插画设计作品赏析-意大利插画艺术家埃米利亚诺·庞兹作品的风格特点?

倪传婧（victo-ngai）作品赏析倪传婧（victo-ngai）是我较为欣赏的插画家之一，她的作品风格时而纤丽夺目，时而诡谲怪诞，此外，幽默、夸张，童趣，意外等词汇更是她作品的增鲜剂，似乎任何题材到了她的土壤都会开出一束束victo-ngai式的花朵。她早期的作品充满稚气与可爱，线条里藏着不受拘束的调皮。后来的作品线条越来越工整，但却丝毫没有约束她天马行空的表现力。她的作品创意与技巧相得益彰，其中又可以捕捉到各种艺术形式：日本浮世绘、中国古画、欧美漫画、塔罗牌、装饰画等等，且又将视觉构成运用得挥洒自如，笔底生花。看了她的这些作品，令我不得不提起喜欢的另一位女插画家——清水裕子（YukoShimizu），跟24岁时就进入福布斯艺术排行榜的倪传婧相比，清水裕子算是大器晚成了，30岁时才真正开始学习绘画，但她的作品也依旧充满灵气，获奖无数，其背后的故事很励志，在此不赘述啦。她们的作品充满了故事，但相比之下，作品的色彩也是吸引我的一点，这种低饱和度但丝毫不单调的色彩设计令我十分痴迷，灰色可以给配色增添趣味，淡雅的画作始终比艳丽的画作更易使人接受。除了色彩，线条也是表现idea的强大工具，她的作品都保留线稿，并且给予颜色搭配，也算是形成了一种风格吧。相信她的灵感一定来源于类似下图的装饰风的插画吧？这种风格的插画看着是复杂，其实画起来也很复杂，哈哈哈嗯，主要是里面的填充的纹样的设计比较难啦！然而，我我觉得更难的是尺度的把握。填好了会很惊艳，然而稍有不慎就会因为填充过于密而导致没有“呼吸感”变得另类，下面有例子。好了，关于装饰性的讨论到此为止。最后附上一位我超级喜欢的装饰风格大师的作品——有请奥伯利·比亚兹莱（AubreyBeardsley）闪亮登场，有时间我们再仔细聊聊他的作品。从victo的作品里，我学到很多，其中最念念不忘的就是「吸收」，从自然界，从历史里汲取成长的养料。以及无论怎样，都保持着一颗对世界探索的好奇心，待到微风拂面，因缘和合，相信我的土壤也能华枝春满。就先写到这里吧，在此也感谢她以及那些「被动」帮助过我的前辈，233。画师G-TZ(TaejuneKim)2020插画作品赏析TaejuneKim韩国二次元画师，P站ID:35241916，2014年开始从事photoshop绘画。个人插画图一直受到网友的喜爱。画风极具个人风格，辨识度高，特别赞，画面整体用较为淡雅的颜色，各种颜色搭配和谐舒服，人物表情、形态到位，暗戳戳的撩，很适合当壁纸。以下是画师G-TZ(TaejuneKim)2020插画作品部分欣赏。参考资料:韩国画家TaejuneKim插画作品赏析意大利插画艺术家埃米利亚诺·庞兹作品的风格特点幽默和抽象。以一种独特的幽默手法与抽象化来表达人类生活中的不同情感；他的作品风格采用超现实主义的手法，往往使用明亮的色彩与精致的几何图形来描绘场景，能够在视觉上创造出一种神奇而充满想象力的氛围。埃米利亚诺·庞兹是一位意大利插画艺术家，他将多种不同文化、历史及政治等元素巧妙融合在作品中，以此来审视人性的复杂性。

　　意大利文艺复兴

　　文艺复兴是14～16世纪反映西欧各国正在形成中的资产阶级要求的思想﹑文化运动。其主要中心最初在意大利﹐16世纪扩及德意志﹑尼德兰﹑英国﹑法国和西班牙等地。“文艺复兴”的概念在14～16世纪时己被意大利的人文主义作家和学者所使用。该词源自意大利文“Rinascita”﹐一般多写为法文“Renaissance”。它概括了乔托以来的文艺活动的特点﹐被世界各国沿用至今。中国曾有人直译为“再生”或“再生运动”﹐但“文艺复兴”的译法己被普遍接受。当时人们认为﹐文艺在希腊﹑罗马古典时代曾高度繁荣﹐但在中世纪“黑暗时代”却衰败湮没﹐直到14世纪以后才获得“再生”与“复兴”。因此﹐文艺复兴着重表明了新文化以古典为师的一面﹐但它并非单纯的古典复兴﹐实际上是反封建的新文化的创造。文艺复兴主要表现在科学﹑文学和艺术的普遍高涨﹐但因各国的社会经济和历史条件不同﹐在各国带有各自的特征。

　　意大利文艺复兴 13世纪末14世纪初﹐意大利在欧洲最早产生资本主义萌芽﹔但由于政治﹑经济发展不平衡﹐先进地区只限于少数几个城市﹐尤以佛罗伦萨﹑威尼斯为最。地处意大利中部的佛罗伦萨出现了以毛织﹑银行﹑布匹加工业等为主的七大行会﹐它们不仅控制佛罗伦萨的经济﹐也直接掌握城市政权。佛罗伦萨的最高权力机构──长老会议的成员只能由七大行会从其会员中遴选﹐贵族被剥夺参政权﹐广大工人处于无权地位。在这种政治﹑经济背景下的佛罗伦萨﹐成为意大利乃至整个欧洲的文艺复兴发源地和最大中心。

　　文艺复兴时代最完美的代表——达·芬奇

　　列奥纳多·达·芬奇(1452-1519) 是意大利文艺复兴时期第一位画家﹐也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃﹑学识渊博﹑多才多艺的艺术大师﹑科学巨匠﹑文艺理论家﹑大哲学家﹑诗人﹑音乐家﹑工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的赞誉他都当之无愧。

　　达·芬奇怀有神灵般的无限理想﹐试图重新创造世界的美﹐量度世界的广大无垠﹐解释世界的奥秘。可是他只有常人的生命和力量。他的抱负是发现一切﹑研究一切﹑创造一切。他的生命是一条没有走完的道路﹐路上是撒满了崇高的未完成作品的零章碎片﹐他在临终前心酸地说过﹕“我一生从未完成一项工作”。达芬奇出生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇﹐因此取名叫芬奇﹐5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像﹐同时还能即席作词谱曲﹐自己伴奏自己歌唱﹐引得在场的人赞叹不已。父亲安东尼奥律师认识到儿子的绘画才能﹐决定送他进佛罗伦萨艺术家委罗基奥工作室学习。在那里﹐他不仅接受绘画﹑雕刻﹑建筑艺术的教育﹐还受到其它科学的影响。芬奇在委罗基奥工作室曾经研究过鸡蛋的明暗变化关系﹐发现了明暗渐进画法。他在委罗基奥工作室度过了6个年头﹐成长为具有现代科学思想和勇于探索的人类智能的典范。达芬奇在佛罗伦萨是无法施展自己的才能的﹐他一心想要把他的艺术和智能带进现实世界﹐光彩照人。他在31岁那年写信给米兰大公鲁多维柯斯弗查﹐在信中列举了自己的各种才能﹐最后他还表示可为大公的父亲塑造一座骑马像﹐成为世界上前所未有的巨型雕像。

　　大师41岁时完成这一巨作的土制塑像﹐因没有足够的铜铸造而使巨作终未完成﹐1499年法军入侵时被毁﹐否则将成为世界一大奇迹。大公对他的天才和辛勤劳动酬谢不是金币﹐而是金言玉语﹐这使芬奇十分不安﹐大公为了安慰他﹐请他为米兰格雷契寺院食堂画幅画﹐这就是《最后的晚餐》。如果说《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画﹐那么芬奇在 51岁时自米兰重返佛罗伦萨而作的《蒙娜丽莎》则无愧为世界上最著名﹑最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达芬奇的名字永垂青史。达芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。他曾说过﹕“绘画的最大奇迹﹐就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理﹐首创明暗转移法(亦称明暗渐进法)﹐即在形象上由明到暗的过渡是连续的﹐像烟雾一般﹐没有截然的分界﹐《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。瓦萨利认为这种明暗画法是绘画艺术的一个转折点。芬奇的一生始终在探索艺术的高贵气质﹐只有在美的创造中他才能感到心满意足。15世纪意大利的科学与理智﹑美的追求与创造﹐由于达芬奇而登峰造极。可是大师的才能到了晚年并没有受到重视和赏识﹐教皇的冷漠使他十分伤心。1515年法兰西国王弗朗索瓦一世重新占领米兰时﹐邀请大师赴法国定居克鲁堡﹐应聘为宫廷画家。大师1519年客死异国﹐终年67岁。他的学生佛朗西斯柯穆埃基说﹕“芬奇的死﹐对每一个人都是损失﹐造物主无力再造一个像他这样的人了。”

　　达芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人﹐有更多的﹑领域更广的幻想。他思想深邃﹑博学多才。他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘﹐他把艺术和科学﹑理智和情感﹑形体和精神熔于一炉﹐继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法﹐把艺术推进到一个前所未有的高度﹐为自然科学的发展作出了巨大贡献。 达芬奇是当之无愧的“文艺复兴时代最完美的代表人物”。

　　米开朗基罗

　　文艺复兴时期第二位大艺术家米开朗基罗,不仅是伟大的雕塑家、画家，还是一位了不起的建筑家、军事工程师和诗人。

　　米开朗基罗生于1475年3月6日靠近于佛罗伦萨从小父亲把他送到佛罗伦萨附近乡间的石匠家寄养，在击石声中度过了童年，因此米开朗基罗开玩笑说自己的雕刻天才，就是得自于这位石匠的恩赐。后来米开朗基罗的生父因为丧妻，移居至佛罗伦萨，将米开朗基罗送进学校学习拉丁文和优美的意大利文。米氏学会了诗词的创作，不过他在童年时期一向不爱念书，上课的时候常常偷拿速写本画画，让米氏的父亲非常头痛。所以在米氏13岁时，将他转送至一位画家处学画。一年之后，跟随一位雕刻家学习雕刻，这位雕刻家为佛罗伦萨贵族美第奇家族管理美术作品与石雕。在这里，米氏遍览了古代艺术珍宝，也有机会接触到诗人和学者，由于环境的感染，他开始研读但丁的雄伟诗篇，而柏拉图的博大思想对他的影响尤其深远。这使得米氏不但是一位伟大的画家、雕刻家、建筑师，也是一位诗人。

　　《大卫像》是米开朗基罗整个艺术中最重要的雕像之一。创作这尊雕像时,还不到30岁,但他的艺术风格已趋于成熟,他已被公认为是艺术大师了。他的雕像大部分都是表现健美人体的。这是文艺复兴时期一种人文主义思想的表现特点。人们刚从黑暗的中世纪桎梏下解脱出来,充分认识到人在改造世界中的巨大力量,赞美人体的美,是对古代希腊艺术的一种“复兴”,其实,它的更深刻意义在于反对宗教的虚伪,重视人及其现实的力量,这是思想解放运动在艺术上的一种反映。而米开朗基罗由于深刻感受到意大利政治的动荡,他的苦闷与精神意志往往只能在自己的雕像中得到最深刻的发挥。人体是最能表现内在力量的形式。他要赋予大理石以新的生命,必须向它灌注一种属于人的肉体的力量,使它具有精神的象征性。

　　米开朗基罗的艺术之所以叱咤风云于16世纪,是因为他在这个以人为中心的文艺复兴运动中,把人与战士两个概念不可分割地联系在一起了。他所有的伟大雕塑,其最重要的品质也在于此,即一尊雕像,也是一个建功立业的英雄丰碑。1505年,米开朗基罗被教皇请到罗马工作。朱理二世让米开朗基罗来设计“世界最大的”陵墓,供教皇死后享用。陵墓工程巨大,雕像颇多。艺术家把多年的抑郁、愤懑和屈辱,全部寄托在这座陵墓的各个雕像上面。其中最有代表性的陵前雕塑,即是《垂死的奴隶》与《被缚的奴隶》这两尊作于1516年的奴隶像。《垂死的奴隶》双目紧闭,左手枕在仰起的脑后,右肘弯曲在胸前。虽在生命的最后一刻,仍然想再一次醒来与暴力与死亡搏斗。那个《被缚的奴隶》的运动节奏就更强烈了。他的壮实的躯体呈螺旋形拧起。他力图挣脱身上的绳索,这种动势的转折,体现了巨大的内在激情。似乎这个奴隶将要迸发一股无比强大的反抗力。面部表情显露出坚强不屈的意志。有人称这尊雕像是“反抗的奴隶”。在这里,人的尊严得到了高度体现。艺术家以卓越的技巧使这两块冰冷的石头产生出生命的活力。这种优美的造型感受,正是米开朗基罗所期望达到的效果。

　　罗马西斯庭小教堂内的天顶画,是米开朗基罗的绘画艺术丰碑,。西斯庭天顶画以圣经《创世记》为主线,绘画总面积接近600平方米,人物有几百个。在拱顶上按照它的长矩形(全长40米,宽14米),在中央分割成九个画面,分别描绘《神分光暗》、《创造日月与动植物》、《创造水和大地》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《原罪·逐出乐园》、《挪亚祭献》、《洪水》、《挪亚醉酒》等九个主题。象这样大规模的壁画,如此壮观的天顶画,画得又那样精确、和谐,多彩多姿,并且是出自画家米开朗基罗的一人手笔,这在16世纪以前是不能想象的,它所存在的精神价值在整个艺术史上也是不可估量的。当拉斐尔看了这幅巨大的天顶画之后,不禁感慨地说:“米开朗基罗是用上帝一样杰出的天赋创造这个艺术世界的!”

　　米开朗基罗创作之始，因为天纵才气，常常遭人眼红；在他年轻时，因遭人嫉妒而被打坏了鼻子，使得他终身对自己的容貌自卑。26岁时在佛罗伦萨完成举世闻名的“大卫”雕像；30岁时因为盛名远播，传到了罗马教廷的教皇耳中，教皇立刻邀请米氏前来罗马建造陵墓。米氏也深知这是一次绝佳的机会，开始为教廷工作。这一做就做了整个下半辈子；在当时一切教廷至上的时代，这是无上光荣的工作。他在罗马陆续完成许多世界闻名的杰作，诸如现今珍藏于梵蒂冈博物馆的圣西斯廷大教堂的湿壁画、劳孔像、慈母哀子像、摩西像、圣彼得大教堂，以及卡波多立广场等等，都是游客前往罗马时的必游之地。

　　米开朗基罗的创造力与活力惊人，直到去世之际仍坚守创作岗位，享年89岁。米开朗基罗终其一生给人的印象，可以用“悲壮”两个字来形容。虽与达·芬奇和拉斐尔身处于同一个时代，但境遇却大不相同。米开朗基罗的悲壮是属于天才的，含有戏剧性的英雄式悲壮。构成米开朗基罗的悲壮生涯，虽有其时代的因素，但主要原因还是在于他因天才而产生的自负。米氏个性高傲倔强，不阿谀奉承，深具艺术家气质。

　　拉斐尔

　　拉斐尔:(1483-1520)意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一；由于高超的艺术造诣而被神化了的拉斐尔，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的最高峰。

　　拉斐尔父亲是宫廷的二级 画师他从小随父学画,七岁丧母,十一岁丧父,进画家画室当助手学习了十五世 纪佛罗伦萨艺术家的作品,走上了独创的道路从二十二岁到二十五岁创作了大量 圣母像,从此声名大扬他没有达芬奇那样经验丰富博学深思,也没有米开朗基罗 的雄强伟健的英雄气概可是他虽然只活了三十七岁,却成为文艺复兴盛期最红的 画家他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味他是个绝顶聪明的人,他的聪 明特别表现在善于汲取他人之长,而后加以综合的创造他一生创作了不少作品, 其中<<大公的圣母>>和<<教皇利奥十世>>等,还作了一些建筑设计,并为西斯廷小 教堂设计画稿他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象风格被 特称为一种"秀美"的风格,不仅使当时人倾倒,并且延续了四百年之久,成为后世 古典主义者认为不可企及的典范

　　拉斐尔的一生虽然像莫扎特那样短促（两人的生平有许多相似之处），可是有关他的传说及提供的范例却是非常之多。这些传说和范例一方面肯定了这位画家无可争辨的才华，另一方面却也可能阻碍了对这位画家的了解。一提起拉斐尔其人，提起拉斐尔的艺术风格，总离不开“超凡入圣”、“尽善尽美”这些始于瓦萨里的形容词，这使广大公众对拉斐尔（世界艺术史上最伟大的画家之一）的作品无法深刻领会并与之沟通，无法立即把拉斐尔的作品与那些总想用“天才”、“天才表现”等词句来标榜的蹩脚作品分开，从而在他的作品中体味生命的苦闷、浪漫的热情及感情的折磨。

　　拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说，他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。人们往往忘记或忽略的是这样一种情况：拉斐尔是在历史的中心、在一系列重大事件及某种只持续了很短时间的思想风潮上攀登了顶峰，这个奇迹的创造者是一个年轻人，而这个年轻人以偏巧不得于两位最伟大的巨匠——达·芬奇和米开朗基罗相较量，三人生活的年代前后差不了多少年。拉斐尔找到了“第三条路”，就是对他那个年代所有艺术成就的综合与超越。这正是拉斐尔的光荣及历史作用，那是他凭借艺术与思想、努力与理性，通过坚持不懈的检试、体验与思考而获得的。他的成功归因于他那非凡的才能：把来自艺术的那一崇高的革命性时代（15世纪末至16世纪初）的任何一种激励和启示加以提炼和消化。这表明了他的巨大智慧和高超的造谐。这种能力确实异乎寻常。