中国古典舞的基本动作有哪些

　一、中国古典舞基本手形、脚形、手位、脚位

　　⑴基本手型

　　①掌型：兰花掌、虎口掌、五指分掌(儿童)

　　②拳型：半握拳、佛手拳、实心拳、

　　③指型：单指、剑指、

　　⑵基本脚型 勾脚、绷脚、擓脚、勾绷脚。

　　⑶基本手位

　　山膀位、按掌位、托掌位、提襟位、扬掌位

　　⑷基本脚位正步、丁字步、小八字步、大八字步、踏步、弓箭步、虚步;

二、中国古典舞手臂的基本姿态和动作

　　⑴手臂的基本姿态：

　　单山膀、双山膀、顺风旗、双托掌、托按掌、山膀按掌、斜托掌、冲掌、提襟

　　⑵手臂的基本动作

　　①单手基本动作：

　　掌、盖掌、切掌、分掌、穿掌、端掌、摊掌;

　　②双手配合动作：晃手、摇臂、云手、小五花、盘手 ;

合唱团和中国舞都是非常适合女孩参与的艺术形式，具体选择哪个更合适需要考虑到女孩个人的兴趣和优势。

如果女孩对唱歌更感兴趣，那么加入合唱团可能更为适合她。合唱团提供了一个集体表演的氛围，可以让女孩感受到团队合作的力量，同时唱歌也是表达情感、展示才艺的绝佳方式。另外，合唱团通常不会有太多突出的个人表现，这也有助于避免过度强调个人形象，让女孩更加注重团队的合作和配合。

如果女孩对舞蹈更感兴趣，那么参加中国舞的学习可能更为适合她。中国舞注重身体协调性和柔韧性的训练，同时也可以让女孩学习到中国传统的舞蹈文化和艺术表现形式。通过中国舞的学习，女孩可以锻炼身体的协调性和灵活性，同时也可以提升自信心和舞台表现能力。

总的来说，选择合唱团还是中国舞，主要取决于女孩的个人兴趣和优势。无论选择哪个，都需要付出努力和时间来学习和练习，才能取得好的成果。

谈谈中国古典舞的身韵

　 1．中国古典舞

　中国古典舞作为我国舞蹈艺术中的一个类别，是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工、创造，并经过较长时期艺术实践的检验流传下来的具有一定典范意义的和古典风格特色的舞蹈。古典舞创立于五十年代，曾一度被一些人称作“戏曲舞蹈”。它本身就是介于戏曲与舞蹈之间的混合物，也就是说还未完全从戏曲中蜕变出来，称它为戏曲，它已去掉了戏曲中最重要的唱与念；说它是舞蹈，它还大量保持着戏曲的原态。戏曲中的歌也好，舞也好，是为了演故事服务的。即便是不唱不白的武戏也还是戏，其舞对角色行当的从属性也是十分鲜明的。

　古典舞从其源来说，是古代舞蹈的一次复苏，是戏曲舞蹈的复苏，是几千年中国舞蹈传统的复兴。十分明显，它的审美原则不是什么新发明，而是几千年中华文化的流传和延续，是用一根长线从古串到今的，这些原则非但在戏曲中可见，在唐宋乐舞中，在汉魏“舞戏”中，甚至在商周礼乐中，都能见其蛛丝马迹它的文化特征；就其流来讲，它是在原生地上生成的一个崭新的艺术品类，这是一个可以和芭蕾舞、现代舞相媲美的新的舞蹈种类，这个衍舞种是地道的中国货。

　中国古典舞现在仍未渡过它的童年，其自身还在成长发育中。但是身韵的创建，使它的审美内核已趋稳定，其理论基础也已比较扎实，运动系统已经形成，我们完全有理由说它已摆脱戏曲的原形，向真正舞蹈的范畴迈进。

　产生于八十年代初的中国古典舞《身韵》课，经过十多年的实践，已逐渐为中外舞蹈界和学术界所认识。1993年，它被国家教育委员会列为优秀教学成果而获得奖励。北京舞蹈学院李正一和唐满城两位古典舞老教授，毅然整理、创建了古典舞“身韵”课，它使中国古典舞重振雄风，使古典舞事业曙光再现。李正一教授在诠释“古典舞”时这样讲道：“名为古典舞，它并不是古代舞蹈的翻版，它是建立在深厚的传统舞蹈美学基础上，适应现代人欣赏习惯的新古典舞。它是以民族为主体，以戏曲、武术等民族美学原则为基础，吸收借鉴芭蕾等外来艺术的有益部分，使其成为独立的、具有民族性、时代性的舞种和体系。”

　 2．古典舞身韵及其审美

　“身韵”即“身法”与“韵律”的总称。“身法”属于外部的技法范畴，“韵律”则属于艺术的内涵神采，它们二者的有机结合和渗透，才能真正体现中国古典舞的风貌及审美的精髓。换句话说“身韵”即“形神兼备，身心并用，内外统一”这是中国古典舞不可缺少的标志，是中国古典舞的艺术灵魂所在。身韵，虽然风格源是明显的，但它已不能再冠以“戏曲舞蹈”之名，它的从戏至舞的蜕变已基本完成。它已摆脱原戏曲舞蹈对角色行当的千变万化，然而不管怎样变，又是万变不离其宗，这个“一”和这个“变”都是一种艺术难得的性格，也是一门艺术的美学的要义。

　一个成熟的民族舞演员在舞台上展现的动作之所以具有审美价值和艺术魅力，是因为体现了“形、神、劲、律”的高度融合，这正是中国古典舞身韵的重要表现手段。“形、神、劲、律”作为身韵基本动作要素，高度概括了身韵的全部内涵。形，即外在动作，包含姿态及其动作连接的运动线路。神，即神韵、心意，是起主导支配作用的部分。劲，就是力，包含着轻重、缓急、强弱、长短、刚柔等关系的艺术处理。律，也就是动作本身的运动规律。这四大动作要素的关系，是经过劲与律达到形神兼备，内外统一。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。这都是精辟的概括与提炼。而这些文字又与元素性动作高度统一、谐调，构成了具有中国特色的舞蹈美学理论。

　1、形

　形是指形体外部的动作。它表现为形形色色的体态，千变万化的动作及动作间的连接。凡是一切看得见的形态与过程都可以称之为“形”。形是形象艺术最基本的特征，是古典舞舞魅之依附，是古典舞之美的传达媒介。

　众所周知，通过对传统艺术在审美特征和各种典型舞姿的剖析，得出了在“形”上必须 首先解决体态上“拧、倾、圆、曲”的曲线美和“刚健挺拔、含蓄柔韧”的气质美。中国舞在人体形态上强调“拧、倾、圆、曲”，仰、俯、翻、卷”的曲线美和“刚健挺拔、含蓄柔韧”的内在气质。从出土的墓俑和敦煌壁画中不难看出这一点是由古至今一脉相承而不断发展演变的。如秦汉舞俑的“塌腰蹶臀”、唐代的“三道湾”、戏曲舞蹈中的“子午相”“阴阳面”“拧麻花”，中国民间舞“胶州秧歌”的“辗、拧、转、韧”，“海洋秧歌”的“拦、探、拧、波浪”和“花鼓灯”的“斜塔”，武术中的“龙形猿步”、“八卦”等无一不贯穿着、人体的“拧、倾、圆、曲”之美。掌握体态及造型的曲线美还需要具有相应的素质能力。因而它也是一种技法，人体的“拧、倾、圆、曲”是整体的形象。从局部来看“头、颈、胸、腰、胯”，“肩、肘、腕、臂、掌”，“膝、踝脚、步”都有其特定的要求。

　2、神

　这是泛指内涵、神采、韵律、气质。任何艺术若无神韵，就可以说无灵魂。在中国文艺评论中，神韵是一个异常重要的概念。无论谈诗、论画、品评音乐、书法都离不开神韵二字。在古典舞中人体的运动方面，神韵是可以认识的，是可以感觉的。而且正是把握住了“神”，“形”才有生命力。

　在心这一概念中，身韵强调内涵的气蕴、呼吸和意念。强调神韵，强调内心情感。在形与神的关系中，把神放在了首位，“以神领形，以形传神”正是这此意念情感造化了身韵的“韵”。可以说，没了韵就没了中国古典舞。没了内心情感的激发和带动，也就失去了中国古典舞最重要的光彩。

　“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。所谓 “心、意、气”，正是“神韵”之具体化。人们常说“眼睛是心灵的窗户”、眼睛是传神的工具”、而眼神的“聚、放、凝、收、合”并不是指眼球自身的运动，而恰恰是受内涵的支配和心理的节奏所表达的结果，这正是说明神韵是支配一切的。“形未动，神先领，形已止，神不止。”这一口诀形象的、准确的解释了形和神的联系及关系。

　人们长期为中国古典舞的内在韵律感到神秘，虽然一个“圆”字是早被人们公认的，但它究竟是怎样的运动规律，身体及手臂的运行轨迹是怎样的了这是从事古典舞的人们长期困惑的问题。身韵创建者提出了“三圆运动”的理论。他们认为中国古典舞身体运动过程是沿着三个圆形在运动。这就是立圆、横圆、8字圆。令人吃惊的是这个扰人已久的问题竟是这样轻而易举地被破译了。而且又是如此准确而简明。它立刻让人想到拉班的“球体运动”理论。它们有很近似的思路，又各自解释了各自的规律。原来真理是很单纯的。科学都是经历了“由浅入深”到“深入浅出”的过程。单纯的真理是艰苦探寻的结果，是长期积累，偶然得之。

　3、劲

　“劲”即赋予外部动作的内在节奏和有层次、有对比的力度处理。比如运动时“线中的点”即“动中之静”)或“点中之线”(即“静中之动”)，都是靠“劲“运用得当才得以表现的。中国古典舞的运行节奏往往和有规则的2/4，3/4，4/4式的音乐节奏不大相同。它有更多的情况是在舒而不缓、紧而不乱，动中有静、静中有动的自由而又有规律的“弹性”节奏中进行的。“身韵”即要培养舞蹈者在动作时，力度的运用不是平均的，而是有着轻重、缓急、长短、顿挫、符点、切分、延伸等等的对比和区别。这些节奏的符号是用人体动作表达出来的，这就是真正掌握并懂得了运用“劲”。“劲”不仅贯穿于动作的过程中，在结束动作时的劲更是十分重要的。无论戏曲、芭蕾舞、武术套路都是十分重视动作结束前的瞬间节奏处理，中国古典舞更不例外，它有如下几种典型的亮相劲头：“寸劲”一一体态、角度、方位均已准备好，运用一寸之间的劲头来“画龙点睛”。“反衬劲”――给予即将结束的体态造型的一个强度很大的反作用力，从而强化和烘托最后造型。“神劲”――一切均已完成，而用眼神及肢体作延伸之感，使之“形已止而神不止”。除此之外，还有“刚中有柔”、“韧中有脆”、“急中有缓”等劲的区别。

　4、律

　“律’这个字它包涵动作中自身的律动性和运动中依循的规律这两层含义。一般说动作接动作必须要“顺”，这“顺”是律中之“正律”，动作通过“顺”似乎有行云流水，一气呵成之感。“反律”也是古典舞律动中十分重要的因素，如“双晃手”，当臂向左晃时，身要有向右拉之势，才能显示动作的圆润与韵味。“不顺则顺”的“反律”，可以产生奇峰叠起、出其不意的效果。一个动作和动势的走向分明是往左，突然急转直下往右，或者由向前突变向后等等均是。这种“反律”是古典舞特有的，可以产生人体动作千变万化、扑朔迷离、瞬息万变的动感。从每一具体动作来看，古典舞还有“一切从反面做起”之说，即“逢冲必靠、欲左先后、逢开必合、欲前先后”的运动规律，正是这些特殊的规律产生了古典舞的特殊审美性。无论是一气呵成、顺水推舟的顺势，还是相反相成的逆向运势，或是“从反面做起”，都是体现了中国古典舞的圆、游、变、幻之美，这正是中国“舞律”之精奥之处。

　 3．古典舞身韵课程的特点

　身韵的出现做为一项重要的中国古典舞教学成果，使中国古典舞的训练走向自身形式的规范化、舞种化。它不仅是完整的训练体系，而且是训练与创作、表演相互统一的中国古典舞审美特征的体系。就目前的教学而言，对古典舞神韵的作用与价值的认识，应该说在观念上仍然处在模糊的状态，在教学中还没能摆正它的位置，更没有在教学的每一个过程、每一个细节中将“身韵”的教学渗透到基训课的“骨髓”中，真正的将其作为古典舞的“核”来加以正确对待。

　现在的舞蹈教学一般是将基训与身韵做为两门课程安排，不免会给人一种错觉，即片面认为基训是主科，身韵是副科，基训是学生训练的关键，身韵是为加强风格而设立的点缀课。表层的主与次不是内在的质，是“壳”还是“核”，应通过两门课程所体现的精髓来确定。因此，关键问题不在设置的是一门课程还是两门课程，而在于中国古典舞的教学实质是什么。假若基训课和身韵课体现的是各自的质，而不是统一的质，那么就形成了“两层皮”的`局面，基训也就变成了只有技术的“壳”，而没有身韵的“核”，两者很难形成一个统一于一体的古典舞风格，最终的结果只能是片面追录古典舞的形，却忽略了古典舞的神，而我们要求的恰恰是形神兼备，只有劲与律的协和统一。才能全面的达到古典舞训练的基本要求，这才是二者训练所要求的一致标准。由此发展到更深层次，就是要求在基训课教学中的每个动作，每个过程， 每个细节，每个过渡的环节动作，静与动的变化，技术与技巧的操作，都要由身韵的神、形、劲、律来统帅，并贯穿于教学的始终，从而达到“壳”与“核”的完美统一。即使是两门课的设置与安排，也能达到合二为一的效果。那么基本功训练的标准和身韵的训练标准是什么是统一于一体的两个阶段，还是将所要达到的目的自始至终地溶为一体完成整体训练的目的就目前而言，两门课程的安排要求我们任课教师把握一个标准，就是在基本训练的教学过程中，将身韵渗透到基本训练的全过程，在课堂中体现中国古典舞的精髓。

　 4．如何做好古典舞身韵课的教学

　1、做好素质训练

　中国古典舞神韵的教学要从训练的角度开始建立，要同时要解决形体训练、素质训练、技术技巧训练、艺术表现力训练，直到舞台上形象塑造训练等任务。所以说，以解决肌肉素质、软开度、耐力、爆发力、韧性、重心等方面，对于训练学生来说，是不可缺少的。平时可以加强对人体运动的科学研究，在运动的幅度、韧带的柔韧性、重心的把握、肌肉能力等方面都要达到训练的效果。比如“前旁搬腿”要完成180o，而且还要求主力腿、动力腿都是绝对的直膝，还要求主力脚半脚尖，控制到最高度，并保持很长时间(两个八拍)。这说明在素质训练上要向动作的极限要求发展。所以说古典舞基本训练的目的是着重解决学生身体的基本素质问题，以跳、转、翻等技术技巧来增强舞蹈表现力，这可称为技法训练。

　2、牢固把握身韵的元素

　所谓元素，包括基本技法、身法、神韵、呼吸、形、态、点、线等诸多核心因素，在教学当中，要基于“从元素出发，从韵律入手”这样的教学方法，以“云肩转腰”、“风火轮”、“燕子穿林”为例，它们的素材并不是很多，然而却得到了最大限度的发展。“云肩转腰”既是元素又是韵律，元素中有韵律，韵律又通过元素展现。“风火轮”在基本功训练上腰部是一个三百六十度的大环动，所有拧、倾、圆都在其中，有很强的生命力，再加以繁衍，既有训练价值，又有实用价值，足可以派生出其他动作。正如唐满城教授所说：提炼元素、发展元素、运用元素，是解决身韵训练之有效办法。

　3 体现身韵的表现性

　对于舞台上的人物塑造似乎在课堂教学过程中体现的不多，但任何动作都应充分展现出它的艺术表现力。也就是说，在古典舞的训练中，应注意动作的性格化、气质上的感染力，在音乐、组合上的处理应注重训练“刚武气质”型、“柔韧舒展”型，以及灵巧敏捷、龙飞凤舞等诸多方面的变化和要求。

　4、体现身韵的时代性

　与舞蹈艺术中其它门类相同，身韵也有其派生、渲变和发展的时代特性，如何把握身韵的时代性，是身韵训练成败与否的关键所在。因此，在训练中应充分体现当代人的精神风貌，从而达到身韵与时代精神相统一。

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2月25日，青年文艺工作者刘宇解锁新身份——欧邦琪精华代言人，一指涂抹，焕发皮肤精彩时刻，VC宇见你，定格高光，见证琪迹。

身穿白色西装的刘宇从阴影中信步而来，温柔而不失骄傲，自信而不张扬。17年的沉淀让刘宇愈加温润，灯光下的刘宇似一块被精心雕琢后的宝玉，厚重温润。直面镜头，在舞台肆意绽放；无惧未来，真实力量探寻真我。

欧邦琪 (Obagi)，美国功效护肤品牌，1988年诞生于加州，基于雄厚的医药技术背景及坚实的成分配方科学研究，致力于改变肌肤系统，全方位还原 健康 年轻肌肤。

此次，刘宇与欧邦琪的合作，是新生实力偶像与实证权威品牌的强强联袂。作为z时代青年，刘宇十七年如一日的练习，坚定国风道路，希望让更多的人看到中国舞之美；作为护肤品牌，欧邦琪致力于满足消费者需求，提供最 健康 舒适的护肤体验。国风美少年刘宇和欧邦琪在彼此追逐梦想的道路上，均以专业实力，遇见改变、突破定义、不断惊艳。

文案 小瓶盖

图源来自OBAGI欧邦琪

改革开放以来中国现代舞的发展

　三 中国现代舞的未来

　现代舞是世界人类舞蹈组成部分，已随着世界舞蹈美学发展的进程而发展，并且带有鲜明的民族特征。而对中国现代舞的未来，我们应该如何定位呢笔者认为照抄欧美现代舞纯意念抽象，不顾中国人的审美思维方式恐怕难以行通。中国现代舞向欧美借鉴，但决不能生拉硬扯，照葫芦画瓢，而只能按中国文化习俗融合共存。以笔者之见，21世纪中国现代舞应对源于西方的舞型模式，给予全方位的修正，而创作出中国独自的风范。这并非狂妄，而是一个大胆的借鉴与离经叛道，并以最高美学原则达到审美与哲理并存的艺术境界。我完全相信中国现代舞以最美的形式装扮现代舞种，使其显露出一个崭新的面貌。当然这一跃进是艰难又有风险的历程，并且路程长远，需要花费巨大的力气才能达到目的。我们要择其善而从之。

　1 尊重自己的民族文化

　任何一个国家的民族文化与式样即是一个国家的特色。中国的现代舞更应有自己的独立见解与思考，而不能亦步亦趋。学习现代舞不 啻 是学习现代舞的外壳，弄上几个抽象动作，抹几缕抽象色彩，让观众去捉迷藏，而是必须尽快找到自己的文化支撑点。在技术和能力方面，我们并不比西方差，但在哲学与艺术理解方面我们却显得有些局限。盲目追求和照搬西方的各种东西会失去民族文化的根本，应在学习吸收西方艺术思想和文化精神的精粹时，不断熟读我们自己的民族文化历史。中华民族有几千年丰富、优秀的传统文化，我们必须从中吸取大量的养料来充实自己，提高自身的艺术修养，积极地将优秀的传统文化与优秀的西方文化结合起来，才能更好地发展我们自己的现代舞。既要重视传统文化继承，又要积极地学习吸收西方现代舞的经验，从而真正走出一条属于我们自己的现代舞之路。

　2 还原艺术的真、善、美

　虽说现代舞无疑是对传统的叛逆。但我认为仅是追求新意、追求独特并非是现代舞发展的最终目的，重要的是现代舞内容表现的空间和深度能否使得一个民族对自己生活美好的企盼与美学要求，并以此来建设自己的文明与文化知识的积累。然而艺术要引起观众的思考首先需博得观众的共鸣，这一共鸣正是来至于观众感兴趣的事物，这些事物不是编者凭空捏造的故事，而是来源于生活，但又高于生活的事物。显而易见，现代舞表现现代人的思想感情与现实生活的描述是微不足道。因此新一代的现代舞者还需要对生活有更深刻的思考与感悟。而不是一知半解，充当伪劣。我们应当更好运用中国的美学思想的艺术真、善、美对人生的启迪与对情操的陶冶的作用，绝不能脱离社会、脱离群众、脱离生活。在舞台上造假装深沉、故弄玄虚。

　3 传统文化与现代文化有机结合

　在中国现代舞必须恰如其分地与国际现代舞接轨沟通的同时，我们还必须找回来自本民族传统的形式和现代舞的表现手段，从中折射出现代舞的精髓。传统与现代如何结合，在这个问题上台湾、香港地区的著名舞蹈家林怀民、曹诚渊等，他们都在实践中积累了丰富的经验。从他们的作品中常常见到从中国传统戏曲中摄取营养，无论是表现方法与表现技巧都充分利用传统的东西，并未见拘泥于现代舞本身。如：林怀民的《乌盆记》、《薪传》，曹诚渊的《鸟之歌》、《都市浪漫》等都给人留下了深刻的印象。他们在作品中不炫耀技巧，抓住了中国人黄皮肤的神气，以艺术的强大穿透力揭示编导指向来自心底的思辨。这说明关键是编导能否用哲学思想去思考传统，并以新的思维方法去表现今天、明天和过去。

　改革开放以来中国现代舞登上历史舞台并在世界舞坛尽显锋芒。这是一次伟大的冲刺，赢得了世界舞蹈评论家的称赞，这是十分可贵的。我相信一个国家无论在任何一个领域如能创造出任何有价值的东西，都可以被全人类所共同享有而备受青睐。中国舞蹈艺术所以被国际舞坛所认同并非是因为以西方的艺术标准来衡量的，而是以中国传统精神为根基的。也只有中国的今天才能把现代舞搬上舞台。今天，中国经济的腾飞是改革开放的结果。我们乐于接受世界先进的经验并能创造性地吸收西方的科学、教育、经济和艺术的精华。我们借鉴和发展现代舞是为了充实我们的文化生活，繁荣我国的舞蹈事业，在推动经济建设和文化建设中发挥舞蹈的作用，这是不言而喻的!

　参考文献：

　[1] 《西方舞蹈史》 四川人民出版社 保尔・布尔西切 著

　[2] 《中国舞蹈发展史》上海人民出版社 王克芬 著

　[3] 《当代西方美学》 武汉大学出版社 朱狄 著

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以下是北舞考级和舞协考级的区别：

1、主办单位：北舞考级是由中国舞蹈家协会北京舞蹈学院主办的考级制度；而舞协考级是由中国舞蹈家协会主办的考级制度。

2、考核内容：北舞考级侧重于舞蹈技巧、舞蹈理论和舞蹈表演等方面的综合考核，主要评估学生在这些方面的能力水平。舞协考级也包括对学生技巧和表演的评估，但更注重对舞蹈专业知识、舞蹈历史和舞蹈理论的考核。

3、证书认可：北舞考级获得北舞考级证书，舞协考级获得中国舞协考级证书。这两种证书在舞蹈圈内都具有一定的认可度，但在不同的舞蹈机构和学校可能会有不同的权重和重要性。

4、培养方向：北舞考级对学生的培养目标主要是培养他们的舞蹈技巧和表演能力，注重学生的舞蹈才艺发展；而舞协考级更注重系统的舞蹈教育和学术能力培养，旨在提高学生的综合素养和专业水平。

学舞蹈的好处

1、锻炼身体：舞蹈是一种全身性的运动，可以锻炼身体的灵活性、协调性、力量和耐力。通过不断的训练，舞蹈可以改善身体的姿态、塑造体型，并提高身体的健康水平。提升形象：舞蹈训练可以培养良好的姿势和仪态，使身体线条更加优美，从而提升个人形象和气质。舞蹈还可以培养自信心和表达能力，使个人更加出色和自信。

2、培养艺术修养：舞蹈是一门艺术，学习舞蹈可以培养对音乐、节奏、美感和创意的欣赏能力。通过舞蹈，可以感受到艺术的魅力，提高审美能力，培养自己的艺术修养。社交和团队合作：学习舞蹈通常需要与他人进行合作，与舞伴共同排练和表演。这可以帮助培养合作意识、团队精神和沟通能力。在舞蹈团队中，可以结识到许多志同道合的朋友，丰富社交圈子。

3、减压和享受乐趣：跳舞是一种放松身心的方式，可以舒缓压力、释放负面情绪，并带来愉悦和快乐的体验。在舞蹈中，可以尽情享受音乐与舞蹈的美妙，感受到舞蹈带来的快乐。

中戏14舞剧系毕业名单有付美西，林粤婷，陈添，杨柯鑫，张永琪，齐雨等。

中央戏剧学院舞剧系简介：

中央戏剧学院舞剧系成立于2013年9月，是培养舞剧表演人才的专业系部，是国际舞蹈艺术教育界的新兴学科。舞剧系以系统培养具有编创能力的舞剧表演人才为核心，紧紧围绕舞蹈戏剧表演的艺术理念，开展有关舞剧专业的一系列教学、实践与研究。

舞剧系师资队伍由一批高专业水准、创新精神和较强专业实践能力的优秀中青年舞剧教师组成，他们具有丰富的舞剧表演艺术实践经验、较高的舞剧创作能力和一定深度的舞剧理论素养。

舞剧系主要教学层次目前为大学本科生，学制五年，戏剧表演各门类中的戏曲表演、话剧表演、舞剧表演等，构成舞剧系舞蹈戏剧学科的表演体系。主要教学工作由各舞种的专业教师、舞剧编导教师、舞剧理论教师以及其他戏剧表演门类的教师共同承担。其中，戏剧表演体系中的舞剧表演课程贯穿学生5年的学习期。

具体课程如下：主导课程为“舞剧剧目”。基础专业技术课程为：“芭蕾基础训练”“芭蕾双人舞技术”“中国古典舞（技术技巧、身韵和汉唐古典舞）”“中外民族民间舞”“现代舞技术”。

舞蹈戏剧表演体系中的其他两门课程分别为：戏曲表演、话剧表演。同时，辅助学习舞剧编导、舞剧编剧、舞剧音乐、舞剧人物化妆造型、流行舞等与舞剧相关的课程。

舞剧专业理论课程有：西方舞剧史、中国舞剧史、舞剧叙事研究及舞剧作品表演赏析、班尼士舞谱等。包括舞蹈医疗、书法及舞台美术等知识领域的摄取。实践课程包括：毕业论文、毕业创作和毕业实习演出。