声律启蒙二

《声律启蒙》故事一贫对富，塞对通，野叟对溪童。

「贫对富，塞对通，野叟对溪童。」

      贫富、塞通相对。但贫不一定塞，富不一定通。颜回就是贫穷但对事理、对人生通达的人。世上也有不少富人穷的只剩下钱。

    野叟，指村野老人。典故出自唐朝末年诗人杜荀鹤作《乱后山居》：

从乱移家拟傍山，今来方办买山钱。

九州岛有路休为客，百岁无愁即是仙。

野叟并田锄暮雨，溪禽同石立寒烟。

他人似我还应少，如此安贫亦荷天。

    溪童，指在溪边的小孩。元代刘因的《山家》：

马蹄踏水乱明霞，醉袖迎风受落花。

怪见溪童出门望，雀声先我到山家。

    大意是作者策马踏水，搅乱了天上映在水中的彩霞倒影，衣袖挥洒，迎面而来的微风夹杂着飘落的花儿，奇怪的是看到孩童站在溪边，原来是听到雀鸟的声音比我还早到山家。

    图为台北故宫博物院OPENDATA ，宋代画家夏珪的《溪山清远》。夏珪是南宋宁宗时期画家，浙江钱塘人。他擅长人物画和山水画，与当时名家马远齐名，常被并称为「马夏」。这幅《溪山清远》是长达889公分的手卷，画中景色变化丰富，山石溪流、斋馆房舍、渔舟帆船、渔夫隐士、杨柳松柏、亭阁小桥具在其中。

《声律启蒙》故事一鬓皤对眉绿，齿皓对唇红。天浩浩，日融融，佩剑对弯弓。

「鬓皤对眉绿，齿皓对唇红」

      皤:发色变白的样子。例如，唐朝白居易《白发》诗：「白发生来三十年，而今须鬓尽皤然。」眉绿，指的是深色的眉色。齿皓对唇红，就是唇红齿白的意思。

      苏东坡在乌台诗案被贬黄州时曾作《南歌子·感旧》给他的夫人王氏，词中的「眉绿」应是藉以指称女子，也就是王夫人。原作如下:

寸恨谁云短

绵绵岂易裁

半年眉绿未曾开

明月好风闲处，是人猜

春雨消残冻

温风到冷灰

尊前一曲为谁哉

留取曲终一拍、待君来

「天浩浩，日融融，佩剑对弯弓」

      浩浩，广大的样子。《礼记·中庸》：「夫焉有所倚，肫肫其仁，渊渊其渊，浩浩其天。」融融，温暖的样子。唐·杜牧〈阿房宫赋〉：「歌台暖响，春光融融。」佩剑对弯弓，一静一动。

      绿眉、齿皓、唇红，请见台北故宫博物院的《唐人宫乐图》，唐代的时尚妆容和后宫生活。

「半溪流水绿，千树落花红。野渡燕穿杨柳雨，芳池鱼戏芰荷风。女子眉纤额下现一弯新月，男儿气壮胸中吐万丈长虹。」

落花流水、红绿相对。东汉隐士严子陵曾垂钓渔富春江，北宋范仲淹在此建立严子陵钓台，南宋词人范成大曾作《酹江月》形容严子陵钓台：「谁似当日严君，故人龙衮，独抱羊裘宿。试把渔竿都掉了，百种千般拘束。两岸烟林，半溪山影，此处无荣辱。荒台遗像，至今嗟咏不足。」

      「野渡燕穿杨柳雨」郊野的渡口有燕子在杨树柳树间穿梭飞舞。「芳池鱼戏芰荷风」长满芳草的池塘里有鱼而在荷花(一说菱角)间悠游。宋代词人辛弃疾在《满庭芳》中写道：惟有杨花飞絮，依旧是，萍满芳池。

       「女子眉纤额下现一弯新月」这是形容女子如新月般的纤纤眉型。「男儿气壮胸中吐万丈长虹」长虹即彩虹。胸吐长虹，代表一个人的气势之盛。荆轲出发刺秦王前经过易水河，留下传颂至今的《易水歌》：

风萧萧兮易水寒，壮士一去兮不复还。

探虎穴兮入蛟宫，仰天呼气兮成白虹。

图为台北故宫博物院典藏的，明朝吴派画家文征明约五十五岁时画的《燕山春色图》画中有杨柳、燕鸟等。当时文征明在朝为官，忙于公事之余画下此作，在画上题:「屋角疏花红自好，相看终不似江南」透露出他对于江南生活的思怀。

在深厚的物质财富和文化底蕴之上，无论诗词歌赋，还是字画瓷器，神韵形态都达到历史巅峰。论及生活的雅致和审美的品位，甚至千年之后也难望其项背。

现代生活节奏是如此很快，追逐世俗名利，流于行色匆匆。但你的生命不应一直「烽火扬州路」，只惦记「西北望，射天狼」。也应时常放慢脚步，体会「风箫声动，玉壶光转」的烂漫时光，从宋人那里，汲取雅致生活的智慧。

「宋代」如今已不再只是朝代的名称，而演变成了艺术史中一个独特的美学符号。

宋朝对美的感受和追求是自上而下的，宋徽宗就曾亲自编撰《宣和书谱》和《宣和画谱》，完整整理前世收藏的书法和绘画。

「穠芳依翠萼，焕烂一庭中，零露沾如醉，残霞照似融。丹青难下笔，造化独留功，舞蝶迷香径，翩翩逐晚风」。不由令人感叹，一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。

宋历代君王都崇尚「文治」。成熟的哲学思想，赋予宋代美学以强烈的人文精神，和至纯至雅的独特风貌，成就了中国传统审美的文化之源。

下面就从形而上的诗词歌赋、山水书法，过渡到形而下的器具用度，生活四艺，带你真正领略宋代，领先千年的极致审美和雅致生活。

1、宋|诗词歌赋

宋代借三百年昌运盛世，文人雅士烟云供养，或隐居山林，或旷游自然，将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。

宋词无疑是极美的：

既有「三秋桂子十里荷花」的西湖胜景；也有「宝马雕车香满路」的城市繁华。

既有「红酥手，黄滕酒」的甜蜜；也有「明月夜，短松冈」的悲伤。

既有「无可奈何花落去」的惆怅；也有「一蓑烟雨任平生」的旷达。

可以「一种相思，两处闲愁」，更可以「金戈铁马，气吞万里如虎」。

如果说唐代鼎盛的背景下，诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围。那么及至两宋，时代精神不在于建功立业，而在于现世人生，不强调世间万物，独在意个人心境，清雅的宋词随之兴盛。

最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子，后来就形成长短不齐的固定句式，对景物进行细致的描述，表达复杂的心境。

王国维在《人间词话》中言：「词以境界为最上」。

境界是什么？就是真景物和真感情。很多流传千古的好词，都是借助其它事物，委婉含蓄地传递情感，体现了某种胸怀和心境。

例如诗人韦庄，擅借美人来表达情感，通过写美人思离别，以此来哀悼唐朝的灭亡。

辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。比如，不直白地说要收复失地，而是十分巧妙地用「举头西北浮云，倚天万里须长剑」这样的词句表达。

无论是盛唐之音，还是宋词之意，其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。这正体现了李泽厚所言：「美是有意味的形式」。

如果说，境界的高低决定了词的格调，那么从唐诗到宋词审美趣味的变化，就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。

一生之中，少年才气发扬，遂为唐体；晚节思虑深沉，乃染宋调。宋词，作为文学的一大巅峰，大大拓宽了情感表达的分辨率。

2、宋|山水画卷

真正让中国传统绘画大放异彩，走向成熟并影响至今的辉煌时代，当属两宋。宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，艺术思潮活跃，作绘画品精湛。

从唐到宋美学发生质变。唐代绘画偏重人物，宋代则偏爱山水。唐酷爱大红青绿的鲜艳之色，宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。

宋朝绘画不仅仅是追求技术，更追求画中意境。少了矫饰之气，多了份自然平和。

这个时期山水画最大的发展是：哲学影响了山水画的技法。宋朝的哲学非常重视「格物」——认真仔细地观察事物，找出构成事物的道理。

「格物」精神运用于绘画，就是对于自然山川：岩石的质地、水流的波纹和树叶的季节等都研究的极为认真细致。

如北宋范宽的《溪山旅行图》，瀑布水流从高处激流而下，而下方却只是茫茫水汽，身临其境之感扑面而来。

再比如南宋马远的《水图卷》，用十二幅画，来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现，这都是格物的精神。

北宋初期秉承五代以来「大山大水」，无论高山林木还是江河湖海，都十分注重气势，或峰峦浑厚、势状雄强的「高远深山」，或烟林清旷、气象萧疏的「平远寒林」。

其中尤以「三家山水」李成、范宽、董源为代表。

「宋三家」对自然的理解各异其趣。《画鉴》云：「董源得山水之神气，李成得体貌，范宽得骨法，故三家照耀古今，而为百代师法」。

其中尤以范宽的代表作「溪山行旅图」最具代表性。高山肃穆庄严、矗立静止，而溪水却潺潺流动、动静结合，透出一种非凡的力量，层次丰富，墨色线条力道十足，给人以身临其境之感。

「溪山行旅图」中，人只是行于大山大水里极其微小的存在，宋人深谙，人生不过广袤宇宙中的匆匆过客，所以用「行旅」而非「旅行」。敬畏自然，留下谦卑。

至北宋中后期，不再单纯讲究线条气势，而更追求一种内在神韵，既精准描绘外在形象，又充分表达内在感情。写实性的全景式山水画发展到极致。

中间有继承唐青绿山水的王希孟和赵伯驹。

山水画至南宋有所变化，恢宏气势的山水不见，更多的是针对某个特定角度展开创作，讲求秀丽和工整。虽然少了雄浑，但小巧精致的气息扑面而来。

李唐、刘松年、马远、夏圭统称「南宋四大家」。

南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》，山水开始带有强烈的感情色彩，浓郁的浪漫主义情调，带动其后山水画的留白之风与文人诗意。

而马远、夏圭则以「残山剩水」闻名，独创的「角隅」发，以边角窥全貌，取舍剪裁，水墨留白，让画面保持一种清明和空灵，营造出「此时无声胜有声」的意境。

雄奇简淡的笔法，水墨苍劲的劈皴，坚实爽朗的浅染，意境清远，回味无穷，充分的体现了宋朝绘画的极简审美。

代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》；夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。

宋代理学倡导「格物致知」，即不试图以技艺感人，更不容流于滥情，而是以敬畏之心回应自然，在细节中体现对比之美，以理性的内省态度，追求近乎理想的真实。

走进宋画，用心体味，会被一种前所未有的美感所深深打动。

它温柔不失力量，内敛间或飘溢，和雅绝无燥气。它极尽物态之美，简洁却不简单，于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。

3、宋|笔墨书法

书法作为线条的艺术，是一个时代美学的集中体现。

宋代的书法跟水墨山水画一样，不再追求宏伟壮大，更专注于表达自我，追求平淡天真，空灵素雅的意境之美。

「宋人尚意」指宋朝书法追求意境，而不拘于法度。正如苏轼所言：「我书意造本无法，点画信手烦推求」。

宋人写字不似唐人般规规矩矩，而是自然随性。透过书法，可以看到书写之人或激动，或悲伤，或洒脱，或潇洒的真性情。

比如宋徽宗，作为被皇帝耽误的艺术家，字和画都堪称瑰宝。宋徽宗独创的「瘦金体」，如屈铁断金，锋芒毕露，将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。

宋代著名书法家「苏黄米蔡」，即苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄，合称「宋四家」。

其中黄庭坚比苏轼小八岁，非常欣赏苏轼的人品和才华，两人是至交。

苏轼的字略显宽扁，柔和温暖，黄庭坚就笑言是「石压蛤蟆」；黄庭坚的字相对细瘦，曲直相间，苏轼就打趣是「树梢挂蛇」。生动地体现了两人书法的特点。

苏轼年轻时字写的漂亮，43岁因乌台诗狱被抓，经欧阳修等极力抢救，才被贬黄州。黄州时期写了「赤壁赋」「念奴娇」、以及唯一留下的「寒食帖」。

「寒食帖」是人生跌了一个大跟头之后所做，苏轼已不在意所谓的美，而是一气呵成自然流畅。这是人生最高境界，「别人笑我太痴狂，我笑他人看不穿」。很多东西必须在生命不同阶段去领悟。

后来黄庭坚又在「寒食帖」上题词。两大书法家并列，诠释了宋人尚意的最高典范。宋代笔法豪放而谨严，变化多端而融合；瘦硬遒劲却又刚中有柔，至今仍是世界公认最高的品格和风格。

4、宋|官窑瓷器

宋代是瓷业发展史上的「黄金时代」，数量和质量都堪称一流，既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄的汝窑天青色，又有耀州窑青釉，景德镇青白瓷等等。

宋代窑口遍地开花，釉色千差万别。不同于唐三彩的鲜亮与张扬，更倾向内敛而清澈的质感，丝丝温润的暖色，观之身心安宁。

宋瓷与元瓷相比，多了分细腻；与明清瓷相比，又少了些柔媚。工艺精湛复杂，最后呈现出的效果却极其安静内敛，朴实无华。

宋人其实是用最简单的方、圆、素、朴、拙来表现质感和单纯，将美提升到极致。「雨过天晴云破处，者般颜色作将来」，就是宋人的至美追求，色调优雅，无与伦比。

犹如「大道至简」的意思，即摈弃外表的过度雕琢，而追求内在的本质之美，呈现出朴素中有内涵，简洁中有意味的至高境界。

正如苏轼用泉水比喻诗文，「绚烂之极归于平淡」，艺术也应超越简单的感官美，而上升到思想情感的境界，平淡而不枯寡。

这种「绚烂之极归于平淡」的美，在「北宋汝窑」和「南宋官窑」中体现的最为完美，含蓄冲淡的光彩细腻单纯，极致绚烂，又极致平淡。成就了瓷器审美的巅峰。

冰裂纹，本来是败笔、但宋人觉得里面有种沧桑美，经历时间后，叫开片，这是很特别的宋代美学。

素色无纹的天青色汝瓷，搭配若隐若现的冰裂纹，朴素得好似找不到欣赏焦点，但静心细观，会发现天青色的静谧配合着冰裂纹的灵动，动静结合，相得益彰，更有着器物有尽，而意境无穷的感染力。

宋人掌握了朴与拙、素与雅的完美结合，用特有的简洁造型和淡雅清新，诠释着对自然生灵的敏锐感悟力，阐述着中华文化的博大精深及艺术内涵。

从传世的梅花图、枯木山水画、冰裂纹青瓷、窑变釉瓷器来看，宋人试图让残缺变成欣赏的聚焦点，用朴、素、淡、雅、拙成就独特的审美情趣。

5、宋|风雅四艺

作为真正能担得起「风雅」二字的朝代，「宋代」是中国古代文明的高峰，甚至被西方誉为「东方的文艺复兴」。

宋代的文人士大夫们，追求隐逸生活，由隐逸文化自然兴起雅致的生活美学，并且在民间迅速流行。

　　中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能向山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。

　　中国山水画较之西方风景画，起码早了1000年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。艺术不但是一种征服自然的想象，还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混顿而至清晰。

　　自仰韶文化起，人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中，对称、运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。特别让人感动的是《稷神祟拜图》。在以农立国的背景上，祭祀稷神一直成风。而这幅图中的禾、田、人的关系传达了先祖对生命意义的一种素朴理解。在沉淀了人与动物、植物的自然关系认知的基础上，社会意识又成为最为关键的文明起源。沧源文化的《村落图》，用岩画形式记述了人类对农耕定居的“家”的理解。这幅画最有视觉趣味的是以村落为中心的道路关联，以及押俘、赶畜、祭天、跳神等场面围绕正面中心的梯度延深，平面中的深度己在这幅画中得到有力的体现。人与自然的关系，人与社会的关系，就这样拌随着艺术的看，不断地深化与发展。

　　到了秦汉时期，描绘劳动生活的场面，由乡土而至皇权，殿堂宫室的壁画成为时代的主流。这种以宫室喻家室的认信取向，使中国美术摆脱了原始形态。统治阶级士大夫文化开始占主导地位。士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言，这一分离是深刻的。若我们认真研究一下曲阜石刻的《庭院图》，就会被其视错觉创意震撼。这是两种视觉冲突的艺术：在满足正面的平视前题下，建筑物的平移重迭与倾斜重迭构成了矛盾的主要方面，两种不同透视法则所致生的力的碰撞，使画面具有了超现实的立体感。有趣的是，先贤的艺术家一开始便使用了纵横平移重迭、视线具有深度却不消失的重迭透视法则，而且在复合视域中能将正面与倾斜两种透视法则艺术的冲突起来。应该说这一法则较之当今的西方立体派早了近两千年。正如本书一再所讲的，祖先的聪慧绝非三言两语可以道白，只要我们认真地凭藉科学的双眼走入先贤的思想，我们一定会发现经学方式能告知我们的更多更多。

　　这种用视觉形式冲突所构成的艺术感动，在石刻画的《春雨图》、画像砖的《宅门图》、《收获戈射图》等等古远经典中可以得到更为丰富的体验。一个十分明显的指向是，随着人与自然、社会的认识关系的深入，人们看的方式也发生了变化，由观念为象、装饰为用、几何为图的原始图式，演化为意志为象、生活为用、境界为图的古典图式。这一看的历程，认信的积淀，山水画构成要素的萌芽集合，都为山水画的问世奠定了基础。

　　从个体生命的角度体验天地宇宙的永恒，体味人在此中的自由，是魏晋山水诗的开启。谢灵运的意义就是在文的自觉时注重形的依托，从哲学的本体论出发，追求玄远的神超理得。真正代表中国山水情怀的是陶潜。陶诗是超越玄言的哲学深刻，它没有放弃玄言诗的宇宙本体和生命本体的体悟，并通过某种特定的媒介去捕捉和体现这种体悟的本质和意义，把它们变成一种可触知的东西。一个有艺术的创意，就是将亲身体验到的无形结构找到形状。山水草木在陶诗中是真意深情，是体现中国精神的哲学，是超然事外，是平淡中和。

　　顾凯之《洛神赋图》局部　现今，用“确立”二字来正名山水画的众说是顾凯之的《洛神赋图》和《女史箴图》。在这类摹本的分析中，我们可以看到峰、石、云、水、树的复杂表现。这位“发前人所未发，开后人之师承”的艺术家，第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。虽然文题中心是赵升舍命从师的故事，但其环境刻划部分却成为中国山水画的后来观照。

　　这一模板作用的确立，主要源于以下几点：

　　a 山有受光面、背影，水有倒影，祥云可成为东与西的重要观照，水天的“空青”可托出有太阳的天气。

　　b 按照东西的顺序排置远近山峰，营造一个高峻险绝的境地。

　　c 中段布局主要讲求取势的“对峙”，具有相对意义。

　　d 东、西、中三段山要用“紧凑性”将长卷关联起来。在山的三分之一以上部位，做清气使之分为两重。

　　顾氏的理论之所以重要，在于他提出了行云流水的线性形状，鸟瞰呼应的重迭形式，三段山、三分位的空间模式。

　　被称为中国第一篇山水画论的是宋宗炳的《山水画序》。宗氏提出了著名的透视法则：“竖画三寸，当千刃之高；横墨数尺，体百里之远”。与宗氏同代的王微，亦是纵情丘壑的人物，他在《叙画》中提出了“望秋云，神飞场；临春风，思浩荡”的怡情说，和“一管之笔，拟太虚之体；以判躯之状，尽寸眸之明”的尺幅千里说。可以讲，至魏晋以降，中国山水画的远取其势、近取其质的核心认信已确立了逻辑起点，而空间视觉原则也得以逻辑的深化。 [编辑本段]第一度时空坐标——青绿山水　　 展子虔《游春图》

　　被宋徽宗题名为《展子虔游春图》是青绿山水的开山之作。这幅画呈顾氏笔脉，在六朝墨勾色晕的基础上，创造了勾框填色的重彩青绿，开李氏父子青绿山水一派。这幅画作的问世，标志着山水画已成为一个独立的画科。尽管学术界对作者及年代多有争议，但这并不妨碍人们对第一幅独立山水画作品的认知。

　　创造山水画金碧辉煌时代的是大小李将军。时任武卫大将军的李思训以《江山楼阁图》标一变之法，其笔墨达到了“夜闻水声”的通神境地。其子李昭道“变父之势，妙又过之”。二李的青绿山水可以说造百代影响，画史界有人称之为北宗之祖，历代均有追随，郭熙、范宽、刘松年、李唐、马远、夏珪、王晋卿、王希孟、赵伯驹、冷谦、仇英等都从中汲取着影响。

　　山水画的缘起，使中国画发生了重大变化，形成了以山水为主，山水、人物、花鸟交替发展的格局。山水画虽起步较晚，但较之人物、花鸟却一直成为中国美学的主脉。这是一个特别值得研究的现象。为什么呢？在此给出一些基本认知：

　　—、 确立了知山乐水的圆觉之境：山水画的缘起，是中国画天人合一意境的历史集成，是知山乐水大田园观民居意识的集中体现。可以说，青绿山水的标树确立了中国审美的一个重要基调：闲情逸致式的陶冶(至元时这一认知成为立信的基准)。人们在千秋永立的高山流水面前，品味到的是萧条空寂与静穆平和。圣者说的“道、理、性”均在山水面前顿捂圆觉，以终成情性。这种以山为乐、以水为知，以空为悟、以远为觉的精神确立，这种天人合一的忧乐圆融意识，可望、可行、可游、可居的自然理想，是士者文化的一种精神，是素朴生命哲学的艺术体现。中国哲学在中国山水中找到了更为丰富和具体的内涵。

　　二、确立了愈小而大的意蕴之理：中国古典最为重要的一个美学命题是愈小而大。我们在古典分析时指出的超以象外，追求言外之意、弦外之音、韵外之致的美学品地，就是对愈小而大这一命题的艺术理解。实际上，这是中国人用特殊的视错觉审视图像的艺术。我们一再说的中国画咫尺千里法则，就是对这一命题的艺术揭示，它除了告知我们哲学以外，还告知我们一个极为独特的透视原理，它让人在一个相对稳定的整体情境中知觉物我合一、象于无形的一种特殊的大象与大音，若说中国画的感动，最大的致因莫过于此。

　　三、确立了学科表现的语法规则：任何一个画种，要想独立于艺术之林，必须在语法结构上满足复杂性与丰富性的要求。即本书多次强调的，必须藉助复杂的视错觉结构实现自然物象的简化。青绿山水的历史意义在于：一方面它让绘画从宫室壁画的人事为用、宗教理说中解脱出来，让山水不再成为人事宗法的环境与陪衬，成为主要的精神寄托。另方面它在表现语言上第一次为山水画定立了法度规则，系统地在构图、设色、树法、石法、水法、笔法、论说上进行了建树。应该说系统的有学术的山水画认知从这一时段起才真正进入了广延与深刻。

　　特别提及吴道子的疏体山水。一个著名的故事：千里江陵，吴道子一日而就；李思训数月始成。说明疏密二体的山水画在方法论上是截然不同的。疏体估计是边际线的艺术（可能尚未触摸到轮廊线）。由于这类画作只缘于传说，未见真迹，对于主张认真看而不是听的我来说，实在无法想象，只能把猜测留给想象力丰富的人，我所能做的还是用自己的眼睛去看。

　　当我们的双眼移至中唐，两类变化引起了山水画新的认知：一是山水诗的美学成熟。王维、杜甫、白居易、元稹等诗性美学家，从不同角度深化了人们对诗意美（特别是诗境）的认知，以诗入画成为一个重要的美学范式。一是禅宗美学的发展。道由心梧己成为士大夫重要的思想纲骨，在一个圆觉过程中，由“禅、心、参”的圆融而觉悟，以禅入画亦成为一个重要的立境模式。诗境与禅境一经交汇，中国山水画的大象、大音之境便油然而生。应该说，独设道场的中国山水画，基此才成为一个系统的思想构架。儒、释、道的美知火花，在中国山水画的意境中得以闪现升腾。中国山水画的逻辑在思想火花的碰撞中得以演义新的革命。 [编辑本段]第二度时空坐标——南北二宗　　 荆浩《匡庐图》

　　在思想准备系统化的基础上，首先进行革命集成的是荆浩。他一直隐居于太行洪谷，主要从自然秩序中发现绘画的秩序，是“以真为师”的思想流源的深入。荆浩之变堪称中国山水画的集成之变，自洪谷子的山水模式问世，继后的山水画艺术形式便有了一个稳固的基础。这可能是中国山水画演泽最为深刻的所在。

　　首先，荆浩提出了中国山水画的系统美学理论：他的主要著作有《笔法记》和《山水节要》。在论著中，他提出了“代去杂欲”的养德说；“气、韵、思、景、笔、墨”的六要说；“明物象之深”、“搜妙创真”的师法自然说；有形之病与无形之病的二病说；“筋、肉、骨、力”四势说；“神、妙、奇、巧”的四品说。荆浩把艺术的追求理性化为：气质俱佳、六要齐全、二病毫无、四时齐备，且县天成之妙。

　　再者，荆浩提出了中国山水画的勾斫程式法则：他不仅善于辩山水之真谛，亦善于辩画法之真谛，对于有名的笔墨，他都予以理性的批判，并成为自身的借鉴。包容式的集成是荆浩终成历代文范的前提。在这位前贤眼中，张噪的树木、鞠庭的白云、王维的笔墨、大李的华巧、吴道子的线律都是可贵的精神食粮；但亦都有不足。这位革命者，一变隋唐以来空勾无皴的单调画法，创造了以点、面为主的勾斫技法系统，使中国山水画第一次具有了程式法则上的复杂性与丰富性。

　　第三，荆浩提出了中国山水画的中心全景模式：相传其《匡庐图》主峰置于中轴线上，视点可用“上突巍峰，下瞰穷台”加以形容。依据主轴线，主次、错落、勾连、参差、远近、高下、虚实、藏露、“天、地、中”等等范畴均关联演绎，首次系统运致了中国画成象空间的知觉心理范畴。若我们今日再用整体连续性梯度重迭的空间理论加以诠释，就可以得出主轴对称、正面垂直平移、梯度致深、连续完形的重迭透视法则，这一“大山堂堂”的雄伟视线，是中国画特有空间模式的经典写照，是今日最值得再认知的科学课题。

　　关仝《关山行旅图》　师承于北宗的三大家，“智妙入神，才高出类，三家鼎峙，百代标程”。有“出篮”之美的关仝，相传其出笔的《关山行旅图》和《山溪待渡图》，“石体坚疑、杂木丰茂、台阁古稚、人物幽闲”，成关家风范。

　　被称为“宋画第一”的范宽，得山之骨法，其《雪景寒梅图》则被称为天上神品，而《溪山行旅图》则被徐悲鸿评为“中国所有之宝者吾最倾倒者。”可见范宽的代表性。其峰峦浑厚、势壮雄强、落笔老硬、与山传神的风范，把北宗的壮美之境推于极致。

　　回答人的补充 2010-01-14 20:42　被一些人称之为“古今第一”的李成，气象萧疏、烟云清旷、毫锋颖脱、墨法精微。其独擅的平远风格，朝野珍视，遗憾的是至今未见真迹，相传的《读碑窠时图》可能为摹本，但这种一变荆、关壮润为清润的文韵风格，对后世的影响极其深远。他的卷云皴和平远烟云不仅陶醉了许道宁、郭熙、王洗，对以枯木竹石为立意的文墨山水亦为法师。

　　总之营丘之文、中正之武、关家之风，构成了北宋时的主体风格。自荆浩提笔立章，三家鼎足以来，中国山水画的勾斫之法可谓由成熟而达一新的高峰，说其百代标程、里程碑式的建树，一点也不为过。

　　在荆浩开辟北派山水的同时，董源开辟着南派山水。

　　南宗之法也是双眼对自然观看的结果。江南水色清幽淡雅，气象有别于太行或关陕峻岭。其平缓连绵的山峦映带，温润清净的草木泽生，素雅苍茫的水天一色，渔舟唱晚的自娱天趣，均象喻着另有一番天地。

　　在这番天地中，起法于慧能的六祖革命使南禅的美学思想渐成主体。虚空明境的审美意趣，淡若似水的逸品追求，娱情遣性的为已抒发，一时成为士者的观照。王维以明心观性为逻辑起点，引禅入画，率先以水墨之法表现了净心顿明的空浩之境。“逸”第一次与“神”并肩成为最为重要的美学范畴。王维的意义主要有二：一是以诗为画，禅意澄明，给人一种自娱田园的怡静，意象远逸画外，颇耐咀嚼。二是水墨为法，墨的秩序法则第一次提到艺术的高度，用水样情调体诗样禅意，诗情画意可谓由此而生。鉴于摩洁极高的文化修养，因此其所为笔墨一直成为后来文士的崇尚。山水画做为“为己”文章，文人画作为“为己”逸致，可从摩洁始。水墨文章从这一刻起，已标为圣者说，成为人们至今参悟的模板。

　　完成水墨系统化集成的是南唐北苑使董源。董北苑以江南景色为画图，开“平淡天真、融浑静穆”的南派师法。若说影响，可称五代以来皴法体系的始鼻祖（集大成者）。

　　第二度山水画的革命，从实践意义上说是一次皴法革命。董源的历史意义，在于集皴法认知之大成，立皴法美学之系统，中国山水画的皴法之美至此独立于美学之林。

　　以皴为美的山水画，从视觉心理角度看，主要是人们面对自然时藉于观察而形成的一种有创意的视错觉笔墨。这类笔墨有效回答了中国人如何在一个二度的平面中表现三度感。从这一意义说，笔墨即为美，即为空间，即为自然的同形，它是一个复杂的系统结构，它并不是欧洲古典视错觉中心的同义（固定光源所产生的错觉空间的观念： 一个关于定向、距离与阴影的法则），它是中国人独特的空间视错觉。若我们用科学的原理诠释古典的笔墨，会看到皴法美的一些基本结构：a “点、线、面”的立体结构。山水画发展至成熟，最显著的标志便是皴法有了三维认知，其“线 — 披麻皴、点 — 点错皴、面 — 斫垛皴”的基本定义，为中国画的空间描述奠定了基础。b 凹凸感的视觉结构。最有意义的是提出了凸处稀、凹处密的视错觉观，实质上这是墨的明度效应，中国人一开始便执着于觉察不到光线作用的绘画法则（这一令现代西方着迷的观念），从而在阴阳、疏密、远近的质地范畴描写上，有力依据笔墨（明度）对衬关系将“远映”效果达于极致。c 笔与墨的有机结构。与荆浩笔墨并重同义的，是董氏之风更趋于笔墨的灵活与互运，以勾、皴、点、染的不同技法，抒状风、晴、雨、雪的不同气象，从而实现峦光山色、朴茂静穆的平深布局。有了这三点基本认知，中国山水画在形状、形式、空间、色调这四大基本范畴上即有了一个系统的结构，以皴为法的笔墨成为中国山水画演义的美知主脉。

　　董源《龙宿郊民图》

　　董源的代表作《潇湘图》和《夏景山口待渡图》是点子皴的登峰造极之作；而《龙宿郊民图》则突出了大披麻皴，前者姿体天真，后者骨体温润，一为无限江天，一为凹凸达势。而点线面的皴法依景致运，互为托表，是一种灵性生文的禅悟之道，其所立法度已成为江南山水的一种精神。

　　有自抒之见的巨然，从董源出而又现天真。其《万壑松风图》、《秋山问道图》为董氏革命后的又一小变。他善用长短披麻皴，山顶多矾头，水边多风吹蒲草，近树多曲、远树皆直，淡皴浓苔、破笔焦墨，尤其是中点苔法更是独见创意。后者说他在意境上发扬了“不装巧取、皆得天真”的董氏之风，但于藏笔于肉的董氏笔墨不同，巨公笔墨于肉透骨，志趣各有不同。

　　在荆、董开启的北、南革命的皴法运动中，“米家山水”亦显示了独有的个性。米芾长子米有仁，从董、巨处汲取营养，但他以打点为皴，一改线皴的规范，加之草草墨戏，一笔拖泥带水皴，亦见苍润奇雅，对后世影响颇深。

　　时至南宋，由赵王朝一统之初的偃武修文之策，进尔到似水文化之状，士大夫文化在科学、理学、文学、戏剧、瓷器、建筑、绘画等等方面都进一步取得了成就。而面向自然、融于自然、顿悟自然的禅道心态，亦成了一种渴求，入世中的出世，都市中的村野，呈相一种特别的美感体验。上至皇帝、中至翰林、下至布衣，都有移情自然、以画为寄的性志。这种朝野一心的创作纷围是前所未有的。正如是，山水画的二度变法才得以集为大成。

　　被称为南宋院体四大家的李、刘、马、夏，开创了至明清而憾力不衰、至东洋而文范远示的中国山水画的博大意境。

　　在郁郁乎文哉的南苑笔墨中，最大的变化便是诗境的深致。中国山水画的天人合一之境，由大山堂堂而至野水孤舟。诗的画外之画、味外之味、言外之言几达于精致的品鉴，细腻的揣摩、精微的体验、深入的剖析，成了美的欣赏的最高追求。在院体庭试这一至上权威的旨意下，绘画已成为真正的 “风、雅、颂”。而在诗美的画意中，缘于诗的精致、深致、别致，笔墨由崇高而致优雅，由浩大而致精微。这种由皴法美而为构成美的空间意识，自然地将勾、勒、皴、擦、点、染、烘的皴法系统深化到设意立境这一更为广延中来。笔墨不仅有了更大的表现舞台，亦有了更深的表现题目，因为从视觉心理讲，图是灵魂中闪现的情感意象，构图则是对意象进行整体的有趣味的组织，这一组织动机实际上是艺术的绝对需要；每一类优秀构图的出现，都是创作灵感艺术于笔墨逻辑的结果。应该说，中国山水画由皴法美而为构成美的意识，是认知的一次较为深刻的转折。

　　以“竹锁桥边卖酒家”为院试首选的李唐，成为南宋画院的领袖，他南渡以来，把青绿与水墨结合起来，取法荆、范而创大斧劈皴，其《清溪渔隐图》水墨齐下、线面结全、删繁就简，具有高度的概括性，自成刚劲犀利、雄阔磊落的一家风范。追慕李唐的刘松年，在《四景山水》中变斧辟皴为刮铁皴，集人物、楼宇、湖山为一体，表现了他对青绿、水墨画的多向认知，以及把李唐的画风趋于典雅、精美的取向。

　　最有图形革命的是马远，他把视觉注意力引向虚旷空间，变全景式为一角式，且以边角之景，蕴示无限江天，这种空灵虚化的清旷手法，以大虚状大实，无画皆成妙境。在《寒江独钓》和《踏歌图》中，让人体验了平远布局内在的矛盾冲突。与此同时，被称为“夏半边”的夏圭，在简化时更注意“大纵横、小精密”的空白补意，在无墨处求画，其《溪山清远图》、《松崖客话图》代表了他这种简练苍劲、寓之于拙的风格。应该说自马、夏一变，中国画的空白观、疏密观有了真正意义的视错觉空间意识，水墨胜于勾填，亦成为中国山水美学重要的形式命题。

　　当然，有宋时在水墨胜出的同时，青绿亦成为院体的重要承接。最值得重视的便是王希孟和他的《千里江山图》。这位年仅18的天才学子，凭藉对祖国山河的特殊感悟，以艺术的想象凸现了煌煌巨制的宏远境界。古时即有评家说此画“独步千载，殆众星之孤月耳”。

　　张择端《清明上河图》(局部)　另一幅横绝古今的绘制是《清明上河图》。张择端在这幅画作上的历史贡献就巳远远超出艺术。从社会、经济、文化的综合角度来构设艺术主题，至今尚无有能出其左右者。在伟大的写实精神中，中国山水画的构成美巳突兀于笔墨美，这一美知在巨制横绝的画作中立见经典。闲情逸致之笔与概史括今之笔显然是各具文章的，而史诗性的叙述风格，若没有把握宏大的构成能力，光靠为己之笔、一角之视是很难胜任的。这说明真正的艺术并不排斥叙述性，二度变法的中国画是多面、多向、多义的取信，它应从多角度体现着文明的丰富与深刻。

　　从这一背景出发，在二度变法的集成中，中国山水画的空间构成说亦应成为研究的重点。最有概括意义的是郭熙的“三远说”。即《山水训》中指出的：“山有三远，自山下而仰山颠，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，渭之平远。”若再考虑青绿与荆、董开立的凹凸笔墨法则，可以说一个具有独立意义中国画的透视原则已经形成，它即本书一再强调的整体连续的重迭透视。对于这一宝贵遗产，我们的责任只有一个，甩现代的科学精神还前贤一个科学的本义。让人知道早在1000年前，中国人已能用科学的双眼进行透视。这种通过重迭获得深度的法则，较好地触摸了“在保留正面的平面的同时又取得所希望的深度”这一世界性难题。本书一再坚持把皴擦勾填法则、山石法则、树木法则、云水法则、建筑法则、色墨法则融入视错觉的空间法则中来，以重迭、凹凸等范畴诠释黑与白、疏与密、远与近、有与无、藏与露、浓与淡的古典含义，我们一定会对中国画二度高峰有一个更新更深的认识。还是那句话，一切法度都是对物象观看后有创意的视错觉，它是形状、形式、空间的艺术升华，唯笔墨而笔墨不仅是伪科学，而且是对中国画科学精神的反动。一切笔墨都是对现实逼真的一种“完形”追求，在二度变法：意 — 墨 — 皴 — 图”的美知演义中，最有精神的便是尚天真、施造化、立意境。 [编辑本段]第三度时空坐标——元逸气说　　 黄公望《富春山居图》(局部)

　　在“中国画的五度变法空间”中，我们己就赵孟頫率起的托古改制的革命有了较深的认知，这一革命体现在山水画中便是元四家的野逸之气。以逸气冲破院体，核心点不在于笔墨创新，而在于图像意境创新，关键是风格与审美情趣的不同。以皴为美、以水墨为主体语汇的古风未有质变，而山水情怀却根本一变，这就是借古托今的意义所在。只有认知了这一点，我们才能对逸气革命有一个正确的认识。

　　得赵孟頫指授的黄公望，出笔便见野逸不平之气，带有明显的笔墨与现实的抗争倾向。大痴在《写山水诀》中体现的情怀主要是四点：为游戏、为意趣、为韵度、为理脉。士夫气则是戏、趣、韵、理的的集中体现，即“画一窠一石、当逸墨撤脱，有士人家风”。在《富春山居图》和《六峰雪荠图》中，我们不仅看到了水墨、浅绛的不同格致，还看到了予戏趣之中的一种理性抗争：对自由境界的追求（自由情怀的形性）。

　　曾隐于黄鹤山的王蒙，以古篆籀法杂入皴中，且以点线汇成交响，在《青卞隐居图》中，这种逆向回归的全景式构图，表现了艺术家对“重山复岭、萦回曲折”的秩序美的独特理解，显然它有别于南宗的“以虚代实”观。

　　被后人称为元画极致的倪瓒，以简为宗，与士“繁”形成鲜明对照。他善以禅、道之理入画，提出了对后世影响极其深远的“逸笔草草，不求形似”、“聊写胸中逸气”的美学观，其《渔庄秋霁图》的净心之境、三段式构图、折带皴的笔法，正是这一美学观照的最高体现。若说山水之境，可称古今难出其左右者。

　　一生清贫的吴镇，喜“天人性命之学”，以释僧为友，故在《渔父图》中力求平实，追慕与世无争的精神乐园，笔墨出处呈相了一种气韵奇古、清淡孤洁的精神。

东方之子画坛巨匠一代高峰——李刚艺术成就概论

画坛巨匠一代高峰

马文启鲁迅美术学院教授（有卓越成就美术史论家）

李刚对中国山水画的最大贡献，不仅是继承了中国画的传统，而且把中国现代的山水画引上一个新的境界，新的高度，推到一个时代的高峰，成为新时代的标志。

“李刚笔法”是一个融汇中外诸多因素的技法，已经形成自己独具个性的艺术语言和独树一帜的创意风格。这是李刚先生对中国山水画笔墨技法的创新和发展，为中国山水画笔墨技法发展开辟了一条新路。

李刚先生是继傅抱石、李可染之后，我国画坛出现的又一座高峰。

《李刚笔法概论》20135

李刚艺术赋于关东画派时代特色和新的活力

邵大箴中国美协理论委员会主任（有卓越成就美术史论家）

李刚是一位有远大抱负和卓越建树的艺术家。他是创作鸿篇巨制的高手，也擅长画诗意小品　　作为关东画派的代表画家之一，继续在宏大气势和正大气象上下功夫，发扬关东画派的优秀传统，赋予关东画派以改革开放的时代特色和新的活力。

《恢宏大气，诗情画意》文章摘要2012

关东画派的一面旗帜

孙克中国画学会秘书长（有卓越成就美术史论家）

李刚先生作为关东画派的山水画家，他的艺术特色很鲜明，作品的影响力很深刻。　　看了李刚先生的山水画，让我深受感动。他的画非常严谨，也非常生动，非常厚重，非常有力度。丰富了当代中国画的整体面貌。

我认为李刚先生的艺术成就在关东画派中打出一面很好的旗帜。

李刚艺术研讨会评论摘要201310

李刚艺术---东方哲学的智慧之光

徐庆平中国人民大学徐悲鸿艺术研究院院长

（一）《李刚笔法解析》——历代画家技法创造的总结和发展

李刚先生是能够代表中国现代山水画的时代风貌的大画家。我觉得这个展览，真是让我赞叹！这么多鸿篇巨制，令人震撼！

特别是今天出版的《李刚笔法解析》这本书，写的非常之好。对于中现代山水画的发殿会有非常朋的作用。我认为这个技法，不仅是他个人的技法创造，也是我们国家多不少代山水画家多少代山水画家创造的总结和发展。因此，在今天才能够有这样一部比较面熟的技法著述。

（二）《李刚写生集》——高等艺术院校极好教学范本

李刚先生一直坚持画写生，画事速写。他走过中国大地所有省区的大多知名景点，出访过亚、非、欧、四大洲近二十个国家。所到之处都坚持写生和速写。他从数千幅速写的写生稿中编选八十幅作品，出版了《李刚写生集》一书。他跋山涉水，历尽艰辛，有时甚至会冒着生命危险。我觉得做到这一点非常不容易。他的写生集对画家师造化，深入生活的艺术创作起到示范作用。

（三）李刚艺术——东方哲学的智慧之光

中国人的哲学，不走极端，是为中庸：“恰到好处”，找到最佳结合点，是为中庸。

李刚先生的画，在画面处理上，在矛盾的对立和对比中求统一，找到最佳结合点。他能够把西方的东西融汇进来，能够把古代的东西传承下来，进行自己独一无二的创造。他在把握这些关系的时候，真正做到“恰到好处”

我觉得他是一位了不起的大画家，是一位令人佩服，值得尊重的大画家。因为他给我们许多启发和教益，并且给我们许多美的享受的强烈震撼。

李刚艺术研讨会评论摘要201310

披荆斩棘的开拓者

李松中国美术协会编审（有卓越成就美术史论家）

李刚是关东画派披荆斩棘的开拓者。

六十年前，东北山河大地还不曾进入中国画家的视野。要前人的作品、画谱、创作经验中找不到直接借鉴的表现方法。

李刚曾四上长白山，他以白山黑水为素材，创作出《松原沃土》、《地下涛声》、《关冬雪》、《蓬间飞戏》、《生生不息》、《冬花》等一系列代表作。那些榛莽丛生，人迹罕至的荒原，是前代画家不曾涉足的领域。

李刚将西方画法融入传统笔墨之中，创作出新的图式，为当代山水画开辟了一方新天地。

他把体悟到的造化赋予山川草木的诗性、灵性，化入笔墨之中。他的作品能够与不同国度、不同地域、不同民族的观赏者对话。

人们从李刚作品中分明感受到时代的脉搏。

《披荆斩棘的开拓者》文章摘要201310

李刚作品是现代中国山水画的代表作

许向群解放军出版社副主编

李刚先生的山水画是中国现代山水画的代表作。

我觉得他的山水画是建立在写生的基础是的，有浓郁的生活气息，有传统技法精髓和意境的继承，有关东画派的特点，有鲜明的个人特色，更多的是他自然置身于自然的感悟。　　他的审美取向非常壮阔，具有阳刚之美，又有深沉的情怀和雄浑的诗意之美。平凡之景却充满了北国情怀和家园情结。

他融合了中西艺术因素和风格，而且不失中国气象，做到了无痕迹，非常具有俄罗斯风景油画的精致和美妙，又有中国画的深邃意境。这些都说明李刚先生具有全面的素质修养，肯定是远远超越了前人和古人。

李刚艺术研讨会评论摘要201310

采十炼一独标新韵

孙恩同鲁迅美术学院教授

李刚同志坚信生活是艺术创作的源泉，长期地深入到生活中去。

他的作品充满了诗情画意，格调高雅，下笔有神。

他坚持继承民族传统和“古为今用，洋为中用”的方针，既体现了深厚的传统功力，又能将西方艺术有益因素较好的融汇于自己的作品之中，体现了中国气派和时代精神。

《李刚山水画集》序言文章摘要1992

微观山水画——开拓构图新天地

贲庆余鲁迅美术学院教授

李刚先生有扎实的造型能力，能敏捷地捕捉对象的动态特征，常用骨脉刚劲的笔法营建气势，加上恰到好处和墨色烘托，刚柔相济，形成了自己的独特风格。他更重视赋予自己的山水画以新和意境，使形式服从于内容，这方面他常有别开生面的创造。

宋人马远、夏珪曾创造“半边”、“一角”式的近景山水画，开拓了构图新天地。

李刚则更进一步，画出了特定式的“微观山水画”。将生活气息、乡土情感表达得更加浓郁。

《法天贵真，不拘于俗》文章摘要1996

诗人情怀和散文作家的哲思

尚辉美术杂志主编

从李刚先生的画展中，让我们对关东画派的山水画的民展有了一个新的认识。

李刚先生最精彩的作品是那些巨幅的山水画。整体看构图恢弘，场面巨大，细看又经得起推敲。树木枝干的穿插，在笔墨语言的运用上，都非常讲究，但他的艺术处理是相当深入的。

他把自己的灵性转化为意境的营造。那种恬淡，那种秀雅，具的中国画所特有的那种诗人情怀和散文作家的哲思。他像吴冠中先生一样，是典型的意向创作方法。

应该说他和笔墨功底，对传统文化的传承，能够有这么高的造诣，常人难以做到。他的画己跨入到山水、花鸟、人物各个领域，有笔有墨，色彩的处理也比较好。

李刚先生的作品给我们今天探讨主题性山水画创作一个很好的诠释。

李刚艺术研讨会评论摘要201310

当代中国的希施金

马文启鲁迅美术学院教授（有卓越成就美术史论家）

李刚先生以画树著称。其艺术语言、创意风格、独具个性，自成一家。鸿篇巨制，气势恢弘，诗意浓厚，富于原始生态之美，表达出崇高深远博大的精神境界和情怀。俄罗斯有希施金，中国也有希施金。

《当代的希金斯》2007年沈阳

鉴古吸今一代新风

李奇茂台湾国父纪念馆首席专家

李刚先生吸取了多位古今大师的独到绝活，焕然而成前无古人的“李刚笔法”和独树一帜的“李刚艺术风格”。

“李刚笔法”已达“运用之妙，存乎一心”的化境。这是一种厚积薄发的功夫，没有大智慧很难做到这样全然融汇的大自在!

《大自然和大森林的咏叹者》文章摘要20114

生命的颂歌--李刚艺术的精神境界

夏硕琦中国美术家协会编审（有卓越成就美术史论家）

李刚的山水画追求北派的阳刚之气和恢弘博大之美，那些充满天地灵气和原始生态之美的山水画，就来自于大自然的启示，是“得天之助”的产物，得益于他对现实生活的观察和真切的审美发现。一切景语皆情语，笔含情、墨传意、色增辉，于精微的描画中处处可见画家难以平静的激情。

李刚擅长画树，丛林杂木，枝柯纵横交错，他把苍莽丛林处理得乱而有序，密不通风却层次丰富而分明，在大“乱”的自然本相中，展示出群鸟翔集的自由世界，提炼出一种自由朴野之美。

他用自己的笔法，构图，虚实刚柔的艺术处理，体现一种生命的艺术，生命的颂歌，他有本事把那么纷繁复杂的丛林，画得“乱而有序”创造出诗一般的境界，这是精神性的贡献。

李刚艺术研讨会评论摘要201310

大自然和大森林的咏叹者

李奇茂台湾国父纪念馆首席专家

李刚先生吸取了多位古今大师的独到绝活，焕然而成前无古人的“李刚笔法”和独树一帜的“李刚艺术风格”。

“李刚笔法”已达“运用之妙，存乎一心”的化境。这是一种厚积薄发的功夫，没有大智慧很难做到这样全然融汇的大自在!

《大自然和大森林的咏叹者》文章摘要20114

采天地雄深之气铸山水天成之美

王盛烈鲁迅美术学院教授

我觉得他的画亲切，有生活气息，有中国味道，有一种清新的意境。

看李刚的同志的作品，明显的看得出他对传统笔墨的深厚造诣，又不感到有任何因袭，我看他就是把传统学活了的一例。

《笔下河山常新美》文章摘要1992

无可替代的创造　　孙美兰中央美术学院教授（有卓越成就美术史论家）　　李刚作品心路，开北国山水借鉴南派山水自觉意识之先河，精神境界的开拓，大自然伟力的蕴蓄感，显然得益于李可染先生山水范式的启发，但又有他自己无可替代的创造。

《雄关大野任盘旋》文章摘要19965

前无古人的技法创新独树一帜的风格之美

廖静文徐悲鸿纪念馆馆长

很长时间没看到这么好的作品了!

近些年来许多画展令人厌倦。我看李刚先生的作品却可很激动：大山、大水、大情怀；真山、真水、真性情。他的作品真的是“推陈出新”：他继承了传统的优秀经典和西方有需要的东西结合起来，非常非常的好！所有作品都是从生活中来，给人一种生机勃勃的感觉。画面的组织也很美，整个画面的时间感和空间感都很强。

他是创新的典范！

“李刚山水画展”记者访谈201312

用艺术传递大国风范

顾明仁博士联合国人民理事会委员

李刚先生的画展，令人震憾！

他的艺术作品，让我感受到中国山河的雄伟和壮丽，许多主题性的山水画，让我看到中国大地及边疆地区各族人民多姿多彩的生活画卷。

李刚先生的作品充满了中国气派和时代精神，他不仅用中国画的传统技法，表现了中华文化的博大精深，其中也有西方艺术因素，技法因素，

我认为他的作品可以代表高水准的中国艺术，代表中华大国的艺术风貌和大国情怀，让世界各国了解中国文化并重新认识中国。我们会竭力推动他的艺术走向世界。

炎黄艺术馆录音谈话记录整理201310