蜡染，是一种古老的防染工艺，古称“蜡缬”，与绞缬、夹结一起被称为我国古代染缬工艺的三种基本类型。因用蜂蜡作防染剂而得名，距今已有二千多年的历史。蜡染制品的花样饱满、层次丰富， 蜡染纹样多以花草树木和几何图形为主，兼有适量的虫鱼鸟兽。除了图案精美外，还在于蜡冷却后在织物上产生龟裂，色料渗入裂缝，得到变化多样的色纹，俗称“冰纹”。同一图案设计，做成蜡染后可得到不同的“冰纹”。因此“冰纹”也是蜡染手工艺的独有特征，“冰纹”被誉为蜡染的“灵魂”
蜡染工艺在我国西南少数民族地区尤其是贵州少数民族地区广泛流行，其中犹以贵州安顺苗族蜡染工艺制品最为出名。蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。是中国极富特色的民族艺术之花。
蜡染的制作过程： 绘制蜡染的织品一般都是用民间自织的白色土布，但也有采用机织白布、绵绸、府绸的。防染剂主要是黄蜡（即蜂蜡），有时也掺和白蜡使用。 蜂蜡是蜜蜂腹部蜡腺的分泌物，它不溶于水，但加温后可以融化。就是利用它的这一特点作为蜡染的防染剂。所用的染料是贵州生产的蓝靛。贵州盛产蓝草，这是一种蓼科植物，茎高约二、三尺，七月开花，八月收割。把蓝草叶放在坑里发酵便成为蓝靛。贵州乡村市集上都有以蓝靛为染料的染坊，但也有把蓝靛买回家自己用染缸浸染的。
蜡染布是在布匹上涂蜡、绘图、染色、脱蜡、漂洗而成。因为在染制的过程中，蜡白布的表面会产生自然龟裂，从而往白色坯布渗入染料而着色，出现许多或粗或细无规则的色纹也叫龟纹，这些龟纹就是区别真、仿蜡染布的标准，因为任何仿蜡染布设计进去的“龟纹”都是有规律可寻的，而真正的蜡染布往往难以寻找，也找不出完全相同的龟纹来。
绘制蜡花的工具不是毛笔，而是一种自制的钢刀。因为用毛笔蘸蜡容易冷却凝固，而钢制的画刀便于保温。这种钢刀是用两片或多片形状相同的薄铜片组成，一端缚在木柄上。刀口微开而中间略空，以易于蘸蓄蜂蜡。根据绘画各种线条的需要，有不同规格的铜刀，一般有半圆形、三角形、斧形等。
蜡染的制作方法和工艺过程：把白布平帖在木板或桌面上点蜡花。点蜡的方法，把蜂蜡放在陶瓷碗或金属罐里，用火盆里的木炭灰或糠壳火使蜡融化，便可以用铜刀蘸蜡作画。目前很多地区都是是照着纸剪的花样确定大轮廓，然后画出各种图案花纹。浸染的方法，是把画好的蜡片放在蓝靛染缸里，一般每一件需浸泡五、六天。第一次浸泡后取出晾干，便得浅蓝色。再放入浸泡数次，便得深蓝色。如果需要在同一织物上出现深浅两色的图案，便在第一次浸泡后，在浅蓝色上再点绘蜡花浸染，染成以后即现出深浅两种花纹
贵州蜡染一般都是蓝白两色。制作彩色蜡染有两种方法：一种是先在白布上画出彩色图案，然后把它“蜡封”起来，浸染后便现出彩色图案；另一种方法是按一般蜡染的方法漂净晾干以后，再在白色的地方填上色彩。民间蜡染所用的彩色染料，是用杨梅汁染红色，黄栀子染**。 还应提到一种叫做“蜡片”的工艺品。在一些民族地区，把未经浸染的蜡花当作装饰品。她们把这种“蜡片”装饰在头上或服装上。这种工艺品是白色和黄褐色花纹，色彩谐调，别具一格。“蜡片”的缺点是蜡花容易脱落，所以在服装上只能局部采用。
在一些民族地区，把未经浸染的蜡花当作装饰品。她们把这种“蜡片”装饰在头上或服装上。这种工艺品是白色和黄褐色花纹，色彩谐调，别具一格。
蜡染生产绝大多数工序是手工操作，随着人们对蜡染艺术作品需要的增大，目前也有很多机器制作的仿蜡染画，但是缺乏手工蜡染自然奔放，丰厚朴实的风格，更没有独一无二自然形成的冰纹。因此手工蜡染作品在市场受到追捧，其价值远远高于机器仿制品。 一般蜡染布多作妇女头巾、衣裙、围腰、被面、门帘、 窗帘之用。有些工艺水平较高，图案非常新奇精美的， 也被当作艺术壁挂来装饰居室客厅及宾馆饭店。
目前，蜡染作为民族用品、贵州旅游和出口商品，被越来越多的人所认识，展示出诱人的发展前景。
1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。
2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。
3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。
摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。
前几天看了一幅画，据说是一位没落画家，在自己最穷愁潦倒的时候，为自己画出的一种最简单的人生愿望。内容很简单：一个父亲在除草，一个母亲在挑水，一个男孩牵着母亲的一角，横吹柳笛，远方是暖阳，周围是庄稼，郁郁葱葱，一直蔓延到画框的边际。这幅画画在布上，画的名字叫“婚姻”。
不知为何，我首先想到的是“爱情”这两个字。不论作者由何而画，不论为何要画在一块布上，不论为何以“婚姻”命名，我都以为这恰恰道出了婚姻和爱情的关系，这是一种拥有爱情的婚姻，这也是一种拥有婚姻的爱情。以爱情作为婚姻的内容，以婚姻来为爱情做见证和最后的命名。这幅画告诉我们：爱情与婚姻是可以如此和谐与完整。
是画布，而不是画纸，这就让轻盈而热烈的爱情，拥有了一种柔软而不滑腻的质感。爱情是一根线，而相爱的日子则把泉涌的爱织成一块纯粹而不功利的画布。相爱如织，忠贞如练，来来往往，纵横有致。相爱的人用每一次的相分与相聚，用每一次的相思与相吻，不断地拉伸着这画布的经纬度，以增加爱情的坚韧与弹性，以加深婚姻的厚度与密度，这样才能保证风雨不透，刀枪不入。
画布是由爱情来织就，而婚姻则为爱情画出了固定的疆域。爱情前进到巅峰，就会静止，就会以婚姻的形式，重新开始另一种爱情。爱情是如鲜花般绚烂，婚姻恰如秋叶般静美。如果爱情真的由汹涌发展到风平浪静，那就意味着婚姻会让这条平静的河流，升起更多的风帆，锚定更多的港湾，可以演绎更多形式的你我之间的爱情的浪漫。
在婚姻的画布上，父亲在爱情的伊甸园里除草，婚姻，让爱的人对爱之禾，开始有了一种莫名其妙的清醒;在婚姻的画布上，母亲在爱的太阳城里挑水，婚姻，让爱的人对爱之果，开始有了更为遥远的自信。而孩子横吹的柳笛，以及横吹柳笛的孩子，则把爱情与婚姻，永远的留在了春天。这样谁能只是说，爱情是在婚姻的苑囿里成长;这样谁又不能说，爱情在婚姻的苑囿下成长。
我不想讨论这幅画的色彩，每个人在自己的爱里，在自己的家里，在自己的土地上，都有选择色彩的权力。我们不能在爱情上为婚姻设定条件，婚姻也只是在爱情的方程中得到的一个答案。即使这幅画是一幅素描，谁又能否定它无比鲜明而又丰富的指引呢。
爱情是种子，更是花朵;婚姻是土壤，更是硕果。即使有落花，即使有收割，但是种子没变，土壤没变;每年花朵依然绽放，每年果实依然芳香。谁又不懂得这其中的那种唯一而又幸福的宿命呢。爱情是一朵绽放的花，而婚姻则让她成为一副永远美丽的画。
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发展历程
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2019年9月，剪映上线剪同款专栏，让人人皆可创作。同月，剪映登上AppStore的榜首，视频创作从此"轻而易剪"。
2020年7月，剪映Pad适配版上线，从此实现移动端、pad端双端互通，支持创作者在更多场景下自由创作。
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油画创作心得
（川音绵阳艺术学院美术系 刘勃 2007年12月7日）
在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。我常常想,对于我自己专业方面创作一个大胆的尝试充满兴趣，不时的思考着一些问题，在精心准备之余，却发现还被自己否定,然后在不断的调整，不断的修改，再去探索，这样反复进行着，回头看看自己的仅有的几幅创作，题材大多取自陕北农村中常见的场景，在我的记忆里面，我常常是带着浓厚的兴趣和激情来画完我的构思，其实在我画的过程中也有很多情况是边画边想，根据一个形体，或者一块颜色，启发我创造另外一块色彩或者一个更有意思的形体，不断的充实画面和丰富画面。这种尝试在创作中我不是经常用，当然一般情况是先想好了基本的方案，然后形体搭配基本上符合我的构思，就开始动笔了。一幅作品其实过程比结果更为重要，过程是强调感受，没有感受，画面打动不了观者，笔者认为作为创作，首先要打动自己。
去年冬天，我回到了陕北，回到了生我养我的老家。通常认为这里没有现代文明更多的体现，没有所谓的高楼大厦，有的全是黄土和窑洞，生活是朴实而单调的，然而，正是在这些并不先进的生活中，普遍存在着的形象和它们呈现出的色彩，构成了陕北黄土上特有的美。空旷的高原黄土，多变的景象，质朴憨厚的陕北汉子，富有个性的陕北民歌，让人不得不发出感慨，我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。每年回家都在变，我所记录的这些也在不断的消失，人变富有了，地方发生着很大的变化。
当前的议题是创作，在创作中，生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。喜好和表现方式也因人而异。从毕业走上工作岗位时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。外来的本土化和本土的现代化，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。其实，争论远不如实践更实际些。
我曾经想从国外艺术中吸取点东西。色彩更纯一点，运用了许多装饰性的表现手法。色彩上用了较淡的、弱的对比，强调画面构成感，后来又在中国画大写意中，看到了创作动机，中国画写意的韵致和对形的认识与处理方法，很有意思，打动了我，这种写意山水写意画的作画过程，觉得他们对所描绘对象的形与神是吃透了的，下笔的时候，不是表面上看到的从无到有的过程，而是胸有成竹，然后落笔成形，以形写神。每个局部之间都是有机地联系着的，都服从一个总的神韵和节奏的要求。在这总的要求下，画了一些国画山水，然后在来创作油画，每放一笔，是笔墨，也是形的一部分。油画如能吸收这种技艺，并结合油画的色彩造型，也许会出现新的面貌，如此而已。
大量地连续地作画，对我的实践很有好处。不断地画，不断地思考，随时调整自己的想法，随时补充一些新的设想，随时试验。首先，很认真地推敲素描的小草图，把画面的构图安排，黑白、色彩构成都考虑成熟，这一切都做到心中有数后，动油画刷子就大胆了，也主动了。这次的风景油画《房前屋后》、《山吟泽唱》、《塬上人家》，就是这种尝试性的作品。
为了使画的对象更朴实、更粗犷一些，我用大笔表现留有一些有节奏的笔触，用色在统一中求变化，表现对象大多是农村中常见的生活场面，和陕北特有的黄土高原，来表现这种乡土气息。
这些尝试是在教学之余的油画创作的心得，是我大学毕业至今油画探索学习的继续，我愿意继续从生活中汲取灵感和不断地进行探索。
油画是从西方传来的画种，传入中国以后已发展有自己的民族特色和文化传统。油画创作需要极强的专业性及学术含量，尤其具象写实绘画，包括严格的形、体积塑造、色彩调配、边缘线处理、质感透视、解剖、层次问题、韵律、节奏等等，在这个过程中不再仅仅是简单的再现大自然，而且要经过主观提炼、酿造、让灰色具有浑厚、宁静、优雅、高贵的品相，有透明的色彩效果，把一切都融进清沁而温馨的色调中，在绘制过程中力求将人物的情感表达出来，而让人体会到一种潜在的诗意以及来自东方的艺术修养，以呼之欲出的真实感过滤掉我们意识里的杂质而成为一种纯粹的静观，追求整体风格呈现出“精神性”的审美意蕴。
绘画语言是根据自己的世界观和审美观反应到生活和作者对生活的见解和态度，作者就要提高自己的绘画专业的修养。各个艺术门类都有自己的艺术语言和组织结构。绘画的艺术语言就是色彩、线条、面、明暗等。在油画创作中首先涉及的是构图问题，所谓构图就是“经营位置”，野兽派画家马蒂斯是这样谈论构图的：构图就是画家为了表达自己的感受把各种不同的因素用装饰的方法按照画家的意图安排的艺术。不论画的是肖像还是景物，都有构图问题。西方现代艺术诸流派都不例外。从形式美的角度看构图分为对称和非对称，不论是哪种都要有节奏感，自然界中任何事物都有自己的节奏，是我们感知事物的主要依据，且通常都有一定的规律：横向给人以安闲、和平与林静的印象，斜线则会有激烈运动和不稳定的感觉，三角构图则具有稳固安全的造型感觉。
绘画风格是艺术家的艺术面貌，特殊风格的形成和作者本身的气质和修养密不可分。艺术的民族性就是表现民族的本质特点所形成的艺术上的特征。艺术的民族性在于艺术作品是否表达了民族精神。民族精神是民族艺术的核心和灵魂。一个民族的艺术是一个民族灵魂的外在表现，它把国家之魂用一种可见、可触的形式向世人展示。
作为绘画主体的作者本人要为推动社会进步和提高国民精神素质和审美素质而努力。首先要提高自身的修养，就是在取得一定基础知识和一定的艺术实践的基础上，进一步提高自己的艺术理论修养和艺术创作技巧，以达到一定高度和水平，并熟练自如地创造出具有一定艺术意蕴的艺术作品。我们要从以下几个方面提高自身修养：首先要有进步的世界观和审美理想，先进的世界观决定着正确的创作目的与创作动机，影响着作品的格调与品味；科学的审美观使我们正确的把握艺术审美的标准，去追求更高更理想的艺术境界；还要积累丰厚的文化素养，学识素养能帮助艺术家从整体上提高创作的境界，文化素养直接影响艺术表现力；丰富的生活积累是艺术创作的基础材料和前提条件。超常的艺术思维活动能力以及精湛的艺术技巧和表现能力是绘画创作中必须培养的。 不同的绘画语言会体现不同的绘画格调和风格。风格更多地体现在艺术家个人的生活感受和艺术气质，在运用富有个性的艺术语言时所形成不同于他人的艺术风貌，而格调则是这种个人的艺术风貌所具有的美学品格，是渗透在作品中的意蕴和情调。评判一件作品“品味格调”的高低，主要是看该作品中有益与提高人们精神素质的文化含量和美学含量的高低。一个成功的艺术家，必须具备独立的美学思想，只有这样才能在东西方文化对话的平台上，找到属于自己的领地与存在的实质价值，在创作中不论你选择怎样的题材，使用怎样的技巧，透过平实的视觉抒发自己真实的情怀、忠于自己的绘画理想和崇高的审美理想才是最重要的。
本文认为任何艺术作品都包含着概括和简化的因素,是否能做到得心应手的简化,是衡量一个艺术家素质高低的标准色彩的表现最能体现艺术家的情感,色彩的情感是通过强化色彩和制造特定色调来实现的风格是创造的结果,模仿是形成风格的大忌
油 画 体 会
时间：2006-03-01 21:51:55 来源：雅昌艺术网博客频道 作者：忻东旺
油 画 体 会 写生是我最过瘾的作画状态，因为可以逼视心灵。以前曾依靠照片画画，但总觉得造作的成分比较多，凭经验画画必然会形成模式，便缺少了面对自然、面对生活的那份坦然。我喜欢写生的率真，我喜欢面对模特的创作，我不赞成把写生当为习作，我不习惯画大画前先做小稿，我激情于情感与画布的直接“交锋”，我兴奋于画笔和颜料对形象瞬间感受的表达。说“瞬间感受”似乎有些玄虚，但这确是一个艺术家长期艺术生活积累的思维素质表现。如果说这是一种艺术理念的话，那么实现这一理念的方式就是技艺。在今天这个无视技艺的价值和唯技艺价值并存的中国时代，如何认识欧洲传统和把握现实生活，技艺本身是否还有继续拓展的可能，我觉得有赖于艺术家对自然和生活的精神感悟。在中央美院油画高研班学习，得到先生们的悉心指导，可以说是受益匪浅，或许我们听到的只是重复的教诲，道理虽不难理解，但真正要领悟它是需要实践和时间的。我是一个具有逆反心理的人，好的一面是不盲从、不跟风，坚持自我；不好的一面是不能及时改正问题，最令我沮丧的是曾自以为是的作品忽然某一天看来很荒谬，因而我常常为逝去的时光而懊悔，如临大祸。然而我又深信“因祸得福”的道理，显然我已进步。仰望欧洲大师们的作品，颇感望而生畏，无疑那是几百年来欧洲油画艺术的标准，我们在叹服于大师作品技艺美的同时，更应该领悟大师们在精神情感上对他们所处时代的倾注，他们是如何用心灵去体验自然的。据说至今西藏的唐卡画都不允许女性来参与，这是一种精神也是一种文化意志。我们学习大师的作品时，往往把自己置身于陌生的异族情境之中，这样学习是比较被动的。事实上我们常常感到欧洲油画中似乎有某种和中国艺术相似的地方使我们在心理上有一种亲近感。例如波提切利，例如荷尔拜因等等，那种亲近感令人怦然心动，这无疑是文化心理上的沟通。也许我们要能站在本民族文化立场上来理解油画艺术，或许会降低心理上的障碍，例如西方艺术的写实，我们传统中叫写真，“真”比“实”更心理些，更人文些。再例如用中国绘画中的笔墨意境来理解油画的笔触表现就会感到容易理解些。我们没有理由怀疑自己的智慧。缺少的恐怕只是精神和信念。然而油画艺术毕竟是外来形式，我们学习油画必须要懂得油画的妙处。正如靳尚谊先生所讲：“来美术学院学习就是要你们知道欧洲油画的最高标准是什么。”油画的最高标准就是“整体、概括而又精妙”，这一标准不仅仅是油画的标准，也是所有艺术的标准；衡量它的并不是技法，而是修养。或许由于我们崇尚这一标准而陷入语言的无奈困境，但决不是因为追求标准的错，而错于亦步亦趋的思维方式。没有文化意志和精神倾注的任何技巧都会使油画堕落，堕落的绘画是逃避时代的。做任何事都需要精神和意志的控制，在艺术学习中有人视技巧与规律为圣经，认为只要循规蹈矩就可以一路坦途，事实上是极大的盲目。我们知道打仗之首要是激发战士的斗志，如果只是凭手中的刀枪厉害就没有中国革命的胜利。艺术之所以伟大是因为它不能自然而然地产生，艺术是人精神和意志的产物，画是“鬼使神差”。
ps制作海报怎么建立画布。1、打开文件，打开软件，将画布导入。2、用钢笔工具勾出一个形状，然后再新建一个空白图层，按住ctrl同步删除图层。3、用选择工具选中图层，将图层拉到最上面。4、选中图层后，点选图层--图层样式，点中图案层这个地方，在图案层，按住用鼠标选择图层的形状，然后点选缩放。5、用吸管工具吸取海水图案的一角，然后选择图层--图层--颜色试验图层样式，勾选合适的颜色，并按快捷键调整颜色对比度。6、用钢笔工具勾选刚才填充颜色的区域，然后按对齐，左键选择对齐到左侧。然后按键进行调整，按下面的键然后选择图像>调整图层>取消选择，然后选择图层。然后按键选择此图像，按下图层不透明度图层，这时打击钢笔工具，12px。
喜欢在微博上抒发情感的朋友，大多习惯于用文字加的方式，集合文字的直接和的直观，让自己的心情可以最真切的表达。而这些可以表达心情的，往往是经过了调色或者创意处理的，比如在“美图秀秀”中所制作的经典情侣照撕裂效果，让人感受“再也不相信爱情”的不安，将伤感渲染到极致。
连爱情这一永恒的信仰也不能相信了，我们该有多伤感？喜欢这种伤感图的朋友一起来学习一下吧：
1、在“美化”菜单下点击“涂鸦笔”，设置画笔大小和颜色，这里画笔大小尽量小一些，这样下一步的抠图效果会自然。然后使用涂鸦笔在中间绘制裂痕，将人物分布均匀些。
2、依旧在“美化”菜单下点击“抠图笔”，选择“手动抠图”模式。
3、使用“手动抠图”沿着涂鸦裂痕分别抠取左右两边，形成两张独立的，将抠取好的两张图按PNG格式保存备用。
4、然后再返回到主页面，点击“新建”按钮，新建一个白色的画布。点击鼠标右键插入抠取好的两张素材，设置好两张的大小和位置，使其有撕裂分开的效果。
5、最后选择文字模板中的输入静态文字，输入相应的心情文字，再根据自己喜好设置文字效果，起到渲染一种伤感氛围的作用，这样就大功告成啦！
相爱的人最怕“四目相对而此情不在”，特别是一些明星偶像忙着“分手”，让我们对爱情产生了不安和不信任，那这种撕裂效果是最能表达这种伤感的。试着在“美图秀秀”里做一做，会让我们知道撕裂一张照片很容易，没了爱情也容易，那就好好的守护吧！
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