleiber的处理风格不同。BPO的弦乐似乎是一个内功非常深厚的高手，并不那么华丽但是非常非常的厚重，属于那种朴素但水平奇高类型。

版本五：Bernstein指挥New York Philharmonic乐团Sony版录音。Bernstein指挥这种风格变化跨度很大的乐章是相当得心应手的。实际上他老人家指挥浪漫派作曲家的音乐作品都是相当正点的。对于贝多芬这个古典流派的巨人，Bernstein有他自己的理解。他的那种把每个音都一板一眼表示出来却不会让人感觉零散的独特风格，基本上是独成一派。第一乐章这种指挥风格会让一些人感觉不适应，第二乐章就只能说恰到好处了。我至今没有发现第二个人指挥风格和Bernstein类似，也许是我听的太有限了？

版本六：Fritz Reiner指挥Chicago Symphony乐团RCA现场立体声录音。Chicago的大厅确实有其声学特点，那种比较空旷的感觉贯穿了Reiner指挥Chicago Symphony在RCA录制的现场立体声系列。在此乐章，Reiner也不是使用声音的强弱而是节奏的把握来表达两个主题的差异。Furtwangler和Kleiber的处理给人更加深刻的印象、主题更加鲜明，而比较传统的风格的处理固然没有F、K的那种特殊性，但是也有其自身的优点。在节奏的变化和强弱的微调过程中，能够把两个主题过渡部分的那种连续性表现得淋漓尽致。Reiner属于音乐色彩大师，他是很善于在很自然的过渡中去表现那种情绪的连续转变的。

版本七：Antal Dorati指挥London Symphony乐团，Mercury现场演奏录音。这是一个近声场、强调每个乐器细节的典型录音。这可能也是所有发烧风格录音的一种趋势。有人曾说聆听《黑教堂》使用揭示力强大的耳机可以达到数人头的程度（很明显是夸张的话），而DG，EMI的录音却属于相反的风格，也就是更注重整体声场风格的纪录。Dorati此版本的第二乐章最最优秀的地方就是能够清楚的标定什么乐器在什么方向什么位置。中提琴、大提琴、长笛、铜管这些乐器都能有很明确的定位。在RCA现场立体声系列、Mercur现场演出系列SACD版本的多声道版本中（主要还是两声道或者三声道），声场的定位得到了更好地体现，而这种体现完全是建立在自然的声场基础上面，符合音乐厅中间空间的分布。这和一些做得比较“时髦”的多声道DTS、DVD-Audio流行音乐专辑就不同了，那些专辑乐器的摆放完全是人为混音的结果，因为按照听众的位置来说，乐器无论如何不可能跑到后环绕声道去。但是正如前面所说，此版本耗时不到九分钟，对于一个包括雄壮的进行曲部分的乐章来说，确实有点仓促了。此进行曲由于色调和第三交响曲的葬礼进行曲不同，速度自然不必那么缓慢以凸现凝重的情感，但是足够的顿挫绝对能够增加那种铿锵有力的节奏。这是本版本的一个让人疑惑的地方。

版本八：Karl Bohm指挥Weiner Philharmoniker，DG双张系列。Bohm的第一乐章也是相当长相当缓慢的。不过很奇怪的是，听的感受并没有标定的耗时那么慢。Bohm是个真正的大师，他的风格很多人可能并不是非常喜欢，他的录音也远远比不过Karajan、Bernstein这些人，但是他对莫扎特的精通也是为大家所公认的。贝多芬的单数交响曲所体现的那种激情确实和Bohm所最擅长的那种风格有一定的距离，但是作为一个饱经风霜、生活经历丰富的老人、用一种淡泊的眼神去看这个世界，所诠释的贝多芬也是非同小可的。Bohm在DG的录音长期被掩盖在Karajan在DG录音的光环下，这也许是个很大的错误。老人自己呢？或许他自己倒并不是很在乎，从他的录音来看，他不是那种争强好胜的人。但是他的录音贯穿了唯美的思考。是的，Bohm的贝五也贯穿了这种美学思考，也就是在德奥指挥精确的基础上如何演奏得更美一些。

版本九：Toscanini指挥NBC Symphony，RCA历史录音。Toscanini的指挥属于那种简洁、流畅、没有废话类型的。他的贝交也体现出这种非常干脆的个性。第一乐章比较短的七分钟让托老彻彻底底的过了过瘾，我估计他当初指挥棒抖动的频率是相当惊人的，因为在这个速度下，像他这样干脆利落而且一清二楚毫不含糊的把每个音节都交待出来，体力消耗应该相当不小。第二乐章，他的风格还是简洁，但是简洁并不代表简略，也不代表就牺牲了原本应该表现出来的情感。我觉得大师之所以直到现在仍有很多的崇拜者的一个很重要的原因就是他知道忠实原谱是指挥的首要目标，而之所以要忠实原谱就是通过乐谱把作曲家当时的那种真实情感原原本本表现出来。风格简洁的指挥很不少，比较情绪化比较浪漫派的指挥也不少，但是理解音乐本身达到托老这个层次的，又有几个？此录音自然是毫无希望的差，音乐或者音质，你选择哪个呢？

版本十：Szell指挥Cleverland乐团，Sony出品。Szell第二乐章继续了第一乐章所凸现出来的那种命运的严肃感。是的，Szell是很能体现出一种非常郑重严肃的心情的。第二乐章进行曲部分可以说是录音较好的版本之中相当典范的一个，这就是进行曲，这就是进行曲的节奏，无可置疑的精确，非常的郑重其事。就连停顿都那么精确。如果你跟着他的音乐在静默部分默默喊一二三四数拍子，就明白他是多么精确了。要知道，跟着CD和熟悉的路数去喊拍子并不难，站在台子上，那么大的一个乐团需要照顾，并且要按照自己的理念去指挥出特点来，做到如此的精确，相当不容易。我越来越觉得综合录音效果、忠实乐谱、情感演绎，对于第一次接触贝交的人，Szell的全集比Karajan1963全集更合适。当然Karajan1963全集也是挺精确的，缺点就是录音似乎不太好。Szell的全集除了录音稍微有点干，整体清晰程度好于红卡。

贝五第二乐章相对来说长一点，而且比较复杂，感情切换幅度大，每次重听都有新的发现，新的感受。而且各位指挥切入点似乎也不那么一样。当我开始写感受的时候，心里再想要不要再听一遍继续寻找更多一点的细节呢？考虑到这样的疑问可能永远无法结束，就此了断，还是粗粗浅浅写出来。以后要是真有新感觉，修正一下就行了。

音乐表达感情的方式特点主要有：

（1）音乐不再现现实生活中的物质形式，而只是表现从其中体验到的情感

音乐对现实生活的反映仅仅是表现出人在生活体验中获得的感受和产生的情绪、欲望等情感性的东西。即音乐只表达情感而不去揭示这种情感所赖以产生的那些依据。这就是音乐反映现实的特殊方式。

（2）音乐中表现的情感是抽象的、直接的

①音乐表现的情感是抽象的

音乐中表现的情感，因为是从作为生活依据的具体情景事件中提升出来的，它就不再是具体的感受，而更加具有概括性和一般性。也可以说，音乐中表现的某种情感不是个别的、特定的，而是这种情感本身。例如表现战争胜利的欢乐，就不只是某一次战争胜利的欢乐，而是比较抽象的、宽泛的，它可以代表一般胜利的欢快情绪。

②音乐中表现的情感是直接的

音乐中如果要表现对于具体对象的爱或憎，对于具体情景的感受或具体历史事件所怀有的情感意愿等等，只有同其他某些艺术类型结合起来才有可能。例如在歌曲中，所表达的感情就比较具体化了。但是之所以形成这种效果，是由于歌词对于作为内容的情景、事件等所做的确定性的描述，而歌词是属于文学范畴的。再如音乐在戏剧、**中的使用，也使音乐表达的感情同场面人物和情节密切联系起来，而变得具体化。

（3）音乐表达感情的特殊方式，还带来欣赏的特殊性

音乐的听众往往把乐曲中的感情当做自己的感情来体验，仿佛乐曲转移到了自己心中，成为自己的“心声”。这种情感体验带有更为直接的、个人的性质。正是因为这样一个特点，与音乐相结合的歌词常常以第一人称来表述，不仅演唱者而且欣赏者都会把自己的感情投入其中。

伤感歌曲跟悲伤歌曲有什么区别

个人认为他们区别不大,如果非要说区别,那就是伤感是个人因素产生的,而悲伤是外界因素。怎么说呢。好比你听听一首伤感的歌的时候,你心里也会共鸣。被带入其中。身边围绕着一股忧伤的情绪,而悲伤呢。

摘要：音乐是情感的艺术,音乐情感是音乐作品中必不可少的一部分。音乐中的情感能够让音乐美尽展无疑，能够让人对音乐产生情感体验，从而让音乐作品能够引起听者情感的感染和共鸣，并且在愉悦的身心体验中感受到音乐传达的情感。所以音乐情感在音乐作品中的表现是多方面的。在任何音乐作品中，音乐所表达出的情感必须是多样的。本文将重点探讨音乐情感在音乐作品中的作用及地位、音乐情感在音乐作品中的表现。　关键词：音乐情感；音乐作品；表现　音乐是通过声音来表达内心情感的一门艺术，同时也是人类表现艺术最早的一种形式之一。随着心理学的诞生与发展，人们对音乐情感在音乐作品中的表现研究逐渐趋向一种科学化、实证化的描述和解释，同时也对音乐情感进行了深入的研究。音乐情感在音乐作品中的表现研究涉及到的学科面很广，这就说明必须要对音乐情感进行深入而广泛的研究。　一、音乐情感在音乐作品中的作用及地位　古话“诗言志歌咏言”、“当语言无法表达的时候，请让音乐响起来吧！”这都说明音乐情感在音乐作品中的地位和作用是不可小觑的。任何艺术都是源于生活，但是又高于生活的，它们以独特的形式和技巧反映生活、体现生活。因此音乐情感与音乐形式在任何艺术中都是固有的、感性的。如果对作品形式所含的内在情感理解和体会得越深，那就越能充分的表现出音乐的韵味和魅力。相反，如果只掌握了表现作品的形式和娴熟的技巧而没有情感，那就只能像钟摆一样机械地表达作品的形式涵义，由此带来的效果是乏味的，难以打动听众。音乐情感在音乐作品中的作用和地位是显而易见的。音乐的最大特点就是激 趣，触动情感，使人愉快地品尝音乐艺术的同时受到审美教育。音乐作品能够突出情感教育和体验，以情感人，提高审美能力，净化心灵，培养正常健康的心理、良好完整的人格以及美好高尚的情操。感受音乐情感是重要的音乐学习领域，是整个音乐学习活动的基础，是提高音乐审美能力的有效途径。良好的音乐感受能力与鉴赏能力的形成，对于丰富情感，提高文化素养，增进身心健康具有重要意义。　二、音乐情感在音乐作品中的表现　（一）音乐情感能够呼唤听众内心深处的情感　音乐情感能够让听众更好的了解音乐作品的音乐意境，音乐作品中有着极其丰富的美的内容，有活生生的情感。充满情感的音乐情境，能让听众真正置身于情、景、声交融的场面，真正理解作品的思想内容，促使人们深刻了解作品的内涵。　因此，音乐作品要将音乐中的“情”融入其中，从情入手提高人们的音乐感知能力，通过“情”来拨动听者的心弦，让听者置身于情境之中，引导听者去感受，去想象，去理解，使听者全身心地融入音乐作品之中，用心体会，从而产生强烈的情景感应效果，得到美的享受。在欣赏音乐作品的过程中，牢牢把握情感这条主线，通过音乐情绪与情感的这种特质，不断丰富听者的情感体验，提高听众的情感强度，使人们的情绪、情感同音乐情绪、情感和谐的沟通与交流。音乐情绪与情感体验不能仅仅停留在外表的层面上，更需要内心深处的体验，寻求那种动人心魄的、使人感到震撼的艺术效果与境界。多让音乐本身面对听众，用音乐的情感来呼唤听众的情感。　（二）音乐情感能够烘托出音乐作品中的情感内涵　音乐是一种善于表现和激发感情的艺术，音乐作品中蕴含的情感内涵是非常丰富的。简而言之，音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是听众对音乐的情感内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的行家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一个重要部分。为了更深入地体验音乐作品的感情内涵，听众一方面要通过对音乐本身的反复倾听，凭借直感更准确、更细致地去体验乐曲的感情表现，另一方面也要从各个方面去进行研究和了解音乐作品的情感内涵，只有这样才能正确把握音乐作品的感情内涵。　（三）音乐作品中的情感可以通过表情来表现　表情，是表现音乐情感最直接有效的方法。音乐作品可以拨动听众的内心情感，能够整个感染、触动听众的音乐几乎都是通过表情来完成的。所以，音乐情感通过表情在音乐作品中得到体现。音乐作品的表情包括：力度、速度、节奏、音色、和声、配器等。歌唱者只有对音乐作品的表情正确、全面的理解和感受，才能准确无误地将情感传递给听众。表情能够表现出音乐情感，从而使音乐作品有生命。　三、总结　音乐情感在音乐作品中的表现是多样的，关键在于听众能否理解音乐作品的深刻内涵。激发听赏音乐的兴趣，养成聆听音乐的良好习惯，必须要了解音乐作品中的音乐情感。音乐是一种表现生活的艺术，要想加深对音乐作品的了解，必须要深入了解音乐作品的感情内涵。　　参考文献：　[1]芦 苇解读艺术教学的“综合性“[J]上海教育科研，2003（5）