乡愁是一种抽象的情绪,诗中通过哪些意象来表达这种情感的?

1、作者把无形的乡愁比喻化为四种事物,作者把无形的乡愁比喻化为四种事物,可见作者愁思之重小时候，作者将乡愁寄托在给家人的书信里，所以将乡愁比喻为邮票；长大后，作者和家人分居两地，很难与家人相见，于是将乡愁寄托在回家的船上，所以把乡愁比喻为船票；后来，母亲去世，作者与母亲再也不能见面，于是作者就将愁绪比喻为坟墓；现在，由于人为的原因，海峡两岸的同胞不能团聚，作者将自己的乡愁比喻为台湾海峡，表达了他期盼祖国大同的强烈望。

2、结构方面：本诗分四个小节，作者按照时间顺序将乡愁依次比喻为邮票、船票、坟墓和海峡，结构严谨，很好的表达了本诗的中心。台湾诗人余光中先生以“乡愁诗人”著称，他的一首意蕴深刻，家喻户晓的《乡愁》更是写出了海外游子的思归之情，洋溢着诗人魂牵梦绕的“中国情结”。

一、浓重的文化寻根情结

对故土的眷恋可以说是人类共同而永恒的情感。余光中的《乡愁》从两个方面着重表现了对祖国大陆的这种文化上的归属感或者叫作叶落归根情结。

首先，余光中先生的《乡愁》从内在感情上继承了我国古典诗歌中的民族感情传统，具有深厚的民族感。中国诗歌强调含蓄，强调借助意象来表现情与思。余光中先生借助中国古典诗歌艺术技巧，从广远的时空中提炼了四个可感的，和诗人人生的四个阶段息息相关的意象：“邮票”，“船票”，“坟墓”和“海峡”，并且巧妙地将乡愁这种抽象的情绪转化为四个意象。小时候与祖国母亲分隔两地是由于国家政策关系，那时只能通过书信的形式，用一枚小小的“邮票”承载自己厚重的乡愁，一枚小小的“邮票”成了两岸人民情感交流的枢纽，正如杜甫在《春望》中所写下的名句“烽火连三月，家书抵万金”，书信蕴含了中国人民多少的苦难与思念呀。到了中年，作者成家立室之后依然不能摆脱这种隔岸的牵挂。本应幸福，温馨而甜蜜的婚姻却变成了海上旅途的疲乏，孤独，一张张旧“船票”饱含和多少空虚的岁月和相聚的感动，一张张旧“船票”割断了无数鸳鸯梦。而最令诗人痛心疾首的是自己朝思暮想要回去探望的老母亲，却在苦苦的等待和思念中烟消云散，被一撮刺眼的黄泥永远地掩埋在自己苦思的故土里，一方短短的“坟墓”却成了生与死无法逾越的长城，一方短短的“坟墓”却成了叫人销魂的思念。

余光中先生在叙述自己思乡的感情基础上，将这种情感体验流露到每一位中国人的心中，将所有海外游子，港澳台同胞们乡愁的心声用一湾浅浅的海峡展现给了祖国同胞，将这种乡愁的中华民族本性深深地扎根在人们心灵的殿堂里。此时，诗歌的思想情感已经升华到了整个民族及全世界华人的心中，读者可以感受到作者浓郁而又强烈的叶落归根情结。诗人的乡思之愁不是直白地说出来的，而是通过联想、想象，塑造了四幅生活艺术形象，使之呈现在读者眼前。作者把对母亲、妻子、祖国的思念、眷念之情熔于一炉，表达出渴望亲人团聚、国家统一的“中国情结”。

其次，正像中国大地上许多江河都是黄河与长江的支流一样，余光中虽然身居海岛，但是，作为一个挚爱祖国及其文化传统的中国诗人，他的作品深受中国文化，尤其是《诗经》的影响。《乡愁》的形式美也令人瞩目。它的形式美一表现为结构美，一表现为音乐美。《乡愁》在结构上呈现出寓变化于统一的美。《乡愁》共四节。每节四行，节与节之间相当均衡对称，但是，诗人注意了长句与短句的变化调节，从而使诗的外形整齐中有参差之美。《乡愁》的音乐美，主要表现在采用《诗经》中的复沓手法，营造出一种回环往复、一唱三叹的旋律。其中的“乡愁是——”与“在这头……在那（里）头”的四次重复，加之四段中“小小的”、“窄窄的”、“矮矮的”、“浅浅的”在同一位置上的叠词运用，使得全诗低回掩抑，如怨如诉。而“一枚”、“一张”、“一方”、“一湾”的数量词的运用，不仅表现了诗人的语言的功力，也加强了全诗的音韵之美。

对古典诗词资源的利用使余光中的诗在整体上呈现出纯美的维度，在文化的框架中也极有意味。铭文似的语句和速度，纯美的语言，齐整的体式，这些余光中一以贯之的手法，均源自他始终不渝的“中国情结”。

二、深沉的历史沧桑感

远离故乡的游子、漂泊者、流浪汉，即使在耄耋之年，也希望能叶落归根。但台湾和大陆人为地长期隔绝，使飘流到孤岛上去的千千万万炎黄子孙的思乡情怀，客观上具有以往任何时代的乡愁所不可比拟的特定的历史沧桑感。即特有的“中国情结”。

“小时候”、“长大后”、“后来呵”、“而现在”，这种表时间的时序语像一条红线贯串全诗，概括了诗人漫长的生活历程和对祖国的绵绵怀念，层次的渐递使主题由模糊逐渐鲜明，流露出诗人深沉的历史感。“后来呵／乡愁是一方矮矮的坟墓／我在外头／母亲在里头／而现在／乡愁是一湾浅浅的海峡／我在这头／大陆在那头”，一下子，读者面前仿佛出现了一位白发苍苍的老人泪流满面地跪在母亲的新坟前，面朝家乡、祖国的方向痛不欲生地跪在大海边，用嘶哑的声音大喊：“母——亲!”一种深沉的沧桑感油然而生。

《乡愁》有如音乐中柔美而略带哀伤的“回忆曲”，正如余光中先生回答四川作家流沙河的一句话：思蜀而不乐。

《小黄和小蓝》、《点点点》这两本经典绘本，两、三年前被我家大宝深深宠爱过，书皮都翻得磨边了。现在，两岁半的小宝也对它们爱不释手，每天只要一看到这两本，都要求我给她读至少3、4遍。

《小黄和小蓝》、《点点点》有着共同的鲜明特点：从头到尾都是色彩鲜明的点。虽然画面简单，但是却得到了全世界无数孩子的喜爱，分别成为绘本作者李欧·李奥尼和埃尔维·杜莱的成名作和代表作。

下面，我将从这两本绘本的作品特点和教育启示，并和大家分享怎样结合两本绘本中的“点”进行拓展，“点”开孩子的艺术启蒙之门。

1 创作上，都遵循极简原则，除了点还是点

两本绘本的出现都颠覆了传统，史无前例，充满奇思妙想。

翻开两本绘本，色彩鲜明的点，极具视觉冲击力。《小黄和小蓝》是绝大部分是**和蓝色，《点点点》则通篇是色彩饱和的红色、**和蓝色。

这两本书的表达目标不同，呈现的点的形式也不同。

《小黄和小蓝》讲述了好朋友小黄和小蓝的有趣故事。李欧·李奥尼将不同形状的点抽象化不同的人物——父母、孩子和朋友，如果仔细观察会发现书中点的边缘都很不规则，看起来像是颜料滴在纸上。

《点点点》则更像是一本和孩子互动性极强的 游戏 绘本，所有的点都是用笔刷刷成的。书中的语言提示读者在书上按一按、摸一摸、摇一摇、拍一拍各种不同的动作都能带来不同的结果，非常有趣，颠覆了传统童书的概念。

埃尔维·杜莱说：“我很喜欢给人惊喜。”

如果说《小黄和小蓝》中的**和蓝色作为互补色，表现出的是一种和谐中的活泼，那么《点点点》整本书都充分调动着读者的情绪。绘本中红色、**、蓝色的点，色彩鲜艳饱满，伴随着与读者互动的深入，一步步营造出欢乐的气氛，直至达到狂欢的顶峰，最后又归于平静。

2 两本绘本的作者经历相似

令人意外的是，两本绘本的作者李欧·李奥尼和埃尔维·杜莱，都是广告设计师出身的儿童绘本创作者。

李欧·李奥尼出生于1910年，是美国一位广告和商业设计领域的著名艺术家，直到49岁在一个偶然的机会下创作了第一本绘本《小黄和小蓝》，从此开启了绘本创作的道路。

埃尔维·杜莱出生于1958年，曾担任法国多家广告公司的创意总监。杜莱在无数场合说过，《点点点》是一本向李欧·李奥尼创作的《小蓝和小黄》致敬的书。

不同的是，李欧·李奥尼笔下的故事生动有趣又富含哲理，被誉为“二十世纪的伊索”。

埃尔维·杜莱创作的绘本画面互动性强，非常强调作品的开放、参与、互动和可能性。

可能正是两位创作者多年的设计师经历，才让他们洞察人心深谙如何通过最简单的画面和文字成功地传递心中的理念。

绘本是孩子认识生活以外的世界的起点，好的绘本，才能给孩子带来美好的体验，汲取积极的力量。

1 引发孩子强烈的好奇心

《小黄和小蓝》用贴近生活的故事吸引着孩子的注意力，通过情节的反转激发孩子的好奇心。

李欧·李奥尼用一个黄点和蓝点描述了小黄和小蓝这对好朋友一起上学、玩耍、 游戏 的场景，由于抱到一起变成绿色后，俩人都不被父母接受而伤心大哭变成眼泪，**和蓝色眼泪聚到一起后又变回小黄和小蓝，最后顺利回家。

故事情节虽然简单，但是贴近孩子的日常生活，吸引了孩子的注意，牵动了孩子的 情感 关注。

《点点点》整本书在互动过程中充满趣味性，让孩子欲罢不能。

像变魔术一样，每一页发出指令后，下一页立即通过点的颜色、数量、大小的变化，呈现出意料之外的有趣结果。每一页都是作者埃尔维·杜莱和孩子的一次互动，每一次互动的结果都令人期待又着迷。

两本绘本通过不同的形式，吸引了孩子强烈的好奇心，只要读过一遍之后就会立刻爱上，让父母一遍又一遍地给他们读，不断满足好奇， 探索 未知，直到读懂读透。

2 两本绘本都符合孩子的认知

《小黄和小蓝》，用点代表不同的人物，符合低龄幼儿在绘画方面的认知发展。

绘本中的人物形象全部用点来代替，不用怀疑孩子是否看得懂，相反，事实证明：孩子能轻而易举地接受这个故事。因为这种形式完全符合孩子的认知和绘画能力的发展。

孩子1岁左右的时候，就发现自己的手能控制笔，进行涂鸦，画出点、线这样的简单线条。

2岁左右，开始能画出单独的线条和圆圈，并进行想象，将画出来的圆圈、点、线想象成各种人物和事物，比如爸爸、妈妈、苹果、香蕉、桌子等等。

到了3岁左右，开始有意识的画画，将画出来的圆圈、线条等有逻辑的联系起来，讲故事。

《点点点》中，点会变大、变小、变多、变少，从有规律的排列到无规律的杂乱堆积，契合了孩子的空间 探索 需求。

就好像孩子喜欢反复搭积木，加长、加高后打乱推倒，而且推倒的一瞬间尤其兴奋。这就是孩子对三维空间 探索 的一种常见行为。而《点点点》中的圆点是在二维平面的变化。

两本书完全符合孩子的认知习惯和 探索 需求，所以才会多年来在全世界范围内深受孩子们的喜爱。

3 教育启示

《小黄和小蓝》讲到小黄和小蓝抱在一起变成绿色时，牵动了无数孩子的心，也是书中的最有亮点的构思。

融合之后的绿色，暗示着人与人之间的心灵融合。小黄和小蓝变成眼泪后成功分离。这是一次成功解体和成功构筑的过程，让孩子知道“自己”和“他人”的区别，增强了自我意识。

《点点点》让孩子在 游戏 互动中认知颜色、数量和方位。

颜色：红、黄、蓝、白、黑；

方位：上、下、左、右；

数量：按1下、按5下、拍1次、拍5次、变多了，变少了。

《小黄和小蓝》、《点点点》两本书都没有生硬的说教，只是在潜移默化中给孩子以乐趣和教育启示。

给儿童独立的空间和自由的时间，充分发挥孩子的想象力和创造力，放手让他们充分利用各种材料去画、去创造，有效开启艺术创作的启蒙之门。

即使是“点”、“线”、“面”等简单图案和布局，也能够创作出超凡的艺术作品。

1 向大师学习，利用不同材料再现绘本内容

《小黄和小蓝》、《点点点》的创作者本身就是绘本界的大师，再现绘本内容是最直接的学习方式。

用撕下来的小纸片或者超轻黏土制作小黄和小蓝等形象，演出《小黄和小蓝》里的故事，或者自己创编新的故事。

用不同颜色的颜料，或者不同形状、不同颜色的小贴纸，自己制定规则，点出一本全新的自制版《点点点》。

让孩子动手、动脑，创作出新的东西，不仅对原绘本内容的印象更加深刻，而且也拥有了自己的独特体验和理解。

2 向大师学习，使用多种多样的美术工具，进行绘画

美国抽象艺术大师杰克逊·波洛克，是纽约动作画派的***和抽象派的代表画家。创造了举世闻名的“滴画”，他的创作过程是把棍子或笔尖浸入盛着颜料的罐子里，然后把颜色滴到或甩到钉在地上的画布上，习惯于一边走，一边创作。

画面没有主题，没有构图，没有形象，没有中心，没有主次，漫无边际，绘画仅作为这无边际整体中的一块，这种绘画可以任意分割。

评论家称他的画为“行动绘画”，这样一来画家在画布上呈现给我们的已经不是一张画，而是在画布上的行动过程，画布成了画家行动的记录。

波洛克的画根本意义在于摆脱一切束缚，追求极端的自由和开放，它促使了人类大胆创造意识的发展。

因此，不要束缚束缚孩子的身体，不要局限孩子的创作过程。

在平面上“画画”时，除了水彩笔、蜡笔、颜料等常用的美术工具以外，大开脑洞，充分发挥你和孩子的想象力，把蔬菜、水果、棉签、树枝、石头、报纸捏成的纸团就连孩子的手指头都当成艺术创作的工具，沾上颜料，在纸上点出大大小小的点，画出长长短短的线条，绘制各种各样的图案。

像大师杰克逊·波洛克一样，让孩子把绘画当成一种行动的艺术，把画布当成记录他们美术行动轨迹的底板。

3 向大师学习，使用各种各样的“画布”，进行创作

不是仅仅只有在纸上才可以创作，许多东西都可以是画布，成为装饰的对象。

日本艺术家草间弥生，以前卫艺术创作闻名。她创造了一个神奇的“点”的世界，被称为“圆点女王”。

她的一生都花在圆点作品的创作上，全世界的画廊都争相展出她的作品。从马匹、猫咪到人物，从云朵、衣服到混凝土，草间弥生的圆点遍布世间万物。

圆点组合起来展现世间万物，世间万物也可以被一个个点所代表。

向大师学习，除了纸张以外，大纸箱、旧衣服、玻璃瓶、大石头、水果、南瓜只要你愿意，就可以把它们当成画布或者装饰的对象，在上面进行各种创作。

只要孩子是在努力按照心中所想，认真地创造新的东西，就应该引导他、支持他、鼓励他、去创作，让他对创作的想法不受限于纸和笔，不拘泥于二维的平面。

4 向大师学习，使用多种多样的美术材料，进行创作

创作不是只有画画，还可以利用材料拼贴，创作立体作品。

《小黄和小蓝》的故事雏形，就是作者李欧·李奥尼在火车上用杂志广告撕成纸片给孙女讲的一个故事，因此书中点的边缘都不平整，看起来很像是撕纸作品的拼贴组合。

法国艺术家Julien Salaud使用普通的棉线织就了一个梦幻的动物世界。他用精湛的技艺将涂有荧光材料的棉线缠绕在密密麻麻的钉子上，创作了奇妙的立体艺术——恒星洞。置身其中的人无不为之惊叹。

许多想象不到的物品同样可以是艺术创作的材料。要鼓励孩子发挥想象力，拓宽美术材料的范围。不仅仅是常用的超轻黏土可以创作立体作品，纸片、纸团、扣子、石头、瓶盖、树叶都可以当做材料，以各种形式组合，摆放、粘贴、固定在一起，成为一个个惊世骇俗的作品。

5 像大师学习， 探索 色彩的变化和情绪

和孩子一起阅读《小黄和小蓝》，看到小黄和小蓝抱在一起变成绿色时，可以启发孩子不同颜色的颜料混合后发生的变化，由此和孩子一起开展对色彩的 探索 ，引导孩子积极观察和思考：

**和蓝色混合时，蓝色多或者**多，绿色是一模一样吗？

红色和蓝色抱在一起，是什么颜色？

**和红色抱在一起，是什么颜色？

即使没有颜色变化，色彩本身也能表达情绪。

美国抽象派画家马克·罗斯科，就是一位用色彩表达情绪的大师。他 的作品一般是由两三个排列着的矩形构成， 画的尺幅巨大，让人置身其中感受色彩带来的情绪。

马克·罗斯科:“我只对如何表现人类最基本的 情感 感兴趣，悲剧的，狂喜的，毁灭的等等，许多人能在我的画前大哭，说明我的确传达出了人类的基本感情。”

跟着大师创作，可以让孩子单纯的选择自己喜欢的颜色随意涂成色块，可以给他一把宽宽的排刷，选一种或几种自己最喜欢的颜色，蘸上颜料，在大大的纸上刷出绚丽的色彩，置身于自己创造的颜色情绪中。

结合绘本《小黄和小蓝》和《点点点》，带孩子欣赏经典的艺术作品，让他看到“点”、“线”、“面”的神奇世界，然后才能用点“点”和“线”创造的无限可能。

人们竭力向大师学习，大师却认为孩子是天生的艺术大师，不断从孩子的绘画中得到启示。

开启艺术之旅的最好起点，就是支持和鼓励孩子借助各种材料按照内心的意愿自由表达，让他对创作的想法不受限于纸和笔，不拘泥于二维的平面，不刻意追求创作技巧，始终保持热情进行创造和创新。

是一种情感和情绪的表达方式。强调对生活中的美感和情感的感知和体验，而不仅仅是物质层面的浪漫体验。抽象性浪漫通常关注内心世界的想象和感受，强调情感的深度和独特性。不仅仅是对浪漫场景或特定事件的追求，更是对美的意义和哲学的探索。

1、时间词美：“小时侯、长大后、后来、而现在”这些词不露痕迹地表示出时间的变化、情感的递增；

2、名词的美：“邮票、船票、坟墓、海峡”这些美在它们选取了代表漂泊、隔离、诀别的具体事物来承载抽象的难以捕捉的恋国思家的乡愁；

3、数量词的美：“一枚、一张、一方、一湾”在于它们富于变化、准确形象地表示出邮票、船票、坟墓、海峡的形状；

4、叠词美：“小小、窄窄、矮矮、浅浅”这些叠词的使用，增加了句子的音韵感，富有诗意，巧妙地表达了作者的情感；

5、方位词美：“这头、那头、外头、里头”这些方位词，显示了空间的距离，反复应用使人感受到一种字字关情、琅琅上口的韵律。

6、另外，“乡愁是……”这一句式又营造了一种回环往复、一唱三叹的旋律。

诗人善于使用传统民歌的层递层进、互衬对比的手法。前三节诗逐层描绘了他幼年、成年、成年之后的三段生活经历，母子分离的乡愁，情侣难见的乡愁，皆由生活拮据造成。生离死别的乡愁，是由生命规律使然。三段乡愁写个人，却为写中华民族乡愁打好铺垫。最后一节，抒写的国愁才是全诗的主旨之所在。它唱出了几千万台湾同胞的赤子之心。

这首诗歌主要运用了意象的笔法。诗中主要设置了四个象征性的意象：

一是“小小的邮票”，它象征着作者少年时代乡愁的骨肉之情。母亲牵挂儿子，儿子想念母亲。

二是“一张窄窄的船票”，它象征着作者青年时代乡愁的恋人之情。这是青年男女之间的思恋和向往。

三是“一方矮矮的坟墓”，它象征着作者中年时代乡愁的生死之情。这是一种只能埋于心底、无法在两者之间传递的刻骨铭心的思念。墓里墓外虽然只有咫尺，然而却又是那么遥远。

四是“一湾浅浅的海峡”，它象征着作者晚年时代乡愁的故国之情。海峡虽然“浅浅”，但是故国之情却是深不可测。而且，作者的情感是层层深入、步步递进，它绵远深长、回味不尽。作者“乡愁”的内涵和境界，随着自己的成熟和时代的发展，得到不断的深化和提升，从个人和家庭的亲情，扩展到海峡两岸的爱国之情。这就使“乡愁”具有了鲜明的时代色彩。

写作背景

1937年抗日战争爆发后，10岁的余光中随父母辗转于上海、重庆等地。

22岁那年，余光中随家人来到台湾，并考取了台湾大学外文系。

虽然专业是外文，余光中却对中国传统文化有浓厚的兴趣。他在诗歌、散文、评论、翻译都有大量著述，而其中成就最杰出的，当属诗歌。人们评论，他的诗题材广泛，风格屡变，技巧多姿，融汇了传统与现代、中国与西方的笔法。因此，他被誉为台湾现代派“十大诗人”之一。

1971年，20多年没有回过大陆的余光中思乡情切，在台北厦门街的旧居内赋诗一首。写完后，诗人热泪盈眶，沉吟良久。这，就是后来被海外游子不断传唱的《乡愁》

情感是人类最普遍的人生体验，抽象的情感常被隐喻化。 对于同一情感，男性与女性之间既存在相同的情感隐喻表达式，也存在不同之处。从认知社会语言学角度对莎士比亚四大喜剧中的情感隐喻进行归类，探讨了男女情感隐喻的共性与差异性。 研究发现，男性和女性的体验认知存在差异，其思维方式受到不同社会文化的影响，形成各自独有的情感隐喻。此外，体验认知具有共性，不同性别会使用相同的隐喻表达式表达同一情感。丰富的情感隐喻塑造了莎剧中鲜明的人物形象。

随着认知语言学研究的发展，越来越多的学者关注影响认知的主客观因素，开始在认知框架内探讨语言现象。国内的认知社会语言学研究大致分为两类：一类是理论的引进与介绍。另一类是运用理论进行文本分析或考察社会语言现象。运用认知理论研究莎士比亚戏剧（以下简称"莎剧"）的成果较多。一类是在认知领域内的莎剧研究，如用意象图式分析神话隐喻的跨域映射；另一类是莎剧的跨学科研究。对于同一情感，不同性别能够产生相同或不同的隐喻表达式。从社会角度看，年龄、性别、阶级差异会影响人的思维，进而影响语言的生成方式。 莎剧包含较多的情感隐喻，我们以莎士比亚的四大喜剧（《威尼斯商人》《仲夏夜之梦》《皆大欢喜》《第十二夜》）中的情感隐喻为语料，从认知语言学角度，探讨不同性别情感隐喻的使用差异，并从社会语言学角度探究其成因。

一、男性独有的情感隐喻

《现代汉语词典》对情感的定义是：情感是对外界刺激肯定或否定的心理反应，如喜欢、愤怒、悲伤、恐惧、爱慕、厌恶等。莎士比亚的四大喜剧包含较多的情感隐喻。实体概念隐喻是指把事件、活动、情感、思想等具有连续性质的、抽象的经验看作是不连续的、有统一形体的实体或物质的隐喻方式。四大喜剧的情感隐喻常以动物作为始源域， 情感作为目标域，通过始源域对目标域的映射形成概念隐喻。我们能够借助具象的动物理解作者想要表达的抽象的情感。剧中男性独有的"愤怒""欲望"等情感，其分别通过毒蛇与猎犬带给我们直观的感受。

1、男性独有的"愤怒"隐喻

在四大喜剧中，男性并不掩盖其愤怒情绪，该情感被喻为具有攻击性的动物，人们通过感受毒蛇、猎犬等概念来体会认知主体的情绪。

在意象的撷取和提炼上，这首诗具有单纯而丰富之美。乡愁，本来是大家所普遍体验却难以捕捉的情绪，如果找不到与之对应的独特的美的意象来表现，那将不是流于一般化的平庸，就是堕入抽象化的空泛。《乡愁》从广远的时空中提炼了四个意象：邮票、船票、坟墓、海峡。它们是单纯的，所谓单纯，绝不是简单，而是明朗、集中、强烈，没有旁逸斜出、意多文乱的芜蔓之感；它们又是丰富的，所谓丰富，也绝不是堆砌，而是含蓄。有张力，能诱发读者多方面的联想。在意象的组合方面，《乡愁》以时间的发展来组合意象，可称为意象递进。“小时候”“长大后”“后来啊”“而现在”，这种表时间的时序语像一条红线贯串全诗，概括了诗人漫长的生活历程和对祖国的绵绵怀念，前面三节诗如同汹涌而进的波涛，到最后轰然而汇成了全诗的九级浪。

抽象艺术是一种表现形式，其特征在于它不再追求具象的表现，而是以形式、颜色、线条、纹理等非具象元素表现情感、思想、主题等。以下是抽象艺术的一些特征：

1抽象化：抽象艺术不再模仿自然界的形象，而是通过形式、颜色、线条等元素表现抽象概念、感觉和情感。

2非具象性：抽象艺术的作品不再具有可辨认的具象形象，不需要直接从现实生活中引用对象或主题。

3个性化：抽象艺术家追求表达个人独特的思考和情感，创造出符合自己审美观点的抽象作品。

4色彩：色彩是抽象艺术中最重要的表现手段之一，色彩可以通过组合、变化和对比来表现出情感、氛围和形式。

5技法：抽象艺术家尝试使用多种技法和材料，以达到艺术表现的目的，如抽象表现主义的涂抹和滴落、立体主义的构造和装配等。

总的来说，抽象艺术在当代艺术中仍然有很大的影响力，被广泛应用于绘画、雕塑、装置艺术等领域。抽象艺术的特征是以非具象形象表达抽象概念、情感和思考，强调艺术家的个性化和自由创造，注重形式、色彩和技法的使用。它的特点是强调个性、自由和创造性，赋予观众更多的想象空间和思考的余地。