中国传统的吉祥物有哪些呢?

中国传统的吉祥物有龙、凤凰、麒麟、貔貅、龟：

1、龙是中国人的图腾，龙在人们心目中的地位是至高无上的，中国人也自誉为龙的传人，在古代封建社会，皇帝也自称为真龙天子。龙是皇帝的专属，象征着尊贵身份以及权威，在民间，龙是神圣、吉祥、吉庆的象征。

2、凤凰被誉为百鸟之首，是与龙相匹配的，在古代皇帝称之为龙，而皇后称之为凤，有着百鸟朝凤的说法。东南亚的很多国家中，都有凤凰涅槃的传说，它是一种吉祥的瑞兽，也代表了人们的一种美好心愿。

3、麒麟自古就被人们视为“仁义”之兽，麒麟是一种吉祥物，传说只要是麒麟走过的地方，都会给人们带来好的运气。在中国传统的历史文化中，麒麟是祥瑞的象征，人们坚信麒麟是能够消灾劫难、驱除邪魔、镇宅避煞的吉祥瑞兽。

4、传说貔貅是龙的第九个儿子，也被称作为辟邪，其有口无肛，专门以金银财宝为食，只进不出。所以从古至今人们都将貔貅当作招财的神兽来供奉，认为供奉貔貅，能够带给人们好的财运，还招财守财。

5、龟自古就代表着长寿、稳健，是解危避难，消灾降幅的吉祥神物，在人们的心中有着非常高的地位。因为龟的寿命比较长，所以人们认为龟是通灵性的动物，是瑞兽，能够带给人们长寿以及好运。

19世纪上半期，在新古典主义雕塑失去发展活力的时候，浪漫主义雕塑出现了，并在20年代~40年代期间发展到了顶峰。浪漫主义雕塑发展的中心在法国，但德国和英国也受到了一定的影响。

　　罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

　　历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。

　　罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。

　　14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。

　　从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

　　西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

　　吻 "Le Baiser"

　　奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）

　　罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒

　　遗弃 "L'abandon"

　　卡蜜儿．克劳戴（法国，1861~1943）

　　1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是，出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为1905年铸铜而成。

　　人型的橱柜 "Cabinet Anthropomorphoque"

　　萨尔瓦多．达利（西班牙，1904~1989）

　　达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形，他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的，并可分开抽出来，而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念，将人体的身体化为许多抽屉，可说是达利作品中相当典型的创作

　　洗脚的女郎 "Femme se lavant jambe gauche"

　　艾德嘉．窦加（法国，1834~1917）

　　艾德嘉．窦加受印象派的影响，整个作品在每个不同的角度中，均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特，尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象，反观女郎面前的水桶，却相当写实，如此极端的两种风格，在窦加独具用心的诠释下，展露出无与伦比的完美组合。

　　铁修斯战胜半人半马的怪兽

　　"Thésée combatant centaure Biénor"

　　安端-路易．巴里 （法国，1795~1875）

　　巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽（Centaure）和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题，它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制，有 Barye 1860之签名，是最原始的大尺寸（当时仅铸作两件），也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。

　　人体 "Torso"

　　亚历山大．阿基边克（俄裔美籍，1887~1964）

　　二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间，欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念，分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感，正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体，作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年，正值阿基边克的创作盛期

　　弓箭手 "Tireur à l’are"

　　皮耶．勒．法居叶兹（法国，1892年出生）

　　装饰艺术（Art Deco）于1920年代、1930年代出现于欧美各地，它注重感官趣味，崇尚唯美，创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶．勒．法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一，他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士，简洁有力的线条，勾勒出战士拉弓时，力道强劲的优美站姿，充分展现装饰艺术力与美的极致。

　　加拉蒂与海豚 "Galatea Riding a Dolphin"

　　安西里欧尼（意大利，1832~1894）

　　在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚，卷曲的秀发随风飘扬，造型动感十足；加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样，或线条、或点状，在腹部、肘部、脚关节各处，类似真人肌肤上的肌理质感，使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题，底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石，彷佛海中起伏的波浪，遨游其上的海豚也呼应了主题，使作品充满了活力与生气。

　　奥塞罗 "Othello"

　　皮耶多．卡尔威（意大利，1833~1884）

　　意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名，奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物，乃为十五世纪来自非洲的摩尔人，高居将军之位而遭嫉，遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色，而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。

　　苏珊 "SUZON"

　　奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）

　　罗丹（1840~1917）近代雕塑之父。他用黏土，青铜和大理石，以前所未有的坦率，直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念，他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗，印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。

　　1870年进入卡里埃．贝流兹（Carrier－Belleuse)工作室，当时作品皆需刻上卡里埃签名，罗丹为了多攒些钱，所以利用晚上雕塑一些女性胸像，然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品，强烈敏锐的洞察力，勾勒出苏珊温柔婉约的表情，精致的脸孔，极其腻人，轻柔的卷发系上柔软的丝带，高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来，堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。

　　坚忍的母与子 "Mother and Child"

　　亚堤里欧．皮奇瑞利（义裔美籍，1860~1945）

　　此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材，但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童，紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里，孩子好似找到安全的慰藉，哭泣倾诉与母亲温情的垂问，形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。

　　运动员 "The Athlete"

　　唐纳多．巴卡里亚（意大利，1849~1930）

　　来自米兰学院的巴卡里亚，在他十七岁首次参展时，创作才能即被肯定，他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年，当年曾在米兰展出，并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯（Hercules）的构思，不但融合了高度的写实技巧，更是兼具理想美的作品，是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。

　　爱神与赛姬 "Cupid and Psyche"

　　裘里欧．贝冈左里（意大利，1822~1868）

　　相传赛姬拥有絻世的美色，使得维纳斯大为嫉妒，遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭，使赛姬爱上最丑恶的怪物，没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中，温柔的吻着赛姬，丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势，上扬的动态，传达出传说中缠绵爱情的浪漫，是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。

　　女孩系列胡恩．克拉拉（西班牙，1875~1957）

　　胡恩．克拉拉以自然且生动传神的技法，雕出孩童纯真可爱的本质，更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初，在动作上彷佛有其联贯性，件件趣味横生，不失童真。

　　四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上，她被眼前高处的饼干吸引住了，急着想站起来，没料到却滑落下来，心想干脆换张椅子再试着爬上去，可是她又担心会被妈妈发现，不禁频频回头，总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋，因为眼前好吃的东西太多，真不知要挑哪一样？结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干，居然狗儿也来势汹汹，紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作，相当可体会童心的可爱之处。

　　第一章 雕塑的概念

　　不论在什么场合的雕塑、不论是什么材质的雕塑、不论是表达什么内容的雕塑、它的艺术表现手法就是三大类型，即具象雕塑、抽象雕塑、意象雕塑，这三种类型的雕塑将给人的艺术感受、思想内涵、景观效果都不一样，观众理解的程度也不一样，唯一一样的是它用硬质材料制作的具有三度空间的、表达思想意念的、独特形体的人造物象，统称叫雕塑，它象数、理、化课本，有相通的一面，也有独特的一面。

　　雕塑是雕塑家对于生存世界的一种审美认识与审美情感的思维表现，即精神的物质化体现，在对材料的具体加工改造过程中，为了恰如其分地体现出这种表现。总是自觉不自觉地遵循一定的原则，渗透相应的思想观念，以此采纳相应的艺术手法。

　　那么什么是艺术手法呢如何理解艺术手法在雕塑作品中的运用呢“艺术手法是艺术表现或艺术传达中的一些具体的手法和方法，如：描写的手法和抒情的方法、再现的手法与表现的手法、写实的手法与写意的手法，具象的手法和抽象的手法等等。艺术手法只是某种创作方法的一般原则的具体表现和特殊表现。我们的雕塑作者和观众只有了解了各种艺术手法所要表达其思想内涵的特殊性，才能去理解其雕塑所要表达的内容，才能不会以一种思维模式去读不同手法的雕塑。例如，用民歌的演唱模式去欣赏流行歌曲、用通俗唱法去评判京剧表演，虽然都是在演唱和动作，但两者有完全不同的独立性。雕塑亦是如此。

　　第二章 具象雕塑

　　具象雕塑是写实与夸张相结合的一种雕塑类型，具象雕塑的艺术手法是对现实物象的客观再现。它指艺术中可辨认的、和外在世界有直接关系的内容，它是外在世界的直接反映。艺术家运用具象艺术手法制作雕塑，掌握严格的透视、解剖等科学原理，用物质材料模仿或再现物象的基本形态，如人物动物的比例、结构、肌肉、运动变化形态等，追求物象的整体或局部的形似，通过对自然严谨之象细致精确的刻画，获得具体真实效果的雕塑类型。（一般具象雕塑类）

　　一、具象雕塑的发展概况

　　随着人类发展的进程推移，人们寻求再现身边神秘物象的途径，凭主观意念去摹写生灵，其愿望是渴求获得真实的形态，对逝去事物的怀念，追求物象再造的肖似，古代的能工巧匠们严格把握工具的运用、材料的控制、形象的逼真，加之还有直接从死人脸上翻制面模的习俗，就这样经过漫长的训练和摸索，已经能够掌握和运用具像艺术手法，从形态至神态，尤其五官布局都已极其到位。其技艺与风貌随着地中海的渡流进一步扩展至对岸北部的希腊。爱琴海的温润气息孕育了古希腊人独特的人生观，“神人同性”、“模仿说”等哲学观促使了世界变得不再神秘，对自然、对人本的研究就此拉开了帷幕，也就是说两千五百年前，几何学、解剖学的发展从根本上促进了具象艺术手法运用的发达与完善。由此开始，漫长的西方文明便以此为主要艺术手法，展开了绵延不断的艺术旅程，古罗马艺术、文艺复兴艺术、巴洛克艺术、古典主义艺术、浪漫主义艺术、现实主义艺术等等高潮迭起，在泥、石抑或还有木，以及由泥通过翻模转变为铜、铁的材质上，产生了辉煌的成就，西方雕塑史上的经典之作大都产生于这一系统之中，它们几乎占据了世界雕塑史的主要篇章。（古典类具象作品）米开朗墓罗在此系统中，无疑是一座智能的高峰，他的不懈努力和以此创造的成就，永远成为后人难以逾越的屏障，具象艺术手法的熟练掌握和神奇运用令人叹为观止。随着集中的学院式的具象技能训练的展开，产业革命的蓬勃发展，照像技术的逐步推广．机械设备的增多，具象似乎已不再是难事，人为创造的具象技能，面临着机器设备的冲击，至此，19世纪末，20世纪初的人们面对创造的成就，面对风云变幻的世界，具象雕塑已不再成为唯一的标准和选择，昔日的艺术主流到了20世纪，开始分叉为密布交错的众多细小支流，而具象依然在不断接纳和融汇中奔腾不息。

　　二、具象雕塑的类型特点

　　具象作为一种艺术手法，在制作雕塑的运用过程中，能产生多种形态的雕塑作品，主要类型基本上可以分为三种：

　　客观再现的具象雕塑；一切以自然为本，把自然对象的造型、神态、环境、气氛、道具等从整体到个体上都加以真实地摹仿、如实地用材料再现出来．其具象或写实程度，儿乎可达到乱真的程度。自然主义雕塑和20世纪超现实主义的雕塑都可归纳于此类。如：古罗马人通过对真人头像直接翻制的面模肖像雕塑即是如此。20世纪欧美各国也有许多雕塑家从事此方面的探索和研究，比较有代表性的雕塑家是安德利亚·约翰·德，他的雕塑以着色男女裸体而闻名。他先用多元树脂和玻璃纤维塑出真人大小的裸体。然后表面着色，其精致程度，连毛孔和血管都不放过，神态惟妙惟肖。（纯写实类雕塑作品）

　　主观再现的具象雕塑；以现实为本，但又适度结合人的主观能动性，对所选择的物象进行合乎雕塑规律与生存逻辑的提炼与加工，舍弃次要的与主题无关的细节，有意识地强化主要的能突出主题的部位，整体上是忠实于现实的，但细品开来，却蕴藏着雕塑家对形体的概括与强调的种种处理，雕塑的生命活力源于现实，但视觉传达上又忠于现实。历史上几个辉煌时代的大部分具象雕塑皆可划予此类。如古希腊雕塑高度概括而产生和谐之美；米开朗基罗因强化形体而形成的力量之美；法国古典主义雕塑由细腻圆润而传达的生命形态等等。（主观再现类的作品）

　　主观表现的具象雕塑；仍以现实为本，但较之前者更强调主观感受，在形体的处理上，与现实真实的物象的冲突开始明显，或许保留情感流露的痕迹．如加工肌理和材料肌理，像刀味、泥味以及手感等。从法国浪漫主义雕塑家开始，即已不再满足纯粹的、静默的、完整的、或多或少地有些僵化的古典模式，吕德、卡尔波等雕塑家不断追求跳跃的生命活力，罗丹更是将自身的情感，毫无保留地倾注于形体的雕塑过程中，他的雕塑处处都显示出流动的激情。此外20世纪的现代雕塑家们有些同样也承继传统的具象艺术手法，用其去创造现实的形体，但又在最后的形态传达方面，对其进行肢解、扭曲和打散等，再进行新的组合，就其手法的运用来看，仍然是具象的艺术手法，然其结果却是非现实的本来形态，（主观表现类的作品）

　　具象雕塑的特点，可以从以下两个方面展开：

　　情节生动、形体准确；从造型角度来分析，不论是采取常规的，对客观对象如实描写，还是根据主观要求，对客观对象有所取舍、强调、组合等，在总体上，一般都不脱离对象的具体形态。对于绝大部分具象雕塑来说，它表达的主题明了、形体准确、益于直接反映雕塑家的思想和看法，直观地再现世界的变化，形象地传达某种深奥的理论学说，纪实性、情节性、纪念性的题材是其长项，所以深人展现物象的神态特征，肖像类型的具象作品总是居多。

　　传达单纯、交流直接；从接受角度来分析，它因采纳严谨科学的条理，产生明确无误的形态，而县有一定的真实感，所以在传达与交流时，比较单纯直接，易于为人接受和理解。但另一方面，相对于意象和抽象来说，它的表现受一定的束缚，投人的精力较多，制作的时问较长，其技能尤其需要长期的磨练。而且结果缺乏更多的观众参与感，传达较为直白、让人深思耐品，启发人的联想的可能性较少等。无论怎样，具象雕塑艺术充分展现了人类的技能价值．正是它加深了人对世界以及对自身的深入观察和了解，它使世界变得不再神秘，而以本来面貌形象地展现在世人面前。

　　第三章 抽象雕塑

　　抽象雕塑是形体符号或几何符号与意念相结合一种现代雕塑类型，用抽象艺术手法制作，完全强调艺术家的主观意念，抛弃生活的真实，作为艺术手法来看“抽象是指艺术中不可辨认的、与外在世界无直接关系的内容，它虽然也属于一种反映，可这种反映并不是象镜子似地忠实反映，而是一种主观化、情绪化的反映．它没有具体的形象，自从德国美学家、建筑家鲍豪斯于1919年在改革建筑设计的基础上首先创立了"立体设计基础"—立体构成理论学说以来，新的立体设计潮流迅速发展到建筑设计业，工业品设计业。在不到一个世纪的历史发展时间，这一造形设计体系不仅刷新了整个世界，而且在不断的发展和提高，分别派生出诸多立体构成门类，立体构成设计理论在抽象雕塑设计上的应用，进入了很成熟的发展阶段。抽象雕塑只将点、线、面、体、色等造型元素在空间中的凝结与游动，分离与组合，作为展示的目标，通过上述造型元素的互相作用，构成一定的视觉形象、传达一定的含义，形成某种氛围和美的形态的雕塑类型。（一般抽象类作品）

　　—、抽象雕塑的形成与发展

　　抽象作为一种艺术手法，从古至今的任何艺术的创作过程都或多或步地运用过，但真正具有独立特征的抽象雕塑却产生在20世纪上半叶，它是雕塑艺术发展的一个极端，抽象雕塑的产生，有其相应的基础和过程，从某种角度说，也是时代发展的必然。这可以从两个方面来理解，其一是社会背景，时代发展到20世纪初年，由于连年的战争，“人们对势在必行的发展缺乏信心，一种精神的惶恐感，影响了各地的艺术家，对自然界作完美的反映也不再适合知识大众的感情。”其二是艺术背景，古希腊、古罗马以及文艺复兴时期的众多大师们已经创造了无可挑剔的具象雕塑成就，从人的价值来说，后来之人总得创造，试图超越就得独辟蹊径，反具象之道而行之不啻是另一个渠道。加之保守而固步自封的学院主义雕塑作为一种戒律规范，统治着欧洲近二、三百年，早已形成一种毫无生气的僵化模式，突破与超越的氛围已经形成，罗丹后的一大批雕塑家在雕塑的形式语言方面展开探索和实践，雕塑的加工方式、材料语言、构成方式等单独纯化研究自然也就提上了议事日程，强调创作主体的个性化行为，使雕塑艺术渐次脱离开现实的束缚，走向了一个纯粹精神的提炼，这个过程的结晶便是形成与具体物象截然对立的再造物象，在艺术的功利不再仅仅作为纪念和沉重的道德宣扬，而更多的只是艺术家个人精神的宣泄之后，这种物象迎合了现代人的某种心理，满足了人的多种愿望，也符合时代节奏的发展，因此成为20世纪蓬勃发展的一种艺术现象，兴盛于当今世界。（一般抽象类）

　　俄国雕塑家塔特林是抽象雕塑发展的一个重要人物，他在1915年进行了一系列试验，“用原材料和现成物品构成艺术作品，并将它安置在真实的环境空问中，严格摈除任何再现的企图。材料有着各自的造型品格，用木头、铁、玻璃等表面质感来组织一幅艺术晶，”以此产生了一系列新的雕塑艺术革命。或追求几何形体的提炼与概括，或突破木、石、金属等传统材料，直接强凋各种现成品材料的材质感觉，在造型方法上更是突破雕、塑、刻等世代沿袭的惯常手段而大量地采纳集合、构成的手段，以此在抽象手段的运用方面取得显著的进展。（彩色构成类）

　　二、抽象雕塑的类型特点

　　在繁杂的抽象雕塑领域，试图对其进行更为深人地类型划分，几乎是十分困难的，因为抽象雕塑本身就是在极度个人意识指导下进行的，传统雕塑造型语言渐渐丧失，代之以新的辨别系统，各种组合方式，如金属焊接、粘贴等等．无具体形象的传达导致作品丰富的同时，也使彼此之间的差异愈来愈难以辨别，共性趋多，唯有点、线、面、体、色在空间的种种组台。如果非要有所深化的话，从抽象雕塑的形态构成方面似乎有着模糊地差别。（混合构成类）

　　单元抽象雕塑；既然抽象雕塑只是点、线、面、色彩的一种有意昧的组合．那么对于雕塑家来说，人与人的偏好也就产生相应的差异，有些人可能更喜好单一的元素，仅以点体、线体、面体，分别地制作抽象雕塑，产生单体元素的抽象雕塑，简称为单元抽象雕塑。（单元体构成类）

　　多元抽象雕塑；还有一些雕塑家则更喜好综合各种几何形体进行空间中的材料构造，运用不同形态、大小、厚薄、颜色的几何形体，通过交迭、穿插与组合，形成复杂变幻的空间形象，产生点、线、面、体等共同构成的综合元素的抽象雕塑，简称为多元抽象雕塑。许多抽象雕塑以点与线构成的，圆形、方形、三角形板块交错构成的，形成疏密有致、有特定意味的一种形体。（多元构成类）

　　理解抽象雕塑的特点可以从造型、接受和应用三个方面来进行把握：

　　抽象雕塑具有形态设计的凝练性；从造型角度来看，抽象雕塑大都“摒弃一切客观表象，直究事物本质与内在结构，理性的运用非再现、也非表现性的符号性语言，创造出能演绎心理、精神、理念活动的非具象性的可视形态的造型。或直观明确、或深奥莫测，幻想性的虚构成分居多。富于哲理或解析之美的内涵、形成美学范畴中新异、无序、不和谐的审美特质。”

　　抽象雕塑具有视觉传达的广泛性；从接受角度来看，抽象雕塑由于其形象创造不是任何具体的对象，而且带有强烈的个人主观色彩，因此情感交流上非通俗与不直接，不易被人理解，令人费解，甚至让人产生曲解和误解。反过来说，这也正是抽象艺术的魅力所在，内涵的宽泛、形象的不确定性，导致传达的多义性和模糊性，让人思索与品味再三，从而调动人之思维与行动直接参与感。

　　抽象雕塑具有与建筑环境的协调性；从应用角度来看，抽象雕塑由于其所传达的形象因素相对薄弱，而更多地采纳点、线、面、体的空同架构的形态语言，较之于具象雕塑，材料的选择与加工更为自由，“漫无边际地选用具有形形色色结构美的新颖建筑材料，获取只有近代物体或艺术才能实现的光、色、透明等优美效果。”这就与周围环境的建筑有着语言类型的共同，直接达到相互形态语言的交融。这大概也正是抽象雕塑能在20世纪的都市环境空间中得以迅速地推广和普及的原因所在。

　　第四章 意象雕塑

　　意象雕塑是对自然物象的变形与意念相结合的雕塑类型。客观物象是意象创造的基本依据，可辨别因素相对于具象来说更弱，但又不似于抽象的毫无关联，可以说它是外在世界的间接反映。意象艺术手法与具象一样，也以客观物象为参照，但渗透的情感观念更强，能动性发挥更多。

　　艺术家用意象艺术手法制作，将相似于物象的具象造型和不似于物象的抽象造型熔为一体，尊重客观现实，但又重于理性分析，运用归纳、强化的方法，对自然物象进行概括简化，保留最能体现其特征的部分，并加以变形夸张，以突出这种特征，从而使造型既具客观之象，又具主观之意的雕塑类型。（普通意象类）

　　一、意象雕塑的形成与发展

　　意象雕塑可以说是人类最为古老的雕塑形式，历史上各个民族都产生过具有自身观念和强烈的功利性质的意象雕塑，因为在具象再现能力尚未达到和抽象表现的审美尚未形成之时，人类祖先的“雕塑”皆是以意在先，从生存与发展的角度表达出物象特有的希望值，意象地参照物体，再用物体传达意象的，以此产生的作品往往有所凝练、省略、突出和强化，但整体上又不离开形体的外在形态。如出于人类由来的困惑，而产生的夸张母体特征的女性人体，用于宗教崇拜的各种神灵，以及变异合成的氏族图腾，还有寄希望于食物丰富、子孙繁荣的各式各样的动物类型的雕塑作品等等。意象雕塑尽管在世界各地均出现过，然而在不同地域的发展并不平衡。雕塑的发展从根本上约束于特定时空中的政治、宗教、科学以及社会习俗等，因此受上述因素的影响，意象雕塑在各个民族中的发展相应的也就有所不同。（装饰意象类）

　　二、意象雕塑的类型与特点

　　意象雕塑近似于现实的具体物象，但又相异于具体物象，其原因在于意象雕塑处处体现出雕塑家的主观处理，那么意象作为一种艺术手法．在雕塑形体艺术处理时必然产生相应的类型，当然雕塑作为艺术是变化万千的，在艺术手法的运用方面当然也会交错混用，因此类型的界定与划分并不是绝对的而是相对的。（混合意象类）等有意识地省略人体的细节，简化形体起伏之问的高低点距离，致使形体饱满，传达出由内向外的凸胀的生命弹性。

　　显意象雕塑；雕塑家对现实中的具体物象进行整体的分析，运用简化、归纳、省略等具体手法，作者所表达的意念、情感、动态都在雕塑作品能体现出来，其艺术语言语言明显，能让观众看得明白，更便于理解，如：是在打球、是在跳舞等可读懂的动态情节。这些显意象类雕塑适合在公共场合建立。（显意象类作品）

　　潜意象雕塑；作品内涵深遂、产生整体概括甚至朦胧语言的意象雕塑。雕塑家对现实中的具体物象进行主观的调整，致使物象不脱离性征而又产生形体的空间外形变化。甚至将其所有的物象均作有意识变体或具象错位、或是不符合常理的谎诞，它是作者主观信息和灵感的传达，将自己的意念主观地附于作品的表达，以到对现实、对事态、对情感的讽刺和舒发，观众不能理解、甚至不明白作品的含意，观众对作品只能获得独特标新的感觉而且，所以，称这类作品为个性化作品，也称潜意象雕塑，这类作品的创作要比显意象类雕塑更能体现作者的创意功力，这类作品多出现在雕塑联展、邀请展、比赛、或个性化室外雕塑。（隐意象类雕塑）

　　混合意象雕塑；雕塑家对现实中的具体物象进行综合的处理，通过增添、移植等具体手法将两种或多种不同状态的物象，进行形态上的打散和揉合，产生彼此元素合成的艺术效果。的雕塑作品中。将自然形态与人物动态相互渗透，产生两者兼容、似是而非的结果。（混合意象类雕塑）

　　装饰意象雕塑；主题是构件类物象，如图腾柱、牌楼、壁照、艺术建筑、象征性碑牌、吉祥物等，这类物件上要附加一些能体现业主意念的雕塑内容。如花卉、龙凤、脸谱、等图案符号，更多的作者创作的装饰性意象作品。（装饰意象类雕塑）

　　理解意象雕塑的特点同样可以从造型和接受两个角度展开。源于现实、高于现实。其内容选择一般均来源于自然世界的方方面面，但又不是一般意义上的被动选择，而是更加强化主体对客体的主观感受，兼容为主，合二体为一，使其造型的结果既有客观之象，又具有主观之意。

　　造型形式、语言丰富；相对来说具象雕塑受现实束缚较多，雕塑家创作的自由伸展度较小，相反抽象雕塑凶与现实的具体物象关系不大。仅率直地以点、线、面当作惟一的造型母语，而意象雕塑恰恰综合两者之长性，艺术创作的自由度相对地较为灵活，形式语言产生的基点较为宽泛，表现上也就更为丰富。

　　结果传达、深思耐品；意象充分体现了对人的尊重，首先它主要表现在对艺术家主观能动性创造的尊重，其次它表现在对审美者接受性的认识，尊重他们的思维体验的参与性。基于上述两者，在造型的结果方面，充分发挥雕塑家的创造性，对现实物象进行宏观的把握，抓住感觉上最核心的部分，把雕塑家的一种体会、感受、意境通过作品传递于审美者。它似乎造就一条思维的道路，但这个道路不是一览无余、毫无变幻的平板直路，也不是一个死胡同，而是—条弯曲变化、景色有致的观念之道，从而为人(雕塑家、审美者)的情感活动潜留了宽泛的空间余地。

　　第五章 沙雕艺术

　　沙雕作为雕塑艺术的派生支系，它的艺术空间效果巍然壮阔，气势磅礴，它的艺术语言和振憾强度将胜于建筑和石头雕塑，它是艺术领域的后起之秀，希望它有一天通过科技手段成为不朽的永久存在。

　　沙雕艺术起源于美国，已有百年历史，二十世纪初在美国佛罗里达州和加利福尼亚州海岸举行了各种沙雕竞赛和活动，艺术家从中学习了各种技巧和经验，并把它发展成为巨型雕塑。这一艺术项目成规模引入我国则是近几年的事情。沙雕特有的艺术魅力使其一经问世便受到了人们的关注、欢迎和支持，短短几年时间，已有浙江舟山、上海松江、云南陆良、河北昌黎、宁夏银川、山东青岛等十余个地区相继举办了规模不等的沙雕比赛、展览活动，产生了广泛的影响。最近在新疆吐鲁番利用天然沙源和特有的少雨气候，建成了“中国沙雕艺术城”。

　　国内的沙雕水平虽然暂时还难与欧美比肩，但在一系列大赛、大展中也屡有佳作问世。2001年国庆节期间在上海松江举办的以“亚太神话”为主题的国际沙雕冠军总决赛；2002年7月在山东青岛举办的“薛家岛杯”金沙滩国际雕塑艺术大赛；2002年8月在宁夏银川举办的以“丝路奇观”为主题的首届沙湖国际沙雕大赛；2002年9月在浙江舟山举办的以“世界八大奇观”为主题的第四届国际沙雕节等大型活动都曾推出了一批优秀的作品，得到专家的肯定和群众的欢迎。

　　沙雕艺术可谓公共艺术领域的一朵奇葩，她的迅速崛起，对公共艺术的传统思维模式提出了挑战。它之所以能在短时间内风靡全国，首先得益于近年来城市建设的蓬勃发展。各级政府都非常重视城市雕塑建设，普遍把建造城市雕塑的规划纳入城市总体规划之中。尽管引入时间不长，广大群众对沙雕却并无陌生感和欣赏障碍，这便为沙雕艺术在国内的发展奠定了基础。

　　沙雕是一项融雕塑、绘画、建筑、于一体的边缘艺术，它是将适应性沙材、固化防风材料和技术与雕塑、绘画、建筑等艺术创作构思相结合的构筑型空间艺术。沙雕一般都在公共空间制作，游人可随意参观，高兴了自己动手堆个沙人、沙马什么的，其乐融融。亲近受众是现代公共艺术的重要特征，何况还能动手参与，易于推广和发展。沙雕制作周期较短，一般10天左右即可完成。所以，举办沙雕活动的成本远比其他艺术活动要低，而且沙雕多为就地取材，一旦作品损坏，既不会破坏景点美观，也不会污染周围环境，可算是“绿色艺术”。

　　在信息化时代，沙雕这样的快节奏环境艺术有着广阔的发展前景，有待进一步完善沙雕艺术活动的专业管理机制，加以正确组织引导，以提高沙雕从业人员的艺术素质和专业能力，我们期待着沙雕艺术在先进文化的统领下茁壮成长。

罗丹的艺术风格：

他在很大程度上以纹理和造型表现他的作品，倾注以巨大的心理影响力，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家。

奥古斯特·罗丹是19世纪法国最有影响的雕塑家，他一生勤奋工作，敢于突破官方学院派的束缚，走自己的路，他善于吸收一切优良传统，对于古希腊雕塑的优美生动及对比的手法，理解非常深刻，其作品架构了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁，罗丹是西方雕塑史上一位划时代的人物。

罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲文学史上的地位，罗丹同他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。他不愧是一个伟大的雕刻家。

欧洲两千多年来传统雕塑艺术的集大成者、20世纪新雕塑艺术的创造者。

扩展资料：

罗丹他所塑造的人物都是忍辱负重、现实生活的内涵写照，他的艺术力量不是外在的呼喊，而是理性意义的表露，是内心情感与思想的自然爆发。

他的取材但丁“神曲”的《地狱之门》这一与建筑紧密相连的巨大艺术工程，耗去了他后半生的整整37年，至逝世也未完成。著作有《罗丹艺术论》。

罗丹的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。

他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。以此而论，罗丹是最杰出的浪漫主义雕刻大师。

—奥古斯特·罗丹