论主体情感在美术创作中的重要性

①艺术创作与情感的关系——感人心者，莫先乎情

古今中外的艺术家们，都十分看重情感的作用和地位。罗丹说：“艺术即感情”。列夫·托尔斯泰在《论艺术》中说：“人们用语言互相传达思想，而人们用艺术互相传达感情。”符号论美学的代表人苏珊·朗格认为：“艺术是人类情感的符号形式的创造。” 毕加索曾说：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些情感一致的艺术形式。”在毕加索的艺术创作中，情感的变化使他在他的艺术创作出现了不同的时期，早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“立体主义时期”、后来的“超现实主义时期”等，都与他的个人情感密不可分。《格尔尼卡》就是他在听到德国法西斯的飞机对西班牙小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸的消息后，愤怒之情溢于言表的情况下挥笔创作出来的，在支离破碎的黑白灰色块中，散发着无尽的阴郁、恐惧，折射出画家对人类苦难的强大悲悯。画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体，号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救，断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹……这是对法西斯暴行的无声控诉。

1824年5月7日，在维也纳举行《第九交响乐》的第一次演奏会，获得空前的成功。情况之热烈，几乎含有暴动的性质。当贝多芬出场时，受到群众5次鼓掌的欢迎；在此讲究礼节的国家，对皇族的出场，习惯也只用3次的鼓掌礼。因此警察不得不出面干涉。许多人哭起来，贝多芬再终场以后感动得晕去。贝多芬曾大声疾呼：“我要扼住命运的咽喉，它不能使我完全屈服。牺牲，永远把一切人生的愚昧为你的艺术去牺牲！艺术，这是高于一切的上帝。” 唐孟郊《登科后》诗：“昔日龌龊不足夸；今朝放荡思无涯。春风得意马蹄疾，一日看尽长安花。”孟郊四十六岁那年进士及第，他自以为从此可以别开新生面，风云际会，龙腾虎跃一番了。满心按捺不住得意欣喜之情，便化成了这首别具一格的小诗。当然这种情感也与艺术家的人生观、立场、境遇有直接关系。如南唐后主李煜亡国后创作的饱含着浓厚的伤感情绪的词作，表现的是一个亡国之君，寄人篱下、终日以泪洗面的可怜虫的个人情感；而岳飞一曲《满红红》抒发的是民族大义。其“壮志饥餐胡虏肉，笑谈渴饮匈奴血”是何等的气魄，与李煜的悲悲切切形成鲜明的对比。 再如，明代戏曲家汤显祖再创作《牡丹亭》时，当写到杜丽娘因情感梦，因梦而病，相思病危之际，禁不住泪如泉涌，独自躲进一间堆柴的屋子里哭泣。法国小说家福楼拜在写到《包法利夫人》[包法利夫人注解；它讲述的是一个受过贵族化教育的农家女爱玛的故事。她瞧不起当乡镇医生的丈夫包法利，梦想着传奇式的爱情。可是她的两度偷情非但没有给她带来幸福，却使她自己成为高利贷者盘剥的对象。最后她积债如山，走投无路，只好服毒自尽。]中的女主角包法利夫人自杀时，禁不住失声痛哭。有人问他怎么了，他说：“我的包法利夫人死了。”

②艺术接受与情感的关系——以情感人

以情感人的方式，是艺术教育与其他教育之间最鲜明的区别。 艺术的教育作用决不是干巴巴的道德说教，更不是板着面孔的道德训诫，而是以情感人、以情动人，通过艺术强烈的感染性，使欣赏者自觉自愿地受到教育。

1876年，托尔斯泰听了柴科夫斯基的《D大调弦乐四重奏》的第二乐章，即《如歌的行板》后，感动得流下了眼泪，托尔斯泰说在这首乐曲中，“我已经接触到忍受苦难人民的灵魂深处”。 福楼拜在短篇小说《一颗纯朴的心》中，细致地刻画了一个当女仆的乡下姑娘纯朴的心灵，描绘了她平凡而又惨淡的一生，表现了作家对下层劳动者的深切同情。同样有着丰富的下层劳动者生活体验的高尔基，被作品中人物的命运深深打动，从而产生了感同身受的强烈情感共鸣。 歌德的《少年维特之烦恼》[ 少年维特之烦恼注解；维特是个富有市民的儿子，才华出众。一年春天，他避居到城郊，在与纯朴的农民和天真的儿童的交往中，他感到心情舒畅。不久一次乡村舞会上，他结识了聪明俏丽的绿蒂姑娘。绿蒂是一位法官的长女，由于母亲早逝，担负起照顾全家的责任，绿蒂的音容美貌和体态举止都令维特神魂颠倒。绿蒂虽已订婚，却对维特非常倾心。此后，维特常沉浸在幸福之中，但绿蒂未婚夫的归来，却叫维特烦恼失望。为了摆脱这种心境，他离开了绿蒂，到一个公使馆当了秘书。不久，终因不堪忍受官场的庸俗丑陋，愤而辞职。他想从军，又得不到旁人的理解。在现实生活中，他感到才华无法施展，理想难以实现。时隔一年，他又回到绿蒂身边，而此时，绿蒂已为人妻，过着幸福美满的生活，为避人言，绿蒂不得不疏远维特。绿蒂的态度使维特失去了生活信念，他给绿蒂留下了一封信，便开枪自杀了。这部小说描写了作者个人的感受，反应“狂飙突进”时代资产阶级知识青年的迷惑、苦闷的思想和生活状态，出版后青年中引起强烈共鸣，成为德国文学中第一部具有国际影响的作品。]

　一、对美术欣赏的认识　　美术欣赏，是欣赏者对美术作品进行知觉、感受、体会和解释、评价的复杂的心理活动过程，其中既有感性的直观体验，又有理性的逻辑思维。在欣赏过程中，欣赏者的欣赏能力和知识素养往往直接影响到欣赏活动的质量，而掌握美术理论知识能有效的提高欣赏质量。　　美术欣赏是审美活动的主要方式之一，也是美术实现它的社会功能的重要环节。欣赏是一种感情与认识、感受与理解相统一的精神活动。任何美术作品都是由内容和形式这两个方面所构成的完整统一体，它们相互融合，密不可分，内容是形式的精神内涵，形式是内容的物质外观。从美术创作说，内容是第一性的，形式是第二性的。但是，美术欣赏的方法和渠道则是从外部形式美的感受开始，由表及里地从现象到本质，逐步体察到形象的深层。　　美术欣赏课是向学生增强爱国主义精神，陶冶高尚的情操，培养良好的思想品德，提高学生的观察能力审美能力和创造能力的积极手段。　　二、学生现状分析　　由于各地的教育资源分布不均匀和应试教育的影响，大部分的学生平时缺少对美术的专门训练和引导，尤其是来自贫困地区的学生。据我的调查和了解，有些学生在进入大学之前，几乎没有怎么上过美术课。由于接触少，学生们对美术知识缺乏应有的了解，美术基础薄弱。许多人甚至认为，自己根本就不是学美术的料，对于学好美术根本没有信心，更谈不上有多大的兴趣。特别是当学生面对一件作品时，学生总是用世俗的“像不像”、“画的是什么”等审美态度。对于写实风格的作品，学生产生认同感后，或迷恋于写实的技巧，逼真的形象，或希望了解画中的内容，情节而不是进入真正的欣赏。若面对表现性，写意性风格的作品，与学生的审美经验就有一定的距离，从而既有新奇感，又与原审美心理有抵触的矛盾状态。这些变形怪异的造型，强而冲突的色彩，大刀阔斧的笔触等都不能引起学生真正的审美反应，而面对抽象风格的作品时学生会因看不到任何与原有经验相联系的形象而产生茫然排斥之感。　　三、几种欣赏教学利弊　　1以美术家的介绍代替美术作品欣赏　　以美术家的介绍代替美术作品欣赏，这样，学生听得津津有味，但却未涉及到具体的“欣赏”，有时美术家的事迹是很重要的，但必须与作品风格与美术家的个性品质有机地结合起来。　　2以作品的社会影响代替美术作品欣赏　　一些著名的作品产生于某一特定的历史时期，对社会产生过一定的影响，这些作品成为举世杰作是由于它的艺术价值与社会价值的完美统一，而某些教师忽视作品的审美价值而大谈作品的历史影响就不算完全进入美术欣赏领域。　　四、美术欣赏课教师注意事项　　1教师是沟通学生与美术作品之间的桥梁。任务是引导学生去观察、分析提供资料，使学生从感性认识上升到理性阶段。　　2要引发学生对美术作品的情感，感情色彩会影响学生的情感、通过讨论引发出学生自己的真实情感，从而产生真切的审美体验。　　3尊重学生对作品的看法，学生对美术作品必然见智见仁，会产生各种看法或不同的评价，由于学生经验能力所限，看法也许是幼稚或不全面，但只要他们是认真的，真实的感受，教师就应给予尊重和认可。　　五、如何进行美术欣赏　　1美术欣赏要注重作品的文化情境　　“因为任何美术作品都不是孤立的，都是在一定的文化环境中创造出来的，艺术家在创作艺术作品时，不可避免地受到所处环境的影响，所谓文化情境，实际上指的是一件美术作品被创作出来时，所依托的文化环境、条件及其特征。” 因此，在美术欣赏教学时，不能单讲技法，要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。那么具体怎么做呢？　　为了帮助学生更好地理解作品的内涵, 需要了解作品产生的时代背景和相关的历史与故事。如欣赏拉斐尔的《雅典学院》时，就有必要介绍有关“文艺复兴运动”的历史以及“人文主义精神”。欣赏达维特的《荷加斯兄弟之誓》时，可适当讲述罗马的历史传说一一荷加斯家族和库里茨亚人的姻亲关系。欣赏达·芬奇的《最后的晚餐》就不能光从构图、色彩等方面来欣赏，需要教师介绍画中所表达的事件，作品的题材来自圣经中关于耶稣被犹大出卖的传说，画家描绘了耶稣殉难之前，跟他的十二个门徒共进最后一次晚餐的情景，当耶稣说了“你们当中有一个人出卖了我”后，十二个门徒表现出了不同的神情和性格特征，作品的主题是歌颂耶稣的伟大人格，也鞭挞了叛徒的苟且偷生，出卖灵魂的丑恶嘴脸，充分体现了画家的爱和憎。通过对《最后的晚餐》情节的介绍和对作

绘本中的艺术美——8种艺术风格绘本赏析（94）每一本优秀的绘本都是来自世界各地的知名画家精心制作而成的作品。阅读绘本时，可以培养儿童深层次的审美情感和审美创造力。每种艺术风格都有鲜明的特点，绘本也不例外，我们一起来欣赏绘本中的八种艺术风格。1、抽象派抽象派艺术是非具象的，抽象艺术注重物体内在形式和外在品质。抽象派艺术家们不会拘泥直接的艺术表达，往往会夸大或简化事物的形式。强调情绪和感觉的表达，如泰拉·葛拦罕·金恩的《敌人派》。2、卡通风格卡通风格的绘画人物都有些呆呆萌萌的，插画家并不想让他的绘画作品表现得逼真和写实。许多卡通画家都有自己的风格，而且很容易识别出来。比如汤米·狄波拉就喜欢用黑色圆点代表人物的眼睛，人物的身体大多矮小粗短。凯文·亨克斯喜欢在他的卡通画种添加小插图等等。类似卡通风格的图画书还有汤米·狄波拉的《巫婆奶奶》、喜多村惠的《小猫布兹爆笑故事集》等等。3、表现主义表现主义的绘画是由20世纪的艺术家们兴起的，这种绘画的特点是能够很好地表现出图画书故事的主题和情感。表现主义重在表现情感，但绘画的线条和人物面部表情往往被夸大和扭曲，这是画家为了达到烘托情绪的效果。比如克里斯·范·奥尔斯伯格的《勇敢者的游戏2》、保罗·欧·泽林斯基的《风铃草姑娘》。4、印象派印象派的绘画风格是由19世纪的法国画家们兴起的，这种风格特别注重光的运用。印象派的艺术家运用颜料创造出光线支离破碎或反射的效果，力图表现对生活的感受和印象，并不对现实做详尽的描绘。明亮的色彩和温柔的笔触通常是印象主义绘画的显著特点。在《狼婆婆》中，插画家杨志成用光和影的互动创造出画面的平衡感，他把狼画在黑暗的阴影中，而狼的眼睛却闪闪发亮，这一设计暗示出人类对于黑暗的恐惧。5、民俗风格民俗风格所表现的是人类世代传承的信仰，反映出一个民族的信仰、价值观和文化习俗。能给读者强烈的地域感。艺术家们需要花很多时间和精力研究一个地方的民族服装、民族心理和民族精神，之后才能创作出具有地域气息和手工效果的插画。如：保罗·戈布尔的《野马之歌》。6、素朴主义素朴主义风格是充满童趣的，它都是平面的布局和二维的画面、比较容易识别和解读，这类绘画有细节处理，但不会有细致的描绘。采用这种画法的插画家通常没有接受过专业的绘画训练。比如薇拉·B威廉斯的《妈妈的红沙发》。7、浪漫主义浪漫主义并不算是图画书中常见的风格，但插画家有时也会使用。这种风格常用大胆的颜色和梦幻的构图烘托华丽的气氛。在《灰姑娘》中，插画家KY克拉夫特使用了丰富的色彩营造出奢华富贵的效果，体现了灰姑娘从贫穷苦难到奢华美艳的华丽转身。浪漫主义的画风最适合于童话故事和民间传说。还有像KY克拉夫特的《睡美人》。8、超现实主义超现实主义的绘画富有想象力，强调梦幻与现实统一，特点是丰富而细腻的细节、天马行空的构思和离奇荒诞的图像。超现实主义绘画作品中的人物或物体经常是扭曲的，如同梦幻一般。比如安东尼·布朗、大卫·威斯纳都是以超现实主义的画风而蛮生童书出版界，如大卫·威斯纳的《三只小猪》。插画的7种风格特点-扁平、流行、常用的风格、简洁明了扁平插画简单来讲就是把复杂的关系简约化，让画面更加清爽整洁，也是现在比较常用的风格了，很多商务工具类的APP会选择使用这种风格。比如说拉勾、钉钉特点-扁平插画的变种、增加颗粒感、有质感、光影关系好肌理插画顾名思义就是给插画加上了些肌理质感（比如杂色）和光感，本质也和扁平插画差不多，一些想体现质感的页面会用到这种风格。以下是一些设计师的作品。特点-美术功底要求最高、应用广、展现内容丰富。手绘风格的插画运用的也比较广，常见的有一些插画绘本，故事场景设计等。下面这些是摘自插画师-顾心的作品。特点-简洁、圆润、可爱、断点MBE插画（dribbble的一位设计师创作了这种风格），它主要的特点就是圆润、可爱、呆萌、简洁。在APP中的引导页、启动页和缺省页运用也比较广泛。特点-唯美、颜色的采取近似色、颜色明亮鲜艳。渐变插画有点类似日本漫画场景的感觉，风格特别唯美浪漫。光感比较强，所以也称为微光插画。颜色一般采用相近色，颜色种类不要太多。特点-25d插画、立体感强、视觉冲击强。立体插画也称为25D插画，也就是在二维的空间里表现三维的事物。所以现在越来越多的设计师去学习C4D这个软件，虽然AI和PS也能做，但会麻烦一些。很多电商类的APP会选择使用这种风格。比如说京东特点-形状、描边、抽象画处理描边插画除了运用形状，还在它的外轮廓都运用了描边，可以很清晰的表达抽象事物。经常运用在一些图标icon上，比如闲鱼、转转绘本风格有哪几种绘本风格有装饰性，线描，油画型。其中有水粉、水彩、丙烯、蜡笔等多种形式。以线为主，各种绘画笔直接勾线。色彩平涂，生动自然。笔触、色彩都不能少，同时结合肌理，效果惊艳。赏心悦目。“绘本不仅是讲故事，学知识，而且可以全面帮助孩子建构精神，培养多元智能。”一本优秀的绘本对孩子的影响是多方面的。阅读优秀绘本，从中学习书面表达的技巧，是一种非常有趣有效的方式。小学帮经过一年多的调研，集各地一线教师意见，针对小学第一学段推出绘本作文系列课程。课程针对小学一年级和二年级设计，分别选取世界知名的绘本进行学习，并结合相应的作文知识点，合理融入表演、讨论、角色朗读等课堂环节，让孩子在快乐中学习绘本、学习作文的方法与技巧。

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。

绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。

中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。 表现形式可多了。但凡一切能够表现出造型的材料工具等。按画种不同可分为：钢笔画。蜡笔画；水粉；水彩；炳稀画；油画；蛋彩画；漫画；石板画。板画。等等

油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界

文森特·凡高的绘画是以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情又不失引人深思的象征内涵而为人们熟知的。凡高开始其艺术生涯的年代正是西方绘画艺术在诸多层面都发生根本性变革的年代，而色彩的解放就是其中最明显且极具本质影响的变革之一。印象主义画派受西方现代光学发展的影响和启发，主张室外作画，注重外光分析，追求瞬间光色印象的表现，把文艺复兴以来的静态的色彩再现转变为动态的色彩再现。而凡高从印象主义出发，并超越印象主义，将这种动态的色彩再现发展到由主观体验所控制的感情色彩的表现，从而成为现代绘画色彩全面解放过程中的不可或缺的环节和有着重要的影响及意义。

一、凡高绘画中的色彩语言的形成

凡高油画作品中的这种强烈的情感色彩也并不是在他刚开始其艺术生涯时就具备的，他对于自身这种感情色彩本质的觉醒也经历了一个漫长的过程。它的形成首先是与凡高那苦难的人生经历、独特的性格密切联系在一起的。

凡高1853年出生于荷兰的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。

凡高在学画的初期，感受到德拉克罗瓦绘画的“头脑里的太阳和心中的风暴”的强大震动和滋养，他也分外敬重米勒，他朴素而充满强烈的宗教意味和道德意识的绘画艺术，引起了凡高的强烈的感情共鸣。在他学画的早期就大量临摹了米勒的印刷品。虽然后来的艺术风格已经与米勒大异其趣，但他仍然梦想着画一件像米勒一样深深触动人们心灵的作品。《食土豆的人》是他早期的代表作品，在画中表达了自己对跟他一样生活在苦难之中的农民的同情和尊敬。在绘画表现上重视农民形体和姿态的塑造、环境氛围的营造，以粗犷的笔触，浓重的色彩去填充他的画稿。颜色由于反复涂抹，显得厚重混浊，缺乏透明度。

很明显，这一时期光和色彩并不是他关注的重点，它所追求的这种“真实”也并不是学院式的视觉再现的真实，而是一种他的主观感受的真实。就像在给他弟弟泰奥的信中所说：“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，你应该明白，我不愿意他们是学院式的准确……这些话告诉我们，凡高的绘画从一开始就有着非常强烈的主观表达的意识，这种主观感情的表达并不是通过色彩来实现的，但这种情感倾向使他得以牢牢把握住自己以后的发展方向。

不可否认，凡高作品中这种强烈的情感色彩表达的形成得益于印象主义画派的色彩理论和实践，但是值得注意的是，凡高在荷兰期间——即在正式接触印象主义画派之前——就已经（即使仅仅是在直觉上）认识到色彩解放的可能性。“色彩自身就能表达某种东西”，这是1885年，也就是他创作《食土豆的人》的这一年，他在他所居住的荷兰小村期间所写下的。

1886年是凡高绘画艺术的一个转折点。这一年，他来到法国巴黎，被印象主义画风中的那种明亮且极具动感的色彩所吸引。在印象主义绘画光色理论和实践的启发之下，他逐渐改变了他的色彩感觉方式，由以前的那种传统的静态的色彩感觉方式转变为印象主义画派的动态的色彩感觉方式。色彩感觉方式的改变，大大地改变了他的绘画作品的面貌。他兴奋地说：“……法国的社会指导着我的思想，显得这么有益，非常有益，也有益于全世界。”他抛弃了荷兰时期的那种灰褐色调子，画面色彩开始变地鲜亮起来。原来画面中一直保持着的黑色不见了，也没有了灰色和褐色，画面所呈现出来的是印象派并置笔触的红黄蓝三个原色和由他们混合而成的绿色、紫色、橙色，特别注重色彩中的补色关系。

凡高从印象主义绘画中吸取自己所需要的营养，但是他从来都没有像印象主义画家那样完全沉溺于光与色的表现之中。就像我们前面所讲的，凡高是一个有着强烈的主观表达意识的艺术家，他的绘画不是为了再现视觉的真实，而要表现他对事物的真实的感受和自己的感情。这种强烈的自我表现的愿望和他心中所蕴藏的那股强烈的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的那种灰色调子，也注定他会迅速远离印象派。凡高几乎在接受印象派的同时就已经开始对印象派的绘画理论产生质疑。他们在实现视觉的真实，追逐光与色的过程中往往忽视了感情的表达，这与凡高那充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的强烈，而还有蕴涵在视觉因素之中的情感体验的深刻。在他给泰奥的信中曾明确提到这一点：“我在巴黎所学到的东西现在离开了我。我恢复了在我知道印象派之前我曾有过的理想，如果印象派画家不久就指责我的创作方法的话，我不会感到惊讶。因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克罗瓦的思想。因为我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自由而随意地使用色彩，是为了更有力地表现自我。”凡高不再满足于像一个印象主义者那样仅仅去表现自己的感觉色彩，而是将色彩看作是非自然主义的表现因素的直接工具，看作是精神领域（诉说人类命运的真相）的预言者，试图在色彩和感情之间找到一种契合的方式。

凡高通过各种色彩实验来研究色彩强度增加和减弱的自然规律，但是他的目的并不在于这些研究和实验本身，而是为了挖掘色彩自身所具有的那种强大的表现力。他对他的这种探索的前景充满了希望，在给他弟弟的信中说到：“我相信，一个新的色彩家画派将会在南方扎根，我越来越感到北方画家们只是把他们的理想寄托在用笔功夫和所谓的绘画性上，而不是依赖色彩本身来表达事物。”的确如他所说的那样，一种新的和感情紧密结合着的色彩表现形式开始出现在他绘画作品当中。他于这个时期所创作的《向日葵》、《夜间咖啡馆》以及众多的肖像作品中，可以明显地看到这种强烈的情感色彩的存在。凡高从自然物象中抽取颜色，然后通过色彩的对比或交融，来增强色彩的精神性，使颜料和深藏于心的真实感情达到了直接的重合。这不只是一个如何使用色彩的技巧问题，而是色彩观念从物到人的色彩本质的一种深刻变化。

二、凡高情感色彩语言的表现

从印象主义到后印象主义，凡高发展了一种有着清晰运动感的线条和强烈色彩的绘画表现形式，形成了自己的独特的情感色彩语言。因为，不论是古典主义对色彩的静态观念（固有色），还是印象派对色彩的动态观念（条件色）的认知，都只是把色彩作为观察的结果来表现，有意无意中阻隔了心与物的直接通联，而凡高则把动态的色彩观念引向观察过程本身的表现，这样，他就在绘画中真正引入了心灵世界的直接表达。

凡高绘画作品中的色彩具有明显的象征性倾向，这是他的情感色彩语言的特殊性之一，也是他与印象主义画家在色彩运用上的本质区别。色彩在印象主义者那里多半还只是一种物性表面的光色存在，只是对客观世界的光色变化进行“准确”描绘的手段。他们看重的仍然是色彩视觉的真实，并不关注色彩所具有的情感及象征意义。而凡高由于强烈的主观表达意识的介入，往往使色彩具有某种暗示性的力量。凡高对于色彩的暗示性力量有着浓厚的兴趣，在这方面他可能是受到了德拉克罗瓦有关色彩理论和实践的影响，他说：“我不知道在我之前是否有人谈过示意性的色彩，德拉克罗瓦和蒙蒂切里虽未谈及过，却实践过。”

凡高对于色彩的这种暗示性力量的运用，突出地体现在他的那幅《夜间咖啡馆》中，他说：“我在《夜间咖啡馆》里用红色和绿色表现人类的可怕的情调。这些色彩，不是呆板的按照现实主义立场的字句来说，是眼睛的欺骗者；而是一富暗示性的色彩，他表现出人们火热的情绪活动。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索。能有如此震撼人心的力量，一方面是熟练地应用了透视技法，但更主要的是由于画面中的极具暗示性、精神性的色彩关系的组织运用。凡高的创作始终是以一种感情上的“现实主义”为目标，是一种感情的集结和疏导，由此而产生的情感色彩形式往往显得更为单纯和强烈，因此具有更强烈的情感影响力。

笔触和色彩的密切结合是凡高情感色彩语言的另一主要特色，他将印象派的色点发展成色线，他的这种色线不再仅仅服务于形体，它本身就是画家的感情的一种直接的表现。他画面中的无处不在的跳跃的、疯狂转动的笔触和着那饱含感情的色彩，暴风雨般地铺陈在画布上，形成一种强大的精神和视觉冲击。

三、凡高的色彩表现对现代绘画的影响及意义

从历史的角度来讲，凡高的作品中包含着深刻的悲剧意识、其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的表述，而是蕴涵在视觉因素之中的深刻情感体验、表现，以求达到实实在在的真实。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。

综上所述，凡高及后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，建立了自己独特的审美原则，引发了两大现代主义艺术潮流萌芽，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。

同时凡高也以自己的艺术实践，向后来的画家展示了色彩自身所具有的强大的精神表现力，为他们的进一步的探索指明了方向。以马蒂斯为代表的法国野兽派画家以及德国的表现主义画家在绘画中更加全面地展开了对色彩的情感本质力量追求，从而实现了现代情感色彩本质的全面解放。

、视觉艺术与美术作品

视觉艺术是一种传达信息的“语言”，和我们日常使用的口头语言及书面文字一样有着自身的结构和规则。这就要求我们通过自己的视觉来理解与领会艺术作品所传达的信息和意蕴，要在一定程度上来认识与感受艺术作品所传达的视觉形象语言。通常，艺术家在传统的视觉艺术形式下，采用娴熟的技法将大自然中被认为美的人和物描绘下来。视觉语言是由视觉基本元素租设计原则这两部分组成的一套传达意义的规范与符号系统，视觉基本元素基本上有：质感与空间、线条与形状、明暗与色彩，等等，这些是组成一件美术作品的基本。视觉设计原则有：布局和对比、节奏和平衡，等等，这些是艺术家们用来组织与运用视觉基本元素进行艺术作品表达的原则和方法。所以，艺术家们会根据需要，运用相应的素材以及表现形式，采用相应的原则和方法，从而形成一件能够表达一定内容的艺术作品。美术也是视觉艺术的一种表达形式，它也是采用视觉语言来表达艺术家感情的艺术。所以，欣赏美术作品是欣赏者通过视觉对于美术作品的外在表现形式、美术作品的感情内涵的认识过程，以及自己的内心情感与作品中所要表达的感情进行融合的过程。因此，无论是对一般的民众，还是对艺术家来说，运用视觉的心理感受来对美术作品进行欣赏，是一种不错的感情体验。所以，艺术家在创作美术作品的时候，如果只是注重展示表现手法、物质材料和作品结构等方面，而没有内在感情投人的话，那么他的美术作品就不能给予欣赏者视觉上的感受。一位有经验的英国美术教育家曾告诫说：“除非你也有过达芬奇画《蒙娜丽莎》时激动的感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏她。”L2美术是艺术家用来表达内心感情的艺术，在美术作品中蕴含着多彩且丰富的情感内涵，因此，当欣赏者在欣赏美术作品时的视觉心理感受与其内在蕴含的感情有交集的时候，才能称之为真正的美术欣赏。

　　以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张，人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩，转而强调抒发作者的自我感受，主观感情和情绪。在艺术表现上，“后印象派”重视形、色、体积的构成关系，强调艺术形象要异于生活的物象，要用作者的主观感情去改造客观物象，要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但不追求外光，侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。 塞尚（1839～1906），是后印象派的重要画家，现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派，并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析，为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索，确立了自己的艺术方法和风格。

　　塞尚经过长期的观察和实践，提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说，主要不是平面而是深度，要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感，作品中景物无论远近，没有模糊朦胧的地方，十分清新明快，同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的，而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积，颜色关系代替了明暗关系，他是在用颜色造型。我们知道，困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系，塞尚则成功地克服了这一困难。 塞尚的作品，大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感，忽略了物体的质感及造型的准确与否，着重强调厚重、沉稳的体积感，物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实，而是寻求诸种关系的和谐。塞尚经过长期的观察和实践，提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说，主要不是平面而是深度，要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感，作品中景物无论远近，没有模糊朦胧的地方，十分清新明快，同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的，而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积，颜色关系代替了明暗关系，他是在用颜色造型。我们知道，困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系，塞尚则成功地克服了这一困难。 塞尚的作品，大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感，忽略了物体的质感及造型的准确与否，着重强调厚重、沉稳的体积感，物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实，而是寻求诸种关系的和谐。塞尚这种对体积感和空间感的强调，对色彩的巧妙安排和运用，对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等，这些追求形式美感的艺术方法，对后来现代流派有着十分重大的影响。所以，塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。 塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。

　　凡·高（1853～1890），是后印象派的重要画家，荷兰人，家庭生活贫困，年轻时曾干过许多职业，如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时，他才开始绘画艺术的生涯。由于他有过丰富的生活体验，同劳动人民有着深厚感情，所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法，描写乡村景色和人们的劳动生活，在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年，凡·高来到巴黎，被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引，并开始改变原有的画法，以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来，多使用鲜艳和火辣辣的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把所描绘的对象，当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介，以表达他的主观感受和激情。他把印象派的艺术方法，尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法，发展到更加独立于传统之外的地步。凡·高的艺术在他生前是不为世人所承认的，但是后来，人们慢慢的理解和认识了他的艺术创造。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望，他尤其被后来发展起来的“野兽派”和“表现派”的画家们所接受，直至今天，凡·高仍然活在艺术世界中。凡·高的代表作品有：早期创作的作品《吃土豆的人》，后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。

　　高更（1848～1903），是后印象派的重要画家。他出生在巴黎，青年时当过船员、店员，后来他弃商从艺，把大部分时间投入在绘画的创作上。最初他是由印象派画家毕沙罗引导走向印象派绘画的道路。不久他便改变画风，开始创造一种更偏重艺术家主观幻想、更富于装饰意味的风格。他厌倦繁华而充满纷争的都市生活，向往着纯朴的自然和离群索居的生活方式。高更放弃富裕生活，离开巴黎，远涉重洋，来到太平洋中部赤道以南的热带岛屿——塔希提岛，开始探求他独恃的艺术风格，他一生中最主要的作品就是在这里完成的。在这里他找到了童年时代从母亲那接受的，对土著民族很深的感情。高更用极大的热情表现具有原始美的，未开发的热带大自然，表现远离文明喧扰的，简单纯朴的土著人的生活。他采用近于古代埃及美术中庄严、平稳、安宁而富有图案装饰风格的艺术手法，并追求简单、稚拙的粗线条结构形式。在色彩上，他从形式美感的要求出发，注重色块之间的布局和整体效果，以主观创造来加以安排，使色彩之间的关系简化，多使用较纯的色彩，追求一种跳跃性的或对比的谐和，表现出一种强烈的装饰感。高更主张艺术家不仅要表现客观自然，而且还要探求思想中神秘的内心，表现主观的东西，所以他同塞尚、凡·高一样启发了一批现代流派的画家。

　　建议你看一看西方美术史之类的书，应该有所帮助！

6种。

1、按工具材料和技法的不同，分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等主要画种。

2、依据描绘对象的不同，分为人物画、风景画、静物画等。

3、依据描绘题材内容的不同，分为肖像画、历史画、宗教画、风俗画、军事画、人体画。

4、按照所使用的材料、工具、技术可分为帛画、水墨画、壁画、油画、水彩画、版画、腊画、丙烯画、铅笔画、钢笔画、镶嵌画、素描等。

5、按题材的内容可分为人物画、风景画、山水画、花鸟画、动物画、静物画、历史画等。

6、按画面的形式、功能可分为单幅画、组画、连环画、主题性绘画、宣传画、装饰画、年画、漫画等。

绘画理论基础知识

绘画理论基础知识形体的点、线、面我们所描绘的物体都是立体的，而最基本的形体是立方体、球形、柱体与椎体。素描写生可从这四类形体出发，去研究主体构成的基本因素与形体塑造的关系。点表示位置，是形体塑造的标记，对于造型有着特定的数量意义。

绘画过程中所使用的工具与材料非常丰富，中国画需要使用笔、墨、纸、砚、贮水盂、胶和矾、乳钵等，油画与水粉画需要使用画箱、画架、画桌、画凳、画伞、画笔、画刀等多种工具，素描画需要石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等，也有用钻子和作画的。