艺术的审美性是如何体现的

艺术的审美特征包括造型性与直观性、瞬间性与永固性、再现性与表现性。

艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。

1、艺术美的形象性

艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。

各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。

2、艺术美的主体性

艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活。

但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。

3、艺术美的审美性

艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。

凯尔特人的艺术创作和审美价值观有哪些？

凯尔特人的艺术创作和审美价值观有哪些？

凯尔特人的古老文化和传统艺术作品一直被世界各地的人们所欣赏和追捧。凯尔特人的艺术创作和审美价值观已经深深地影响了世界各地的文化发展和艺术创作。那么，凯尔特人的艺术创作和审美价值观究竟有哪些呢？

一、凯尔特艺术创作

凯尔特人的艺术一直以来都是一个非常重要的文化遗产，凯尔特艺术的特点是他们善于将自然元素和人工元素相结合，形成出独特的凯尔特艺术风格。凯尔特艺术作品在结构和形式上都十分复杂，而设计师则注重细节和差异性。凯尔特艺术品的主要形式包括了绘画、建筑、家居饰品和珠宝等等。

凯尔特绘画以线条和几何图案为主要元素，而且属于纯手工绘制，融合了文化、文明、历史等多个方面的特点。凯尔特人的坐标系从不改变，以艺术形象为基础，不断生长出新的形像和线条。

凯尔特建筑精巧耐用，可能是建筑史上最强烈的风格之一。凯尔特人善于利用环境，为自己的住宅加以保护，在城市发展之前，他们生活在自然环境中，利用树材和地石构建的屋顶是最为常见的一种建筑形式。

将凯尔特艺术和凯尔特文化相结合的艺术形式有家居饰品。在传统的凯尔特家居饰品之间，很多都是有多几层的连锁，而这些连锁的形式可能是几何图案的变化形式。凯尔特家居饰品具有很强的装饰性，除了其独特的形式之外，还体现了凯尔特人的宗教信仰。

凯尔特人精巧的珠宝是凯尔特艺术中的代表之一。凯尔特人的珠宝制作工艺相当用心，由于代代相传，所以凯尔特珠宝制作流派特别丰富。凯尔特人常用的珠宝材质包括了黄金、依亚石、瑟耳石、玛瑙等等。凯尔特珠宝的造型多样，图案是复杂的几何和抽象的形象，以及象形和装饰物。

二、凯尔特审美价值观

凯尔特艺术在其中体现着无数的凯尔特价值观。凯尔特人最重要的价值观是自然，赋予了凯尔特艺术集体经验的精神、地方特色以及质朴的美。对他们来说，自然界是万物之源、万事之母。艺术作品上的自然元素是凯尔特人赋予的肉体，原始而又深刻的宇宙意识，无形之中体现出人们对未知的敬畏、对生命的尊重。对于凯尔特人来说，艺术作品的产生就是一个与自然融为一体的方式。

观察凯尔特艺术，难免会被这种自由和创意所吸引，一些重要的价值观和传统信仰也被保留了下来，而凯尔特文化源远流长，值得我们学习和借鉴。凯尔特艺术通过技巧、情感和味道来表现，同时也能跨越海洋和壁垒，为我们提供了一种了解凯尔特文化和复杂活力的方式。

：艺术创作者的艺术修养不仅能在某种艺术形式中得以体现，还能表现出创作者对社会或是生活的内在感受。艺术创作者的艺术修养由审美感受能力、形象思维能力和创作表现能力三者组成。艺术创作者的艺术修养的高低直接决定着作品格调的高低，艺术修养的高低体现着高超的专业技能、独特的个人风格及特殊的感受能力，与画家的自身修养、生活经验、专业技能等有着密切的关系。

关键词：艺术创作者；艺术修养；形象思维；创作表现

荣格说，艺术说到底就是归结为人格，无论艺术家有什么样的思想尝试，只有在找到可行的表达方式之后才能完整地呈现出来，这可行的表达方式就是艺术家品质与睿智的综合体。

一件伟大的艺术作品的诞生，绝不仅仅就是从开始到结束的这段创作过程，它是与创作者本人的品质、文化修养、审美感受能力、思维能力、精湛的技艺等分不开的。这就属于我们所说的艺术修养。而艺术修养的形成不但取决于创作者长年累月的刻苦钻研，而且与他的生活环境、成长经历、所处的社会背景等等都有着千丝万缕的联系。艺术创作则是在此基础上的外在的表达方式，同样的表达方式，个人的艺术修养低，表达方式的结果则显得浅薄；个人的艺术修养高，表达方式的结果则显得有内涵。了解了这些，我们才能对美术创作过程中的各个环节有更准确、更深刻的认识。因此，对创作者艺术修养与艺术创作的关系进行分析，就十分必要。

艺术创作者的艺术修养包括审美感受能力、形象思维能力、创造表现能力，而这些能力则是在长期的磨练与学习中获得的，是从创作者的生活、学习、等等一系列活动中获得的对艺术深层次的认识与理解。

一、审美感受能力

艺术的创作有其自身的规律，从素材的积累、创作主题的确立、作品的构图、表现手法的运用等各个环节都需要仔细斟酌。虽然艺术有时不一定要经过严谨的思考，有时只是随手而来的成功，但艺术的创作必然会受到思想意识所支配——审美感受能力，没有审美感受能力的创作者不可能创作出深层次的艺术作品，作品也就失去了艺术所具有的意义。

这种审美感受能力，就是指审美感觉器官对审美对象的感知能力。这种能力包括两方面内容：一种是对审美对象外在（如颜色、形态等）的感知能力；其二是对审美对象的情感表现和象征意义（如情绪体验等）的感知能力。在这两种感知能力中，要求艺术创作者不但要形似，还要在外在形象中体现出内在的精神，从而体现出作品的内在价值，这就类似中国文人画一样，通过物来抒发自己的情感，通过物象体现自己的远大抱负一样，即借物言志。

席勒指出：“审美感受能力是时代最迫切的需要，这不仅因为它是一种改善人类对生活洞察力的手段，而且因为它本身就能唤起观察力的改善”。如果画家缺乏对美的感受，他就不可能将美升华到作品中去，也就不可能创作出具有内涵的高层次艺术作品。法国著名雕塑家罗丹说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛不是缺少美，而是缺少发现”。

艺术创作者要在深入生活，在实践的基础上，凭借自己的审美感受能力去发现和挖掘内心认为美的东西。创作者在深入生活中，在实践中收集积累素材，通过自己的审美感受能力去挖掘能够表达真善美统一的审美理想的创作主题。一个好的创作意向，一个优秀的创作主题，它体现了作者较高的审美能力，必定是对现实生活中美的外在反映，经过艺术家的艺术技巧、艺术手段把这种美通过作品表现出来启迪人的心灵，提高人的道德修养，培养大众的审美能力。

二、形象思维能力

什么叫形象思维？人类的思维方法可分两大类：一是逻辑思维；一是形象思维。前者使人们认识客观事物的本质，是抽象的，理性的。后者使人们认识客观事物的外在实际形象，是具体的，感性的。当人们通过逻辑思维，对客观事物获得正确的本质认识之后，就要进行形象思维，使抽象的概念建构于形象化之中，尤其是艺术创作亦是如此。

艺术作品对于欣赏者所起的作用是间接的启迪与感化而不是直接的说理与教化。它要表达创作者的内在情感是通过形象来表达的；所进行的思维方式是形象思维。因此，它只有利用形象来引起欣赏者丰富的联想，才能得到感染与启迪。既然形象是艺术创作者表达思想情感的重要方式，那就必须认识它，捕捉它，运用它。无论是在创作的构思阶段，还是在制作阶段，都要把形象放在首要位置，时刻从形象的角度去思考问题，才能掌握艺术创作的特点，加强艺术感染力，才能以形代神，作品的内在价值才会得以体现。

即使是抽象的，或是怪诞的作品（如达达主义，象征主义，超现实主义艺术等现代艺术形式），它的素材仍然是从现实生活中提炼出来的。无论如何怪诞，都离不开现实生活。幻想中所包括的可能存在或将要存在的部分，实际是从已经存在的事物中抽出来，重新构成的。不管是抽象的还是写意的、还是写实的，追根究底，也没有完全脱离生活实际，是对生活，对当下事物的高度概括，或是感性的幻想而已。

艺术来源于生活，但艺术不是完全的反映生活。

艺术创作作为一项复杂和艰苦的审美创造活动，不仅有着独特的心理活动的特点，而且还有着与其他人类社会实践活动、科学研究不同的思维方式。在艺术创作过程中，艺术家要以形象思维为主体，同时还需要综合地运用抽象思维和灵感，使之构成一种有机的辩证关系，共同推动艺术创造活动的进展。人类认识世界的两种基本方式是形象思维和抽象思维。 ①形象思维是艺术家在创作活动中从发现和体验生活，到进行艺术构思、形成艺术意象，并将其物化为艺术形象或艺术意境的整个过程中所采取的一种主要的思维方式，它是以具体的、整体性的形象为思维材料所进行的复杂心理活动。形象思维具有具象性、情感性、创造性等特点。形象思维的具象性是指形象思维始终要以具体可感的事象或物象作为思维的材料。形象思维的情感性是指形象思维过程中渗透着丰富的审美感情色彩。形象思维的创造性是指在原有思维材料基础上促成新形象或新意境的生成。 ②抽象思维是运用概念来进行判断、推理和论证的思维方法。形象思维与抽象思维在艺术家的创作活动中共同起作用，二者可以相互补充和促进。 ③灵感是指艺术家在创作过程中的某一时间内，突然出现精神高度亢奋、思维极为活跃的特殊心理现象，呈现为远远超出平常水准的创作冲动和创作能力，艺术构思或传达通过顿悟获得飞跃。灵感的特征是：突发性、超常性、易逝性。形象思维与灵感有一定联系，二者往往交互作用。

　 摘要： 色彩作为一种重要的艺术表现手段，其本身具有极强的审美价值。在现代油画艺术发展过程中，利用色彩表达艺术家内心的情感与思想内涵是相当常见的。因此本文就将针对色彩在现代油画艺术中的具体情感表现进行分析与阐述，以期为相关的艺术创作者提供参考与帮助。

　 关键词： 现代油画；艺术；色彩；情感表现

　色彩在油画艺术创作过程中，不仅是画家进行绘画的手段，更是表达画家思想感情与精神内涵的重要方式。不同的色彩所表现的情感内涵略有差异，而通过色彩表达画家内心的情感，往往可以创作出独一无二的优秀画作，进而推进油画艺术的发展。

　 一、近现代西方油画艺术中色彩的情感表现

　西方的油画犹如我国的国画一样，有着悠久的发展历史，同时也有许多著名的画派与著名的画家，成就了世界近现代油画发展史上的一个个传奇。西方近现代油画艺术中，其主要分为以下几种创作特点以及色彩展现。其一，后印象主义。这一时期的油画艺术作品代表创作者主要是凡高、塞尚。后印象派画家凡高在其绘画创作过程中，对色彩的驾驭与运用可谓到了出神入化的地步。最为出名的作品就是《向日葵》，而整部作品呈现出的画面是**的屋子与墙壁，床和椅子也是淡淡的**。**的墙面上有着几幅**的向日葵画。而插满深**陶罐中的也是生机勃勃又绚烂多彩的向日葵，更是使得整幅画面看起来满是金黄。当然这一作品并不是全是**，而是与蓝绿色的背景进行结合，营造出一种生机勃勃之感，同样也表达了画家对生命的热爱以及心中永远充满希望的积极态度。其二，野兽派。这一派别的油画作品，往往可以挣脱传统的束缚，从而营造出不同的视觉效果。马蒂斯是这一时期杰出的油画画家，他主张利用强烈的色彩冲击人们的眼球，既发挥纯色的作用又增强色彩强度。通过高强度的对立颜色营造出一种视觉张力，从而抒发个人情感。其三，毕加索时期。以毕加索为代表的这一时期，作品大多以蓝色为主调，给欣赏者带来一种悲伤、沉闷的感受。如《人生》，其表现的就是人们深受贫穷困扰，穷困潦倒的状态。之后其作品又实现了转型，以《二裸妇》为代表，开创了粉红色、玫瑰色的创作风格，体现出画家内心对生命的赞叹与对生活的热爱。西方近现代油画中主要以前面三个派别和时期最为出名，之后还有表现主义时期以及康定斯基所提出的色彩观念，在此不一一赘述。

　 二、近现代中国油画艺术中色彩的情感表现

　对于中国而言，油画不是我国本土的文化与艺术形式，其本身属于舶来品，因此在中国的发展历经波折与艰难。但是油画中注重的色彩运用，实际上在我国的美术作品当中也是早有体现。针对我国近现代历史发展过程中，代表画家的色彩观念以及其作品中色彩的运用进行分析，是极为迫切的。首先，刘海粟可谓是我国现代绘画中杰出的艺术家。他的作品与西方的后现代主义有类似之处，并且注重个性的张扬与表达，擅长利用色彩表达自己内心的主观情感。如其作品《北京前门》，画面整体的色彩对比相当强烈，且线条的选用也是粗狂不拘小节，这样的作品往往更能表现创作者的真情实感。其次，吴大羽也是我国油画的先驱和开拓性人物。他的艺术作品中，始终体现着自我批判，所以作品本身是发自心灵的创作。比如其画作《色草》，并没有真正对花草的形态进行描绘，而是利用极为绚丽的的色彩进行意象描绘，给人一种独特的审美情感。再次，沙耆更是不可忽略的一位画家，其在我国的地位可以与西方的凡高相媲美。他对艺术创作的追求和执着与凡高极为相似，而在色彩的运用方面也是大胆且不拘泥于形式。所以在沙耆的作品之中，看到最多的是人内心的冲动与激情，还是情感表达的直接性。除了以上这些画家及其作品中所体现的色彩运用形式之外，我国还有著名的画家罗尔纯先生，其油画作品更加注重红色乡土情的表达，所以作品中运用的红色、**等，是最为普遍的。而申玲和徐晓燕则在创作中融入了更多的情感，更多主观色彩融入其中，在色彩的运用以及情感的表达方面，都各具特色，为我国油画的进步与发展带来了帮助。但是无论其选择哪样的表现手法，其目的都是渴望通过色彩，展现出不同的心理状态，从而通过色彩的统一表达自己内心真挚的情感，进而诠释自己真实的内心世界。

　 结语

　虽然说油画在我国属于舶来品，但是我国也确实有许多优秀的油画作家，在近现代油画创作与发展过程中做出了杰出的贡献。此外，由于中西方地域差异，或者同一地区不同时间段的差别，在色彩运用与情感表达方面都会有所差别。可是色彩在近现代绘画艺术作品中的重要性始终未曾改变。未来的油画艺术创作更需要加强对色彩的运用，通过色彩，展现创作者内心的情感与精神。

　 参考文献

　[1]宋涛论油画中的情感色彩表现[J]重庆科技学院学报(社会科学版),2010,02:144-146

　[2]黄经庭,吴新林浅论西方油画的色彩艺术特点与色彩的情感表达[J]美术大观,2014,08:50

　[3]许碧云近现代油画艺术中色彩的情感表达[J]美术教育研究,2014,16:23

　[4]孙翠翠油画创作中色彩的情感表现[J]美术教育研究,2011,08:53

第六章艺术的创作过程

艺术创作是人类特有的、复杂的 精神活动和实践活动 。

艺术创作就是艺术家把自己在社会生活中体验到的思想感情运用艺术语言和艺术技巧转化为具体的、生动的、可感的艺术形象，把自己的审美意识和生活体验用物质的手段表现为艺术作品。

艺术创作过程是复杂的，不同的艺术家，不同的艺术种类，不同的创作方法，使艺术创作过程呈现出复杂多样的表现形式，但大体上可以区分为三个阶段： 对生活的艺术体验、艺术构思与艺术传达 。这三个阶段的成果是： 审美表象、审美意象和艺术形象 。

第一节 对生活的艺术体验

对生活的艺术体验就是艺术家在接触生活时，被生活中的具体形象所感动而引发的饱含情感的切身感受。

对生活的艺术体验开始于人的感官对客观生活的接触，终结于创作欲望的萌发，审美表象的形成。

一、对生活的艺术体验在艺术创作中的地位。

对生活的艺术体验，是艺术创作的准备阶段。

艺术家对生活的艺术体验形式，可以是自觉的，也可以是不自觉地；可以具有明确的目的，也可以不具有明确的目的；可以时间很长，也可以时间很短。

二、对生活的艺术体验在艺术创作中的作用。

    （一）、对生活的艺术体验是艺术创作的基础。

在艺术与社会生活之间，有一个中间环节，那就是艺术家对社会生活的艺术体验。

艺术只能表现艺术家体验到的社会生活。深切地生活体验和丰富的经验积累是艺术创作的前提和基础。

俄国作家冈察洛夫说：“我只能写我体验过的东西，我思考过和感觉过的东西，我爱过的东西，我清楚地看见过和知道的东西，总而言之，我写我自己的生活和与之常在一起的东西。”

    （二）、对生活的艺术体验引发艺术创作的欲望。

当艺术家对生活的艺术体验有了丰富的积累，为生活中的形象所感动，就必然产生升华、飞跃，要求转达给别人，不吐不快，这就是艺术创作欲望的心理动因。

郑板桥论画竹，说“意在笔先”，“意”就是指“立意”、“意象”、“意趣”等等，“笔”就是指“用笔”、“笔法”、“笔墨”等等，它概括了艺术创作过程的两个阶段。这里所说的“意”既存在于艺术构思阶段，也存在于艺术体验阶段，艺术家的“意”蕴于其中的“眼中之竹”就叫做审美表象。郑板桥所说的“胸中之竹”就是艺术家用自己的思想感情去改造现实中竹子的形象而产生的审美意象。

三、对生活艺术体验的特点。

    （一）、艺术体验是对形象的体验。

政治家、经济学家、科学家了解社会也要从形象入手，通过形象去了解社会的本质与规律，但是一旦他们把握之后，就抛弃了形象。

艺术家在体验生活是必须始终以敏锐的观察力去把握客观事物的具体形象，了解和熟悉事物形象的特点和细节以适应艺术创作的特殊要求。

福楼拜说：“对你所要表现的东西，要长时间很注意去观察它，以便能发现别人没有发现和没有写过的特点。任何事物里都有未曾被发现的东西，因为人们用眼观察事物的时候，只习惯于回忆起前人对这事物的想法。最细微的事物里也会有一点点未被认识过的东西，让我们去发掘它。”

    （二）、艺术体验是情感的体验。

科学家对生活的体验和认识是纯客观的、纯理性的，是不包含情感的真理的探索。

而艺术家对生活的体验却是包含主观心灵的情感体验。

德国美学家利普斯提出“移情说”，揭示了艺术家对生活情感体验的过程：

第一，由我及物。艺术家把自己的主观情感“外射”或“移”到客观事物上去，使无生命、无情感的外物有了生命、有了情感；

第二，由物及我。既然外物已经有了生命和情感，它就会反转过来影响艺术家主体的情感；

第三，由物我两忘，达到物我同一。艺术家感到外物与自己有相同的情感，于是认为我就是物，物就是我。

    艺术家永远不是生活的冷静的、纯理性的旁观者。他把自己全部的情感、理想、人格，他全部的心投入生活，以致自己深深的感到，生活就是自己，自己就是生活。这是艺术家体验生活的主要特点。

    （三）、艺术体验是对美的体验。

    对生活中美的敏感是艺术家必须具备的独特的观察能力与感受能力。

以上我们说明了对生活的艺术体验在艺术创作中的地位、作用及其特征。没有对生活的艺术体验就没有艺术创作。

但是，对生活的直接观察和体验并不排斥间接经验。间接经验在艺术创作中是必要的：

首先，表现历史的题材只能借助于间接经验。

其次，由于艺术家生活经验的局限，间接经验是直接经验的补充。

第二节 艺术构思

    艺术家对生活有了体验，就会萌发艺术创作的欲望。也就是说，艺术家想把自己在生活中体验到的思想感情传达给别人。这时艺术构思阶段就开始了。

一、艺术构思在艺术创作中的地位和作用。

艺术构思是一种复杂的 精神活动 。它是艺术家在对生活艺术体验的基础上，为了表达思想感情，对生活现象进行选择、提炼、加工、改造、虚构，形成 审美意象 。

艺术构思始于 创作欲望的萌发 ，终于 审美意象的完成 。

艺术构思是艺术创作的 中心环节 。只有通过艺术构思，才能把艺术家对生活的艺术体验转化为艺术作品。

艺术构思的作用就是在艺术家头脑中产生审美意象。审美意象的产生标志着艺术构思的完成。

二、审美意象的特征。

    （一）、审美意象是主观和客观统一的内心视像。

“意象”中的“意”是指 主观的情思 ，“象”是指 客观的物象 。“意象”是物象与情思的融合。

所谓“审美意象”是指这种“意象”既体现了 主体的审美意识 ，又体现了 客体的审美特征 ，是二者的统一。

所谓“内心视像”就是指存在于艺术家内心的 视觉形象 ，这种形象还没有用物质手段表现出来呈现于观赏者的面前。

艺术构思首先要考虑的是“象”，即表现怎样的 社会生活 ，这就是我们常说的 艺术作品的题材 。艺术家要从五光十色的客观生活中选择一角加以凝缩集中，以便吸引人们的注意力去感受它。没有选择与集中就无法确定艺术要表现的对象。

艺术构思的关键是要考虑通过“象”表达怎样的“意”，既表达怎样的 思想感情 ，这就是我们常说的 艺术作品的主题 。

“意”与“象”的关系是“象”表现“意”，“意”统帅“象”。意中有象，象中有意。

    （二）、审美意象是共性与个性统一的内心视像。

所谓共性与个性统一的内心视像，就是典型的内心视像，它是艺术家通过典型化的方法构思出来的内心视像。

所谓典型化，就是创造典型的内心视像的方法，也就是艺术家对生活素材进行选择、提炼、集中、概括，创造出典型的内心视像的过程。

典型化是艺术构思的关键。包括两个方面：

共性化 ：把生活中个别的、零散的、偶然的事物，经过选择、提炼、加工、改造，使之具有一定的代表性和普遍性，从而揭示出生活的某些本质方面。

个性化 ：把对象独一无二的个性特征鲜明突出地表现出来。

共性化并不排斥个性化，共性化没有脱离个性化，共性化就寓于个性化之中。

比如画家画一株松树，要观察千百株松，最后所形成的审美意象并不是磨去一切个性特征的松，而是具有千姿百态的松。

具体方法：

第一种， 综合法 。这是采用多种生活原型概括出来的审美意象，鲁迅概括为“杂取种种人，合成一个人”的方法。

第二种， 原型法 。是以一个模特儿为主干适当吸取其他素材所创造出来的审美意象。

    （三）、审美意象是确定性与不确定性统一的内心视像。

审美意象是艺术家内心中具体、鲜明、确定的形象。审美意象虽然有确定性的一面，还有不确定性的一面。

首先，审美意象具有 模糊性 。艺术家在构思的过程中总感到审美意象在心中清晰可见，呼之欲出，于是产生了强烈的创作冲动。但是，待艺术家传达这个内心视像时，总感到某些细节是模糊不清，有待补充。

其次，审美意象具有 变动性 。鲁迅说：“写小说是不能够休息的，过了一夜，那个创造的人脾气也许会两样。”

第三节 艺术传达

一、艺术传达在艺术创作中的地位和作用。

艺术传达是艺术构思的延续，是艺术创作的完成。

所谓艺术传达，就是艺术家借助于 物质材料 把 艺术构思 表现出来成为 艺术作品 ，借助于艺术语言和艺术技巧把 审美意象 物态化成为 艺术形象 。

艺术作品和艺术形象是艺术传达的最终结果，是艺术创作这种精神劳动的物质体现。

艺术形象与审美意象的联系：审美意象就是心中的艺术形象，艺术形象就是物态化的审美意象。

艺术形象与审美意象的区别：

第一，审美意象是不能够为他人感知的 内心现象 ，艺术形象是可以为他人感知的 物态化的形象 。

第二，审美意象具有 不确定性、模糊性、短暂性 ，艺术形象大多具有 确定性、鲜明性、持久性 。

二、艺术传达的一般规律。

（一）、艺术技巧是艺术传达的手段。

所谓艺术技巧就是掌握物质媒介表现审美意象的特殊能力，亦称艺技。

技术不同于艺技，技术生产物质产品，艺技生产精神产品；技术生产的是千篇一律的产品，艺技生产的是高度个性化的产品；技术可以脱离审美表象，而艺技变现审美表象。

艺术与艺技是什么关系？有两种片面的意见：

第一种，艺术就是艺技。他们认为，绘画就是比例透视，音乐就是旋律节奏，诗歌就是对仗押韵，“只要知道了艺术创作的规则，他们就都可以随意依样画葫芦，制造出艺术作品来。”但这种仅仅靠技术所创造出来的产品并不是艺术作品。

画匠、画工与画家的本质区别就在于前者仅仅有艺技，因而只能模仿而不能创作艺术作品；画家不仅仅有艺技，还有画匠、画工所不具有的某些品质，因而能创作出艺术作品来。

第二种，艺术根本不需要艺技。克罗齐认为，艺术就是心中的直觉。达芬奇之所以是艺术家，不是因为他创作出来《最后的晚餐》，而是因为他在心中想出了《最后的晚餐》，达芬奇把心中的图像画到画布上，所需要的仅仅是艺技而已。艺技对艺术是不必要的。

但既然艺术是心中的直觉，而心中的直觉是人人都有的，因此，人人都是艺术家。一切严肃的理论家与艺术家都充分估计艺技在艺术创作中的重要作用。

我们认为，不能把艺术归结为艺技，但艺术离不开艺技，艺技是艺术传达的手段。艺技的获得是不容易的，“它完全要靠思索、勤勉和练习。”

（二）、艺术传达是伴随情感的传达。

艺术家把审美意象变为艺术形象，决不是纯理性的活动，它伴随着强烈的情感。可以说，没有情感就没有艺术传达。

三、艺术传达与艺术体验、艺术构思的关系。

    （一）、艺术创作过程三个阶段不是彼此隔绝的，而是互相渗透的。

首先，对生活的艺术体验贯穿艺术创作的始终。对生活的艺术体验是艺术创作的基础，但是对生活的艺术体验并不是一次完成的，在艺术构思、艺术传达阶段依然穿插着艺术体验。

其次，艺术构思与艺术传达也是相互渗透的，在艺术传达过程中常常需要重新构思。

最后，艺术体验阶段也孕育和蕴含着艺术构思和艺术传达的因素。

    （二）、艺术创作过程的三个阶段都伴随着情感的活动，情感是贯穿艺术创作整个过程的中心线索。

艺术体验是情感的体验，没有情感的体验就不会产生艺术创作的冲动进入艺术构思阶段。

艺术构思阶段所产生的审美意象是包含情感的内心视像，没有情感就不可能产生审美意象。

艺术传达阶段同样是伴随着情感的创作活动。

总而言之，没有情感就没有艺术创作。

呵呵！

再找考试开卷题吧！

我也在找呢！

艺术创作是艺术家对现实世界的一种艺术反映的活动,其艺术创作必须首先进行艺术构思,构思出的艺术品乃是作者对客观现实的一种表达方式。一件艺术品正是艺术创作者对当时的境况、情绪、心灵、情感、记忆以及想象等诸多方面的反映，而在进行艺术构思中,想象和情感是艺术家在创作艺术品中所必须具备的条件,书法艺术的创作中,情感的作用是极其重要的。

对于一个书法创作者来说,他能够用线条的不断变化来表达自己的情感,情感作为创作活动中的重要心理因素渗透到整个艺术构思的活动中,作者对客观现实在某一阶段也持着特定的情感态度,书法是线条艺术、造型艺术,更应该是情感艺术,作为书者,什么样的笔墨、什么样的人品、什么样的素养以及什么样的情感就构成了什么样艺术风格的作品。于是,作品就有了清雅、冷艳、雄伟、奔放等众多不同的风格。一幅书法艺术作品就是书者的心理情感活动的表现。由此,情感的变化亦即跃然纸上。情感在书法艺术中也能够得到充分的体现。“凡是带有明显的横向线，通常表示安闲、和平与宁静；斜线在一幅作品中通常包含着运动；锯齿状通常包含着痛苦与紧张；圆线或狐线则较圆满而完美”（美—库克《大师绘画技法浅析》）。而吕凤子先生对此也作了精辟的论述：“凡属表示愉快感情的线条，无论其状是方、圆、粗、细，其迹是燥、涩、浓、淡，总是一往流利，不作顿挫，转折也是不露圭角；凡属不愉快的感情的线条，就一往停顿，呈现也一种艰涩状态，停顿过甚就显示焦灼和忧郁感，有时纵笔如风趋电疾，如兔起鹘落，纵横挥斫，锋芒毕露，就构成表示某种激情或热爱或绝忿的线条。”由此可见，线条的变化就是情感变化的表现。

一幅好的书法艺术作品能给人以美的感受和遐想，而书法美的本质正是书家本质力量的对象化的产物，是表现审美情感的艺术形式，也是以笔墨点画形成造型手段，通过创造性的审美形象来表现书法家的精神、气质，熔铸和渗透着书家的思想感情、学识修养等。“天下第一行书”《兰亭序》的作者王羲之被世人称为“书圣”，所书的《兰亭》的文意和书法正是他当时无志仕途，乐在山水，集聚群贤，饮酒赋诗，雅兴至极，挥毫即就的真实写照！正是因为有这样的情感，他才能写得如此自然，毫无雕饰，遒劲飘逸、妙趣天成。而被称为“天下第二行书”的《祭侄文稿》则“合情于纸上”，创作时颜真卿年已半百，这幅作品气势磅礴，悲壮之气溢于字面，可见虽无意书然遇见其郁勃顿挫、见其力、其悲、其衷，确见其情。然颜若失去悲愤交集“感心乱如麻”的情感也就创造不出这一杰作。可见书法乃是“达其情性，形其衷乐”。情感的变化幕幕显于纸面，其在书法创作过程中的作用也是极为重要的。