灰，比白色深些，比黑色浅些，穿插于黑白两色之间，更有些暗抑的美，幽幽的，淡淡的，不比黑和白的纯粹，却也不似黑和白的单一，似混沌，天地初开最中间的灰，不用和白色比纯洁，不用和黑色比空洞，而是有点单纯，有点寂寞，有点空灵，捉摸不定的，奔跑于黑白之间，像极了人心，是常变的，善变的，却是最像人的的颜色。
灰色浪漫指不是像白色浪漫那么乏味与凄惨，也并非黑色浪漫的空洞与幽暗，更加生活，更加容易变化！
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1、黑格尔的美学范畴体系。
在黑格尔那里最一般的美学范畴：美、崇高、悲剧性、喜剧性、丑等是相互联系和矛盾转化的一个有机整体，而且与艺术的具体历史发展的阶段和形式相联系和相对应，形成一个自在而自为的发展圆圈。他以美为核心构筑了一个内容丰富的美学范畴体系，总结了西方美学发展一千年来的全部美学成果，达到了近代西方美学的高峰。
（1）美是理念的感性显现。
同谢林一样，黑格尔把美学视为艺术哲学，他把艺术由一般经过特殊再到个别的发展过程作为他的美学体系和美学范畴体系建构的线索。他的整个美学体系分为三个部分。①一般的部分，研究艺术美的普遍理念，即作为理想来看的艺术美，主要分析了“美”这个中心范畴。②特殊部分，研究从艺术美概念发展出的一系列特殊表现形式，即三种艺术类型（象征型、古典型和浪漫型），主要分析了与这些艺术类型相对应的美学范畴，崇高、美和丑。③个别部分：研究艺术美的个别化，即艺术的类和种及其系统，在这里分析了悲剧性和喜剧性等美学范畴。
A、美的定义：“美是理念的感性显现。”
黑格尔关于美的定义是把艺术美作为理想来看待的。他把艺术美放在理想状态下进行先验的分析。艺术美是符合其理念本质，是理念本质显现为具体形象。就美是理念而言，是说它作为理念，是符合它的自在本质与普遍性的，而且是作为符合自在本质与普遍性的东西来思考的，就美是理念的外在的实现而言，即“当真在它的这种外在中直接呈现于意识，而且它的概念是直接和它的外在现象处于统一时，理念就不仅是真的，而且是美的了，美因此可以下这样的定义：美就是理念的感性显现。”
B、这个定义包含着极重要的哲学美学价值。
其一，在理念的运动中把握了理性与感性的统一，是对理性派和经验派两大美学思潮在当时最辩证的综合。这种综合，既超过了康德和席勒的二元对立的外在综合，也超过了谢林的内在绝对同一（无差别）。在黑格尔看来，感性的客观因素在“美”里并不保留它的独立自在性，而是要把它的存在的直接性否定掉（取消掉），这种感性存在于美里仅仅被看作概念的客观存在与客体相对立，理念的感性显现运动是理念本身所包含的理性因素和感性因素。感性的东西并不外在于理念，就像人的肉体并不外在于人的精神一样，二者是内在统一的。
其二，从对理念的把握上揭示了必然和自由的统一，从而确立了美是必然和自由、主体与客体、认识和实践的统一。从这一定义出发，黑格尔认为，从美对主体心灵关系上看（把握美的理念的方式看），“美既不是用在有限的不自由的知解力（知性）的对象，也不是有限意志的对象”，也就是说美的理念既不是单纯的认识对象（知解力对象），也不是单纯的实践对象（意志的对象），“美本身却是无限的、自由的。”在审美中，主体达到了理性认识和意志自由相统一的关照，客体成为独立自存，本身自有目的欣赏对象。这样，在美中有限和无限，必然和自由，主体和客体就达到了高度统一。黑格尔总结道：“审美带有令人解放的性质，它让对象保持它的自由和无限，不把它作为有利于有限需要和意图的工具起了只有欲和加以利用，所以美的对象既不显得受我们人的压抑和逼迫，又不显得受其他外在事物的侵袭和征服。”
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一、概括介绍有关色调方面的知识。
当你观看一幅绘画作品时，它所呈现在你眼前的总体色彩倾向性就是这幅绘画作品的色调。在绘画作品中，色调的类别是极为丰富的，从色彩的色相上来说，主要有红色调、绿色调、**调和紫色调等；从色彩的明度上来说，主要有明色调、中间色调、暗色调；而从色彩的纯度上来说，又有艳丽的鲜色调和质朴的灰色调。本篇文章在接下来的内容中将主要探究有关灰色调在绘画作品中的作用、灰色调的意义以及色彩对于人的情绪、色彩对于人的性格倾向等方面的重要性。
二、阐述自己在绘画时对灰色调的应用。
整天面对着高楼林立，人群拥挤的城市，我们的心里想些什么？思绪什么？寻求什么？是生存的压力还是片刻的安宁？每个人对色彩的认识和感觉都不同，我对灰色调绘画作品十分喜欢，通过对拆建场景的实地考察并记录资料，想借助画面来表达自己的内心情感。两幅画作均以拆建场景为题材，拆楼房的场景很容易让人想到噪杂的机器声和充满尘土的空气，这也是眼睛所能看到的真实场景，那么，如何借助客观的景物，用绘画的方式来传达自己的内心情感？在此，我是通过对画面色调的设置来实现的。
首先，我将画面整体色调设置为暖灰色调，将拆的零乱的楼房统一在一个静谧的氛围中，舍掉画面中的人物，这样就使灰色调的画面更显得寂静。在灰色调的基础上，造型以详尽描写为主，包括画面前方的钢筋和断裂的墙壁，这些都是为表达画面效果作辅助的，这样一来，画面传达出的不仅仅是一个寂静的场景，因为在寂静的场景背后又表露出一种安静的心态。
在生活中自认为有很多的压力，所以感觉经常有莫名的东西困饶着自己，这种心态在长时间的积压下，潜意识地表露在我自己的画面中，我想同一场景同一光线，不同的人可以画出完全不同感觉的绘画作品，甚至同一个人也可以画出不同的作品。之所以将纷杂的拆建场景统一在这样的一个氛围中，也许正是我内心的情感所至吧。
当然，有关色彩、色调的知识以及灰色调的意义绝不仅仅局限于此。
三、论述色调在具体生活中的意义、以及灰色调对人的心理作用。
一切可视的物体在光照中都会显示出一定的色彩。艺术家通过各种颜色的搭配及其浓淡变化使画面形成不同的色调，一方面为真实地再现现实服务，另一方面也是传达情感的重要手段。灰色调是绘画作品中经常出现的一种色调，它可以以一幅绘画作品的整体色调出现，也可以以局部色调的形式存在于一幅绘画作品中。灰色调一般给人留下的感觉是：稳重、质朴、老成、消极、成熟、平淡、含蓄、沉着、顺服等，所以对于灰色调来说，欣赏者也应当具有一定的修养。而华丽、鲜艳的色调很难谈及修养。举个例子：假使让小孩在一堆色块中挑选，他(她)们一定会将华丽、鲜艳的调选出来。很多成年人也不欣赏灰色调。就画家来说，对有关灰色调方面的知识应该是感兴趣的。灰色调在现实生活中的意义，就中西方而论，可能存在着较大的差异。首先有一个使用环境的因素：中国的经济与西方来比一直较落后，人们在较长的时间内生活都是比较拮据的，生活环境零乱，生活负担也较为沉重，对于华丽明快的亮色调而言是缺少的。在人们心里需求的作用下，民间艺术，如：剪纸、年画等的颜色都呈现出鲜艳明亮的特征，这些都在灰暗的环境中显得十分醒目、精神。工业化的迅速发展给一些西方国家在审美观念上较早地作了铺垫，繁华的城市里，在五彩缤纷、灯火辉煌的环境中，灰颜色反而显得更加醒目、更加突出。如果你注意过西方美术史，就会发现野兽派马蒂斯(Henri Matisse)的作品中渗透着东方艺术中浓重艳丽的色彩和精湛的线条造型。他的作品在保持着东方艺术中浓重艳丽的色彩的同时，又调入了类似补色的其他颜色，这样，含了灰色的颜色既艳丽又沉着。在这里，我们看到了灰色和其它颜色的和谐统一。随着经济的不断发展，中国人的消费需求在一些领域也逐渐融入含灰色调的产品，在服装颜色设计方面更为突出，对于普及含灰色调的审美修养起到了重要得作用。
人们的视觉对色彩有一种经验感受，通过人们视觉经验的联想，不同的色彩可以引起人们不同的生理和心理感应，产生诸如寒暖、轻重、软硬、远近、明快与阴森、兴奋与沉静、华美与朴质等等不同心理感受。一般来说，随色彩产生的感情，既有个人特有的内容，又有根据观察色彩时的状态而变化着的内容，但多数人会产生类似的色彩感情，这也就是色彩所具有的表性和寓意性。具体来说，色彩造成人的联想有两种情形，其一是使人联想到具体事物，比如看到白色联想到雪，看到绿色联想到植物；其二是具体联想基础上产生的抽象观念的联想，比如由白色联想到纯洁、清白，看到绿色联想到生命、和平、希望等等。艺术家们正是利用色彩的这种表情性征增强画面的情绪感染力，把作者的思想情感传达给观者，可以说色彩是绘画语言诸要素中最具情感特征的因素。
四、 阐述灰色调绘画作品和画家本身的联系。
色彩的重要作用历来为画家所重视。③意大利文艺复兴之前的画家，特别是东方画家，把色彩作为一种表达手段来运用。西方古典主义绘画中，把色彩看作是增强描绘对象的真实感和逼真感的重要手段，强调的是它的摹似状物功能。现代主义画家则更强调色彩的表情特征，认为色彩本身就具有主题意义。在绘画作品中，同样是灰色调，因为有冷暖色调的不同，所以给观看者造成的心理感受也不同。如果是一幅暖灰色调绘画作品，可能会给观看者留下温暖、平静的感受；但如果是偏蓝或者是偏绿的冷灰色调，则会给观看者留下凉爽、清静的感受。绘画作品呈现出众多的不同色调，是因为和绘画者本身也存在着紧密的联系，绘画作品是画家情绪的一个载体，不同的人生经历、不同的审美眼光、不同的情趣爱好及气质修养，这些多多少少都会在绘画作品中流露出来。同一对象，不同的绘画者会画出完全不同感觉的作品。也正是在诸多因素的基础上，绘画作品出现了极为多样的色彩倾向及色调。鲜色调绘画作品总是给人华美、浪漫、新鲜、热闹的感受，而灰色调绘画作品留给人的印象又是含蓄、平静、成熟和稳重等。在创作一幅绘画作品时，画家的主体意识是决定绘画作品最终色调的重要因素。画家也经常通过作品的色调来表现自我的内心意识。在一幅绘画作品的创作过程中，难免涉及到画家的性格情趣以及个人在绘画方面的认识等。色彩所固有的特性，不是把世界作为一种物质的现象来表达，而是作为一个现实中唯一存在着的世界——画家脑海中的世界来表达。中国画论有所谓“意在笔先”的说法，“意”就是“立意”，“意象”“意趣”等。也就是说：当绘画者在看到所要画的对象时已经在脑海中有了最终绘画作品将要呈现出的效果的意识，以及采取何种手段来描绘对象，来设置所要描绘对象的色调。由纯度比较高的色彩构成的亮调子作品通常令人赏心悦目、一览无余，但似乎少了一些让人联想和回味的东西，正是应为这个原因，绘画者将通过对色调的主观设置，通过灰色调来绘画出自己想要的更为含蓄，更耐人寻味的作品。
由物质所滋养，由意识所再现的色彩，能表达每个物体的本质，同时能引起观众突变的情绪。一般而言，一幅绘画作品中的色彩会留给人两种感受。一种是单纯的感官效果，即眼睛本身被色彩的美和其它特性的魅力所吸引，使你感到满足和愉快，正如一个美食家尝到了美食，或者说你看到了美食以后对你的舌头会产生刺激作用，但这种感觉不会持久，因为当你看到别的东西时这种感觉就会被淡化。另一种是相对色彩的感染力而言的，对于一个较敏感的心灵，色彩的效果就会更深刻，感染力更强，即色彩的心理效果。灰色调以单独的色彩形式存在于绘画作品中，在色彩的心理效果上会给人造成一种特有的感受，在观看灰色调绘画作品时，人们的心理印象可能会通过联想产生一个相应的感觉反应，诸如：内敛、孤寂、悲伤和忧郁等。在这种情况下，绘画作品通过色调及灰色调的形式唤起一种相应的生理感觉，和人们的心灵发生强烈的共鸣作用，这也就是在实践中灰色调对于我们的意义。
莎拉·帕克斯顿·鲍尔·多德森（Sarah Paxton Ball Dodson）是她那一代人中技术上最有成就的艺术家之一。她对绘画和油画技巧的精通，再加上她雄心勃勃的构图感和对细节的洞察力，成就了她令人印象深刻的职业生涯。但不幸的是，她的事业被悲剧式地缩短了。在20世纪的大部分时间里，她也都被忽视着。
她在费城出生和长大。她的父亲是一名雕刻师，所以她的艺术基础从童年就有了。然而，她的正式训练直到1872年她父亲去世后才开始，那时她作为克里斯蒂安·舒塞（Christian Schussele）的私人学生进入了宾夕法尼亚美术学院。她是后来去巴黎学习的众多美国女性之一。从1873年开始，她埃瓦利斯特·维塔勒·卢米纳伊斯（Évariste Vital Luminais）的画室工作了三年。
1885年，她回到美国，并在返回法国之前扩大了她的作品内容，包括了外光主义风景画。她采用的诗歌风格受到了很多影响：前拉斐尔派（尤其体现在她选择的公开的宗教题材中），法国的象征主义和仙女画，这些风格当时在英国正处于鼎盛时期。象征主义的影响和她对肖像学的热爱在1891年的这幅作品中表现得很明显。当时她搬到了英国布莱顿。新艺术细节和蝴蝶图案的选择使这幅画完美的诠释了那个时代。
祝你有个愉快的星期天!! :)
さくらさくら (樱花 )
桜 桜 （樱花呀 樱花呀）
野山も里も（深山与乡间里）
见渡す限り（就我所能看到的范围内）
霞か云か（那是霞，还是云？）
朝日に匂ふ（朝日下弥漫香气）
桜 桜（樱花呀 樱花呀）
花ざかり（正盛开著）
桜 桜 （樱花呀 樱花呀）
弥生の空は（三月的天空下）
见渡す限り（就我所能看到的范围内）
霞か云か（那是霞，还是云）
匂いぞ いずる（空气中弥漫香气）
いざや いざや（走吧 走吧）
见に行かん（去看看她）
当代著名美学家Dewitt H Parker 认为艺术必须具备美的形式、能够满足美感经验的同时，它的载体必须是具有社会性的。
“艺术是美的呈现。”
或许你不完全同意这样的观点，但相信亦难以否认艺术与美密不可分。
而若说到那个国家，将两者间这种深刻的关系展现得淋漓尽致，想来日本在其中，总该有一席之地。
日本艺术的成就，离不开日式独有的对美的洞见。
婉妙雅致的版画、精丽华美的和伞、奇异绚烂的歌舞伎…，声声倾诉的，都是有关美的物语。
因此，若想一探日本艺术之究，不妨从日式美学入手，以下将为大家介绍5本书，从日本美学家、 东京帝国大学名誉教授大西克礼的《幽玄物哀寂》，到日本落语艺术家桂米朗的《落语与我》，让我们一同敲开日式艺术的大门，欣赏背后雪月花的掠影。
01 《幽玄物哀寂》
译者：王向远
豆瓣评分：79（99人评价）
谈起日式之美，你会想起什么？
是旋绕着青瓷黛碗，摇曳漂游的清浅茶烟？
还是偕乐园内闲庭信步， 见漫天雾山杜鹃，转眼化清碧竹林？
零落瑟瑟红樱，坠隐燕尾襟足，浮世如流水，潺潺渐逝。而这一切有关日式美的情语情语，背后都离不开幽玄、物哀与寂。
若想了解更多，那么则不妨翻开书扉，你将看到享誉世界的日本近代大文豪及美学家大西克礼旁征博引，为你揭开日式美学的层层面纱。
本书从“幽玄物哀寂”三个日式美学概念的起源谈起，到三者的演进及其在不同领域的解读与应用，内容横越文学、历史、心理学、哲学，是读者了解日本美学，不容错过的经典作品。
大西克礼从和歌中捕捉幽玄的身影, 从《源氏物语》提炼出物哀的精髓，在大西克礼看来， 哀与幽玄有着心境与情境的内外关系，「哀」透过「幽玄」境界得以呈现， 两者间恰如其分的融合，是日式美学最高的显现。
大西克礼认为「幽玄」如同「薄云蔽月」、「雾照枫山」，蕴含着朦胧、静寂、深远，是充实性、神秘性与非理性的汇集，是衍生于崇高（Das Erhabene）的一种特殊的美的范畴。而「物哀」则是一种难以言喻的惆怅，是悲悯之伤与浅欢之喜的交织，是倚窗吟叹「ひさかたの光のどけき春の日にしづ心なく花の散るらむ〈春阳如此柔和从容，何独樱花匆忙凋散〉」时分，眷恋又暗含伤怀的心境。
而何为“寂”呢？中日皆以留白为美，此处便为读者留个悬念。
02 日本艺术的心与形
译者：许秋寒
豆瓣评分：86（25人评价）
加藤周一是一位在日本是被誉为当代“百科全书式”的学者，作为日本著名的作家、评论家以及文学史家，他的多部著作均被评为日本思想和文学研究领域的经典。
《日本艺术的心与形》由三个部分组合而成，分别为文化艺术概论、日本艺术的心与形，以及日本艺术精神的考察。
在这本书里，你会看到加藤周一如何深入浅出地，为读者解读在艺术家与日本社会间深刻的的关系。而为了让读者更进一步地把握日本艺术的精髓，他还会以日本独特的绘画、音乐、建筑、雕刻、陶瓷等具体艺术作品为引，带领读者欣赏艺术形式之美，感悟艺术内涵之美。
最后，加藤周一还会在书里，为一些艺术作品提供思想性的解读，以隽永的文笔，为读者揭示艺术在日本思想史中，如何有着举足轻重的影响。
“艺术文化不是量的文化，而是质的文化”, 不是形的文化，而是心的文化。 《日本艺术的心与形》仅仅只是加藤周一总多作品中的其中一部，而如果读者阖上此书后仍感到意犹未尽，并对日本文学、艺术与文化，三者如何互为表里，交织影响，于当代创生出独树一格的日式风采，生了更浓厚的兴趣，那么不妨再打开《加藤周一作品:日本文学史序说》，在此书的字里行间，读者将发现日式风采之奥妙不再是迷。
03 日本谣曲选
译者：王东兰等
豆瓣评分：87（25人评价）
要了解日本艺术，不能不提谣剧，而谈到谣剧，则绝不能忽视世阿弥。
世阿弥（1363-1444）是日本室町时代初期的猿乐演员与剧作家, 他与父亲观阿弥（1333-1384）皆为集猿乐（或作申乐，现在的“能”）的集大成者。世阿弥除了是个优秀的演员之外，还是个极具天赋的批论家， 他创作了大量优秀的文章，并为后世留下了《风姿花传》、《梦迹一纸》、《拾玉得花》、《却来华》、《花镜》等众多美丽的，与能乐相关的著作。
《日本谣曲选》收录了16篇谣曲，包含《高砂》、《隅田川》、《熊野》、《东方朔》、《杨贵妃》等经典作品，由六名优秀的译者竭力翻译而成，尽求保留日式风味。而除了谣曲译作外，书中还提供了多幅典藏剧照 ,“能”的风采可谓尽显其中。
在世阿弥看来，能剧是代表着“幽玄”的高雅艺术。他在《花镜》中更是强调“幽玄风姿第一”。但说起幽玄之美, 世阿弥却认为最佳的例子是十二、三岁的少年人不戴能面的那种柔美如柳絮般的姿态，可众所周知，能面是能剧中最重要的道具，如果说不戴能面才是幽玄，那么能剧何以成就幽玄，能面在能剧中又代表着怎样的意涵呢？
如何读者在阅读《日本谣曲选》的过程中，感悟到了问题的答案，请务必留言，与九拾分享。
04 日本浮世绘简史
译者：王东兰等
豆瓣评分：无
虽然在豆瓣并无评分，但作为九拾的珍藏书籍，此书绝对是帮助读者初步了解浮世绘之背景与演变的绝顶佳作。
作为此书的编著者，陈焱锋有旅居法国十余年的经验，在此期间，他除了熬费无数心血收藏了许多浮世绘的原作之外，亦为《艺术家》杂志撰写了数篇以浮世绘为背景的文章，对两百余年来，日本浮世绘版画的发展，绝对有着颇俱深度与广度的认识。
本书从菱穿师宣和木刻浮世绘之兴起谈起，最后以明治维新时期，浮世绘渐没余晖作结，其中还穿插了许多作者对葛饰北斋、安藤广重等著名浮世绘画家生平故事的叙述，以及对他们知名作品的介绍。
作者文笔细腻优美，有关浮世绘历史的画卷，仿佛在作者笔下缓缓铺陈而开，揭开书页，读者绝对会不知不觉沉醉其中，流连忘返。此外，此书还提供了多幅彩色图版供读者欣赏浮世绘名家之画作，若读者对浮世绘抱有兴趣，那么绝不能错过此书。
而阅毕此书后，如果读者渴望欣赏并拥有更多的浮世绘作品，那么在此隆重向读者推荐由V&A Museum出品的， 日本浮世绘版画珍藏明信片组。
这套明信片组里收录了歌川广重 、歌川豊春 、豊原国周 、喜多川歌麿等多位 重量级浮世绘版画大师的佳作，共计达100幅之多。明信片精美，纸质精良，不可多得，无论是作寄送之用，还是作爱物收藏，都会是很好的选择 。
05 落语与我
译者：王瑜
豆瓣评分：83（54人评价）
落语，类似于单口相声，是日本的一种传统曲艺。作为面向平民百姓的逗笑艺术形式，落语通常以最后抖出一个笑料「包袱」收场。作为告一段落的标志，这个笑点总会是整场表演中最精彩的，而这也成为了落语之所以为落语的由来。
进行落语表演时，落语演员会身穿和服，跪坐在座垫上，使用折扇、手拭巾等道具，一人分饰多个不同的角色，以幽默诙谐的妙语为观众打开以笑谈为主轴的欢乐世界。
作者桂米朗（1925－2015），是一位在日本十分著名的落语家，他被称为日本落语界的四大天王之一，更是首个获得文化勋章的落语界人士。在《落语与我》这本书里，桂米朗倾情为读者讲述了落语的历史，落语的表演形式与精髓，以及其中所包含的日本艺术之美。
书本除了对落语的讲解外，还穿插了许多桂米朝与落语相关的世情回忆以及人生感悟。因此，哪怕读者最终认为落语这门日本的传统艺术不合品味，都必然能从桂米朗对落语的态度，和他对表演心得的叙述中得到启迪。
“在落语的世界里，几乎不会有绝对的坏人。虽然偶尔会出现一些在容忍限度内的小恶人，但大部分情况下出现的还是善良的人们。相应的，也不会有堪当世人楷模的伟大人物，像忠臣、义士这样的人物形象是不会出现的。落语中有的都是普通人生活中常见的小人物。没什么大野心，只希望在哭笑之中平安度过每一天，子孙们健康成长，自己慢慢老去，静静离开人世……”落语世界充满了芸芸众生让人啼笑皆非的凡俗琐碎，观之便如照见苦中作乐对尘世的你我，面对人生在世难言的落寞与惆怅，落语能陪你谈笑以对，或许这便是落语的珍贵之处，以及其作为话语表演的价值之所在。
附：日本美术博物馆艺术漫步旅游专集 2018－2019
出版：日本电视台
豆瓣评分：无
作为「漫步美术馆」电视节目的合集，这本杂志除了收录了2018至2019，日本国内大部份与艺术相关的展览资讯外，还介绍了许多日本目前知名的艺术家以及他们的艺术画作。若上述5本书籍使你对日本艺术产生了浓厚的兴趣，并想更多地了解目前日本艺术的发展，那么这本杂志绝对能为你提供想要的情报。读书不忘行路，不妨来一场旅行，走进日本艺术。
美邦油画颜料浪漫灰色系有：
美邦青苹白，美邦嫩黄，美邦梨黄，美邦朝霞红，美邦紫薇色，美邦闪电紫，美邦春日青，美邦晴朗兰，美邦青苹绿。
灰颜色系列指的是除去黑白以外的不饱和颜色，不仅仅是素描画里面的黑白灰，它们浪漫，柔和，颜色丰富，现高考强调画灰颜色，谁的灰颜色画的好，谁的分数就越高，因为对灰颜色的认识与掌握不仅仅是检验考生对画面各要素相互关系形成理解的程度，更体现了一个考生在3小时的考试过程中——对不同层次“灰颜色”思维变化的动态过程。所以认识和运用灰颜色很重要，
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