唱歌如何唱出感情来？

唱歌前可以喝点水润润喉，接着先练声，然后把自己的感情注入在里面，根据这首歌的情感选择你所唱的方式，如这首歌是欢乐的，快乐的，就可以想一些快乐的事，使唱功更加提升，把每个字都处理好，用心去唱，不是故作姿态装模作样，用最真实的感觉唱出最美妙的心声，适当的用点假声，这样能才把歌唱好，还有多练习，必须有信心

就是你之前需要有一些类似的经历，然后选歌，再去闭关联系，那样唱出的歌曲就是自己的味道了

用心去唱，去体会，用心去感受歌曲!还要投入到音乐中!希望您满意我的回答!

唱歌时带有感情的方法如下：

首先要有了解歌曲的内涵，也就是歌曲所要表达的思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。

拿到一首歌曲，先将歌词反复朗诵几遍，以便从中了解演唱者所处的时代背景、特定环境和思想感情。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。不少学唱的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，这样的学唱是唱不出感情来的。

其次要尽量去启发音乐的 想象力 ，演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象，在自己的头脑中化为一幅幅活动画面，把自己化为作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。

如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么你在表达时就会很真实和生动。

我们应该随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，这样就可以更深的了解歌曲的内涵。

另外，对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱飘逸在风中”“，树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上;又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。

总之，我们要擅于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。而这一切声音的“库存”都来自于我们对大自然，对人类情感的细腻通透的感受力。倘若失去这些感受，那么很遗憾，唱不好歌曲的。

我们知道，歌唱属于听觉艺术。真正懂得歌唱的人，一定不仅仅是在唱歌中学习唱歌。除了感受自然与生活，也需要多阅读文学作品，欣赏美术作品，尽可能开启自己身上所有的感官，充分的调动自己的感受力。

最后，我们唱歌的时候要丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满激情而又放松自如的状态进入演唱，要知道，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。歌唱艺术应该是“声情并茂”。

曲的演绎是需要很多

第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。

第二是情感。这需要手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首。过分注重声音的原因，是因为手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎曲的感染力会更强。

第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行曲需要流行曲的感受，民需要民的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！手的感受不同，演唱曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

第五是素质。这就是业余手和专业手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余手有很多不比专业手差。差距就在素质。你知道自己唱时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业手也不全面，但我个人认为，如果要做专业手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。

理解词

在学一首新之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国。

在你深刻理解曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个的长音会拖得很饱满……

话和唱，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。

演唱国语，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。

关于粤语，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。

气息

说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。

声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。

另外我还要提到的是肺活量，手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了

这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。

关于流行曲的用嗓，我的观点是只要符合曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲着马步打的吗？

有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合

高音

这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给曲的部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力

唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。

找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。

找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。

找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效

歌唱，就是用声音来艺术性的表达人类感情。在人与人的情感交流传递过程中，运用歌唱技术的各种技巧，产生与内容相符的声音，以声音的变化为媒介和手段，传达美和情感，这是声乐的真正意义。

在声音和情感之间，作品是一座艺术的桥梁，尽管我们有丰富的情感，有美丽的声音，但是要借助具体的作品来体现。在歌唱的初级阶段，一方面，基本功的训练，一定要结合声乐作品的演唱来巩固和提高，另一方面，借助声乐作品，学习歌唱情感的表现手法，按照所掌握的歌唱技术，可以力所能及地对所唱的歌曲给予一定的表达。随着时代发展，声乐领域内的各种演唱风格绚丽多彩，声乐界的民族、美声、流行三种唱法，三足鼎立，各自展现着歌唱的艺术特色、精神风貌和音乐风格。无论是什么唱法，我们的任务先是感染自己，然后再去感染别人，不管是对谁，我们总是希望能用自己的歌声感动她，这里当然包括漂亮的声音。但是，要想用歌声感动别人，只有漂亮的嗓音是远远不够的。对于歌曲的情感表达除了要有自己内心的感动外，还需要一定的表现手法，进行必要的表达训练。

1运用气息发声与气息控制法。

2打开喉咙，稳定喉头。

3正确的发声与咬字、吐字相结合。

4保持正确的歌唱姿势。

5摒除一切杂念，稳定情绪，保持良好的心理状态和歌唱欲望，充满信心、放松自如地进入歌唱状态。

唱歌有的时候就是一种情感的释放，为什么说很多人压力大的时候喜欢唱歌？因为唱歌，可以释放压力，可以释放你紧张的情绪。当你悲伤的时候，把这种情感唱出来，整个人就会感觉没有那么悲伤了。所以当我们唱歌的时候，如果是唱悲伤的歌曲，那我们就尽量想一想，我们在悲伤的时候，心里是什么样的感受？如果你没有这种悲伤的体验，那么你就要正确的去理解歌词，如果歌词里面说的是一个人被所爱的人抛弃了的话，那么你就要带入到这个人的情感生活中去想象一下，这个人被人抛弃之后的心理活动是什么？想象她那个时候的心情是怎么样的悲伤，就用这种感情去唱歌就对了。

1练气息   气息是歌唱声音的支撑 嗨C不是每个人都可以上 但是气息是最基本的 在天赋的条件允许下带上气息 真假声转换 高音就自然解决了

2乐感既节奏  培养乐感就要先学会节奏 节拍 节奏的实质是什么 节拍怎么打 一段音乐里面什么是强 什么是弱 什么是渲染 什么是主题 都是通过节奏节拍来表现 所以要掌握节奏节拍就好好学学视唱练耳 很重要!

3感觉既歌唱情感   3和6其实是同一个意思 有了感觉自然不会空洞无味 歌唱的情感 即是歌唱的灵魂 它是个很复杂很深奥的问题 它首先要求歌唱者要有很强很扎实的演唱功底 再来 它要求歌唱者的文化修养 内涵要高 最后 具备了前2点后 怎样表现感情就是最后一步了 它要求歌唱者 全神贯注 声情并茂 好好理解歌词大意 适当运用自己的歌唱技巧 全身心的演唱投入 唱出来的歌自然就有了灵魂!

4韵  音准可以通过视唱练耳来练习 咬字就要先练好普通话 字正腔圆 把每个音归上它的韵 a e i o u

5练声  通过音阶练习 带上气息 歌唱是抽象的东西 只有刻苦 才能抓住它的精髓 掌握它 驾御它

在声乐演唱中的表现

摘

要：声乐是音乐艺术的一种，它从一个较高的音乐审美角度来表现声音。它不是简单的机械的发声过程，而是通过情感情绪的变化来表现声音的，所以大家听到的众多的声乐作品让人感觉美不胜收，正因为人类是有感情的高级生物：情感左右声音的变化，声音又是情感的体现，才让人有美的感受，才让人们从情感的角度去对声乐演唱进行审美。这是声乐演唱的意义所在。

关键词：情感；声乐；歌唱艺术；音乐审美

古语云：“情之所至，音之所生”，表明了任何发声过程都是情感的体现，声发声过程也不例外。声乐是音乐艺术的一种，是一门综合艺术，它集生理学、物理学、心理学、音响学、哲学等学科元素于一体，利用声学上的各种技能和技巧，最终反映人的思想活动和精神面貌。它通过歌唱来传达思想感情，又被思想感情作用而生，必须在人们自身的生理基础上，通过正规、系统的训练，甚至达到一定高难度或者近乎残酷的训练手段和训练水平才能完整地抒发其情感。例如，在国外有一些歌唱家为了达到声音和音色上的要求而忍痛自宫，成为曾经盛极一时的阉人歌手。这对人的身体和心理都会造成相当大的伤害，所以现代音乐界废止了这种残酷的做法。

声乐要求声音自身包含艺术上的美，但仅仅是声音上的美不足以代表声乐中需要表达的全部艺术含义。在课堂上，老师往往为了追求发声和气息的准确而忽视了艺术表现和审美的需要，让学生总局限于声乐技巧之中不能自拔，所以我们应该从一个更高的审美角度来理解和表现声音，以情感以及情绪变化为基础，将最美的声音用最自然的方式表达出来，最终使听众产生共鸣。声音因情而生，情又为声音所表达，这就是声乐演唱的真实意义所在。

艺术以情感交流为目的，因此这就需要思想情感的表达和接受要互相一致，至少也应该建立在相互接近的思想感情基础之上，才能够达到彼此之间的理解和感动，才能够发出没有任何矫揉造作之感的自然的情感流露的声音。我们现实中有很多反面例子，例如笔者初学演唱，过分追求歌唱的技术，忽略了情感的作用，致使每唱一歌，都让人感觉歌不达意，矫揉造作的丑态让人忍俊不禁。所以声乐艺术表现力的强弱取决于能否准确把握并且恰当表现出人们各种层次的共同的相通的情感思想。成语“对牛弹琴”指的就是思想感情基础不一致的结果。因此，我们必须熟练地运用技能技巧，但不是死板地照抄照搬的技能技巧，要通过对情感的适时调节，来处理声音方面的东西，再由声音恰如其分地表现出内心的情感，从而全身心地投入到艺术表现中去。

在声乐教学过程中，尽管科学的歌唱使声音本身的艺术性丰富起来，很大程度满足了我们的审美意识和追求，让人类的美的艺术价值得到比较好的体现，但歌唱情感表现的内涵以及由此产生的审美经验是更重要的。单纯技术发声是一种很机械的运动而已，没有达到心神合一、形神兼备的艺术审美需求，所以不带情感而过分注重的发声和歌唱也达不到我们的艺术审美需求。例如我们站在楼下呼喊楼上的人，声音也是要表达一种情感的，事情紧迫呼喊之声自然随之让人感觉紧迫起来，事情不紧迫自然声音也给人感觉不紧不慢，但事实上声音在什么时候都一样，只是由表达的感情不同，听起来声音也就不同了。如果反之我们站在楼下单纯以一种机械的发声去呼喊楼上的人，人听起来的效果肯定就不一样了。阿恩海姆认为：“在外部事物、艺术式样、人的知觉、组织活动（主要是在大脑皮层中进行）以及内在情感之间，存在着根本的统一。”[1]它们都是力的作用模式，而一旦这几个领域的力的作用模式达到结构上的一致时（异质同构），就有可能激起审美经验，声乐演唱也是如此。学习《在那桃花盛开的地方》这首歌曲（艺术式样）时，通过欣赏旋律（力的式样），仿佛看到朵朵桃花开满了整个故乡的每片土地，一派春意盎然的景象（组织活动）。演唱的时候优美的歌声，饱含对故乡一片深情的发声（内在情感），仿佛能把自己和听者置于桃花盛开的粉色世界中，这样的音乐作品，净化了彼此的心灵，培养了高尚的情操，陶冶了大家的性情，产生了深刻的共鸣（异质同构）。由此我们可以看出情感在审美经验中具有多么重要的作用。