国画绘画技巧

国画绘画技巧

　国画泛指中国绘画，是近代为区别明末传入的西画而出现的名称。我提供了有关国画绘画技巧，希望能够切实的帮助到大家。

　中国画技法包括山水、人物、花鸟画的基本绘画技法。

　中国画技法最显著的特点就是以墨线为基础，用以表现物象的轮廓、明暗、质感，同时通过墨线还可表达作画者的思想和精神。中国画的墨线本身就具有一种独立的美学价值。

　中国画的技法，实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的技法，其中墨法中包含了色彩的技法。在中国画的发展过程中，特别是到了元以后（文人画家的介入），中国画的抒情意味越来越浓。中国画的笔墨的含义，已不是简单的技法问题，而是中国画的代名词。在中国画的笔墨观中，渗透了中国画的精神。简单说来，中国画的笔法，是由点、线、面组成，而线条的运用是最重要的。墨法，就是利用水的作用，产生了浓、淡、干、湿、深、浅不同的变化。中国画的书写线条的方法被称为“用笔”，中国画用水墨的方法，被称为“用墨”。

　古人总结了用笔的几种特点：

　1．平，如“锥划沙”，力量匀实，不结不滞，只有控制住笔，线才能平实有力。

　2．圆，如“折钗股”，丰腴，光滑圆润，圆转有力，富于弹性，转折自如，刚柔相济，富于弹性而有力量。

　3．留，如“屋漏痕”，高度控制，积点成线，不漂不浮，象刻进墙皮，沉稳有力。线条是高度控制，行处皆留，意到笔随。宋郭熙说：“一种使笔，不可反为笔使；一种用墨，不可反为墨用。笔与墨，人之浅近事，二物且不知所以操纵，又焉得成绝妙也哉？”(1)

　4．重，如“高山坠石”，下笔就有力量，笔的压力要大，要压得住纸，充满力量，力透纸背，入木三分。

　5．变，如“百川归海”、“惊蛇入草”。

　古人把用墨的种种变化归纳为如下的方法称为墨法。用墨之法，前人有很多经验，总结起来，主要有七法：浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。“古人墨法，妙于用水。”所以墨法，离不开水的运用。

　浓墨法。运用浓墨，要浓而滋润、活脱。用笔头饱蘸浓墨后速画。

　淡墨法。有湿淡、干淡两种，湿淡是笔上先蘸清水，然后蘸少量浓墨，略加调和后速画。

　焦墨法。焦墨用法关键在于笔根仍需有一定水分，在运笔挤压中，使水分从焦墨中渗出，达到焦中蕴含滋润的效果。

　宿墨法。分浓宿、淡宿两种。由于宿墨脱胶而含渣，墨迹显露。故用笔时要注意虚灵、松动，更不得拖涂。

　破墨法。分浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干，还有水破墨、墨破水、墨破色、色破墨等多种变化。破墨法要注意在墨色将干未干时进行，以利用水分的自然渗化。用笔的方向也要注意变化，直笔以横笔渗破之，横笔以直笔渗破之。

　积墨法。用浓淡不同的墨，层层积染，称积墨。积墨法的特点是必须等前一遍墨色干后，再画第二遍，才能使画面墨色层次分明、浑厚华滋。

　泼墨法。有二种泼法，一种是墨水直接泼洒在纸上，根据自然渗晕的墨迹，用笔再加适当点画。另一种是用笔泼墨法。这种泼法，便于控制。

　冲墨法。是用墨画后，乘湿速以清水冲淋，使墨自然渗发。

　渍墨法。常用松烟墨、渍墨入画，往往墨色浓黑而四边淡开，得自然之晕。 ;

国画分山水画和花鸟画，又可分为工笔画和写意画，山水画也有工笔与写意之分，花鸟画同样。其中写意画又分为大写意和小写意。你不是会写书法吗？我举个可能不太恰当却很好理解的例子，工笔画就可以理解为楷书，小写意就相当于行书，大写意就相当于草书。

如果你喜欢山水画，可是又没有基础，那么我建议你先看看《芥子园画谱》，简单了解并学习一下，可以学些形式上的东西，学学用笔，但“神”与“气”不用完全像，在书法里也有“神与气”，我想你应该了解。学完简单的用笔，然后你就可以学“明四家—沈周”的画，有东西又不匠气，路子不偏，很适合初学者。在这期间，多看看好东西，大师的东西，书店里有的是，多看，眼界自然就高了。山水画不要太工细，画画是要找感觉的，跟着感觉走。

字画不分家，你既然有基础，上手应该是很快的。如果还有不会的可以追问。

冷拼与中国画的关系如下：

1、花色冷拼与中国画的渊源，最早有记载的花色冷拼是唐代尼姑梵正，仿王维竹绘《网川图》（共二十景）画面，以腌鱼、炖肉、肉丝、肉片干、肉酱、酱、瓜果、蔬菜等物拼制而成。实际上花色冷拼自挺生之日就与中国画具有天然的联尔。

2、中国画的阿成要素，从造形上看包括点、线、面三个要素，从艺术的表现技法上看，中国国的勾成妥素包括墨法、笔法、色法、向图章法、线条，以及其所要传达的意境知审美等，从艺术的表现上可以分为视坑周面、表现层面和精神层面包括意境。

3、中国画的类相要素特征运用在花色冷拼。

　　中国画，简称“国画”。是我国具有鲜明民族特色的传统绘画艺术。它是用毛笔、墨和中国颜料在特制的宣纸或绢上作画，在世界美术领域中自成独特体系。中国画因技法和表现形式上的特点，又有工笔、写意、水墨、重彩之分。中国画历史悠久，在发展中形成不同的时代风貌。其中，画与诗、书、印相结合，是中国画的一个独特之处。

一幅好的国画，需要有好的黑白布局加上好的诗词、书法及其印章，才能完美地展示出一幅中国画的独特的美。因此，人们往往把画面上的诗文、题字（书法）和钤盖印章，誉为国画之“三绝”。

一幅好的国画，与诗、书、印互相关联，相辅相成。以画为主体，诗书印的有机结合，其实质在于发挥各自特长，增加作品的内容深度和艺术境界，达到“形神兼备”、“气韵生动”的效果。

一、诗与绘画的结合是中国画的一大特征

诗与画本是两种不同的艺术，诗是语言和时间艺术，画是造型和空间艺术，它们都要求精练抒情并有韵律，追求通过意境的创作抒发作者的情感、激发观众的想象与联想，恰如古人所云：“画难画之景，以诗凑成；吟难吟之诗，以画补足。”正因如此，中国画历来提倡诗画结合，表现在绘画上有两方面的情形：一方面是内在境界的交融，即画的构思，章法、形象、色彩的诗化，画上并无题诗，却有诗的意境，所谓“画中有诗”“画是有形诗”。至于在画面上题诗，是宋代才出现的。中国画对诗画共同境界的追求，到宋代延及到对诗、画形式交融的追求，既将诗直接题写到画面上构成画面的组成部分，题写的内容也逐渐扩展到词、散文等。宋苏东坡评价王维的诗画时说“观摩诘之画，画中有诗；味摩诘之诗，诗中有画。”可见不少画家，既是诗人又是画家。

二、法与绘画，古往今来始终融溶贯穿在一起

中国素有“工画者必善书”的说法。元代著名画家赵孟頫，曾作过一首诗：“石如飞白木如籀，写竹还应人法通。若也有人能会此，方知书画本来同。”这里“飞白”指一种干枯，苍辨的草书笔法。“籀”，也叫籀书、大篆，是传说的《史籀篇》所用的字体，其特点圆浑沉着的篆书笔法。“人法”指书法的整个笔法。从诗中看出他十分强调书法的重要性以及书法同绘画的关系，以书养画，以画育书。二者互为生存，密不可分。

书法在国画上的作用很重要，中国书法之所以能够成为一门艺术，最基本的原因在于汉字和毛笔的特殊性。毛笔是中国传统的书写工具，特点是柔软而有弹性，因而能书写出粗细、刚柔、顿挫、浓淡等种种不同的形态和意境的结构和点画。正是这个特殊工具才使中国人书法有可能成为一门世界独特的艺术。

书法中十分强调运笔的重要性，侧重点是笔在线条中的驰骋运用。绘画同样如此。运笔的方法有中锋、藏锋、回锋、侧笔、递笔等。如：写意的画好比是张颠的狂草，而工笔画则如楷书。更有人把竹干到叶到枝都和书法结合起来，画竹干如写篆书；画竹枝如写草书，画竹叶如写真楷，画竹节如写隶书。可见书法与绘画密不可分，在欣赏一幅国画时要从其内在的功力出发，观其形而见其功。一个好的书法家，无疑也是一个好的国画家。

三、题款和印章在画面布局上发挥着极大的作用

题字分为“长题”和“穷款”两种。题字较多的称“长题”，可以是几个字，两句诗，一首诗，甚至更长一点的诗文。题字少的记年月日和姓名，或者只写姓名。这种叫“穷款”或“短款”。款有“款式”，款字的位置、大小体格都不能随便。落款对画面有调整重心、配合节奏、相辅相成的作用。另外题字的笔法要写得格调和谐协调。例如潘天寿的《石榴》，画家题字轻灵细硬的笔法，与画的雄浑苍劲的笔法形成对比，相互烘托。他将题字处理成横式，字的形体处理为大小二种，且书写于大块空间的偏上处，这样，使画面上块空间毫不雷同，饶有变化，独具匠心。一些精于书画浑于一体的画家，往往在画面上题上一大段文字，有时题上行、篆、隶、草等不同的字体的几段文字，也有时只在画面上题上简单的字号，这一切都是从画面构图、黑白、节奏、空间等要素的需要出发，欣赏者不可不知。

印章是从题字签名而来。一方小小的鲜红印章，在画面上却有着不可忽视的份量，是画不可分割的组成部分。用得好，可以使画面顿起精神。印章的风格要和画的风格调和，如出一手。这就要求画家特别懂得篆刻。所以在中国画中画家都一般自己刻印，要求画家不仅能画，还得能写，懂诗文，还得学会刻印。

印章看起来虽小，却大有文章，钤印也是一门艺术。 白文印，红颜色多，显得分量重，适宜用于醒日的地方。朱文印，红颜色少，显得分量轻，适合在白块少的地方。当然在画面有哪些地方用轻(朱文印)，哪些地方用重(白文印)，印的大小，形状，打在哪里，打几个，都要从整体需要出发，慎重考虑。

国画用的印章，一般要有姓名章和闲章两类。姓名章又分为姓名印和别号印，一般打在画家姓名或别号的下方。闲章是印文为诗句或成语的印章，分为“压角章”和“起首章”。压角章一般打在画幅的下角。字画的右上角打一颗起首章，形状多为竖式长方形，与左下角的姓名章相呼应。

一幅好的水墨画，虽然能墨分六彩，但倘使能再钤上鲜红的印章，则更能相映而成趣。再如潘天寿写荷花，往往在画幅的中段空隙处补印章，借以起到把画面拉紧凑拢，气贯意连的关联作用。清代乾隆，喜欢题字钤印，密密麻麻，连版累牍，没完没了，在很大程度上影响作品的美感。很多初学国画的人，不知道印章钤盖位置的重要，使钤印的地方与画很不协调。

四、总结

诗书印的应用是中国画的民族风格中的主要组成部分，如何应用好诗书印，使三者有机结合，辩证统—，为中国画锦上添花。不断丰富发展国画诗、书、印“三绝”的艺术，使其发扬光大，也是从事国画工作者的一项重要任务。

（作者单位：宁夏盐池县图书馆）

国画中的勾皴染点擦是山水画中的基本技法。实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的技法。

一、勾。先以淡墨勾描出物象轮廓，然后着色，最后依形象需要用重墨或浓色。

通过对线条的起、行、收的练习，掌握线条运行的基本规律，准确把握指、腕、肘的运行方向和力度，灵活运用各种顿挫、转折、提案。用线勾出山体外形大体轮廓或山石主要脉络结构。

二、皴。中国画技法名。是表现山石、峰峦和树身表皮的脉络纹理的画法。画时先勾出轮廓，再用淡干墨侧笔而画。

在确定山体岩石主要脉络结构的基础上，用干、湿、浓、淡、粗、细、长、短、不同笔法皴出凹凸、明暗、质感和立体感。

三、染。同时用色笔和水笔，先着色笔，再用水笔把颜色烘染开，使其色调渐淡或渐浓的笔法，一般有四种不同的染法：套染、点染、罩染、接染。

用淡墨分染山石明暗凹凸，以丰富其质感和立体感。为增强画面的气韵和整体效果，可将画稿喷湿，在用淡墨烘染，尤其烟云、恋、层次更适宜此法。

四、点。点用笔要轻灵，古人形容为“如蜻蜓点水”，在纸上轻轻一啄，迅速提起。用墨要富于变化，苔点密集的地方要浓浓淡淡，苍苍茫茫，表现出丰富的笔墨内容。

是墨稿将近完成时为丰富画面或弥补败笔之处。用重墨点苔，点“醒”和调整。点苔是用以展现树林苔草，点苔有重墨点苔和彩墨点苔。重墨点苔适宜点在岩面结构的暗凹处或突出山石的要害处，彩点苔多用于秋季和春季。

五、擦。运用擦笔须不见笔，它的作用是补勾、皴的不足，或使皴笔浑成，增加过渡墨迹。

为增强山石浑厚、苍润之感，一般采用软、松、破、秃之笔。蘸干、淡墨擦山石的亮面，或蘸干淡墨擦山石的阴面。“擦”不用线而是用枯、破笔侧峰擦面。若从画面效果出发，也可采用其他方法。“凹皱浮擦法”其效果既丰富又有质感。

扩展资料

国画即中国画，简称“国画”，我国传统造型艺术之一。在世界美术领域中自成体系。国画大致可分为：人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。

主要有构思、构图、用笔、用墨、设色、收拾等方面，其中用笔用墨为最基本的技法。

1、构思。又叫立意，即作画之前的形象思维过程。

2、构图。即六法中的“经营位置”，又叫置陈布势等。亦即画面各种物象的位置、比例、墨色等的安排。

3、用笔。即六法中的“骨法用笔”，有线描、勾勒、皴、擦、点染，笔用中锋、逆锋、藏锋、露锋、拖笔、 破点等。

4、用墨。经历代画家发展有：焦、浓、重、淡、清、退、埃、宿等各种墨色，运用时须各得其所。又有泼墨、破墨（即浓淡相生）等具体技法。

5、设色。白描：不设色，全用线条表现，或仅以淡墨、淡水色稍加渲染。重彩：一般指工笔重彩、勾勒填色、大青绿等。淡彩：以墨色为主调，敷以淡彩色。没骨：纯用色彩画，并不勾线。（纯用墨点染，不沟勒的亦叫没骨。）

6、收拾。画成以后再作整体收拾，使全画最后达到气韵生动的境界。

参考资料-国画技法

一、用笔

书画同源。中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同，因为中国绘画的主要造型手段是采用书法式的线条。甚至有人说，把中国书法学到家，中国绘画就学到了一半。用笔的方法又包法、指法、腕法。

身法

是指在书写或绘画时身体的各个部位要采取正确的姿势，姿势又分为“坐姿”与“立姿”。“坐姿”就是坐着书写或绘画，身要正，肩要平，背要直，两腿分开，双脚平放在地上，左手按纸，右手执笔，两眼注视下笔处，眼与笔尖保持约30cm的距离，全身要舒展，自然放松，神集中。一般写小字和画工笔画都是坐着写或画。如果写大字或作写意画就要采取“立姿”，其要领和坐姿相似，要特别注意勿使驼背，防正僵直。

指法

是执笔的关键。(如图一)中指与食指勾住笔杆的外侧；大拇指的指肚抵住笔杆，与中指、食指形成合力握住笔杆；然后，依靠无名指由内向外抵住笔杆，加上小指在无名指的下面辅助推动，配合上面的中指、食指和大拇指，使笔头能做360°的自由挥动。

“指法”的要领：指实而掌虚，各手指按不同的分工落在实处，灵活运用，要点在“灵”字上。从生理上讲，肌肉要放松，掌心要空虚，似乎能放入一个鸡蛋。手在笔的位置应根据字的大小有所不同，一般在笔头的3-4cm的上面。运笔时，笔杆要保持与纸面垂直。初学者要注意，一开始就要掌握正确的姿势与方法，以期久而久之养成良好的习惯，以免日后积习难改。当然作为绘画，特别是作写意画和大画的时候，其执笔的方法就有所变化，可参考以后的示范作画图。

腕法

上述“指法”固然重要，同时也要注意腕力和肘力的相互配合，这是三个有机组成部分，缺一不可。相对说，腕力尤为重要，熟悉乒乓球的人都知道，球拍的握法类似指法，但击球技巧中，腕力、肘力甚至臂力都需有机结合，他们也十分重视腕力。

中国书画在运用腕力上有以下四种不同的方法：

着腕，是把手腕部附着在桌上，偏重于用指力，多用于写小楷和工笔画勾线。

枕腕，是借助左手或其它物件使腕部提高，便于写稍大的字。目的是既稳健，笔的运动范围也更大一些。

提腕，是指右肘附着在桌上，借助腕部力臂的加长，使活动范围更大，指力与腕力相互配合，灵活运用，便于写更大的字或画大画。

悬腕，也称为“悬肘”，就是腕与肘部都悬空,其活动范围更大，甚至还可以借助全身的力量。“悬腕”在坐姿和站姿中均可应用。练得硬功夫，大字不必说，小字同样可“悬腕”。当然，这种方法的难度相对来说要大得多。

用笔，这里是指如何行笔、运笔，也叫“笔法”。前面说过，中国绘画和汉字的书写是一脉相承的，

我们可以把用笔的方法归纳为运用毛笔使点、线、面形成。当然，点是最基本的，也是变化最多的。点的延长成线，线的运动成面，中国书画在这几个方面都有很深的研究和严格的要求，学习中国绘画，首先是要从这方面开始，加深理解，反复练习，纯熟运用。

起笔和收笔

同是一条线，就是一个点，由于起笔和收笔的方法不同，所产生的效果也不同。所表达的情趣也不同。至于行笔，对于线条是否有力度，是否有弹性，是否流畅，都起着至关重要的作用，而且在行笔中的停顿、转折，无论是对造型，对表现物象的质感，对塑造物象的神志，对表达作者本人的情趣都起着十分关键的作用。因此，要重视点线面形成中的三个阶段，即起笔、行笔、收笔。

提笔和按笔

中国书画的用笔十分考究，就“提”、“按”的动作而言，因为技法的不同就分得很细，但对初学者来说，首先要掌握用笔的“提”和“按”。当你把含墨汁的笔向下“按”时，由于笔毫铺开，就会形成较粗的黑色轨迹；反之，当把笔向上“提”时，由于笔毫收敛，便形成较细的墨线。于是“提”和“按”的空间运动，配合行笔中的时间运动（速度快或慢）就会依照不同需要绘出不同形态的点、线、面。

中锋和侧锋

中锋是指笔尖始终都在墨迹中运行，而且笔杆与纸面保持垂直的角度，有的书法理论强调“笔笔中锋”，因为中锋绘出的线条丰满圆润，在中国绘画中的“勾描”、“点染”笔法中常用；“侧锋”是与“中锋”相对应的笔法，笔尖偏向笔画、线条的一侧，相应地笔杆与纸面成倾斜角度，所绘成的点、线、面的一边或两边毛涩，不光滑，用以取得另一种艺术效果，在中国书法中的行书、草书用得较多，在中国绘画的“皴擦”笔法中常用。

藏锋与露锋

“藏锋”笔法是指在每个笔画起笔时，不使笔锋露出来。以书法的一个横画为例：要写一个从左至右的横画，起笔时笔锋先向左，然后回转，再向右行笔，这种逆向起笔的方法也叫 “逆锋起笔”。当行笔至收笔位置时，停顿，向反方向回转、提起、收笔，这个收笔的方法也叫“回锋收笔”。再举一个书法的竖画为例：起笔时从上至下顺势向右下落笔，稍按再向下行笔，至收笔位置，渐提，收笔。这种笔法叫露锋起笔，露锋收笔。藏锋与露锋笔法在中国绘画中应用较多。

转锋与折锋

“转锋”就是在行笔到圆转的地方，不停顿，顺势回转，形成弧形的笔画和线条，例如书法中的心钩和直抛钩。“折锋”是指带有方折的笔画，这种笔法比单纯的“直画”，“横画”要难些，要领是：起笔后行笔至转角处，不作“回锋”收笔，继续作“藏锋”起笔，再顺势向下，收笔；或起笔后行至转角处，略顿，顺势回锋行笔向下，收笔。这两种折角造型是不同的，在绘画中类似的转角造型很多，应根据情况灵活掌握。

在中国绘画笔法中大体上分为“勾描”、“皴擦”、“点染”三大类，实际上是千变万化，这种分类只是要说明最基本的笔法。

勾描

“勾”和“描”都强调“中锋”用笔。因为这种笔法多用于对描绘对象的造型。很早就有理论提出“骨法”用笔，这个“骨”字既有人体骨骼的意念（与血肉之躯相对应而言），同时又有坚实、有力、支撑的的内涵。在古代的绘画经典理论中还提出了“气韵生动”的标准，作为评定中国绘画品位高低的首位要求。普遍认为，这是针对绘画作品中笔法优劣的考评。中国人按自己的哲学观念，常常运用“气”这个抽象的概念。我们解读这个“气”字，包含着用笔的流动性，要求用笔流畅，犹如气流一般；而“韵”，则进一步要求用诗的韵律来规范用笔时的时空运动，使其运动中有节奏性的、诗一般的美妙韵律。因此，我们不能只简单的提出用笔“有力”、“有弹性”的要求，重要的是赋予笔墨以生命感，渗透作者的主观情感和趣味。

有的专家评论某人的绘画时说：你用笔的线条还“嫩”，言下之意是还不够“老练”，不够成熟。因此，作为一名中国绘画的初学者，要在不断的练习中，去掌握和体验线描的内在要求，不仅是外形的美，重要的是内在的美。

皴擦

“皴”从中国字的字义讲，是指皮肤受冻后的裂纹，这里是指古人用来表述中国绘画中的一种用笔方法。勾描笔法可以造型，却不能完成所描绘对象的质感和立体感。皴的笔法是用侧锋淡墨或浓墨画出纹理，用以表现山石阴阳面（光暗面）或树干的立体感及各种纹理，丰富被描画对象的视觉感受，尤其在山水画中用得很多，而且历代名家还创作造出了不同的名目和方法，是中国绘画笔法的重要组成。

“擦”的笔法类似“皴”，都是侧锋用笔，但有细微差别，相对于“皴”则细碎而模糊，不显露用笔痕迹。我们把

它归入同一类，并希望在实践中细心体察，加深理解。

点染

从笔法上讲“点”和“染”大都是中锋用笔，但在用墨上有明显的差别，而且“点”的面积小，“染”则成片，相对大得多。在写意画中常用点染笔法造型。如“勾花点叶”的“叶”没骨梅花的花和蕊，山水画中的远山等。

和“以线造型”的“线”相比，“点染”和“皴擦”都是骨法用笔之外的，相辅相成的，使之有血有肉的，不可分割的整体中的一部分。