问抽象画怎么画

问抽象画怎么画

抽象画可不是涂鸦···都是一种艺术语言表达方法···分为冷抽和热抽···冷抽就是客观一种情感表达··一般点线面···反正挺哲学的···其实就是你自己艺术成就到一定程度就可以理解的···需要的是更多的美术知识基础···

抽象画怎么画？

抽象画不过是画家对于现实世界的高度概括和提炼，是一种概念化的表现形式。要欣赏抽象画首先要理解什么是抽象，“抽象”是“具象”的相对概念，是就多种事物抽出其共同之点，加以综合而形成一个新的概念，这个新的概念就叫做“抽象”。它描绘的并不是某个东西，所以不能牵强的去非的看出他画的是什么，而是要通过欣赏画面的颜色、用笔和构图来理解画家所要表现的情感和看法。

抽象画怎么画？

就是乱画，等你出名了后人就会总结你画的怎么好

抽象画怎么去欣赏

亲近抽象艺术——怎样欣赏抽象画12008-03-18 12:13抽象艺术的概念

非理性的纯粹视觉形式。有三个内涵：

首先：绘画作品中不描绘、不表现现实世界的客观形象，也不反映现实生活；

其次：没有绘画主题，无逻辑推理和理性诠释，既不表达思想也不传递情绪；

第三：纯粹由颜色和点、线、面构成的视觉形式。

抽象艺术是非理性的，抽象艺术的纯粹形式将人类有史以来的理性排斥在外。这里的艺术非理性，只是说明抽象艺术表达的不是一个社会的、政治的、道德的道理，这种道理是人类社会用理性加以分析和总结的。而艺术不需要这种思想和道理，艺术就是艺术自己。

非理性的意义包含两个方面：一是心理学意义上人的本能和无意识；二是哲学意义上人的认识结构中的非逻辑的认识方式。

在艺术创作中的本能和无意识我们通常理解为那种没有事先构思好或者是在创作中自由发挥的创作方式。就是在创作中注重即兴创作和偶然性。

非逻辑的创作，就是无主题、无形象和无故事人物的，纯粹形式的创作。

历来的艺术都是有主题的，包括一些现代艺术、后现代艺术。艺术的主题从来不是为了艺术自己，往往是社会问题、道德问题、民族问题或者政治问题。这种主题让艺术成为工具。艺术不是工具，当艺术成为生命方式的时候，艺术是目的。

抽象艺术是唯一把自己当作自己的艺术。他没有庸俗的、无聊的、教条的、烦琐的思想，也没有强权的、自私的、指令的主题。它不需要任何现实的强加于它理念和形象，

它用完全属于自己的脸注册，不再需要看别人的眼色或者听别人的指令。抽象艺术不仅让创造者自由，更让审美者自由。

抽象艺术不需要思想（角度强调观点），不需要那些以现实的利益为驱动的各种思想。因为所有的思想的目的并不是为了思想。思想是人类生存的一种思维工具，思想不是生命的目的。人在受苦受难的时候，往往是思想的时候，是思想让人类变得复杂变得精明。而一切复杂和精明都是针对别人的，任何个体生命对自己都不需要复杂和精明。生命在享受的时候，往往是不思想的时候，思想是为了不思想。既然生命是这样认识思想的，艺术为什么非要有思想？没有思想的抽象艺术就是真正意义上的公正的、公平的、公开的艺术，它让人类接受它无私的给予和洗礼，它给人们的享受是阳光和空气般的慷慨。我们有见过有思想的阳光和空气吗。如果阳光和空气也有思想的话，我们还怎样 我们的身体和自由呼吸。思想是人类为了应付生存而被迫发生的思维过程，这种过程使得生命变得更加敏感和脆弱。而抽象艺术不想再接受它的羁绊，抽象艺术将直接面对生命本体，成为生命方式。

创造艺术就是创造阳光和空气。享受艺术就是享受阳光和空气。

我们要创造的抽象艺术是阳光的温暖和煦，是阳光折射时光晕的朦胧和感觉的直白，是阳光透过重重云雾仍然不改初衷的义无返顾，是阳光的芳香盖在你的肌肤上的那种渗透和舒展。

我们的抽象艺术还是空气般的灵动和悠扬，是空气的旷远和博大，是空气的无私和富有，是空气的慷慨和大方，是空气无处不在无时不在的虔诚和执著。也是空气什么也不争不想的姿态，是无须感激和思考的存在，是你可以忘记但绝对不可缺少的需要。

享受阳光和空气的时候，是生命最放松、最自在、最没有思想的时候，也是最幸福、最惬意的时候。抽象艺术，你还有什么可以怀疑的吗？

抽象艺术也不需要情绪（这是角度独创观点）。几乎所有的艺术样式尽管形式不同，但是都不否认艺术作品中情绪的重要性。甚至抽象艺术的鼻祖康定斯基也是明确的认为，他在表达自己的情绪。所有的过去的艺术家们都认为艺术是在表达情绪。

对具象艺术来

抽象画怎么画 其实很简单

抽象画重点是“画”，“抽象”只是描述“画”的型别，

对于飘忽不定的感觉只能用“抽象”这个手法去表达，为了画而抽象，而不是为了抽象而画

比如你把草莓的味道画出来，画味道怎么画而不是一顿乱画再冠以抽象的名义

怎么理解抽象画

绘画如果商业化，也许就失去绘画的欣赏价值，就不是你说的那些东西了。

任何画，无论是抽象还是具象，如果有西方美术权威的吹捧，他们就有话语权，就可以定出价格，一旦有人出钱买了，这个价格就会一路升值，这个就叫做艺术品的 流传有序。

艺术品收藏和艺术品欣赏是两种完全不同的东西。

收藏只追求经济价值；欣赏只看重艺术价值。只有专门研究美术的人，可以给你一个比较好的你需要知道的内容的回答。

抽象画的方法

抽象画很难被人理解，要把生僻的作品形象化，比如涉及波洛克的绘画，就可以讲述他富有传奇色彩的经历。据说美国抽象表现主义画家杰克逊。波洛克（Jackson Pollock）曾举办过一次个人画展，为了了解别人对自己作品的看法，他便以观者的身份夹杂在参观者中间。很多人看过他的作品后都摇摇头走开了，波洛克很是无奈。忽然有一个小孩指著画中的某一部位大声喊道：“看呀，那个地方多像一只小鸟啊！”波洛克一惊，顺着那个小孩指的方向一看，果然那块儿色彩像一只小鸟。波洛克赶紧拿出事先准备好的画笔和颜料迅速地在那里画了几笔，然后问道：“现在还像小鸟吗？”那个小孩摇了摇头。于是波洛克露出了开心的微笑。这个故事虽然不一定真实可靠，但却生动形象地说明了抽象艺术不是以物象的客观外表为表达标准的。再有学生和初始抽象美术的人会对艺术家产生误解，认为他们是随意地胡来。在这一点上可以把艺术家的成就或简历介绍给观众，以免产生误解。如欣赏吴冠中的抽象绘画可以结合他的写实作品，介绍艺术家的成就，使学生对他们有一种崇敬之情，这样可以避免轻视抽象艺术行为的发生。 《老子》说：“有无相生，难易相成……”这是引导学生欣赏抽象美术的一种正确的思维方法。具象的作品从表面上看给人一目了然、栩栩如生的感觉，但我们要从更深的层次去思考它，否则就容易把作品肤浅化。抽象的作品从表面上看生僻、艰涩，什么也看不出来，可我们要把它简单化，从事物最本质的层面去认识它。只有这样我们才不会钻进抽象艺术的迷宫里去，从而能在艺术的海洋里得到薰陶，享受到美给我们带来的快乐。

夸张与抽象的内在联系：抽象是一种极端的夸张，抽象的极端往往剥离了绘画中与客观相关的内容，纯粹的追求绘画的形式带给人的感受。抽象艺术是艺术的一种极端，也是艺术中某种元素的夸张。

毕加索的《格尔尼卡》深刻的体现了这两种手法的魅力。

毕加索的《格尔尼卡》具有典型的标志性审美特征，他以夸张、变形、扭曲的造型表现手法，明确统一的灰度空间色彩基调，以及具有构成主义和隐喻性特征的艺术传达技巧，很好地体现了作品本身的人性关怀和特殊情感倾向。

抽象艺术特征

抽象艺术注重形式更甚于注意内容。形式可以千变万化，可以柳暗花明。抽象绘画还特别强调绘画语言的单纯性，即绘画形式的纯粹性，不带任何经验的构想。不模仿任何已有的创造，刻意在视觉空间，创造出独特的绘画语言，以鲜明的个性及艺术符号来完成画家对艺术的生命体验。

欣赏抽象艺术，懂与不懂是相对的。而人的文化修养、艺术修养决定了人的审美能力，这是绝对的。

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　　康定斯基简介

　　瓦西里·康定斯基（1866～1944）Kandinsky，Wassily 俄裔法国画家，艺术理论家。1866年12月4日生于莫斯科，1944年12月13日卒于法国塞纳河畔的讷伊。早年在莫斯科学法律和政治经济学，1896年移居慕尼黑开始拜师学习绘画，作品参加过1906～1907年的巴黎秋季沙龙展览。1909年发起建立新美术家协会并任该会主席，2年后又组织《青骑士》编辑部，而导致新美术家协会的分裂。1917年回到俄国，十月革命后任莫斯科人民教育委员。但因其艺术主张与苏维埃政策相抵触，1921年以接受德国魏玛包豪斯学院邀请为理由离开苏联。1933年定居法国讷伊。作品多采用印象主义技法，又受野兽主义影响，被认为是抽象主义的鼻祖，主要作品均采用音乐名称，诸如《乐曲》、《即兴曲》、《构图2号》等。代表作组画《秋》、《冬》均用抽象的线、色、形的动感、力感、韵律感和节奏感来表述季节的情绪和精神。1921年以后因受至上主义和构成主义的影响，创作又由自由的、想象的抽象，转向几何的抽象，代表作如《白色的线》等。在以后的年代，他曾试图把抒情的抽象和几何的抽象有机结合起来，在几何形的结构与造型中，配以光和色，既充满幻想、幽默，也具有神秘色彩。著有《点、线、面》、《论艺术的精神》、《关于形式主义》、《论具体艺术》等，阐述抽象艺术的理论。

　　[编辑本段]康定斯基的作品

　　1914年，第一次世界大战爆发，康定斯基途经瑞士抵达俄国。1918年十月革命后，他被任命为主管美术的政府构图4号部门的工作人员，并担任教职，直到1921年。他一共组建了22座博物馆。1920年被任命为莫斯科大学教授。1921年，他负责建立艺术与科学学院，并任副院长。同年底，由于艺术观念的分歧而离开俄国。1922年，在德国被任命为设立在魏玛的著名的鲍豪斯学 院教授。康定斯基这时的艺术活动是频繁的。1909年，“新美术家协会”建立不久，他于1911年又另立“青骑士”团体(所谓“青骑士”，是取自康定斯基和马克出版的一本书和康定斯基的一幅画)。回到俄国以后，继续在积极地进 行上述活动。但由于他的抽象绘画及其理论与苏维埃政府提倡的社会主义现实主义相矛盾，才离开俄国而去柏 林。1926年，他发表了第二部论著《从 点和线到面》。这部著作中，康定斯基进一步把纯抽象因素作了想象的分析，说横线表示冷，竖线表示热，等等。1910年，他画的《构图2号》，还只走了一小步，骑手和其他人物虽已变成了一些色块和线条图案，然而画面的空间仍有自然形态。后来，他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图， 如“构图”，“即兴”、“抒情”等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运 动来传达艺术家的感情意识，不再参照自然物。这一幅《构图—7号的初稿》已使我们领略到这时期的思考方法。 画上色彩狂乱，红、黑、蓝、黄飞速地交 融着，热情奔放，尽管如此，观者仍能 找到画家形象思维中的某些痕迹。在第一次世界大战期间，他的抽 象画重在表现“内心的和本质的”感 情，轻视以前那种表面和偶然的东西。他说他要表达“更优美的感情，虽然这 种感情是莫可名状的”。他非常喜欢用 “构图”这个词，他觉得这个词更为“神 圣”。1914年，他画了第一幅《即兴》，并运用水彩颜料。这幅《即兴》，已多少蕴含着丰富的情感表现了。康定斯基是一个神学理论的信 徒，其实他讲不清自己的理论。但他相信，艺术在某些先验的意义上，能够纠正知识。对这一点他似乎十分坚信。他 说：“艺术所赖以生存的精神生活，是一种复杂而又确切的，超然世外的运 动。这种运动能够转化为天真(Simplicity)，这就是人的认识活动。”1921年后，康定斯基的抽象作品 明显地带有他在俄罗斯的那个时期的影响，变得接近几何形状了。早期一系列即兴作品中那种诗意的流畅，被建 筑师的曲线板和丁字尺画出的一种新 的、光边的、有规律的圆形所代替。以后这种精确的新风格有时也趋向柔和，但康定斯基的审美观中始终保留 着几何图形。《构图-7号的初稿》作于1913年， 78×100厘米大，现归瑞士伯尔尼一私人(Fellxklee)收藏；《即兴》作于1914年，124×73厘米大，现藏德国慕尼黑国立美术馆。

　　[编辑本段]康定斯基的艺术风格

　　康定斯基于1911年脱离慕尼黑新艺术家协会，而成立青骑士社。“青骑士”一词，产生于这年初冬康定斯基与马尔克的一次闲谈。康定斯基曾在其《自传》中回忆道：“我们都喜欢蓝色。马尔克喜欢马，骑士则是我的主题。我们两个很自然地说出‘青骑士’的名称”。在青骑土社中，康定斯基是最核心的人物。他是一位学识渊博的艺术家，早年曾在莫斯科大学攻读法学和政治学，曾受聘为俄国一所大学的法律教授，也从事过业余的人种志研究。他精通音乐，还系统钻研过西方现代哲学，尤其信奉通神学和通灵术……。让人不可思议的是，这位貌似斯文冷静而性格内向的俄国人，竟象凡高一样，内心总是燃烧着炽热的感情之火。这位极度敏感的艺术家，能在那赤橙黄绿青蓝紫的五颜六色之中，看见音乐的节奏与旋律。这使人油然想到诗人兰波——兰波能在字母A中想象出黑色的苍蝇。

　　康定斯基的绘画，在1910年转为彻底抽象之前，主要趋于野兽主义的风格。

　　他1896年从莫斯科来到慕尼黑之后，便全身心投入前卫艺术运动中去。他曾在巴黎渡过数月，在那里接触到印象主义、象征主义、野兽派及立体派的绘画。这对于他日后抽象绘画的形成与演化提供了必要的启示。

　　他认识到色彩在绘画构成要素中占有首要地位。他发现高更和凡高的画尤其将色彩的表现放在首位；在这两位画家那里，把草地画成红色，要比将房子或人体变形容易得多。他还领悟到，色彩与线条具有象征性的意义。

　　他也许对修拉在此方面的观点有过专门的研究。事实上，修拉的有关绘画不同要素(色彩、线条、调子、构图、节奏等)的理论，几乎预示着某种抽象艺术。因而，康定斯基在他早期的绘画中，特别强调色彩的表现力。他以浓重而明亮的色彩来表现自然风光，表现俄罗斯的民间故事，抒发其浪漫、诗意的情怀。

　　[编辑本段]康定斯基的作品分析

　　康定斯基在 1910 年创作了第一幅抽象水彩画作品，此画被认为是抽象表现主义形式的第一例，标志着抽象绘画的诞生。在这幅画中，我们看不到可以辨认的具体物象，画家摒弃了绘画中一切描绘性的因素，纯粹以抽象的色彩和线条来表达内心的精神。构成第七号这是康定斯基与其他画家的不同之处，也是他用一种新的创作方法试验的第一幅作品，不同于以往他所创作的任何作品，成为他创作的新起点。他认为艺术创作的目的不是捕捉对象的外形，而在于捕捉其内在精神。因此，他一直努力试验摆脱外形的干扰，尝试用水彩和钢笔素描的效果来揭示对象的精神。这幅画就是他试验的结果。在画面中，除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们几乎看不到其他东西。画家还用淡淡的奶油色打底，造成了一种如同梦幻般的效果，而笔触又是轻盈和快乐的，一切都没有规则性，似乎是在精神世界中一闪而过的东西却又无法清晰地辨认出来。

　　在他的绘画中，我们还能感觉到一种如同音符般的因素存在，有一种与音乐相通的气质。他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，看时应像听音乐一样具流动性。当绘画从具象走向抽象，光靠绘画本身是不能为大家接受的。新的画风应该有新的欣赏标准。这时候理论与创作就起到同等重要的作用。他曾说过： “ 一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。 ” 他必须说出这么一幅作品创作的缘由。他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如 “ 构图 ” 、 “ 即兴 ” 、 “ 抒情 ” 等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。

　　康定斯基在 1913 年创作的《构成第七号》可以称为是一支音乐狂想曲。这是他作品中画幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用 “ 狂想 ” 来形容也不为过。初看这幅画时，给人的感觉是异常迷乱，同时也可以感受到康定斯基构图的技巧，因为画面中有着无数的重叠和变化的布置。并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，又如同一部伟大的交响乐。在画面中较为突出的是，画面中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。

　　[编辑本段]康定斯基的理论著作

　　《艺术中的精神》

　　《艺术中的精神》是康定斯基第一本系统阐发他的抽象艺术主张的理论著作。在这本书里，他采取身心二元论的观点，沿用通神学者的说法，认为精神(灵魂)是世界的本原，物质只是蒙在真实世界之上的一层面纱，人们只能透过面纱才能看到闪光的精神。康定斯基认为艺术家具备这种才能，是因为艺术是心灵的活动，是绝少有人觉察的“心灵震荡”，“是一种包藏在自然形式下的心灵的特殊状态”。

　　《康定斯基论点线面》

　　《康定斯基论点线面》是康定斯基的重要理论著作《艺术中的精神》的续篇。在这本书中他系统地阐释了对绘画元素的认识，他对每一种绘画元素都作了外在的和内在的两主面分析。康定斯基自称这本书的分析是“显微镜式的”。

　　《康定斯基回忆录》

　　康定斯基，生于俄国，后去慕尼黑学画，创立"青骑士"团体和跃动的纯抽象风格，曾任教于包豪斯学院，有《论艺术中的精神》、《回忆录》及《点、线、面》等著作出版，对发展现代艺术起了重要作用。他认为，艺术重要的是精神，内在的音响。客观物象损害了绘画，抽象绘画是"无物象的"表达形式，它比有物象的画更广阔，更自由，更富内容。绘画和音乐之间有着密切的联系，你可以"听"色彩和看"声音"。

《哀词》这首现代诗配图的画法如下：

1、选定主题：根据《哀词》这首现代诗的主题和情感色彩进行抽象或具象的表达

2、确定色彩和构图：通过运用颜色、形状、线条等元素来构建画面，以传达出作者希望表达的情感和意境。

3、创造层次感：通过运用线条、色彩和光影效果等手法，创造出立体感和景深感，使画面更具有视觉吸引力。

4、结合诗歌内容：在作品中融入诗歌中的关键词或者画出诗歌中所描述的场景或人物，增强画面的时代感和文化内涵。

酸、甜、苦、辣，其实要表现得当，不用太多时间就可以。

主要是色彩感觉对了就行。

酸：主要色彩应该是柠檬黄，和白色，平面构成用比较尖锐的菱形和块状。

甜：的对应色彩应该是淡粉色，或是浅粉红色，尽量用圆形，少量画面用乳白

苦：味觉比较重，用裋褐加一点黑，加一点白调和成褐灰，黑灰，深墨绿灰，

画面用大面积三角或不规则山形。用翠绿加灰点缀。

辣：红色为主，朱红为主，橘红为辅，少量用紫红

如果用彩色铅笔：表现起来便有点杂，建议用水粉，彩色铅笔画的时候留点空隙，别涂死了。

01梵高所用色彩鲜艳

很多画家在为了追求画面整体的和谐时，总是在用色方面有所拘束，不那么大胆。而梵高不同，他的画用色都十分大胆，让人很容易在他的用色上感受到冲击感，进而更充分的感受到他所要表达的情感。在用色上，他这种特色非但不让人讨厌，还让人喜欢，更受到后人的学习追捧。

02梵高的画有情感

如今的画，真实是人们的一个追捧的点，但梵高的画，反而是不那么追求真实。他更多的是表达情感，他所画的抽象画不一定十分真实，但一定都有情感。而他又恰巧很善于利用色彩的冲击表达情感，人们在他的引领下不自觉的就能够体会到他的情感。在这种情绪的领导下，他的画是神奇的，人们能感到这画之中的流动感，进而引起心灵的共鸣。

03他对画的热爱

一个画家，画是吸引人的一个点，这个画家的品质更是人们所看中的。梵高的一生全部致力于画画之中，他甚至为了画而痴狂。生活的落魄未能打败他，他坚持把自己的情感宣泄在画里。他每一幅画，每一次创作，都是他对生活的宣泄。尽管他不满，他压抑，但在画画的时候他的所有压力都得到了释放。人们在画里更能感受到这个画家的不易，也更能感受到他的高大。

梵高的画收到追捧，不仅仅是他的画有特色，有感情，更是他这个人受到了后人的认可。人们很久没有忘掉这个爱画画到痴狂的人，他值得所有人的崇敬和爱戴。他的画更是受到无数的人的模仿，但也许梵高就是梵高，再模仿都缺少了那个痴狂的劲头。

1

在工艺品店买一张准备好的画布。可以购买任何你想要在上面绘画的尺寸。如果你只是在学习和试验的话，小一些的尺寸，10x10或者12x12，是最好的。画布是已经准备好的，但是如果你更喜欢有颜色的背景，买一罐石膏，给画布涂上底料，增加少许色彩。当使用石膏画亚克力颜料画时，画布干得很快。另一种选择是使用更便宜的画板，或者如果你想要画大幅一些的画或者省一笔钱，你甚至可以用石膏给美森耐板或其他的平板上底料。

2

决定是使用亚克力颜料还是油彩。亚克力颜料没有气味，使用很容易。这种颜料干得很快，如果你画错了还可以盖掉。油彩则完全相反，油彩较少受欢迎因为晾干的时间更长，有气味，不能让你完全遮盖之前画的内容。

3

买一张标准色谱、一个画架、颜料和画笔。首先购买一些基础色彩，使用标准色谱看看哪些颜色是属于同一色系的。

4

以回想一个物体或场景的方式开始你的创作。不要去想写实，只要注重想法就可以。看着一只花瓶，不是看到底该如何勾勒这只花瓶，而是看你觉得它看起来是什么样的。你的想象力和感受会创造出你画在画布上的东西。记住，你是在阐释，不是在写生。

5

研究构图原理，然后看看你是否能基于其中的一条理论而不是一个特定对象进行抽象创作。这样很可能会产生一幅好的抽象画！

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让画笔一开始只用一种色彩。当你的思维过程停留的时候，让你的画笔也停下来。增加色彩，将局部颜色加深，在任何一处使颜色浅一些，另一处色彩浓重一些。用你觉得应该增加的东西来改进画布上的内容。

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在红色的部分中加点**，融合在一起，创造出不同深浅的橙色。由于笔画的不同，有些地方深一些，有些地方浅一些。

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记住，一旦你觉得画已经完成了就停下笔来。不要在改进或润色。不要在你的画上过度创作，但是要学在你觉得已经完成的那一刻就收手。

小提示

不要害怕滴下或溅出的颜料。有时，滴在纸上的颜料也许会给你的绘画增加质感，溅在纸上的颜料，尤其是融合的色彩，也是这样。

根据你想要画的感觉使用色彩。阅读有关色彩和如何使用色彩表达情感的书。红色和**代表幸福，而蓝色、黑色和棕色象征暗淡的感觉。你想要传达的情感依赖于颜色和你绘画时的笔触。

不要穿着漂亮衣服画画。穿一些你不介意沾上颜料的衣服。

记住没有错误；开心地试验就好。

有时最好的画作是你闭着眼睛时创作的。所以不要害怕闭眼，只要享受这一过程。

试试在画布上增加质感，在其上重复几笔增加色彩的深度。

回想成为一个孩子的记忆，运用你的想象力，在其基础上进行创作。

我认为色和光是水彩画强烈的情感表现技巧。除了能够触动观赏者的欲望，同时还能够充分表现各种细微情感。人们在对水彩画进行欣赏时，首先会对色彩产生视觉反应，作画者在描绘大自然时，不应只是对其进行单纯复制，还需要以绘画的形式将自我情感世界进行表达，进而与观赏者产生情感共鸣，使得作品艺术性提升

（一）色的情感世界表达

情感色彩与一般的色彩相比，多了一份独特性，而这份独特性是由作画者产生的主观感受形成的。在色的情感世界创作过程中，绘画使用的水分、笔触以及温度与作品质量有着直接联系，如果作画者能够将这些条件有效地进行掌控，那么作画者的情感表达会更为流畅。首先是色的技巧运用，即概括和渲染，作画者应当将景物中的色彩关系把握好，可以灵活地运用抽象性笔触和大笔触，表现手法可以是夸张，也可以是概括，通过合理的结合技巧与手法，能够更好地表现水彩画的情感色彩。

其次是情感色彩与色调的整体性控制，作画者如果能够对各种颜色进行有序化，把握好色彩与色调关系，并恰当地将两者关系进行处理，就能够提升水彩画作品的整体情感表达力。最后，作画者还需要提升素质，强化对情感色彩的认知。不同的作画者会因为审美水平与文化底蕴的不同，对同一幅景象产生不同的主观意识，因此文化修养、审美意识以及个人品位的提升显得尤为重要。

（二）光的情感世界表达

光的传达不同，观察到的景物也就不同，而且自然景物在不同光效下会产生不同的模样。比如印象主义画家比较擅长利用时间段，观察同一种景物在不同时间段的不同样子进行绘画，在这个过程中，光在不同时间段中体现的情感有着不同差异。这类画家比较喜欢深入探究大自然的光与色，从而使得作品能够对景物进行更真实、更客观地反映。作画者通过感受大自然不断变化的光，并通过颜料巧妙变化大自然的光和影，能够在绘画中有效控制自然色彩变化。

莫奈与毕沙罗均属于光影控制大家，创作的田园风光作品带着十分迷人的色与光，而且两人的作品都有着十分大胆与夸张的用色，观赏者是能够通过两人的作品感知对方的内心情感世界。正因为观赏者能够与两人作品产生情感共鸣，才会让人有一种非常亲切的感觉，观赏过后会留下自然与美的印象。所以，水彩画的创作需要合理应用光表达情感世界，从而使得观赏者能够产生直观的印象。