周杰伦《最伟大的作品》MV今正式上线，这首歌中提到了哪些艺术大师呢？

似乎跨越了大半个世纪，时隔多年的周董终于再次营业，作为粉丝的小编也是激动不已。而新歌《最伟大的作品》MV也在7月6日与粉丝们见面。在巴黎拍摄的MV风格满满，结合了文化和艺术，不仅让人联想到《不能说的秘密 》中的穿越梗，还有满满的艺术梗，在MV中提到的艺术大师有达利、徐志摩、莫奈、梵高等。化生为穿越时空的魔术旅游人，周杰伦在时空的隧道中邂逅了多位大师，除了致敬和向往之外，粉丝们似乎隔着屏幕也能够感受到艺术大师的魅力。

在MV的一开场就带来了周董的钢琴破题，钢琴家朗朗的客串，两人互相弹奏比赛，似乎是找到了知音。而在看完MV之后，除了融合了音乐、绘画以及周董酷爱的魔术之外，艺术家的出现，徐志摩的相遇也让观众们沉醉不已，复古的场景一度成为了粉丝们的焦点。在这个MV中尽管时常只有5分钟，但是干货满满。而看完MV之后，小编似乎突然能够理解为什么这张专辑的名称叫做最伟大的作品，也许周杰伦是想通过新曲来向那些百年之前做出伟大贡献的艺术家们致敬。

在MV中所有的大师里面最独特的艺术家则是徐志摩，作为唯一的一位诗人，歌词里面还提到了《再别康桥》这一首诗作。轻轻地我走了，正如我轻轻的来，离别时那起伏的情感，通过诗句表现的淋淋尽致。似乎隔着诗句就能想象出那处细致入微的意境。

当多看两遍MV之后，将所有的元素和人物串在一起，似乎就能看得出来周杰伦的狂想。在这短短5分钟的时长中，似乎上了一堂独具生机的艺术课一般。在周杰伦镜头的引导之下，我们见证了那些伟大的艺术家所提供的灵感。最后回到了现实之后才发现原来真正代表音乐的其实是郎朗。

　　毕加索，西班牙画家、雕塑家。法国***党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他于1907年创作的《亚威农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至还波及到芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐等其他领域。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。

　　个人经历

　　蓝色时期

　　1900年，他来到巴黎，倾心于凡高的作品和图卢兹·劳特累克画的蒙马特场面。在他这一时期以及"蓝色时期"(1901～1904年)的作品中，可以看出劳特累克明显的影响。他关心的对象是穷人、病人和生活中的可怜人。他重新拿起西班牙最珍视的题材----贫穷、孤独、悲哀，但指导思想却是要用他在与蒙马特素描画家接触中加以单纯化的手法去影响法国绘画。他越来越精确地画着单个的或组合的人物，把他们的形拉长或缩小，以便给予戏剧性的表现。在近乎单色的油画中，他使用一种神秘的、深夜一般的蓝色调。这时的毕加索只有二十三岁，但名气已不仅只限于他的朋友们这个小圈子了。

　　定居洗衣船

　　从1904年起，他定居拉维尼昂路13号洗衣船，他的画室成了画家和作家创造新美学原则的联络地点。阿波利奈尔、马科斯·雅各布、安德雷·萨尔蒙、彼埃尔·勒威迪、安德烈·德兰、凡东根、胡安·格里斯都经常去那里或者索性住在那里。1907年以后，人们在那里又看到乔治·布拉克。他是由阿波利奈尔介绍给毕加索的。费尔南德·奥利维埃为我们留下了那时毕加索的绝妙画象:"小小的个子，皮肤黑黑的，又矮又胖，焦急不安，同时也令人感到担心。一双阴沉、深邃、敏锐、奇怪的眼睛近乎于目不转睛，笨拙的动作，妇女一般的手，不象样子的穿着，而且不修边幅。一绺密密的头发又黑又亮，把智慧而顽固的前额劈为两半。衣服一半象吉普赛人，一半象工人，留得太长的头发扫着那件不知穿了多少年的旧夹克领子。"

　　玫瑰时期

　　毕加索在其"玫瑰时期"(1905～1906年)中显得温和，甚至可说是温柔起来了。裸体，流动演出的喜剧演员，丑角，马戏场面使他有机会把手法变得轻快，把线条变得灵活，把变形加以强调。他的作品使人想到日本幽灵画家。其特点是一种娇柔的感情，含糊不定的笔触，杂乱的魅力以及并非肯定地放上去的，在颜色上精打细算，却几乎没有体积感的形。不过，他很快便重新干了起来。似乎是受到黑人雕塑的影响，他作了一些强烈反映自己所关切的造型问题的塑象，素描和渍画。这个西班牙人怎能不被当时在欧洲发现的非洲拜物教吉祥物的巨大变形所诱引呢难道不应该说它是新发明出来的，充满感人力量的形吗不管怎样，毕加索是受到这些原始作品咒语的影响，他肯定是欣赏它的感受，力量，丰富的词汇和大胆的抽象。

　　阿维尼翁姑娘

　　1907年，当他在洗衣船那间破画室向困惑的朋友们出示他的《阿维尼翁姑娘》一画时，那正是刚刚翻开美术史新的一页的时刻。这幅名画的构图缺乏统一，颜色呆板生硬，指手画脚的人物没有体积感。不过，线条、夹角，画的鳞状重叠宣告了现代绘画的一个新方向。立体派的革命已经不远了。《阿维尼翁姑娘》已不单单是一幅画，它是一个事件，一个日期，一个出发点，就如昔日凡·爱克的《神秘的羔羊》，乌切罗的《战争》，德拉克洛瓦的《但丁之舟》一样。

　　领导理智主义

　　人们为了塞尚而抛弃了高更。他们发现了新的现实，并且主要是在现实之中发现了新的体积和空间。为矛盾所苦的毕加索，从现实主义的超越中看到了解决它的办法。他以当时作家们寻求解释和鼓励的理智主义去反对野兽派画家的感觉主义。从1908年开始，他便和布拉克一道领导起了这一运动。他们对于体积的幻想引到一个平面上来，并且不使用凸起、明暗、线的透视和其它老的观念。他们通过分解各个面，同时从几个角度看对象的形象，来达到这一点。从那时起，他们便不画他们看到的东西，而画他们通过分析想象出来的东西。

　　重回老画派

　　1911年，立体派又不再是分析的了，它抛弃了对于自然的观察，而滑向了专横的概念论，也就是把已被驾驭的对象置于"先"想出来的形的支配之下。当同伴们步上其它道路之时，毕加索和布拉克仍在自己的发现中继续深入研究着。1908到1915年间，毕加索运用新的笔法，表现自己强烈的不容置疑的观念。他创造着对象，并且是自由地创造着。他考虑到现实，但是通过摧毁它和以主观、独立、绝对的现实取而代之。另一方面，立体派使素描和形占据了必须的，有时甚至是专制的优势地位。亏了毕加索，油画才回到单纯的线描，几何形，准确的比例和有力的构图上来。不管怎么说，毕加索很快便发现了由自己第一个宣告和描绘的理论所具有的局限性。于是，他这个原来最热情的鼓动者，便成为了最不忠实的信徒。一看到有人跟随自己，他便立刻走上另一条路。这位夹角、立方体、几何形的建筑画家，又突然置身于老画家的画派之中。就在这个时期，他为俄国芭蕾工作，设计了《炫耀》和《三角帽》的布景和服装。他重新取用了一些古老的题材:杂技演员、丑角、舞蹈者。

　　完全古典画法

　　接着，他受到希腊--罗马艺术的影响，以完全古典的画法创作了一大批巨人和丰满的妇女。到1923年为止，他的作品特点是安静、平衡，异乎寻常的健康。人们简直不能相信这就是几年以前狂热地搞粘贴画法的同一个毕加索。然而，将报纸和火柴盒切下来，集中到自己画上去的人，由于热爱现实主义而搞逼真画的人，在一个放松的时刻，是必然要象安格尔那样地去画画的。

　　另一方面，一个被不同的需要(如果不是对立的需要)撕裂到如此地步的人，对于自己时代的潮流如此敏感，完全同意一切大胆想法的人，对于超现实主义的尝试又是不会无动于衷的。在这一造反运动中，有一种挑衅的嗜好和破坏的意志，鼓励着他那根本的虚无主义。不过，超现实主义绘画使用的手法是那样贫乏，陈旧，没有造型，以至他根本看不上眼。他的尝试只是为了提取用于革亲自己灵感的酵母。他经过了一段短暂的浪漫时期，画了一些人民生活场景和激烈的斗牛场面，然后，试图阐明自己的幻想和冲动。

　　表现主义

　　当他的同胞达利以及米罗服从于安德烈·布雷东形而上学的文学信条时，毕加索却让自己的画中出现奇形怪状的石珊瑚和恶魔让它们在无意识的深处此起彼伏(1926～1935年)。他的笔画出了没有含义的奇特形状。这是些极端概括，略施薄色，形体密布的人物形象，他们荒廖可笑地竖立在没有深度的空间中。1932年直线消失了，取而代之的是柔韧的长弧线。简略的结构让位于繁茂的曲线，颜色发出厚重而尖刻的色泽。

　　这时，他画了一组海边少女，其中有一幅特别大胆的素描，表现了身体的陶醉。1935年，祖国流血的悲剧激怒了毕加索，他那潜在的表现主义再次迸发出来，线条扭绞着，膨胀着，色彩放出光泽，在奔腾驰骋，并由一首以渐强奏出的悲怆曲《格尔尼卡》达到极点。这幅伟大的构图如果不说是其巅峰之作的话，也是其杰作之一。因为如果说他是以世界末日的形象表达对战争的厌恶，那么，他仅用了一些形状和光暗对比便达到了目的。

　　他不是象戈雅、德拉克洛瓦那样去描绘战争的情节，杀戮的场面。戈雅和德拉克洛瓦不管天分多高，也只能做到这一点。而毕加索却在西洋绘画史上每一次成功地单纯以造型标注经历过的事件，使我们感到恐怖。他以良知和激情将一些绘画的特别价值结合在一起，使我们确信这一罪行。我们看到悲剧与诙谐，挖苦与怜悯，诅咒与嘲笑，生命的颤动与死亡的静止，汹涌的思想感情以达到极点的强度从这幅裂人肺腑的画中涌出。

　　研究探索

　　从此，毕加索研究着自己已经走过的道路，不断推进着自己的探求，时而下锚于人道主义的平静江河之上，时而扬帆驶向险恶的浪漫主义风暴之中。不过，从1948年起，也就是从他定居地中海之滨时起，他又画起古老的传说和古时的妖术、野兽、半人半马的怪物、女仙。他重新采用自己的老题材:肖像、风景、静物，并特别着力表现动物:鸽子、猫头鹰、蟾蜍、马、公牛。他轮流画着自己的乡村和儿童，既作油画、版画，也作雕塑、陶器，以一贯的激烈和对生活少有的爱情干着。不管题材和主题如何，他总是赋予它们寓意，赋予它们与自己生活相仿佛的生命，即控制不住的冲击，强烈的失望，某种粗暴、茫然、不安。他既好奇又不满，既恼人又高雅，既待人慷慨又吝惜感情，已经名利无加，却象奴隶一样地苦干。

　　生活和作品

　　他既是自己急躁的天才的奴隶，又是自己的力量，画风的主人。他异乎寻常的活跃，从不休息，不知疲倦，他在世界中不停地追赶一种总是在逃遁的快乐，而他所得到的又只是焦虑，怀疑和狂怒。他看上去和真实年龄不符。他在构思，在感觉，在痛恨，在热爱，就象二十岁的青年一样。

　　所以，不谈他的生活，也就很难研究他的作品，因为二者是连在一起，无法隔开的。一切以他为演员或见证人的事情都被他以各咱各样的作品记录下来。他的爱情、蔑视、任性、造反、急躁，都被他拿来哺育他的艺术，其中有自满也有诀窍，有时还带有令人不舒服的强迫感。他的个性继承了人道主义。个人主义的传统，在种族上是无政府主义的。他的行动和反应都是不可预料的，突然的，急剧的。他不信神灵，只相信自己。作为一位革命者，他使追随者迷失方向，作为否定者，他骄傲地肯定自己的个性。在他的身上，永远都是矛盾。

　　他的作品和生活没有丝毫的统一、连续、稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，激昂或狂燥，可亲或可憎，诚挚或装假，让人喜欢和招人讨厌，他可以因当时的脾气和时间，表现为这样或那样。不过，他永远忠于唯一一种癖好:自由。实际上，他想要完全彻底的自由，任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要框框，不要偏见。

　　画风的变化

　　他从自然主义到表现主义，从表现主义到古典主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。他走到抽象，是为了回到自然主义和重新开始他不倦的探求。优美和可怕，高雅和畸形在交替着，他去了又来，来了又去。但尽管变化无常，却始终是根深蒂固的巴洛克风。当他想成为古典派时，他不那么能惊人，也不动人。他太具个性，期望吓人和刺人，反对一切束缚和宇宙间的所有神圣看法，他不能将就和受到限制，不能受纪律的约束和屈辱。只有自由，绝对的自由才适合于他，而这一自由又要带有奇特、混沌、可憎的外形。

现实主义也叫写实主义，兴起于十九世纪中叶的法国，是与法国1848年的大革命同时出现的一场艺术运动。

现实主义的创始人是卡尔·马乔。代表画家有卢梭、米勒、库尔贝等。其中最具代表性的我以为当属库尔贝。这里重点介绍一下库尔贝。

古斯塔夫·库尔贝(1819一1877)。库尔贝生活时代的法国，资本主义在完成原始积累后进入快速发展时期，生产力和生产关系发生重大变革，出现一定程度的贫富分化，各种思潮涌现，社会矛盾增多。库尔贝正是在这样的背景下，开始用自己手中的画笔，批判揭露现实，成为批判现实主义的重要画家。

库尔贝早期的作品带有明显的浪漫主义和理想主义色彩，后来当他更多地接触到社会底层人们的劳动生活状况，他的画风开始发生变化。库尔贝认为：“画家不应该漠视现实而只靠空虚空洞的想象去画画，更不应无病呻吟甚至自我陶醉，而应该正视现实以写实的精神和态度去创作”。他关注生活在社会底层的人们，并为此创作了一些有针对性的画作，在社会上产生较大影响。《筛麦妇》、《矿工》等就是这其中的代表性作品。

画家的思想是相当丰富的。在中后期，库尔贝的思想更加敏锐，画技也日瑧成熟，形成了典型的库尔贝风格。《浴女》是库尔贝写实主义手法的代表画作，当时曾遭到很多人的讽刺挖苦甚至恶毒攻击。这幅画打破了人们传统的审美习惯，却有着极强的真实感和感染力。

《画室》是库尔贝绘画风格技巧的集中展示，也是他十分钟爱的一幅画作。不想在当时参加巴黎万国艺术博览会画展时却被剔除出来。库尔贝一气之下，在会场外搭了个棚子，拿出自己创作的40幅作品搞了一次“个人画展”，引起不小反响。

库尔贝时期的法国是一个充满矛盾的时代。库尔贝也常常纠结郁闷，他画了不少自画像，或许也是一种自我排谴和解潮吧。

我就简单的说：德沃赛夫人才算他真正的杰作，体现了女性的端庄，古朴典雅，优雅高贵的气质，性感妩媚，体态丰满；德沃赛夫人的优雅，文静，文雅，端庄性格发挥的淋漓尽致。再加上巴洛克发型，体现了德沃赛夫人的高贵优雅女王气质。算得上是一位女郎。他主要以女性人体的各种画：肖像画，裸体画，神话等。《泉》安格尔法国安格尔一生画了大量的女人体绘画，著名的有《瓦品松的浴女》、《土耳其浴室》、《大宫女》、《泉》等。其中最著名的作品是《泉》。他通过一个抱罐子倒水的裸体少女的形象，表现了他终生追求的古典美。安格尔在描写女性人体画上技巧娴熟、达到了很高的艺术水平。阶级的上层人物，其中妇女又占多数。代表作有《德沃赛夫人像》、《莫第西埃夫人》、《雷维尔**》、《贝尔坦像》、《帕格尼尼像》等，其共同的特点是造型准确，画法精细，构图严谨。

《最伟大的作品》致敬的五位艺术家分别是：雷内·马格利特，达利，常玉，莫奈还有徐志摩。对于我们大多数中国人来说，最熟悉的应该就是徐志摩，新月派代表诗人，在剑桥两年深受西方教育的熏陶及欧美浪漫主义和唯美派诗人的影响。他的文学作品《再别康桥》更是经典文章，收录在高中的课本里面。但是他最有名的事件，还是和陆小曼的那段恋情，比他的作品更加精彩。  

常玉对他知晓的人并不多，但是在绘画上却有杰出的成绩。与徐悲鸿、林风眠熟稔，他常在咖啡馆里一边看《红楼梦》或拉着小提琴一边绘画。常玉在艺术上坚持我行我素，追求精神自由，而今，西方公认他为世界级的绘画大家，被誉为“中国式的莫迪利阿尼”。常玉在国内虽然没有徐悲鸿有名气，但是巴黎的名气发非常高。常玉的作品也是比较孤寂的风格，也是因为他的晚年是在他乡度过的吧，所以格外凄凉。

至于达利，是超现实主义绘画大师，标志性的翘胡子是他最大的特征。达利是一位具有非凡才能和想象力的艺术家，他的作品把怪异梦境般的形象与卓越的绘图技术和受文艺复兴大师影响的绘画技巧令人惊奇地混合在一起。他的作品《永恒的记忆》更是超现实主义的经典之作。不过也有人谣传他是精神分裂者。

莫奈的《睡莲》更是价值连城，作为印象派的代表人，他在艺术方面的成就至今无人超越。雷内·马格利特超现实主义的代表人，画风很诡异，把生与死、过去与未来、真实与幻觉统一起来，具有恐怖、离奇、怪诞的特点。他的作品也是非常怪异，但是在绘画界还是非常有名气的。这几位艺术家，在艺术发展史上都做出了杰出的贡献。

很多珠宝设计的作品是以经典名画做为灵感的，大家了解哪些？莱昂纳多·达芬奇的《蒙娜丽莎》到拉斐尔的三大美神，以经典名画做为灵感的。从乔治的维纳斯到睡眠，从提香的爱情到天堂和人间的爱情，从鲁本斯的爱情花园到伦勃朗的游泳池，从库尔贝的沐浴女到***民的自由，从天使的源头到维纳斯出生的博厄拉的源头，从骑马的科利尔的戈瓦德夫人到瓜德的雅典娜女神，从德加的舞女芭蕾到雷诺伊尔，我们可以看到，这些世界知名的高等绘画大师的代表作品都是以女性为主题或以女性为主体创作的。

至于各个时期许多以女性为主题的艺术家和画家所创作的绘画作品，则不计其数。抽象绘画的创始人毕加索一生经历了六个创作时期，他的绘画风格在每一个时期都发生了很大的变化。在这六个创作时期，有六位女性对毕加索产生了非常重要的影响，这并非巧合，我的意思是，他绘画风格的每一个变化都与一个女人有关。当然，这六个女人是他的前妻和情人。

毕加索说：“没有她们，我不知道我的画会是什么样子。她们启发了我的创作。”以表达女性主题而闻名的现实主义油画大师安杰洛坦率地说：“没有女性，就没有油画艺术。”作为古典美学大师，他一生创作了近千幅油画，每一幅都非常美丽。令人惊讶的是，所有这些近千幅油画毫无例外都是女性主题。

绘画艺术已经发展了几千年，从最原始的壁画到下一代的中国画和油画，但这两种绘画都有许多主题，你可以分为：风景、人物和动物、宗教和神话主题。那么什么样的绘画题材更能激发艺术家的艺术灵感呢？画作中显示了空话。纵观一代代流传下来的经典绘画，不难看出女性题材是艺术家最痴迷的题材，能够激发艺术家的创作灵感，这在油画中尤为重要。

文艺复兴时期是欧洲历史发展上最为特殊的一个时期之一，是一场新兴资产阶级的的思想文化解放运动。在这个时期，人文主义是这个时代的主题，也贯穿了整个文艺复兴时期。可以说文艺复兴是一场资产阶级的反封建文化运动。而在这一个时期涌现了一大批优秀的画家，例如我们所熟知的达芬奇还有米开朗琪罗等都是这个时代的人物。之所以现代的西方画家的作品无法超越文艺复兴时期的大师之作，归根到底还是时代特色所影响的。

在文艺复兴时期，资本主义开始冒出萌芽，随着商品经济的发展，人们的思想也是逐渐得到了解放。这是这种思想的解放，使得画家们能够有更多创作的灵感，他们从文艺复兴之中找到最好的素材并且画在的画上面，这些话具有文艺复兴时期的色彩。那时候人们的思想是无拘无束的，所以能够迸发出更多的灵感，而现在的绘画往往已经形成了一种定性的思维，所以我们并不能感受到历史的厚重感，这是原因之一。

而在文艺复兴时期，人文主义是时代的主题和核心，在这个时候不再是以神作为中心，而是将人作为中心的以人为本的思想。在这个时期，人们是得到尊重并且可以去追求自己的幸福，也正是因此，人们能够释放自己的天性，从而能够不受到宗教的束缚，画家们也因此能够释放自己的天性，画出自己所要追求的东西，这是文艺复兴时期的画作至今也是无法超越的原因。

虽然现代画家的绘画技巧都不输于文艺复兴时期的画家，但是他们受到时代的限制，所以无法创作出具有时代特色的画作，缺少了历史的厚重感，所以他的画作才无法超越那时候的作品。