西方音乐史小知识点

1我想学习一些简单的西方古典音乐中的乐理知识,比如音调音色等b

说起古典音乐，我上了大学之后，毫不犹豫地报了西方音乐欣赏的选修课，没想到到了研究生又报了一次。

开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。 我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。

因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。

当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。

否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。 《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获奖影片。

这部**重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（**为了个性鲜明和矛盾的突出，丑化了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。

萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么上帝不赐予自己这样的天赋。 而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的张狂和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的藐视，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。

还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。 它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。

有无奈，有苦闷，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说世上怎会有如此悲伤的旋律！ 可以说贝多芬始终是一个与命运抗争的人。

由于他长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是上帝的宠儿。 在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。

要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。

而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。

他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。 后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《皇帝圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。

同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲--德沃夏克的《新大陆》。 尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

总之，我对自己能够接触到古典音乐而感到庆幸，也感谢古典音乐给我带了快乐，希望更多的人也能与分享这些快乐。 你也喜欢古典音乐嘛？想和你叫个朋友！~。

2中外音乐史及美术史的知识点

这里有一点中西方发展历程，看能不能对你有点帮助！

中西美术史中“形神观”的分化与融合

绪论：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一个是理性的对待对象；一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前，挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键；而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价，只是想将各类的观点理成一个脉络。形似（简称形），顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下（中西、古今……）是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期，形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代，形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的：“传神写照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起，形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画讲究自我表现，追求意境、神似的风气，得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起，躬行实践。神似成了绘画品位的代名词（这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。）

所以，神似远不像形似那么简单。首先它不仅是对物象神韵的把握，在艺术作品中加入自己的感情，让艺术作品有自己的思想也是另一种神似。

怕话题越扯越大，便就此打住。进入上部。

上部：意味深长的历史轨迹

——古（近）代中西“形神观”的对比。

将中西美术史加以对比总是很有趣的事。探索其差异的原因更是意味深长的。

正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一点中西双方是不约而同的。在中西美术上第一个绘画 都是人物画的 。

中国人物画经过了秦汉的发展，到了魏晋南北朝时期终于迎来了一个高峰。以顾、陆、张三绝，影响了整个中国人物画的发展。

顾恺之（346——407），字长康，小字虎头，江苏无锡人，义熙中为散骑常侍，博学有才气。他是一个早熟的画家。20多岁江宁瓦棺寺壁画，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百万钱”（张彦远《历代名画记》引《京师寺记》），从此画名大振。他的地位，在三绝中是最高的：“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无双，以顾为贵。”很清楚，在魏晋时期，中国绘画观念就已经深深奠定了“神”的表现重于“形”的表现。

看完了以顾恺之为代表的中国人物画第一个 。就看看西方的人物美术的第一个高峰——古希腊美术。雕塑 雕刻是希腊美术中最重要的部分，它集中地体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术才华和对人体的精深研究。许多最优秀的雕刻作品因气势宏伟、形象完美和风格洗练而罕与伦比；千百年来无数画家、工艺家都曾受到它的启示和影响；它所独具的内在生命力和艺术魅力，至今仍放射着灿烂的光辉。

古希腊的雕塑经过了三个时期。

古风时期。

作为古风时期雕刻，通常是从前7世纪开始。这时的人像雕刻大都是直立的形象，总的来说，都未打破僵直的形态，造型手法也较生硬。直到前6世纪，雕刻的艺术技巧有了明显的进步，在人体和动态的表现上都更为自由而富有生气。

二、古典时期

从前 490年起开始了希腊艺术的古典时期。具有强健的体魄、昂扬的精神和典雅优美的造型，是古典时期雕刻的共同特色，这是希腊各城邦在战胜外族的侵和建设自己强盛国家的年代中，人们对英雄人物的理想的体现；同时也形成了与此相应的美的规范。

三、希腊化时期

希腊雕刻经过古典时期的发展高峰，到希腊化时期中心移向小亚细亚的西部和爱琴海的部分岛屿。这时期已很少建造宏伟的神殿，那种庄严崇高的气氛在雕刻作品中也渐趋淡薄，而世俗化的倾向则有所发展。然而在某些杰出作品中，仍然保持着古典时期大气磅飒飒的精神。但到了晚期（以〈拉奥孔〉为代表）雕塑已经失去了崇高的精神。

综观古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和生气。但更明显的表现出了科学的精神。对人体比例的精准把握（以黄金分割律为代表）明显的将欧洲美术带上了写实主义的路子。同将上述中西双方的绘画代表作并列一起，即可以明显的看出这种差异。

3谁帮我介绍一下西方音乐史

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面：

第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响；

第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。

第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等，

4大家帮忙介绍下关于音乐的知识

古典主义音乐Classical Music，中文翻译为“古典音乐”。

有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义：to be in traditional and serious style，而称之为“严肃音乐”。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

巴洛克音乐 巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。 乡村音乐 这个名字是20世纪20年代在美国出现的，它的源流很广。

那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。 爵士音乐 爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。

19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。

摇滚 从最纯粹的形式来讲，所谓摇滚，就是三 加强硬持续的鼓点加上口的旋律。摇滚不仅是一种音乐形态，实际上它是一种“人生的态度和哲学“，也正因为如此，摇滚乐才有别于一般流行音乐（Pop Music）。

真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。 重金属音乐（HEAVY METAL），简单来说，就是用稍微超常的力度来演奏摇滚乐。

吉他，作为这种音乐的主要元素，在演奏时比通常响一点，更具复仇感。 朋克音乐 朋克PUNK， 是兴起於1970年代的一种反摇滚的音乐力量。

PUNK在中国大陆译作"朋克"； 在台湾译作"庞克"， 香港则叫作"崩"。 在西方， PUNK在字典是解（俚语）小流氓、废物、 、娈童、低劣的等意思 （虽然现在它的意思有了一定的改变）。

灵魂音乐。灵魂乐是南方福音和中西部的节奏蓝调的融合，礼拜乐的复兴被带入节奏蓝调的 Boogie-Woogie 世界之中。

从这种肥沃的基础开始，灵魂音乐诞生了。灵魂音乐的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感及宗教音乐。

吉它常常让位于 Hammond B-3 风琴，同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志，偶尔也加一些即兴表现。

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。

近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。 HOUSE是于八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。

这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓（Drum Machine）规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起，House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲，为电子舞曲最基本的型式，4/4拍的节奏， 一拍一个鼓声，配上简单的旋律，常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳 歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 Britpop（英伦摇滚） 虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源于九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。

不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。 Trip-Hop（神游舞曲） Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作"Bristol Hip-Hop"。

Gangsta Rap （匪帮说唱） 是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、 感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。

Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop于八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。

Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” （3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。 ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。

弦乐组每种乐器有多人演奏 （竖琴除外 ），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 CHAMBER POP （室内乐） 是指典。

5应聘小学音乐教师怎么样复习笔试,专业基础知识,主要是西方音乐

我去年刚拿的高中的教师资格证，专业理论这一块基本上没怎么复习，因为这个东西没法复习，靠的是平时的积累，你说的西音史跟中音史的比重不算太大，只在选择题里面出现，最主要的还是最后的大题，教案的写作。

说回去，为什么我说没法复习？你把往年的真题看一遍你就会发现这种基础知识可考的点太多，根本没有反复考察的东西，一些最基本的诸如“黄河大合唱的词曲作者是谁”之类的常识根本不会考，所以我的建议是把重点放在大题，音乐史的知识买本资料浏览一遍就好。

比如说今年有个题目我印象很深刻，叫“弦乐四重奏《风。雅。颂》的作者是谁”，选项里面有谭盾、郭文景之类的中国当代作曲家，你说这类题目怎么复习？所以这些主要靠积累，背的作用的确不大，投资跟回报并不成正比。

6西方音乐发展史

一、古希腊罗马音乐 因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。

古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。

前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。

二、中世纪音乐 大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。

“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。

这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。

采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。

教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、文艺复兴时期的音乐 文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。

这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。

在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。

他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。

文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。 1、尼德兰乐派。

尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 2、16世纪的世俗音乐。

16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。 四、巴洛克时期的音乐 巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。

“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域 1、歌剧的诞生 歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。 2、器乐的发展 巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。

巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明。

7西方音乐史的发展,分为那几个时期,以前个个时期的代表作

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。 西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面： 第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响； 第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。 第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等， 而发展经历的时期入下：西方音乐历史及音乐体裁的发展主要经历了以下几个阶段：

一、西方音乐的起源可以追溯到古代的美索不达米亚平原。起源时期的音乐，主要用于神庙祭祀、节日庆典，带有明显的宗教色彩。苏美尔人、埃及人、希伯来人和古希腊人推动了音乐的发展。

二、中世纪的前期和盛期

这一时期主要是单音音乐时期，大致从公元600~1300年。

三、“新艺术”时期

公元1300~1450年，是中世纪向文艺复兴过渡的阶段。

四、文艺复兴时期

1450~1600年，文艺复兴的中心在意大利，但音乐中心却在法国的勃艮第地区和佛兰德。这一时期德国、英格兰音乐的兴起，罗马教堂音乐的改革和威尼斯乐派的活跃使这个时期的音乐成就不逊于其他的艺术。

五、巴洛克时期

1600~1750年，从蒙泰威尔弟开始，到巴赫和亨德尔结束。巴洛克时代在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。巴洛克音乐气度高贵、情调感人，内容比文艺复兴时期更丰富 、更具戏剧性。欧洲音乐的许多重要体裁都在这一阶段初步形成，如歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲、清唱 剧、康塔塔（大型声乐套曲）等都已具备了经典形式。音乐巨人巴赫、亨德尔则把巴洛克音乐推向了 。

六、古典主义时期

以恢复希腊、罗马的古典风格为目的，主要放眼于追求客观美的古典主义音乐，在维也纳形成了气候，海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐家的杰出之作让音乐史为之一振。这一时期成为器乐的 黄金时代，钢琴曲、小提琴协奏曲的创作层出不穷，奏鸣曲式的确立被认为是这一时期成就的代表。

七、浪漫主义时期

浪漫主义乐派是人类艺术史上的一大“宝库”。这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式。这 种更注重音乐内容的音乐流派，使一些非音乐因素成为音乐的主宰。浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰。

八、新音乐

这是20世纪音乐的统称。和其他艺术一样，音乐开始出现多种流派百花齐放的局面。音乐创作的保守与创新两派在音乐文化发达的德国、俄国、英国、美国等地相互竞争，这在一定程度上促进了音乐的繁荣。但在50年代后，随着电子音乐和计算机等的高新技术的出现，音乐家们都希望在音乐新一代的音乐语言、节奏的发展上找到共同点，重塑作曲家角色及音乐艺术的本质。

对于古希腊和古罗马的音乐的具体情况，因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。

古希腊音乐在音乐理论方面的遗产十分丰富，对后来西方音乐发展产生了重要影响。毕达哥拉斯（约公元前550年）把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系，认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例，音乐与宇宙天体存在类似，因此音乐可以最好说明宇宙现象，从而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。另外两位哲学家柏拉图和亚里斯多德则以论述音乐的社会、道德作用而著称。古希腊已经出现了很完整的音乐调式体系和一套音乐术语。但音乐主要为单声部旋律，没有和声和复调。音乐常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。古希腊没有留下音乐的实际音响，只能从一些文字记载，一些墓碑的碑文和少量音乐作品的残篇等资料中了解到当时的音乐情况。

古罗马时期依然没有留下多少资料记载，其音乐文化大都是古希腊时期遗留下来的。古罗马时期音乐的重要特点是音乐向的实用化、典仪化发展，军乐十分流行；音乐趋于职业化。这些都是古罗马与古希腊音乐的不同之处，但古罗马时期的音乐在精神的健康方面已无法和古希腊相比，此时的音乐失去了古希腊时期的高尚和纯真，成为一种纯粹的娱乐。乐器方面比较突出的有几件铜管乐器，如直筒喇叭口的大号（Tuba）和G字型的库努号（Cornu）。

1 西方音乐史小知识点

西方音乐史小知识点 1我想学习一些简单的西方古典音乐中的乐理知识,比如音调音色等b

说起古典音乐，我上了大学之后，毫不犹豫地报了西方音乐欣赏的选修课，没想到到了研究生又报了一次。

开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。 我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。

因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。

当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。

否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。 《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获奖影片。

这部**重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（**为了个性鲜明和矛盾的突出，丑化了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。

萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么上帝不赐予自己这样的天赋。 而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的张狂和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的藐视，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。

还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。 它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。

有无奈，有苦闷，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说世上怎会有如此悲伤的旋律！ 可以说贝多芬始终是一个与命运抗争的人。

由于他长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是上帝的宠儿。 在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。

要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。

而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。

他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。 后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《皇帝圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。

同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲--德沃夏克的《新大陆》。 尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

总之，我对自己能够接触到古典音乐而感到庆幸，也感谢古典音乐给我带了快乐，希望更多的人也能与分享这些快乐。 你也喜欢古典音乐嘛？想和你叫个朋友！~。

2中外音乐史及美术史的知识点

这里有一点中西方发展历程，看能不能对你有点帮助！

中西美术史中“形神观”的分化与融合

绪论：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一个是理性的对待对象；一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前，挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键；而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价，只是想将各类的观点理成一个脉络。形似（简称形），顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下（中西、古今……）是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期，形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代，形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的：“传神写照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起，形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画讲究自我表现，追求意境、神似的风气，得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起，躬行实践。神似成了绘画品位的代名词（这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。）

所以，神似远不像形似那么简单。首先它不仅是对物象神韵的把握，在艺术作品中加入自己的感情，让艺术作品有自己的思想也是另一种神似。

怕话题越扯越大，便就此打住。进入上部。

上部：意味深长的历史轨迹

——古（近）代中西“形神观”的对比。

将中西美术史加以对比总是很有趣的事。探索其差异的原因更是意味深长的。

正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一点中西双方是不约而同的。在中西美术上第一个绘画 都是人物画的 。

中国人物画经过了秦汉的发展，到了魏晋南北朝时期终于迎来了一个高峰。以顾、陆、张三绝，影响了整个中国人物画的发展。

顾恺之（346——407），字长康，小字虎头，江苏无锡人，义熙中为散骑常侍，博学有才气。他是一个早熟的画家。20多岁江宁瓦棺寺壁画，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百万钱”（张彦远《历代名画记》引《京师寺记》），从此画名大振。他的地位，在三绝中是最高的：“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无双，以顾为贵。”很清楚，在魏晋时期，中国绘画观念就已经深深奠定了“神”的表现重于“形”的表现。

看完了以顾恺之为代表的中国人物画第一个 。就看看西方的人物美术的第一个高峰——古希腊美术。雕塑 雕刻是希腊美术中最重要的部分，它集中地体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术才华和对人体的精深研究。许多最优秀的雕刻作品因气势宏伟、形象完美和风格洗练而罕与伦比；千百年来无数画家、工艺家都曾受到它的启示和影响；它所独具的内在生命力和艺术魅力，至今仍放射着灿烂的光辉。

古希腊的雕塑经过了三个时期。

古风时期。

作为古风时期雕刻，通常是从前7世纪开始。这时的人像雕刻大都是直立的形象，总的来说，都未打破僵直的形态，造型手法也较生硬。直到前6世纪，雕刻的艺术技巧有了明显的进步，在人体和动态的表现上都更为自由而富有生气。

二、古典时期

从前 490年起开始了希腊艺术的古典时期。具有强健的体魄、昂扬的精神和典雅优美的造型，是古典时期雕刻的共同特色，这是希腊各城邦在战胜外族的侵和建设自己强盛国家的年代中，人们对英雄人物的理想的体现；同时也形成了与此相应的美的规范。

三、希腊化时期

希腊雕刻经过古典时期的发展高峰，到希腊化时期中心移向小亚细亚的西部和爱琴海的部分岛屿。这时期已很少建造宏伟的神殿，那种庄严崇高的气氛在雕刻作品中也渐趋淡薄，而世俗化的倾向则有所发展。然而在某些杰出作品中，仍然保持着古典时期大气磅飒飒的精神。但到了晚期（以〈拉奥孔〉为代表）雕塑已经失去了崇高的精神。

综观古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和生气。但更明显的表现出了科学的精神。对人体比例的精准把握（以黄金分割律为代表）明显的将欧洲美术带上了写实主义的路子。同将上述中西双方的绘画代表作并列一起，即可以明显的看出这种差异。

3谁帮我介绍一下西方音乐史

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面：

第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响；

第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。

第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等，

4大家帮忙介绍下关于音乐的知识

古典主义音乐Classical Music，中文翻译为“古典音乐”。

有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义：to be in traditional and serious style，而称之为“严肃音乐”。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

巴洛克音乐 巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。 乡村音乐 这个名字是20世纪20年代在美国出现的，它的源流很广。

那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。 爵士音乐 爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。

19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。

摇滚 从最纯粹的形式来讲，所谓摇滚，就是三 加强硬持续的鼓点加上口的旋律。摇滚不仅是一种音乐形态，实际上它是一种“人生的态度和哲学“，也正因为如此，摇滚乐才有别于一般流行音乐（Pop Music）。

真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。 重金属音乐（HEAVY METAL），简单来说，就是用稍微超常的力度来演奏摇滚乐。

吉他，作为这种音乐的主要元素，在演奏时比通常响一点，更具复仇感。 朋克音乐 朋克PUNK， 是兴起於1970年代的一种反摇滚的音乐力量。

PUNK在中国大陆译作"朋克"； 在台湾译作"庞克"， 香港则叫作"崩"。 在西方， PUNK在字典是解（俚语）小流氓、废物、 、娈童、低劣的等意思 （虽然现在它的意思有了一定的改变）。

灵魂音乐。灵魂乐是南方福音和中西部的节奏蓝调的融合，礼拜乐的复兴被带入节奏蓝调的 Boogie-Woogie 世界之中。

从这种肥沃的基础开始，灵魂音乐诞生了。灵魂音乐的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感及宗教音乐。

吉它常常让位于 Hammond B-3 风琴，同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志，偶尔也加一些即兴表现。

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。

近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。 HOUSE是于八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。

这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓（Drum Machine）规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起，House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲，为电子舞曲最基本的型式，4/4拍的节奏， 一拍一个鼓声，配上简单的旋律，常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳 歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 Britpop（英伦摇滚） 虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源于九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。

不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。 Trip-Hop（神游舞曲） Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作"Bristol Hip-Hop"。

Gangsta Rap （匪帮说唱） 是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、 感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。

Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop于八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。

Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” （3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。 ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。

弦乐组每种乐器有多人演奏 （竖琴除外 ），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 CHAMBER POP （室内乐） 是指典。

5应聘小学音乐教师怎么样复习笔试,专业基础知识,主要是西方音乐

我去年刚拿的高中的教师资格证，专业理论这一块基本上没怎么复习，因为这个东西没法复习，靠的是平时的积累，你说的西音史跟中音史的比重不算太大，只在选择题里面出现，最主要的还是最后的大题，教案的写作。

说回去，为什么我说没法复习？你把往年的真题看一遍你就会发现这种基础知识可考的点太多，根本没有反复考察的东西，一些最基本的诸如“黄河大合唱的词曲作者是谁”之类的常识根本不会考，所以我的建议是把重点放在大题，音乐史的知识买本资料浏览一遍就好。

比如说今年有个题目我印象很深刻，叫“弦乐四重奏《风。雅。颂》的作者是谁”，选项里面有谭盾、郭文景之类的中国当代作曲家，你说这类题目怎么复习？所以这些主要靠积累，背的作用的确不大，投资跟回报并不成正比。

6西方音乐发展史

一、古希腊罗马音乐 因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。

古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。

前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。

二、中世纪音乐 大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。

“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。

这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。

采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。

教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、文艺复兴时期的音乐 文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。

这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。

在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。

他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。

文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。 1、尼德兰乐派。

尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 2、16世纪的世俗音乐。

16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。 四、巴洛克时期的音乐 巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。

“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域 1、歌剧的诞生 歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。 2、器乐的发展 巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。

巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明。

7西方音乐史的发展,分为那几个时期,以前个个时期的代表作

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。 西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面： 第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响； 第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。 第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等， 而发展经历的时期入下：西方音乐历史及音乐体裁的发展主要经历了以下几个阶段：

一、西方音乐的起源可以追溯到古代的美索不达米亚平原。起源时期的音乐，主要用于神庙祭祀、节日庆典，带有明显的宗教色彩。苏美尔人、埃及人、希伯来人和古希腊人推动了音乐的发展。

二、中世纪的前期和盛期

这一时期主要是单音音乐时期，大致从公元600~1300年。

三、“新艺术”时期

公元1300~1450年，是中世纪向文艺复兴过渡的阶段。

四、文艺复兴时期

1450~1600年，文艺复兴的中心在意大利，但音乐中心却在法国的勃艮第地区和佛兰德。这一时期德国、英格兰音乐的兴起，罗马教堂音乐的改革和威尼斯乐派的活跃使这个时期的音乐成就不逊于其他的艺术。

五、巴洛克时期

1600~1750年，从蒙泰威尔弟开始，到巴赫和亨德尔结束。巴洛克时代在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。巴洛克音乐气度高贵、情调感人，内容比文艺复兴时期更丰富 、更具戏剧性。欧洲音乐的许多重要体裁都在这一阶段初步形成，如歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲、清唱 剧、康塔塔（大型声乐套曲）等都已具备了经典形式。音乐巨人巴赫、亨德尔则把巴洛克音乐推向了 。

六、古典主义时期

以恢复希腊、罗马的古典风格为目的，主要放眼于追求客观美的古典主义音乐，在维也纳形成了气候，海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐家的杰出之作让音乐史为之一振。这一时期成为器乐的 黄金时代，钢琴曲、小提琴协奏曲的创作层出不穷，奏鸣曲式的确立被认为是这一时期成就的代表。

七、浪漫主义时期

浪漫主义乐派是人类艺术史上的一大“宝库”。这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式。这 种更注重音乐内容的音乐流派，使一些非音乐因素成为音乐的主宰。浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰。

八、新音乐

这是20世纪音乐的统称。和其他艺术一样，音乐开始出现多种流派百花齐放的局面。音乐创作的保守与创新两派在音乐文化发达的德国、俄国、英国、美国等地相互竞争，这在一定程度上促进了音乐的繁荣。但在50年代后，随着电子音乐和计算机等的高新技术的出现，音乐家们都希望在音乐新一代的音乐语言、节奏的发展上找到共同点，重塑作曲家角色及音乐艺术的本质。

西方音乐的历史大致可以分为七个时期：古希腊罗马时期的音乐，中世纪时期的音乐，文艺复兴时期的音乐，巴洛克时期的音乐，古典主义时期的音乐，浪漫主义时期的音乐，20世纪音乐。

一、 古希腊罗马音乐

对于古希腊和古罗马的音乐的具体情况，因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。

古希腊音乐在音乐理论方面的遗产十分丰富，对后来西方音乐发展产生了重要影响。毕达哥拉斯（约公元前550年）把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系，认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例，音乐与宇宙天体存在类似，因此音乐可以最好说明宇宙现象，从而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。另外两位哲学家柏拉图和亚里斯多德则以论述音乐的社会、道德作用而著称。古希腊已经出现了很完整的音乐调式体系和一套音乐术语。但音乐主要为单声部旋律，没有和声和复调。音乐常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。古希腊没有留下音乐的实际音响，只能从一些文字记载，一些墓碑的碑文和少量音乐作品的残篇等资料中了解到当时的音乐情况。

古罗马时期依然没有留下多少资料记载，其音乐文化大都是古希腊时期遗留下来的。古罗马时期音乐的重要特点是音乐向的实用化、典仪化发展，军乐十分流行；音乐趋于职业化。这些都是古罗马与古希腊音乐的不同之处，但古罗马时期的音乐在精神的健康方面已无法和古希腊相比，此时的音乐失去了古希腊时期的高尚和纯真，成为一种纯粹的娱乐。乐器方面比较突出的有几件铜管乐器，如直筒喇叭口的大号（Tuba）和G字型的库努号（Cornu）。

二、中世纪音乐

大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。其中格利高里圣咏在西方音乐史上具有极为重要的意义，中世纪的教会音乐基本上是围绕着对格利高里圣咏的修饰和扩展而展开的。格利高里圣咏以著名教皇格利高里一世命名，并最终成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。这是一种在教会礼仪中用拉丁文演唱的单声部歌曲，它肃穆、节制，风格朴素，最大的排除世俗欲念。后来在它的基础上逐渐增加了其他声部，形成了复调音乐，可以说，格利高里圣咏是复调音乐的基础。教会对音乐的重要贡献还有记谱法。产生于8世纪的纽姆谱（neumes）是一种写在歌词上方的简单符号，可以提示语言声调上升或下降的变化，但它没有音高位置，只能提示歌唱者熟悉的旋律轮廓，而不能告诉人们陌生的音乐。11世纪意大利僧侣规多（Guido，约997-1050）在前人的基础上总结出四线谱，为五线谱的形成作出了重大贡献。中世纪除了最主要的基督教音乐外，世俗音乐也在一定的范围内自然发展着。主要也是一些单声部歌曲，大多是用欧洲各民族的方言演唱。很多穷困潦倒的、社会地位极低的民间艺术家们对于宗教音乐对音乐艺术的桎梏十分不满，他们利用各种方式在民间广泛传播世俗音乐。11世纪开始持续两百年的十字东征战争中，出现了骑士阶层和骑士文化，产生了游吟诗人的诗歌和音乐，游吟诗人的主要构成是宫廷贵族和骑士阶层，音乐主要以爱情题材和田园风格为主。中世纪的器乐主要是作为世俗音乐而得以发展起来的，在教会礼拜音乐中主要以人声为主。世俗音乐中的器乐主要用于歌唱和舞蹈伴奏，大多是即兴演奏，没有乐谱流传下来。14世纪，法国出现了“新艺术”，并迅速在欧洲蔓延。“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、 文艺复兴时期的音乐

文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。

在西方音乐史上，文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。人们充分相信自己的耳朵的审美需要是合理的，并要求音乐使听觉舒适和满足，否定中世纪时期所谓音乐是反映“天体的和谐”的神学观念。这一时期的音乐主要是声乐复调，无伴奏的多声部歌唱是这一时期音乐的主要风格样式。音乐家们把古代音乐理论著作的思想反映到自己的创作中，注重将音乐与文学更紧密地结合起来，用音乐的音调来模仿诗词的韵律，并把二者融为一体，以此探求表现人类情感的手法和方式。文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。

1、尼德兰乐派。尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。尼德兰乐派共出现了三代音乐家，第一代尼德兰乐派又被称为勃艮第乐派，主要活跃于文艺复兴早期15世纪上叶和中叶，重要代表人物有迪费（Guillaume Dufay, 1400－1474）、班叔瓦（Gilles Binchois, 1400－1460）等。第二代尼德兰乐派又被成为佛兰德乐派，活跃于15世纪末到16世纪中叶文艺复兴的全盛时期，代表人物有奥克岗（Johannes Ockeghem, 1410－1497）等。第三代尼德兰乐派以若斯坎（Josquin des Pres, 1440－1521）为代表，他创作了大量的弥撒、世俗音乐和经文歌，他的作品布局合理，处理音乐材料细腻，注意旋律与和声的谐和，讲究音乐与歌词的有机结合。在他以后的重要作曲家有贡贝尔特（Nicolas Gombert,约1495-1560）、维拉尔特（Adrian Willaert,约1490-1562）等。尼德兰乐派的音乐具有一定的国际性，影响非常深远。

2、16世纪的世俗音乐。16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌(madrigal)、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。这些各国的民族音乐倾向打破了泛欧洲性的音乐语言长期占据的统治地位，使欧洲的音乐语言逐渐丰富起来。意大利16世纪的牧歌是一种以较高水准的诗歌为歌词谱写的复调歌曲，歌词多丰富细腻，文学性强，带有贵族气息。代表作曲家有费斯塔（Costanzo Festa,1490-1545）、罗勒（Cipriano de Rore,1515-1565）、马伦齐奥（Luca Marenzio,1553-1599）、蒙特威尔第（Claudio Monteverdi,1567-1643）等。法国尚松是一种16世纪形成的词曲都是典型法国风格的尚松。主要代表作曲家有塞米西（Claudin de Sermisy,约1490-1562）和雅内坎（Clement Jannequin,约1485-1558）。德国的利德是文艺复兴时期由工匠歌手演唱的复调歌曲，具有鲜明的民族风格。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。这场宗教改革的领袖是德国的神学教授马丁·路德，他领导的新教否定传统天主教的绝对权威，强调和肯定人自身的能力，认为人人都有权利按自己的理解阅读和解释《圣经》。路德深信音乐具有教育作用和道德感化力量，他把音乐的改革作为宗教改革的重要部分，并要求教徒在礼拜仪式中参加一定的音乐活动，努力使教仪音乐更易于被德国人们理解。路德为他所领导的新教创立了“众赞歌”，这种音乐被称作“新教圣咏”。主要是用德文演唱，最初主要采用单声部、分节歌的形式，如果是复调音乐也是突出主旋律部分，易于众人演唱。回应于新教的改革运动，天主教会内部也进行了一场改革运动，被称为“反宗教改革”。在音乐方面，“反应宗教改革”要求宗教音乐排除所有不纯净的世俗因素，复调中歌词应准确而清晰地表达歌词与宗教情感。作曲家帕莱斯特利那（Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525－1594）的宗教作品风格清新柔和、声部均衡、歌词清晰，多采用自然音体系，被认为是反宗教改革精神在音乐领域中最具代表性的理想而完美的体现，也代表着复调音乐在16世纪的最高成就。与他同时代的拉絮斯（Orlando de Lassus,1532-1594）也是一位重要的作曲家，风格与帕莱斯特利那形成鲜明的对比。他的创作比较自由，音乐更为世俗化，歌曲《回声》是流传至今的经典作品。16世纪的威尼斯音乐有了长足的发展，音乐文化的中心是圣马可大教堂，逐渐形成了威尼斯乐派的独特风格。重要作曲家有：维拉尔特、扎利诺、加布里埃利叔侄等，他们创作了意大利最优秀的管风琴曲，也为意大利牧歌的发展作出了重大贡献。威尼斯乐派以代表新的音乐发展趋势的主调合唱为其主要风格，在16、17世纪之交具有广泛的影响。 文艺复兴时期的器乐逐渐摆脱对声乐艺术的依附，走上了独立发展的道路。但此时的器乐曲大部分采用声乐曲的改编形式，如器乐康佐涅、模仿曲等。另外，舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔是即兴创作的乐曲，但还没有很大的发展。真正独立意义的器乐曲是在后一个时期既巴洛克时期出现的。文艺复兴时期的乐器制造业也加快了发展，古提琴、短号、小号、长号、管风琴和琉特琴等乐器都已活跃在音乐舞台上，后期问世的小提琴和古钢琴，更为音乐演奏增添了灿烂夺目的光彩。这一时期印刷技术的使用对音乐的创作和传播起了很大作用。

四、巴洛克时期的音乐

巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。巴洛克风格在历史上曾被指责为“过于夸饰而不够规范”，起初具有特定和贬义的内涵，用来指一些怪怠新奇的音乐，后来用来指音乐史上一个独特的时期。巴洛克时期的音乐是一种宏伟壮观、充满活力的音乐，强调情感的表现和充满戏剧性的对比，在细节上非常注重装饰性。巴洛克时期音乐非常多样，最重要的音乐现象是歌剧的诞生和器乐的真正独立。

1、 歌剧的诞生

歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。文艺复兴时期的牧歌剧、牧间剧等都是歌剧的重要来源。第一部歌剧叫《达夫尼》，由诗人利努契尼根据阿波罗斗巨蛇的神话写成剧本，由音乐家佩里作曲。它的诞生与佛罗伦萨的一个“卡梅拉塔”的音乐社团直接有关，利努契尼和佩里都是“卡梅拉塔”社团的成员。社团中的艺术家们崇尚希腊古代文化，试图仿照古希腊音乐创造出一种新的音乐形式。他们认为古希腊音乐是一种单纯的模仿语言音调或节奏的音乐，旋律是表现诗歌内容的载体，人们能容易的了解歌词的内容，因此他们主张以单旋律加乐器伴奏为原则来创作，这种理论促进了歌剧这种新体裁的诞生。第一部歌剧《达夫尼》现已失传。第一部音乐完整保留下来的歌剧叫《尤丽迪茜》，由佩里和利努契尼第二次合作，于1600年首演。蒙特威尔第是巴洛克早期最伟大的作曲家，也是威尼斯歌剧的代表人物。他的歌剧作品有《奥菲欧》、《阿丽安娜》、《尤利西斯还乡记》等，他追求在自己的作品中清晰而准确的表达歌词和歌词中的情感，在歌剧中用了大量的抒情歌曲、二重唱和舞蹈，另外，他还在创作中使用了一种“激动风格”来表现剧中人物的精神世界。蒙特威尔第逝世后，他的学生卡瓦利和切斯蒂成为威尼斯重要的歌剧作曲家。罗马歌剧的代表是卡瓦里埃利《关于灵魂与肉体的戏剧》、兰迪《圣阿兰修》。那不勒斯歌剧的著名作曲家是亚斯卡拉第，代表作《格丽塞尔达》等。这一时期法国、英国和德国的歌剧也都获得了一定的发展。

除了歌剧，巴洛克时期产生的大型声乐体裁还有清唱剧、康塔塔、受难乐等。

2、 器乐的发展

巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。当时，乐器制造业很发达，出现了各种工艺精良的乐器，如古钢琴、管风琴、提琴家族、双簧管、低音管、长笛、小号、法国号、长号、定音鼓等。另外，各种器乐曲的体裁也纷纷出现，如奏鸣曲、组曲、协奏曲等。

意大利的博洛尼亚等地，器乐的创作和表演非常兴盛，优秀的器乐演奏家和作曲家有维塔利和科雷利等。巴洛克时期的键盘乐器包括管风琴和古钢琴两大类，德国的管风琴制造业尤其发达，管风琴音乐最发达的地方也是在德国。管风琴曲的主要体裁有三种：托卡塔（toccare,是一种比较自由的接近即兴创作的体裁，技巧性要求很高）；赋格曲（是一种严格运用卡农模仿手法的复调体裁）；以众赞歌为基础的作品。古钢琴包括拨弦古钢琴和击弦古钢琴两种类型，古钢琴的体裁最重要的有主题与变奏和组曲这两种。组曲是由四种风格化的舞曲为核心组成的，分别是：阿拉曼德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲、基格舞曲。巴洛克时期最重要的器乐体裁是协奏曲(concerto)，有两大类，一类是大协奏曲，一类是独奏协奏曲。维瓦尔第是对巴洛克协奏曲的发展作出最重要贡献的作曲家，代表作小提琴协奏曲《四季》。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明，低音表示黑暗等等，这种情感往往不是作曲家本人的，而是一种类型化的人的基本情感，是一种理性化的、不连贯的情感。巴洛克晚期产生了西方音乐历史上最伟大的一批作曲家，如巴赫（Johann Sebastian Bach,16851750），亨德尔（George Frideric Handel,1685—1759）等。

五、古典主义时期的音乐

“古典主义”时期（Classicism Ages)是指大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。所谓“古典”，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，后来的人们企图恢复和借鉴那个时代的文化精华。文艺复兴时期，人们已经这么做了，巴洛克初期亦然，但一直到十八世纪中叶才真正开始重新发现“古典”。古典主义时期是西方音乐历史发展到高峰的一个阶段。这一时期包含了两个阶段：前古典时期（Pre—Classical）；维也纳古典时期（Viennese Classical）。前古典时期的主要音乐现象有三个：喜歌剧的兴起与繁荣；格鲁克对意大利正歌剧的改革；器乐领域多种形式（奏鸣曲、交响曲、协奏曲、重奏曲）的成熟与发展。维也纳古典时期是古典主义音乐的高峰，它是指18世纪末叶到19世纪初，以海顿、莫扎特、贝多芬各自的成熟期创作为代表，在器乐及声乐领域所形成的音乐风格而言。

18世纪的欧洲，在法国大革命之前经历了一场广泛的思想革命——启蒙运动，它是以反对教会神权和封建专制的文化运动的面貌出现的，然而它的影响远远超出文化领域，涉及经济、政治、法律、哲学、科学乃至社会制度和社会风尚等方面。启蒙思想家反对传统的宗教，提倡自然神论；反对形而上学，提倡科学和常识知识；反对专制的权威和特权，提倡自由、平等和普遍教育的口号。资产阶级与人民群众要求改变现状的呼声，使得封建势力和资产阶级之间的矛盾不断加剧，终于在1789年在法国爆发了资产阶级革命。德国也在启蒙运动的影响下产生了反封建、争民主性质的“狂飙运动”。古典主义时期是知识大众化的时代。哲学、科学、文学和艺术开始面向新兴的资产阶级和公众。音乐家也走出宫廷和教堂的大门，面向广大市民。 1、喜歌剧的发展与格鲁克的歌剧改革 18世纪上半叶意大利出现了以普通市民为主角，展现日常生活情景的喜歌剧（Opera Buffa），这是在启蒙主义思潮影响下，一反意大利正歌剧矫揉造作而追求自然的一种新的歌剧体裁形式。 意大利的佩格莱茜（GBPergolesi，1710—1736）创作的《女仆作夫人》被认为是第一部意大利喜歌剧。上演并获得成功后，这种新的体裁便迅速发展起来。此后出现了波契尼（NPiccinni，1728—1800）的《温顺的女儿》、契玛罗萨（DCimarosa，1749—1801）的《秘密婚姻》等优秀的喜歌剧作品。

1752年，一个意大利歌剧团把《女仆作夫人》带到巴黎演出，激起了法国文化界的一场“喜歌剧之争”。卢梭等一些启蒙思想家，热情赞扬这种大众化倾向的歌剧体裁，卢梭还综合了意大利喜歌剧及法国传统的集市戏创作出了喜歌剧《乡村卜者》，证明以法国语言能够谱写这种新风格的音乐。这场争论最终以喜歌剧的渐得人心而告终。而德国在其他国家喜歌剧的影响下，产生了一种具有民族特色的“歌唱剧”，代表作有希勒的》《乡村理发师》、乌姆劳夫的《矿工》等。德国歌唱剧的发展对海顿、莫扎特、贝多芬等人的歌剧创作有很大影响。 由于18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的倾向，使它与启蒙主义提倡的“自然”原则格格不入。一些艺术家思考对正歌剧进行改革。其中一位有成就的作曲家是格鲁克。格鲁克的改革理想是：追求艺术的质朴与真实，删除多余的装饰与炫技；音乐与诗歌紧密结合，加强音乐的情感表现；序曲应使听众预先知道剧情性质等。他的歌剧《奥尔菲斯与尤丽狄茜》，《伊菲姬尼在奥利德》、《伊菲姬尼在陶里德》等都是他改革的成功体现，他的歌剧美学观点启发着后世许多著名歌剧作曲家的思考和探索。

2、奏鸣曲、协奏曲和交响曲 古典主义时期是器乐音乐繁荣的时代。奏鸣曲也是在这个时期发展成熟的。古典主义时期人们已厌弃繁复的复调音乐风格，提倡明晰的主调音乐，清晰对称的音乐旋律句法和段落结构取代了巴洛克音乐动机加变奏的装饰性旋律方法。古典音乐结构形式中，带有抽象辩证思维的奏鸣曲式（sonataform）成为作曲家不倦探寻的音乐形式。奏鸣曲和奏鸣曲式是两个不同的概念，前者是一种音乐体裁，由不同数目的乐章组成，后者是一种体裁所采用的结构曲式。D·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685—1757）在对新风格的探索中为奏鸣曲体裁的形成作出了最初的贡献，巴赫的次子C·P·E·巴赫（Carl Philipp Emannel Bach，1714—1788）使奏鸣曲式渐趋成熟，创作了许多优秀作品。 古典时期的协奏曲以“独奏协奏曲”发展最为充分，由一把独奏乐器担任主奏，乐队与之竞奏。在莫扎特的协奏曲出现之前或同时，已经有一批作曲家在这个领域担当先行者的角色。而巴赫的小儿子JC巴赫（Johann ChristianBach，1735—1782）所创作的钢琴协奏曲曾轰动一时，他的创作对莫扎特影响很大。

交响乐的发展是这一时期的另一重大事件。18世纪初意大利歌剧序曲（Sinfonia），渐渐脱离歌剧，成为一种独立的管弦乐体裁形式在音乐会上演奏。在这方面作出重要的贡献的是曼海姆乐派。斯塔米茨（Johann Stamitz，1717—1757）领导下的曼海姆乐派在歌剧序曲快—慢—快的结构基础上，加进了小步舞曲作为第三乐章，成为带有四个乐章的作品。他们还在交响曲快板乐章动力性主题之后引入抒情、优雅或幽默的主题以形成音乐气质和风格的对比，并且大量运用渐强、渐弱的音响力度，产生了丰富的力度表情变化，这标致着音乐风格的重要进步。另外，维也纳乐派和柏林乐派也对交响乐的发展作出了重要贡献。而真正意义上的交响曲，是由海顿奠定基本结构，并通过莫扎特、贝多芬这些天才的创作走进了巅峰时期的。 3、古典音乐的特点

古典音乐具有严谨的逻辑体系，表现在“主题发展”模式上。奏鸣曲式是典型的例子。

音乐的表现手法和所表现的内容比巴洛克时期大大加宽，由单一旋律支配的主调音乐逐渐占了上风，复调音乐已失去了它昔日的辉煌。古典时代的音乐一般比较客观、含蓄、节制而有分寸。古典音乐追求纯音乐的理想，以音乐语言本身来展示人的精神世界。海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐巨匠被称为著名的“维也纳古典乐派”，他们支撑起古典音乐的天空。

六、浪漫主义时期的音乐

浪漫主义时期是指19世纪前后这一百多年（1790—1910）的西方音乐历史，即浪漫主义作为主导潮流支配和指导着大多数作曲家的时期。“浪漫主义”一词原指用罗曼语（Roman）书写的故事，进而专指长篇小说或骑士故事，后来也包括传奇小说等。19世纪的欧洲是一个充满了剧烈变革的时代。这一时期资本主义有了很大发展，科学的进步、工业的革命、经济的变革、政治思想层出不穷，人们的生活经历了前所未有的变化。 在意识形态领域，出现了唯心主义哲学体系，追求“天赋人权”、自由竞争、共和主义和民族独立的政治理想；在文学艺术领域，人们开始表现出反对古典主义服从理性、法则的节制精神，而强调天才、灵感，强调人的创造力和情感的自由展现。

一般音乐史把浪漫主义分为早期（19世纪10—20年代）：韦伯、舒伯特；盛期（30—40年代）：柏辽兹、门德尔松、舒曼、肖邦；中后期（40—80年代）：李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯；晚期（19世纪90年代到20世纪初）：布鲁克纳、马勒、理夏德·施特劳斯。其间还穿插了法国、意大利歌剧，以及与此相并行或独立的欧洲各民族乐派的线索。

1、 浪漫主义音乐的特点：

（1）音乐创作中的综合性。由于追求感情的自由抒发和想象力的拓展，浪漫主义的作曲家强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其艺术相结合，提倡一种综合艺术，音乐甚至与宗教、哲学相关系，充满意识形态的意味。人们常把引进人声合唱的贝多芬《第九交响曲》当作浪漫主义音乐的开始。

（2）标题音乐盛行。

（3）音乐创作张扬个性，表现感情。由于追求表现感情上的自由，音乐上出现了内容和形式的矛盾。虽然在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法使用得很多。强调个人主观感觉的表现，作曲家们努力地发掘着自我，他们往往与作品融为一体。

（4）崇尚自然。人们被工业文明所包围，远离自然，却形成了一种向往自然和神秘世界的心理。19世纪是美术史上的风景画的时代，而音乐家不仅把大自然作为题材，也作为他们的力量和灵感之源。而且大自然很平静，没有矛盾，是作曲家理想的避难所。