我觉得巴赫的曲子不是很难,依照个人而定吧!我的老师还有一起的同学都喜欢他的曲子,平静中带有一丝回忆的感觉。
巴赫的曲子由于时代的原因,不需要你带有太多的情感,(因为他的曲子大多反映的是基督教等宗教方面,且他们的那个时代都是用古钢琴弹得。)
确实刚开始弹得时候,二部创意与三部创意很难配合,建议你双手分开练。
如果你练钢琴,你可以多听一听他的其他方面的曲子,对你练钢琴时对曲子的理解会有帮助的。
以下是我推荐的几首曲子:
巴赫第四勃兰登堡协奏曲
巴赫第四钢琴小提琴协奏曲
巴赫古钢琴协奏曲第三乐章
巴赫g小调小步舞曲(强烈推荐!)
巴赫第二勃兰登堡协奏曲第二乐章
巴赫第六勃兰登堡协奏曲第三乐章
巴赫第三勃兰登堡协奏曲第一乐章
巴赫第四勃兰登堡协奏曲第一乐章
巴赫第五协奏曲
巴赫g弦上的咏叹调(强烈推荐!)
终于打完了!
我觉得巴赫的曲子个人有个人的理解,不好一概而论。你最好去买一些巴赫的cd碟多听一下,其实巴赫的曲子你弹多了,大概都一种感情,一种模式吧。
您好,它的意思是:按住该休止符下面的这个音不放,同时接着弹这个小节接下来的几个音符。弹完这个小节接下来的几个音,再放开休止符下面的这个音符的手指。
音乐中C调、G调、E调是指调号。
1 C调是以C音作为主音的,自然大调式就是C大调,C大调是一个没有升号和降号的。调音阶结构如下:
2 G调以G音作为主音的,自然大调式就是G大调,五线谱中记为一个升号。调音阶结构如下:
3 A调是以A音作为主音的,自然大调式就是A大调,五线谱中记为三个升号。音阶结构如下:
4 D调以D音作为主音的,自然大调式就是D大调,五线谱中记为两个升号。音阶结构如下:
根据全音半音的关系再推出E调中其余的音G调就是C调中的G(也就是5)等于是G调的Do。A调就是C调中的A(也就是6)等于是G调的Do。
扩展资料:
c调是所有调的基础,也就是Do Re Mi Fa So La而字母CDEFGAB分别就是代表1234567就是Do Re Mi Fa So La Si Do。E调就是C调中的E(也就是3)等于是E调的哆。
调号按照一定的次序和位置记在谱号的后面的,这些记号叫做调号。调号总是只用同类的变音记号,即升记号或降记号。简谱的调号一般是用1等于A、B、C、D、E、F、G来表示,如1=C则表示该简谱是C调来记谱,如果要表示升级号的调,则在字母前加#号或者b(降)号,可以参考一些简谱示例。
讲述了在音乐学院中的学生爱情故事。
从小学习古典作曲的汪苏泷Silence,一直视巴赫为自己在古典创作中的偶像。巴赫旧约这首歌通过巴赫的经历,讲述了在音乐学院中的学生爱情。
无论是女高音的加入,还是间奏部分改编巴赫的名曲。都让我们不得不惊叹他的音乐才华。黑白琴键弹不出的回忆 想把巴赫音乐隐没人海里。
巴赫:
巴赫,德国作曲家、演奏家,欧洲巴洛克时期的代表人物。集文艺复兴音乐发展之大成,承前启后,以丰厚的音乐创作被誉为欧洲古典音乐的鼻祖,以深远的历史影响被许多人尊称为“音乐之父”。
他一生创作的五百多部作品中,绝大部分以宗教题材反映觉醒的平民精神和虔诚质朴的宗教情感。他的作品涉猎到了当时的所有音乐体裁。巴赫作品的伟大不仅体现在他奠定了交响乐发展的形式基础,高度发展了和声手段,把复调思维和对位技法推向了完美的高峰。
巴赫音乐长久的生命力是根植于德国现实生活的民族风格。巴赫家族在19世纪近三百年中出现过52位音乐家,是音乐史上罕见的“音乐世家”。
巴赫写作管风琴作品格外得心应手。在当时最流行的管风琴体裁前奏曲与赋格、托卡塔与赋格、幻想曲与赋格中,他的《a小调前奏曲与赋格》(BWV543)、《g小调幻想曲与赋格》(BWV542)和《d小调托卡塔与赋格》(BWV565)是突出的杰作。这些乐曲中严谨的对位逻辑、宏伟悲壮的感情与乐观明快的抒情性充分体现了巴赫创作的独特风格及他发挥这件乐器表现力的才能和技巧。
他为管风琴写的六首三重奏鸣曲(BWV525-530)是他把意大利室内乐三重奏鸣曲的形式移植到管风琴上的一种尝试。每首乐曲都是以意大利的快—慢—快结构构成,又都以三个平等的声部写成对位的织体,其中一个声部用脚踏板演奏。
巴赫的《平均律钢琴曲集》以创作实践证明了十二平均律的优越性和实用价值,它是一部划时代的作品,是“全部音乐史上最重要的里程碑之一”;“钢琴音乐的《旧约全书》”(贝多芬的三十二首奏鸣曲则被称为“钢琴音乐的《新约全书》”)。
在此以前,键盘乐器大多按“中庸律”调音,能够演奏而不会走调的音阶,只有降B,F,C,G,D,A等大调和g,d,a等小调,因此作曲家在选调和转调上受到很大的限制;而采用了十二平均律后,可以选用大小二十四个调,并转调。所以说,没有巴赫对平均律的实践,近现代音乐的发展还要徘徊很长一段时期。
巴赫很早就把自己的键盘乐器调成十二平均律,并写了《平均律钢琴曲集》第一集,其中包含以大小二十四调为序的《二十四首前奏曲和赋格》(1722年);晚年在莱比锡又写了第二集,包含另二十四首前奏曲和赋格(1744年)。
巴赫创作《平均律钢琴曲集》,是受了先辈作曲家费歇尔(约1665—1746)的启发。费歇尔在1702年出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》,包含二十首前奏曲和赋格曲,分属二十个不同的调。这部作品的标题起源于希腊神话,阿莉阿德尼是古典神话中克里特岛国王米诺斯的女儿,她的母亲帕西法厄生了一个牛头人身的怪物,米诺斯把它幽禁在一座迷宫里,并命令雅典人每年进贡七对童男童女喂养这个怪物。雅典王子忒修斯发誓要为除害,他借助阿莉阿德尼给他的线球和魔刀,杀死这个怪物后沿着线顺来路走出了迷宫。
“新风琴音乐的阿莉阿德尼”,意思就是指示风琴演奏家用五花八门的大小调作迷宫的引路人(西方有句成语“阿莉阿德尼的线”,用来比喻解决问题的方法)。这部作品用了大小二十四调中的十九个调,只有升C和升F大调,降e,降b和升g小调没有用,而e小调用了两次。其中所有的前奏曲和赋格曲都是很短小的乐曲,主题和《平均律钢琴集》中的主题很相似。巴赫吸收前人经验谱成的《平均律钢琴曲集》运用了全部大小二十四调,在音乐史上首开先河。
所谓的十二平均律,是一种律制,即是把一个八度分成相对均等的12个音程,每一个音程规定为半音,两个半音为一个全音。 巴赫的平均律共写了24个大小调(C大调,c小调,升C大调,升c小调,D大调,d小调,降E大调,升d小调,E大调,e小调,F大调,f小调,升F大调,升f小调,G大调,g小调,降A大调,升g小调,A大调,a小调,降B大调,降b小调,B大调,b小调),每一个调都包括了一首前奏曲与一首赋格,所以一共是48首前奏曲与赋格。分上下两卷,分别创作于1722年和1744年。其实平均律并不完全算是巴赫开的先河,早在1702年,费歇尔(约1665-1746)就出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》,包含二十首前奏曲和赋格曲,分属二十个不同的调。这部作品用了24个大小调中的19个调,只有升C和升F大调,降e,降b和升g小调没有用, 而e小调用了两次。在未采用十二平均律之前, 演奏中移调转调都会受到很大限制。所以说,巴赫的《十二平均律钢琴曲集》,在音乐史上的地位是里程碑式的,当之无愧。
平均律作为复调音乐的文献作品,单就技巧上而言,都是难以驾驭的。个人以为,最为基础的音乐感觉,是具备对多声部的敏锐的听觉和良好的手指独立与谐调性。在此之上才能够说是更全面地增强音乐的表现能力。巴洛克音乐的作品,复调音乐的作品,可以说是一切的源头与起点。而巴赫的这套平均律钢琴曲集,无疑是这方面训练的最佳教材。尤其是赋格,在后面的文章将要专门提到;那些三声部四声部,甚至是五声部的赋格,在键盘上构成此起彼伏,交相辉映的旋律走向,是何等神奇的景象!就音乐上而言,巴赫的“平均律”真正是包罗万象,一部令人惊叹的百科全书!所有的情感,欢乐与痛苦,平和与焦虑,光明与阴暗,清新与晦涩……在这整部钢琴曲集中都有最为深刻与详尽的描述。巴赫的音乐不完全是理性的刻板——哪怕表面听来是如此。其实他的所有情感都深藏于底,只以比较内敛的方式呈现出来,朴质又动人。所需要的只是耐心,逐步地走进那奇妙的境界;这是一个十分漫长的过程。也许对于表现技巧,完全没有必要考虑那么多,听者可以仅仅把他当作一种键盘游戏来欣赏;而对于情感,似乎也没有必要揣测,一切进入都是纯粹的自然。听听一开头的那段C大调的前奏曲!简洁而朴素动人!什么都不多想,一种绝对的均衡,流畅的线条,瞬间就把人的心灵荡涤成一片澄明的安详。
“赋格”原为拉丁文“fuga”的音译,又有“追逸”、“遁走”的意思。两个甚至更多的声部进行模仿与对答,你追我赶,造成此起彼伏的和谐的旋律线条。其基本特点是运用模仿对位法,使一个简短而富有特性的主题在乐曲的各声部轮流出现一次;然后进入以主题中的部分动机发展而成的“插段”,此后主题及插段又在各个不同的新调上一再出现;直至最后主题再度回至原调,并常以尾声结束。在第二、三部分中,有时运用“增值”、“倒转”、“交迭”等手法处理主题。用“交迭”手法写成的乐段堪称“紧接段”
在巴赫的很多音乐中你可以很明显的感觉到这点,两个声部通常是以五度之差呈示与反复的,例如巴赫的“d小调双小提琴协奏曲”,第一乐章开头,先是第二小提琴奏主题(23456),再次反复时是第一小提琴移高了五度(67123),以赋格的方式竞奏。当然,并不等于说,“平均律”中的“前奏曲”,就是简单流畅的东西。其实前奏曲也有好几种类型,一种是强调的旋律性,快速的流畅的段落,大多使用分解和弦和音阶的形式,例如著名的“C大调第1首前奏曲与赋格(BWV•846)”,“升C大调第3首前奏曲与赋格(BWV•848)”,“D大调第5首前奏曲与赋格(BWV•850)”,听起来随意而即兴。这点, Richter和Fischer都弹得很有感觉;而另外一种,就是同赋格一样,属对位式的,也可像赋格那样,有“镜像”(上下行的对比),“增值”(节奏或音程)和“交迭”(轮唱与模仿)的形式。
首先是对节奏、速度与音色的运用。
以“降a小调第18首前奏曲与赋格(BWV•863)”的赋格为例子,可以感觉到Gould以非常缓慢的速度来演奏的,而奇怪的是,在这些段落强调慢速的演奏,但是在类似舞曲的赋格中,他却弹得比谁都要轻盈,短促的音型;可能正因为是对比,舞曲才跳得起来吧。那独树一帜的触键和音色更是没得说的。Fischer的速度是最快的,在所有的前奏曲与赋格的演奏中,他似乎强调的就是一种即兴的一挥而就,不加刻意雕琢的痕迹,浑然天成;
Richter在“升C大调第27首前奏曲与赋格(BWV•872)”中的前奏曲表现独到,这段前奏曲分两个部分,前段被他弹的虚无缥缈,真不知道这样的音色他是如何表现出来的;而后段转了一个Allegro,立即转化为令人振奋的对答(又是一个类似赋格的段落),Richter弹的应该是属于非常诚挚,忠实巴赫原作的感觉。
其次是对于声部的运用
以前提到过,巴赫的东西,是那种“立面”的思维方式。他的音乐是独立的,甚至可以说是“抽象”的。其中有一个横向(旋律)与纵向(和声)的关系,如何均衡,是精义所在。个人以为巴赫从来就不是靠旋律“优美”见长的音乐家,他的很多东西某种程度上来说甚至是枯燥的。所听到的这些演奏,尤其是Schiff的,对旋律就更加注重一些。他强调的是旋律的横向发展,所以他的演奏听起来就是最为优美动听,也是最为讨好人的一个:)而在下卷,这样的方式,显然对巴赫音乐的表达就不够全面了(个人认为下卷比上卷难以接近得多,更加注重多声部的均衡,就是所谓纵向而非横向了)。当然,无可否认,这是个不错的演绎。毕竟是我买的第一套完整的“平均律”。
而Gould本人是更加注重对声部的运用,强调各个声部各自的独立性,层次感极强--一般来说,三声部以上的赋格,其中必有一个是在充当类似通奏低音的角色;别的演奏家可能更加注重的是旋律的取向,但是我特别喜欢Gould的演奏,是因为他无时不刻地在强调声部这种“均衡”的关系。他演奏出来的音乐,各声部都具有极强的独立性,错落有致;他似乎对多声部的音乐有天生的极度的敏感,经常可听见在手上演奏几个声部的同时,口中还唱着另一个声部。而且那些声部,它们是平等的,Gould时刻提醒它们的存在,哪怕是模仿通奏的低音声部。每个声部都有出来做主角的机会,每个声部都能统领其他的声部。
最后是关于装饰音的运用
巴赫“平均律”里的装饰音非常多,颤音、回音、波音等; Richter听来几乎是省略了所有的装饰音,他把线条尽量整得流畅平实;而Gould则恰恰相反,所有的装饰音他都用尽了,尤其是他特有的“小颤音”,在句末和转折的地方出现,异常灵敏,能够想象Gould是怎样一个神经末梢极度敏感的人啊。
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