最早的水彩画

　　水彩画，在人们的概念中，一直把它作为外来艺术。由于在英国流传的时间较长，所以世界上总把英国作为水彩画的发源地。

　　据史载最早出现的英国水彩画，可追溯到16世纪后期，距今约四百年历史。

　　但是人们又发现，欧洲文艺复兴时期，德国的画家丢勒(Albrecht DUrer 1471-1528)，早在15世纪末和16世纪初就用水彩作画，他的一些色彩淡雅的小幅水彩画“一簇樱草”、“大草坪”等，至今仍不失为佳作。

　　而17世纪初期，荷兰的独立，给商业和文化带来了繁荣，为此，一些描绘荷兰景色的优美典雅的水彩画，在荷兰首都阿姆斯特丹市场上出现，深受人们的喜爱，当时荷兰的绘画成为世界美术行列中的高峰，并对英法等国产生了深远的影响。

　　水彩画能作为一个独立的画种，并在当时堪与油画抗衡并流传至今的，还是要算英国。

　　欧洲一些画家，都不像英国画家那样严肃认真地对待这门艺术形式。英国水彩画家在经过长期的努力后，克服了某种歧视，才奠定了它应有的地位，享有盛誉的英国皇家艺术学会，也直到20世纪的1943年才吸收了第一位水彩画家为正式会员。

　　事实上欧洲在中古时代的4世纪到文艺复兴时期就有了水彩画的雏形，那是指经本上每一章文字首个单词的第一个字母，贵族使用的一些手册，草药等植物的书籍等，都以手绘小插图装饰，这些在钢笔(鹅翎笔)底稿上，用清水浸颜料所作的画，画得很纤细。后来为了使颜料加厚并粘附在纸上，进一步加鸡蛋清，加可溶的阿拉伯树胶，加蜂蜜和甘油等，又逐步制成糊状或块状颜料，从现制现调现画到稍能保存，这段历史经历了较为漫长的岁月。

　　英国在16世纪至18世纪后期的作品中，画家们虽已懂得在制作颜料时要加凝固剂，但这些物质调成的颜料作画容易变黄，所以当时很多画家常用一种颜色作画，或是黑色，或是偏淡的灰青、灰蓝色，他们先用钢笔(鹅翎笔)勾画很精致的线条，再在底稿上敷以深浅的单色，颇似建筑渲染图，所以这一段时期几乎可称为单色画时期。 随着历史的演变，到18世纪时，英国逐步上升为欧洲的主要资本主义国家。工业、军事及科学技术的进步，促进了文化艺术的发展，英国水彩画在此形势下相应得以进展。 “地形画”的问世，无形中把水彩画的色彩技巧问题推进了一步。

　　有“水彩画之父”美称的保尔·桑德比(Paul Sandby 1725-1809)在颜料制造和绘制技法方面，作了不断的尝试，他和他的哥哥托马斯·桑德比(Thomas Sandby 1721-1798)都曾在伦敦军事制图部工作，先后担任军事观察机构和皇家地形景物的绘图员，在大量地形画的绘制中，对大自然进行了深入的观察研究，特别是 对天空、草地、树木、岩石和建筑物等的描绘，显示了水彩画已能表现阳光和空气的能力。当然，在他们的前后或当时，还有不少从事地形画的画家，但在内容上仅有记录性的特点，与欣赏性的水彩画不能混为一谈，而保尔·桑德比才使色彩和水彩画的表现技巧展示了新的趋势。

　　18世纪后期，托马斯·吉尔丁(Thomas Girtin1775-1802)等人的作品，在保尔·桑德比所取成果的基础上继续努力，力图改革并摆脱过去固有的画法，逐渐从传统的偏冷色彩打底，改为暖色或相关色打底，或改变打底色的方法，分别用各种色彩将各种景物直接画在纸上，

　　可以说，吉尔丁是真正摆脱单色画的第一个画家，虽然他仅活了二十七岁，但从他开始，英国水彩画的色彩改革已初具面貌，吉尔丁对其后的水彩画家的影响很大。

　　吉尔丁去世后，理查德·波宁顿(Richard Parkes Boninaton 1802-1828)这位巨星的闪现，进一步奠定了英国水彩画的色彩基础，并使之趋向成熟。他少年时期，随家移居巴黎，后与法国的浪漫主义大师德拉克罗瓦(Euaène Delacroix 1798-1863)成为挚友。又创造了在罗浮宫学习研究的条件，使他的风景画在法国被认为是一次作品的革命，所以他的水彩画成了法国水彩画的启蒙者，并多次在法国得奖，1827年重返英国时，还不太为人所知。过度的勤奋，过早地结束了他的生命，病逝前才为祖国所公认。他的作品《悬崖下》、《阿芒寺院》等的画法，已与一些现代的作品风格极为相似。 与吉尔丁同年出生的威廉·透纳(Joseph Mallard William Turner 1775-1851)，是西方美术史上举足轻重的画家，他既以油画著称，又是英国水彩画史上的巨匠。地形画和18世纪其他一些画家的作品，成了他艺术的起点，他对色彩的大胆尝试，使他在水彩画领域取得了革新的效果，他十四岁进入皇家美术院，二十七岁成为皇家美术院的院士，艺术道路比较顺畅，一生创作了大量水彩画和油画，并有很多以海景为题材的作品，临终时，留下大量水彩画和油画，这些作品都捐给了国家美术馆，是他留给自己祖国最珍贵的礼物。

　　与威廉·透纳齐名的约翰·康斯泰勃尔(John Constable 1776-1837)也是西方美术史上的巨匠，也以油画和水彩画著称，一生以故乡风光为创作题材，但他仅把水彩画作为记录和研究自然的素材，生前并没有以一个水彩画家的身份受到重视，直到本世纪，才为人们所公认。 从总结和研究的角度而言，英国的水彩画在拥有波宁顿、透纳、康斯泰勃尔后，其色彩、技法和画风已日趋成熟，尤其在作品中就光对色彩所起的科学作用，个人画风的鲜明性，已明显地显示了出来。当然，和他们同期或先后出现的一大批水彩画家，都对英国的水彩画史作出了巨大的贡献。

　　如:约翰·瓦利(John Vauey 1781-1873)的理论教学成就;约翰·塞尔·柯脱门(工ohn Sell Catman 1782-1842)带有装饰味又透明轻快的画风;彼得·特·温特(Peter De wint 1784-1849)细腻又抒情的作品;大卫·柯克斯(David COX1783-1859)粗犷而又耐人寻味的情趣等……都是英国水彩画史上的先驱。一直延续到20世纪，水彩画的特性及其面貌已为人们所熟悉，并在原有基础上进行了种种改革。

　　我国同西方文化艺术交流的历史较早，远在公元1271年时，意大利杰出的旅行家马可·波罗(Marco Polo 1254-1324)已把西欧的工艺品和绘画传到中国。

　　随着宗教的传播，16世纪后期，意大利传教士利玛窦(Matteo Ricci 1550-1610)来中国时，带来了一些水彩画的印刷品，18世纪初叶，意大利画家、耶稣会员郎世宁(Giuseppe Castiglione 1688-1766)来到北京，常使用水彩画工具作画，使中西绘画技法熔为一炉;

　　之后，法国也派擅长水彩画的传教士蒋友亿来北京，而此前后，欧洲一些国家已有外交使团和商务团体来到中国，其中，英国水彩画家尤多。

　　可以说，西洋的水彩画形式传人中国，并在中国得以发展，约有百余年历史。

　　浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。

　　这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒柏特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》，等，就是浪漫乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

　　浪漫注意音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白**或版画的话，那么浪漫乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。

　　早期浪漫乐派的代表人物舒柏特的创作中心是艺术歌曲，艺术歌剧是诗歌和音乐的结合，这是浪漫乐派作曲家抒发诗情画意的理想领域。舒柏特选用的诗歌范围很广，有歌德、席勒等大诗人的诗，也有它的朋友朔贝尔的作品。他歌剧中的钢琴伴奏，不仅起了陪衬旋律的作用，也是创造特定意境的主要手段。舒柏特的歌曲被称为“艺术歌曲”，但许多歌剧中淳朴的音乐语言，常常接近于民歌，他的《野玫瑰》、《鳟鱼》、《菩提树》等歌曲，后来都成为广泛流传的民歌。民歌常用的分节歌的形式也是舒柏特歌曲创作的主要形式。

　　李斯特是中期浪漫乐派的代表人物，他出生在匈牙利，他的一生对音乐突出的贡献主要有两方面，一是丰富了钢琴技巧的表现力。

　　他的钢琴音乐不仅有诗情画意的小品，也有宏伟、辉煌的艺术效果和具有交响性的乐曲，他使钢琴音乐获得了管弦乐队般的效果，气势宏伟，热情磅礴。二是他首创了单乐章标题交响诗体裁。一生中他写了十三首交响诗，以《前奏曲》和《塔索》最为著名，这些交响诗具有叙事性、抒情性、描写性和戏剧性的特点。此外，在李斯特的作品中鲜明的匈牙利民族特色体现得尤为突出，如反映匈牙利民间生活的19首匈牙利狂想曲，其中第2、6、12、15首是经典之作。

　　理查施特劳斯是晚期浪漫乐派作曲家。作为一位作曲家，施特劳斯的贡献主要表现在交响诗方面，他完善了交响诗的结构形式，精心创作主导动机以及专门描写人物、地点、情景的音乐片断。他的管弦乐配器方面同样显露了卓越的才能，他的作品线条思绪极尽各种乐器之性能，使他的作品中一个极平常的动机或主题也能发出最迷人的光彩。施特劳斯的歌剧创作主要受瓦格那的“乐剧”的影响，作曲技巧虽然高超，但内容比较苍白，与瓦格那的作品相比较要单薄得多。他的作品有时象一篇充满绚丽辞藻的散文，但却在复述一个空洞无聊的内容。施特劳斯是由古典创作和浪漫主义音乐的杰出综合者，莫扎特的明澈，贝多芬的动荡，勃拉姆斯的结构感，瓦格那的英雄性，李斯特的标题音乐，激发了他的创作欲望。他对管弦乐队的熟练把握使他的作品发出迷人的光彩，但世纪末的文化特征，也充分体现在他的作品中，即唯美主义和颓废主义的倾向。他的创作和瓦格那一道预示了二十世纪音乐的来临。

　　早期浪漫主义音乐

　　“浪漫歌剧的创始人”——韦伯

　　德国作曲家韦伯(1786—1826)出生在一个旅行剧团领班的家庭，他的父亲是一位热心的戏剧和音乐爱好者，有一副漂亮的歌喉，母亲是一位德国女高音歌唱家。

　　韦伯从小常常随着父亲率领的小剧团，沿着德、奥两国的小城镇流浪演出，受到剧院、舞台气氛的熏陶。这种流浪生活使他广泛地接触到了社会和民间音乐， 他的歌剧《自由射手》被公认为德国第一部民族歌剧。歌剧上演后，很快地传遍每个偏僻角落。著名诗人海涅在给友人的信中饶有风趣地描写了《自由射手》在群众中流传的盛况：清早从他窗户下走过的小学生用口哨吹着《出嫁时的花环》；理发师上楼时也唱这首歌；在他外出作客时，一位姑娘在钢琴上弹的也是这支歌。德国甚至还出现了“自由射手”牌啤酒，“自由射手”式女装。它也为欧洲浪漫主义的歌剧奠定了基础。

　　“歌曲之王”—— 舒柏特

　　舒柏特(1797—1828)出生于维也纳近郊一个小学教员家庭。他8岁开始学习音乐；16岁担任助理教师，教授私人钢琴，以此谋生。1813年，当他毅然离家去维也纳作一个“自由艺术家”的时候，对未来充满了美好的向往。但他所处的时代正是法国资产阶级革命失败，欧洲处于反动王朝复辟的时期。

　　他一生共写下了1500首作品。包括14部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲及600多首歌曲等，其中最著名的有交响曲《未完成》、钢琴五重奏《鳟鱼》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》等。

　　他创作的中心是歌曲，有“歌曲之王”的美称，他的歌曲优美、质朴而深刻，充分体现了诗歌的意境。作品中折射出那个时代小知识分子的苦闷与压抑、欢乐与痛苦，成为浪漫主义艺术的典范。

　　“标题交响乐奠基人”——柏辽兹

　　柏辽兹（1803——1869）是法国浪漫乐派音乐的创始人。1803年12月11日，出生在法国里昂近郊的一个医生家庭。童年时学习过长笛和吉他，1826年进入巴黎音乐学院学习作曲。1830年，获罗马大奖赴意大利留学，一年后回国进入创作的全盛时期。于1869年3月8日病逝于巴黎。

　　他的作品中最具有代表性的当推《幻想交响曲》，还有戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、《罗马狂欢节》序曲、《拉科奇进行曲 》等都是深受人们喜爱的作品。此外，他撰写了著名论著《配器法》，还留下了大量的音乐评论，对高尚音乐的鉴赏等方面都产生了重要的影响。

　　他的音乐热情奔放，富于幻想。他开创了浪漫主义标题音乐的先河。他首创了“固定乐思”的手法，在配器方面他是管弦乐大师，他大胆创新，探索各种乐器组合的可能性，使管弦乐队的色彩焕然一新。

　　“最幸福的音乐家”——门德尔松

　　德国著名作曲家、浪漫乐派的杰出代表。1809年2月3日，生于汉堡，父亲是大银行家。4岁随母亲学习钢琴，12岁开始作曲，17岁成名，20岁时开始以钢琴家、指挥家、作曲家的身份游历了欧洲各国，从此名声大振。1843年，创办了莱比锡音乐学院，由于常年过度劳累，损害了他的健康，加上亲人逝世的打击，使他心力交瘁，不幸于1847年11月11日逝世，年仅38岁。

　　他的作品旋律流畅、结构完整、温柔舒适、极少矛盾冲突、富于诗意幻想。由于生活经历所限，音乐难免缺乏深刻的思想表达，但其幽雅、宁静、精致、诗意的音乐境界却很少有人可以做到的。他的交响曲《苏格兰》、《意大利》，序曲《芬格尔山洞》、《仲夏夜之梦》及《e小调小提琴协奏曲》都是著名作品。除此之外，由于他的发掘、推崇和亲自指挥，巴赫的作品才受到重视。他还独创了“无词歌”的器乐体裁，他也是早期标题音乐的代表。以他为代表的莱比锡乐派对19世纪德国音乐生活产生了很大的影响。

　　“德国浪漫乐派领袖”——舒曼

　　舒曼（1810——1856）德国作曲家、音乐评论家，德国浪漫乐派的领袖。他出生于一个书商家庭，从小受到良好的教育。7岁学习钢琴，1834年他创办了音乐杂志《音乐时报》，1840年与他钢琴老师车尔尼的女儿克拉拉结婚，幸福的生活给他带来了一系列创作上的灵感。在创作的同时他开始写音乐评论，他是第一个肯定柏辽兹、肖邦、李斯特、勃拉姆斯的音乐才华的人。1854年资产阶级革命失败，他由于只看到革命的败局，看不到未来的革命曙光，内心非常痛苦，以致精神失常，自投莱茵河。他虽然被救起来，但最后还是在精神病院中悲惨地死去。

　　他的主要作品有：钢琴曲《狂欢节》、钢琴套曲《童年情景》、交响曲四首、协奏曲及歌曲集等等。他的作品充满了浪漫主义的激情，他大量深刻生动、尖锐泼辣的评论，对引导社会音乐思潮的健康发展，抨击庸俗落后的音乐观念起到了积极重要的作用。

　　“钢琴诗人”——肖邦

　　肖邦（1810——1849）波兰钢琴家、作曲家。生于华沙附近的一个教师家庭，父亲是侨居波兰的法国人，并是一位长笛演奏家，母亲是波兰贵族世家的女儿，钢琴弹得很好。他从小喜欢音乐，6岁接受严格的钢琴教育，9岁就在音乐会上公开演出。16岁时进入华沙音乐学院，跟随院长艾尔斯纳学习音乐理论。1830年，20岁的肖邦出国作旅行演出。他来到了巴黎，当时的巴黎是群星荟翠的艺术之都。他在这里以作曲家、钢琴家的身份获得了盛誉。1849年10月17日，他在巴黎病逝。

　　他的音乐潇洒、飘逸、含蓄、柔情，而这一切又都是在浓郁、鲜明的民族风格和热烈、深沉的富爱国热情中表现出来的。，人们称他为“钢琴诗人”。他为后世留下了二百余首钢琴珍品，有以《c小调革命练习曲》为代表的27首练习曲，有富于民族风格的51首玛祖卡舞曲，有着阳刚之美的《降A大调波兰舞曲》（也叫波罗涅兹舞曲），而他的21首《夜曲》更是钢琴音乐中的精品，另外还创作了许多钢琴奏鸣曲和协奏曲等。

　　“钢琴魔王”——李斯特

　　李斯特（1811——1886）是19世纪欧洲乐坛上声名显赫的匈牙利钢琴家和作曲家。1811年生于匈牙利的雷丁，父亲是贵族庄园的管家，业余音乐家。他6岁起学习钢琴。8岁开始作曲。9岁已成功地举办了钢琴独奏会。10岁时，全家迁往维也纳，他跟车尔尼学习钢琴，跟萨列埃里学习作曲。13岁创作了歌剧。40年代末，进入了创作的黄金时期。1886年7月31日逝世。

　　他在作曲方面，主张标题音乐，创造了交响诗这一体裁（注：一种单乐章的表现诗情画意和文学性内容的管弦乐曲）。他一生创作了许多交响乐作品，如《浮士德》、《但丁》等等，此外，还创作了19首匈牙利狂想曲、12首高级钢琴练习曲、13部前奏曲等作品。

　　做为一代钢琴巨匠，他将钢琴的演奏技巧发展到了顶峰。在钢琴上创造了管弦乐的效果，被称为钢琴上的帕格尼尼，因此获得了“钢琴魔王”的美称。

　　“新古典主义者”——勃拉姆斯

　　勃拉姆斯（1833——1897）德国著名作曲家、钢琴家，19世纪新古典主义最杰出的代表人物。1833年5月7日，生于汉堡的一个音乐家庭。父亲是业余乐师，母亲是裁缝，家境非常贫困。自幼随父亲学习小提琴，7岁学习钢琴，10岁开始学习作曲。20岁时，舒曼发现了他，并在《音乐时报》上发表了一篇引人瞩目的文章《新的道路》，热情赞扬了这位青年音乐家。

　　当时德国音乐界有两种流派，一派是魏玛乐派，他们主张标题音乐，提倡综合艺术，代表人物有李斯特等人。另一派是以门德尔松、舒曼组成的莱比锡乐派，他们搞无标题的纯音乐，不写歌剧，只写器乐作品。因为勃拉姆斯固守传统，有人说他是生活在浪漫主义盛行时期的一个“古典主义者” 。

　　他的代表作品中以《c 小调第一交响曲》（1876年）最引人注目（曾被称作贝十），还有《D大调小提琴协奏曲》（1878年）、《降B大调第二钢琴协奏曲》（1881年）和管弦乐曲《匈牙利舞曲》21首等，都是广大音乐爱好者喜欢的作品。

　　“俄罗斯音乐巨匠”——柴科夫斯基

　　柴科夫斯基（1840—1893）生于乌拉尔一个采矿工程师的家庭。自幼学习钢琴，10岁考入法律学校学习，毕业后在司法部工作。1862年进入彼得堡音乐学院学习作曲，毕业后赴莫斯科音乐学院任教。后与他的学生米留科娃结婚，这不幸的婚姻使他极度失望，从而陷于绝望。就在这个时候，一位富孀冯-梅克夫人给予了他精神和物质的支援。1893年，柴科夫斯基染上霍乱，同年11月6日在彼得堡去世，终年53岁。

　　他广泛地吸收意大利的歌剧、法国的芭蕾舞、德国的交响乐和歌曲的精华，他的音乐着重刻画人的内心世界，具有强烈的戏剧性和温暖的抒情性，旋律和配器都极富表现力。 他的代表作品是交响曲：第四、五、六（1878、1888、1893年）；管弦乐：《罗米欧与朱丽叶》（1869年）；歌剧：《奥涅金》（1878年）、《黑桃皇后》（1890年）；芭蕾舞剧：《天鹅湖》（1876年）、《睡美人》（1889年）、《胡桃夹子》（1892年）；协奏曲：《降b小调第一钢琴协奏曲》（1875年）、《D大调小提琴协奏曲》（1878年）等。此外，还有序曲、室内乐、歌曲等大量优秀作品。

　　晚期浪漫主义音乐的代表——马勒

　　马勒 （1860——1911）奥地利作曲家、指挥家。生于波西米亚（捷克）的一个犹太小商人家庭。6岁时参加钢琴比赛，被誉为“钢琴天才”。15岁考入维也纳音乐学院学习钢琴、作曲、指挥，成绩优异。19岁时开始了他的指挥和创作生涯，他受聘于维也纳皇家歌剧院。1907年他侨居美国继续他的指挥和创作活动，但每年都回到维也纳度假。1911年5月18日，因心脏病死于维也纳。

　　他开创了音乐的新形式——声乐交响曲（注：艺术歌曲与交响乐相结合的一种艺术形式）。他的代表作品有10部规模宏大交响曲，晚年根据中国唐诗谱写的《大地之歌》（注：马勒称它是一部男高音、女低音和乐队的交响曲）等。 作为19世纪和20世纪之交的音乐家，马勒在创作手法上进一步强化了浪漫音乐的发展方向，如在音乐语言上更加个性化，感情表现更加激烈夸张，和声方面极度半音化，这些对20世纪的现代音乐产生了深远的影响。

　　古老的浪漫主义的代表人物

　　——拉赫玛尼诺夫

　　谢尔盖·瓦西利耶维奇·拉赫玛尼诺夫（Rachmaninov SergeiVasilyevich）1873年4月1日生于俄国斯塔罗鲁斯基的谢苗诺沃；1943年3月28日，卒于加利福尼亚州的贝弗利山。他出生于俄国贵族家庭，父亲和祖父都是杰出的业余音乐家。谢尔盖5岁开始学习钢琴，1882年（9岁）时获得圣彼得堡音乐学院的奖学金而入校就读。1885年转入莫斯科音乐学院，先后跟尼古拉·兹韦列夫学习钢琴，跟谢尔盖·塔涅耶夫学对位法，跟安东·阿连斯基学和声学。1891年毕业作品根据普希金的长诗《茨冈》而改编的独幕歌剧《阿列科》获得作曲大金质奖。然而1897年他的《第一交响曲》在圣彼得堡演出时却惨遭失败，创作陷入低潮。1906-1908年移居德国德累斯顿，在这段时间里他创作了大量优秀作品。1917年，苏维埃革命政权建立以后，由于他对无产阶级革命政权的不理解，永久的离开了俄国，定居美国。此后他主要从事演奏活动，晚期作品较少。在他死前数周宣誓成为美国公民。

　　作有三部歌剧、三首交响曲、音诗《死岛》及其他管弦乐曲、四首协奏曲、一首钢琴与乐队的《帕格尼尼主题狂想曲》、钢琴音乐（包括一系列重要的前奏曲和图画练习曲）、合唱曲、室内乐和歌曲。

　　一、继承民族传统，走向世界舞台

　　拉赫玛尼诺夫的音乐风格自始至终都没有改变，他一贯沿着俄罗斯音乐传统及音乐史上的莫斯科乐派前进。他的作品深深植根于柴科夫斯基、穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫的音乐中，并具有肖邦的诗情画意和李斯特的强烈效果。深厚的民族感情和精湛的演奏技巧在他身上相溶相通。在拉赫玛尼诺夫的音乐中，俄罗斯的大自然、俄罗斯的心理、俄罗斯的生活、俄罗斯民歌的韵味和钟声的情调，充满了俄罗斯的赤子心肠和雄浑力量。柔美的旋律、深邃的内涵又贯通于俄罗斯独特的音乐语言，悠长宽广、气宇轩昂，处处映射出浓郁的民族风格和精神。也正是因为有着这样很强的俄罗斯音乐特性，拉赫玛尼诺夫的音乐令成千上万的人们为之感动，为之折服，征服了整个世界！

　　二、坚持走“传统”基础上的创新道路

　　拉赫玛尼诺夫的艺术生涯虽然跨入了20世纪上半叶，但是他却基本保持了19世纪的浪漫主义艺术观，没有去追随瓦格纳、德彪西及更新的潮流。这也许是因为他出生在崩溃了的帝俄时代的没落地主家庭，坚持继承贵族文化的幻梦所致吧！浪漫主义音乐的现象在好像反浪漫主义的时代继续存在和发展说明在他的精神和音乐语言内部还保有适合的土壤。拉赫玛尼诺夫无疑是俄罗斯浪漫主义音乐仅存的一位代表人物，没有他很难想象20世纪的音乐生活。但是值得注意的是，他的创作虽然实质上仍是浪漫主义的，却经受了20世纪气息的熏陶形成了拉赫玛尼诺夫独特的创作风格：他作品的许多片断即使把属于近现代和声技法的部分去掉，也很难用传统和声理论来分析。这说明他的和声技法属于“传统”与“近现代”之间的“探索阶段”。和声语言仍以功能性和声为基础，却在扩大和丰富和声色彩方面使用了具有鲜明个性特点的手法。拉赫玛尼诺夫的旋律特点清新自然、纯净质朴，直接继承了从安东鲁宾斯坦到柴科夫斯基的音乐体系，具有鲜明的俄罗斯气质。另外，他本人特有的那具有“阶梯状”的迂回音调又形成了其固有的“拉赫玛尼诺夫式风格”特点。

　　三、“泪盈满眶”的悲剧性艺术风格

　　拉赫玛尼诺夫在给一位朋友的信中曾说过：“在伤感和快乐两种主题中，我更偏爱前者。”“光明、欢快的色彩不是我所乐见的。”的确，不论就调式的意义上来说，或就心理刻画的意义上来说，拉赫玛尼诺夫特别倾向于小调，倾向于小调性的主题以及悲歌性或悲剧性的形象领域。在他的艺术作品中，总有一些主题不断出现在他的创作中。例如：

　　死亡的主题，贯穿于他的早期的第一交响曲，成熟时期的《死岛》及晚期的科列里主题变奏曲、帕格尼尼主题狂想曲、第三交响曲以及他的绝笔之作《交响舞曲》等作品里。

　　拉赫玛尼诺夫的“命运”形象是柴科夫斯基“命运”形象的直接继承者，他对命运总有一种不可言喻的恐惧感。如《升C小调前奏曲》中命运的脚步声。

　　“魔鬼”形象在拉赫玛尼诺夫的戏剧性音乐构思中也起着显著作用。因而拉赫玛尼诺夫的音乐总让人感受到一种笼罩在潜在悲剧性之中的辉煌气势和巨大感染力。

　　四、矛盾的性格特征，顽强的生命信念

　　拉赫玛尼诺夫在生活中给人的印象是性情忧郁，惧怕一切，但是在这一层灰暗的薄膜下隐藏的是另一个拉赫玛尼诺夫：一个善良开朗，坚韧勇敢的人。这种矛盾会互不相容的贯穿在拉赫玛尼诺夫的同一件作品里。G小调前奏曲中，拉赫玛尼诺夫现实主义的鲜明语言，火热的力度，富有生命信念的坚定节奏，战胜了标题中“来世”的命意。使听众感受到的并不是恐惧而是一种坚定的力量。

　　他的一切作品中都不断暗涌着另一个拉赫玛尼诺夫响亮的、坚定的、热爱生活的声音。突破了“装腔作势的悲泣”“故作惊人的音响”，换之于或慷慨激昂或诙谐愉快或如“潺潺流水声”般的低语。尤其对大自然的热爱更使拉赫玛尼诺夫豪情勃发。俄罗斯一望无垠的大平原，麦浪滚滚的田野，冰雪融化的春潮……他在用心聆听、感受、谱写着这迷人的一切。

　　五、集钢琴家、指挥家、作曲家于一身的伟大音乐家

　　作为音乐家拉赫玛尼诺夫集作曲家、钢琴家、指挥家三职于一身。以钢琴家而言，他是“钢琴音乐的建筑师”。他对作品的诠释往往透射出一个作曲家的丰富想象力和对音乐色彩的极度敏感。同时具有精湛的演奏技艺，尤以坚强有力与悠长宽广的音响见长。但他最为人乐道的是他能将敲击的钢琴音响化成优美的吟唱。

　　以作曲家而言，他写作了许多体裁的大量作品。包括他的钢琴曲《前奏曲集》、四首协奏曲及《帕格尼尼主题狂想曲》、三首交响曲、一首带合唱的交响曲《钟》、一首交响诗《死岛》、一套交响诗曲、79首歌曲及许多零星的钢琴小品，另外还有大量改编曲等。

　　同时在指挥方面他的成就也较为可观。1904-1906，他被聘为莫斯科布尔希歌剧院之指挥，演出了一系列俄罗斯经典歌剧。1911-1913在莫斯科爱乐协会音乐会上指挥交响乐演出。几年后，他开始在意大利、德国、巴黎游历，以钢琴家和指挥家的身份演奏及指挥自己的作品。同时，他那充满活力又精细入微的指挥也在唱片中永久的保存下来。

　　在拉赫玛尼诺夫的音乐生涯中，这种多元化的音乐生活虽然也曾给他带来工作上的矛盾，但更重要的则是由于它们之间的互补所带来的理解、创作和演绎作品的巨大优势。

　　拉赫玛尼诺夫，19世纪后期多彩多姿的俄罗斯音乐大师中最后一位晚期浪漫主义的代表人物，就是在表面简单平静，单调平凡的语言中揭示着丰富的生活，多彩的人生。

共分二十二类：

一、水墨画

1水墨画中又包含彩墨画。水墨画一般仅用水与墨即黑白两色来创作，彩墨画则属于进阶的水墨画。

2水墨人物。水墨人物与写意人物类似，但笔法上有较为明显的不同，水墨人物更多的用大手笔。

二、没骨画

没骨画的“没”字是淹没、含蓄的意思，作画时将运笔和用色融合，不打底稿，直接开始创作。基本上也是分为人物、山水、花鸟等几种类型。

三、油画

1人物画是把生活中具体的人作为表现对象，揭示具体人物的性格特征和社会生活风貌。

2油画风景的发展大体经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征性风景等几个阶段。

四、版画

1凸版是版画中最常见的类型。画家在平面的木版或其他金属等板面上，进行雕刻或腐蚀，将不需要印刷的部分铲除，保留凸起部分形成画面，最典型的是木刻。

2平版不是依靠版面凹凸不平，而是以油水相拒的原理来印刷。平版印刷是现代滚筒印刷术的前身。然而画家利用平面的石版印刷技术与绘画表现相结合，创作出优美的石版画。

五、水粉画

1干画法：干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。

2湿画法：湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。

六、水彩画

水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩；适合制作风景等清新明快的小幅画作。

七、壁画

壁画，墙壁上的艺术，即人们直接画在墙面上的画。作为建筑物的附属部分，它的装饰和美化功能使它成为环境艺术的一个重要方面。壁画为人类历史上最早的绘画形式之一。

八、漫画

1写实风格：品与现实人物比例相当，背景、配件等也与现实中基本一样。

2半写实风格：人物比例与现实人物相当，略有夸张。

九、工笔画

1工笔画又称细笔画，以精谨细腻的手法著称，宋代院体画及明代人物画最为著名。

十、写意画

1写意画多用生宣纸，用简练的笔法描绘，比工笔画更能直接的抒发作者的感情。

十一、抽象画

抽象画，就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形式构成面貌的绘画。 一般被理解为一种不描述自然世界的艺术，反而透过形状和颜色以主观方式来表达。

十二、青绿山水画

1“青绿山水”作为一种中国画的技法，以矿物颜料石青和石绿为主，宜表现色泽艳丽的丘壑林泉。

十三、白描画

1白描即用淡色线条勾勒形象，而不用颜色进行渲染，敦煌莫高窟中的飞天形象即白描画。

2白描人物。明清小说中的插画以及上世纪的小儿书基本上都是采用白描的方式来简单而直接地表现人物形象及故事节点。

十五、界画

界画是中国绘画很特色的一个门类。在作画时使用界尺引线；界画适于画建筑物。

十六、内画

内画的画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。

十七、素描

由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称作素描。

十八、速写

1一种快速的写生方法

2直线速写就是起形时用直线起形，要求简单概括，但 是结构、 形体等都要到位。

3勾线速写用线十分肯定，可以从自己最兴起的地方下笔， 或从头到脚一次画完。

十九、简笔画

1简笔画是通过目识、心记、手写等活动，提取客观形象最典型、最突出的主要特点，以平面化、程式化的形式和简洁洗练的笔法，表现出既有概括性又有可识性和示意性的绘画。

二十、刺绣画

刺绣画是传统工艺，具有艺术特色的绘画作品。

刺绣画，按绣工分有满绣、半绣、和局部绣。

二十一、禅绕画

禅绕画是一种利用线条创作出美丽作品的新颖艺术形式。

二十二、彩铅画

是一种介于素描和色彩之间的绘画形式。它的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。

扩展资料

漫画为绘画艺术的一个品种，常采用夸张、比喻、象征等手法，讽刺、批评或歌颂某些人和事，具有较强的社会性，也有纯为娱乐的作品，有较强娱乐性，娱乐性质的作品往往存在搞笑型和人物创造型。直接或隐晦、含蓄地表达作者对纷纭世事的理解及态度，

是含有讽刺或幽默的一种浪漫主义的绘画。它同其他绘画的主要区别在于独特的构思方法和表现手法。它具有讽刺与幽默的艺术特点以及认识、教育和审美等社会功能。

漫画可以把古今中外的人物同时邀集到一起，让他们在一个画面上演出奇异怪诞而又意蕴深邃的喜剧。它不受时空观念的限制，人与物之间也可以对话，不同质、不同类的事物可以嫁接、杂交，可以借物喻人，借古喻今，可以人神交游，幻想与现实同存，

从而使画面产生幽默、诙谐、怪诞、风趣的艺术效果。

一、风格不同

1、现实主义

现实主义（Realism），一般认为现实主义关心现实和实际。现实主义在博雅人文范畴中有很多意思，特别是在绘画、文学和哲学中。它还可以用于国际关系。

2、浪漫主义

浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。

3、现代主义

十九世纪后期，第二次工业革命震碎了人类千百年来的文化传统。现代工业和城市化的兴起，令人与人之间的关系愈加疏远冷漠，社会变成了人的一种异己力量，作为个体的人感到无比的孤独。

二十世纪初期的两次世界大战中，人类使用借助科技发明的武器大规模屠杀自己的同类，西方的自由、博爱、人道理想等观念被战争蹂躏得体无完肤，西方文明被抛进了一场深刻的危机之中，现代主义应运而生。

4、古典主义

形成并繁盛于17世纪的法国，从古希腊罗马文学里面吸取艺术形式和题材，主张拥护中央集权，尊重主权，歌颂贤明君主；崇尚理性，克制个人情欲，有严格的艺术规范和标准。代表性人物及作品有高乃衣《熙德》、拉辛《安德洛马克》等。

二、特点不同

1、现实主义

一是细节的真实性。要有真实的细节描写，用历史的、具体的人生图画来反映社会生活。现实主义作品是以形象的现实性和具体性来感染人的，因此能使读者观众如入其境。

瓦萨拉的《画家的生活》曾叙述了一些有趣的艺术史轶事：孔雀啄食贝那左尼画得太逼真的樱桃；乔托的老师用刷子驱赶乔托在一幅人物肖像上增添的苍蝇。这种现实主义概念雄霸人类艺术史近两千年，至今仍保留在日常生活中。

二是形象的典型性。通过典型的方法，对现实的生活素材进行选择、提炼、概括，从而深刻地揭示生活的某些本质特征。可以说，典型化是现实主义的核心，是区别于自然主义的标志。

生活现象是纷纭复杂的，如实记录生活，不过是照相师的手艺；现实主义则要求作者从丰富多彩的现实生活中选取有意义的人物与事件，经过个性化和概括化的艺术加工，创造出典型的人物和典型的环境。正如恩格斯说的，要“真实地再现典型环境中的典型人物”。

三是具体描写方式的客观性。作者要通过对现实生活的客观，具体的描写，从作品的场面和情节中自然地体现出作者的思想倾向和爱憎感情，而不要作者自己或借人物之口特别地说出来。

2、浪漫主义

它是法国大革命催生的社会思潮的产物。大革命所倡导的“自由、平等、博爱”的思想推动了个性解放和情感抒发的要求，对个人独立和自由的强调，成为浪漫主义文学的核心思想。

3、现代主义

现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。

4、古典主义

从古希腊古罗马文学中汲取艺术形式和题材。这一点似乎同文艺复兴时期的作家一样，实际上存在不同之处。就法国而言，人文主义者所做的工作是将淹没一千多年的古籍发掘出来；人文主义作家仅在诗歌和散文方面从古代作家那里学到东西，至于戏剧形式则可以说还没有得到充分利用，寓言就更不用说了。

三、影响不同

1、现实主义

现实主义作为一种世界观，是建立在它对道德进步和人类能力的悲观主义认识基础上的。现实主义者把历史看作是循环的而不是进步的，他们对于人类是否有能力克服反复出现的冲突，建立持久的合作与和平深表怀疑。

2、浪漫主义

浪漫主义对法国大革命后的现实极为不满，往往把非资本主义的生活加以理想化；浪漫主义作家深感古典主义所宣扬的理性对文艺创作是一种枷锁，于是强调创作的绝对自由，反对古典主义的清规戒律，要求突破文学描绘现实的范围，把情感和想象提到首要地位。他们特别重视爱情题材，对人的梦境也进行了大量的描写。

3、现代主义

20世纪的两次世界大战，给人们的心灵造成巨大创伤；伴随工业化而来的快节奏加剧了人们的紧张感，传统的艺术表现形式已无法满足人们的精神需求。科技的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们尝试用新的表现形式和艺术精神进行创作。

他们开创的形形色色与传统美术迥然不同的新流派，统称为现代主义美术。它的主要特征是反传统和反理性，重视艺术家内心的“自我感受“和“自我表现”，流露出艺术家愤怒、消极、悲观、失望等各式各样的复杂心理。

4、古典主义

古典主义是在当时流行于整个西欧的唯理主义思想的影响下形成的。唯理主义以笛卡尔（1596-1650）为代表，他主张一切以合乎情理为原则，主张抛弃传统偏见，反对中世纪的神学世界观，反对盲目信仰宗教权威和经院哲学，把理性看成是知识的唯一源泉。唯理主义认为感性材料会欺骗人们，只有通过理性才能认识世界。

－现实主义

－浪漫主义

－现代主义

－古典主义

　　西方的传统绘画主要以油画为主。现存世的西方绘画作品主要就是油画作品。

　　油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克（Jan Van Eyck），（1385年-1441年） 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特贡献，誉其为“油画之父”。

　　随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。 随着世界文化的不断发展，油画成为西方人探索世界的一种方式。

　　油画是西方绘画的主要画种之一。是以用快干性的植物油调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。

　　在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。