畅意书写与深情表达――读桂相文先生书法随感

和大多数人一样，认识桂相文先生，是从他的书法开始的。记得第一次是在二十年前我县某次廉政文化书展上，工整秀丽的中楷立轴吸引了我的眼球，书写的内容早已忘了，但扎实而灵动的书风面貌让我印象深刻。

第一次见面也是在本县的一次书法交流会上。活动其间，总有一些书法交流节目，那时我们都不敢动笔，于是你谦我让，桂相文先生在众拥下挥毫而就，无论书写什么内容，他一边书写，我一边轻声念词，每次都是这样，仅凭一个眼神，便慢慢习惯了彼此的默契。几个来回交往，我们成了好友。

桂相文先生的书法扎根传统，兼长众体，尤擅行楷。以二王书风为本，兼以魏碑用笔，碑帖结合，形成自家的独特面貌。几年前，我有一诗寄赠相文先生。

法古求新识墨趣，平留圆实处处开。

茂朴风姿存魏面，秀挺神色自晋胎。

唯情书家后王笔，始信人间大苏才。

悬知日后成新宠，巧将紫云割砚台。

诗虽俚句，却是我对桂先生书法的基本认识。也基本概括了他的书法特点及个性情怀。平留圆实本是绘画用语，放在此处，也恰好说明其书法的多体兼备，技法全面。一段时间，临写魏碑甚是刻苦，探索出方笔的书写技巧与线条的质感劲道，与二王书风秀逸多姿相融合，形成一种碑中有帖，方圆兼济，刚中带柔，雄雅多姿的全新书法面貌。在线条、结体、章法、气韵乃至书格等多方面形成自己的特色，这是非常难能可贵的。这一书风，也直接影响了他的篆刻，换句话说，他的篆刻是其书法的延续与发展，大大丰富了其书法的内涵与外延。还有一段经历，也非常有意思，那是多年前，我们每周都在一起讨论制作砚台，对挖掘与弘扬传统文化，从砚台的设计与刻制，到铭文的撰写与书刻，及书法家的学养与滋润之间的关系等多方面进行有益的探讨。在学书这条道路上，桂先生是从不拒涓涓细流的。

众所周知，学书之人各有不同，要成为一名真正的书法家必须经历三个阶段:渐进期、稳定期、升华期。第一是临习阶段，只要方法得当，持之以恒，一般进步都会很快。待进入稳定期后情况比较复杂，有的停滞不前，有的甚至倒退，要么成为一辈子的书奴、字匠，要么寻奇猎怪，走入歧途，百分之九十以上的人，都是在这一阶段败下阵来。只有极少数的人才能进入第三个阶段。但此时已经不是技法和手段的问题了，如果没有足够的智慧与底蕴，没有足够的生命经历与情感沉淀，是不可能达到的。而真正登峰达顶的人更是少之又少。古人云，汝果欲学诗，功夫在诗外。同样的道理，学书的功夫也是在书外。

在具体学习与取法上，桂先生对“二王"一路的书法都有细较，除“二王"外，智永、褚遂良、虞世南、颜真卿、苏轼、黄庭坚、米芾、“二蔡"，尤其对晚明王铎用力尤勤，王铎的书学路数了然于心。“只是守定一家，又时时出入各家，无古无今，无人无我，写个不休，写到熟极之处，忽然悟门大启，层层透入，洞见古人精微奥妙，我之笔底迸出天机来变动挥洒。回头视初宗主，不缚不脱之境，方可自成一家矣。”正是因为执着的探求，加上天资后慧，且取法乎上，因而不出几年便腕底春风，笔下波澜。

时下学书的人可谓是千军万马，洋洋可观，这确实是件好事，但也带来另一种现象，泥沙俱下，鱼目混珠。一些别有心者，以书法为名，行走江湖，丑书，怪书，奴书，更有甚者，猎奇走怪，喷墨嚎张，以博人眼珠。什么才是真正的书法？书法究竟怎么走？书法的目的是什么？时下真正思考的人并不多，大多是人云亦云，盲目跟风。一时之间，书法失去了正确的方向。

什么是好的书法？这个问题一直困绕着桂先生。对此，他有自己的理解和看法。他肯定不能满足于几次书展的入展与获奖，更不能满足于时下几个评委的评述。书法如何穿透时间的迷雾，追寻古人的步履，真正做到畅意书写与深情表达？这是个严重的问题。要做到这两点谈何容易，倘没有人性的深度，感情的纯度及人文担当，一切都无从谈起。

桂先生对传统文化、对家乡故土有着深厚情感。作为一个出生和成长于庐山的人，在学习和书写内容选择上，更喜欢书写一些关于庐山方面的内容，尤其是对陶渊明的为人风骨与散淡文风情有独钟。与一千六百年前的古圣先贤一样，踏着同一片土地，有着同样的深情，因而在“上京"这块古旧土地上有着同样的温情，仿佛后学正沿续着前贤未竟的事业继续前行。不久前，桂先生又在书写庐山乡贤的诗文书展，前言部分我是这样写的:

金风起，秋叶黄，东篱采菊，丹桂飘香。一千六百多年前的陶渊明独好南山秋菊，写下“采菊东篱下，悠然见南山"的诗句，把南山变成一个酿诗的地方，把南山变成人人心中向往的桃花源。一千六百多年后的今天，出生于渊明故里“上京"的桂相文先生，以书法的形式又一次诠释了陶渊明的情怀，展开了隔空跨时的对话，从文字到形式，从内容到思想都是一场文化盛宴，一次恬淡从容的精神触碰与诗心溶解。

诗意各有表达，情怀同样真诚，精彩不容错过。

――《对话南山》

“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索"，目前，桂先生也正行进在向第三阶段的过程中，因而更加砥砺前行，积极探索，既学习经典，又与时俱进，推陈出新。在学习与沉淀上不断丰盈自己，夯实自己。广泛涉猎一些姊妹艺术与理论知识，走向社会，走向更加辽远的内心世界。尤其是在培养下一代方面更是不遗余力，赢得社会的认可与尊重。自担任九江市书协主席以来，工作更加繁忙，责任更加重大。仍不忘初心，不忘使命，不忘书法普及与教育，有求必应，有需必达。愿桂相文先生在这条传承书法艺术的道路上越走越辽阔，越走越深远。

              202011

[内容摘要]

如何做到畅意书写？前提条件就是扎实的临池功夫与多途径的书法面貌，桂先生通过勤奋好学与取法乎上，逐渐形成自己的书写风格。尤其是走碑帖结合的路子，探索出方笔的书写技巧与线条的质感劲道，与二王书风秀逸多姿相融合，形成一种碑中有帖，方圆兼济，刚中带柔，雄雅多姿的全新书法面貌。在线条、结体、章法、气韵乃至书格等多方面形成自己的特色，这是非常难能可贵的。

任何书法技巧都是手段，而不是目的，目的在于表达。能做到自由表达需要扎实的书写基础，同时兼备多方面的文学素养和姊妹艺术的熏陶。深情表达则是更高的艺术要求。带着情感，带着使命，带着对书法艺术的热爱与执着，桂先生走在从必然王国向自由王国的道路上。

文·段宏刚

中华民族在20世纪诞生了许多伟大的女性，她们以 “巾帼不让须眉” 的姿态，在各自的事业上取得了举世瞩目的成就，由此，为了表达对她们的敬意，世人把她们冠以“先生”。

跟毛主席（1893年——1976年）同年出生的宋庆龄（1893年——1981年）先生，无疑是20世纪最有代表性的伟大女性之一。

由于工作上的关系，早在20世纪20年代，宋庆龄就开始跟毛主席建立联系，之后一直以书信保持联络，要么是共同商讨国家大事，要么是以朋友的身份问候对方，两人共同为革命事业做出了不可磨灭的贡献。

遗憾的是，毛主席写给宋庆龄的书信，目前我们能看到的并不多，本文选出两封（一封于公，一封于私）供大家欣赏。一是欣赏书信在文学性上的优美措辞，二是欣赏“毛体书法”的艺术魅力。

第一封写于1949年6月19日，当时毛主席和周总理邀请宋庆龄先生来京共商建国大计，毛主席亲笔写了这封信。这封信的内容在公开资料上发表的比较多，大部分人见过。

此信全文只有109字，以文学的角度来看，用词简洁凝练，精准恰当，措辞优美而诚恳，字里行间能感受到毛主席具有深厚的文学修养，以及伟大的人格修养，既表达了对宋庆龄诚恳的邀请之意，又表达了对她的敬仰之情。

庆龄先生：

重庆违教，忽近四年。仰望之诚，与日俱积。兹者全国革命胜利在即，建设大计，亟待商筹，特派邓颖超同志趋前致候，专诚欢迎先生北上。敬希命驾莅平，以便就近请教，至祈勿却为盼！专此。

敬颂

大安！

毛主席 1949年6月19日

如果把这封信仅仅以书法作品来欣赏的话，同样是一幅不可多得的书法精品。

这封信写于建国前夕，信中的109个字以标准的“毛体书法”写成，这个时期毛主席书法呈现出两个鲜明的特点。

其一，此时期毛主席的书法从行书开始向草书转变，运笔得心应手，书法线条行云流水，更加大气、洒脱、奔放、飘逸，具有很强的视觉张力和艺术魅力，在书法中毫无保留地展现了个人的真情实感，真正地诠释了“书如其人”的特征，观之令人非常震撼。

其二，毛主席有意识地把文学和书法完美融合，书法线条总是随着文字内容在 情感 和节奏上的变化而变化，呈现出大开大合、自由奔放、起伏跌宕的艺术魅力，让人看后回味无穷，完全展现了他全面的艺术修养和审美情趣。

毛主席此时期的书法之所以很耐看，源于他经过几十年的 探索 ，在风格上趋于成熟，达到了炉火纯青的境界。

信封上的字写得也很用心，刚柔并济，犹如铁画银钩。

第二封信写于1956年1月26日，在公开资料上比较少见，内容是毛主席对宋庆龄的日常问候，如同两个老友之间拉家常，用词亲切自然，又俏皮幽默，展现了毛主席的真性情。

内容仅有100字左右，以标准毛体写成，写得生动流畅，读后让人倍感亲切，全文为：

亲爱的大姐：贺年片已收到，甚为高兴，深致感谢！伴侣到外国医疗去了，尚未回来。你好吗？睡眠尚好吧！我仍如旧，十分能吃，七分能睡。最近几年还不至于要见上帝，然而甚矣吾衰矣。望你好生保养身体。

毛主席1956年1月廿6日

毛主席自小用毛笔写字，这个习惯一直坚持到他去世前，他一生撰写的所有文案、文章、诗词、书信、标语等，都用毛笔来完成，正是这个习惯促成他创造了独一无二的“毛体书法”。

当然，毛主席能成为“20世纪十大书法家”之一，除了他在书法上下过长期的苦工之外，还跟他善于博采众长，不断变化个人书风有很大关系。

整体来说，毛主席60余年 探索 书法艺术的历程，大致可以分为6个阶段。

第一阶段大致从1914年他在“湖南第一师范学校”求学开始，到“五四运动”前后结束，此时的毛主席处于风华正茂的年纪，具有年轻人特有的血气方刚，他的书法以字体挺拔、遒劲、刚健的楷书为主，喜欢在书法线条里追求阳刚之美。

第二阶段大致从1919年以后到20世纪20年代中期结束，此时期毛主席的书法以楷书为基础，又广泛吸收魏碑的笔意，字体变得更加沉稳、方正。同时，为了追求字体灵动的效果，他有意识地在一些笔画里加入了行书的笔法，笔法的变化逐渐丰富起来，初步给人行云流水的感觉。

第三阶段大致从1924年开始到20世纪30年代结束，这一时期是毛主席在书法上非常重要的一个 探索 时期。他的书法主动从楷书向行书转变，他主动求变，一是为了找到最适合自己个性气质的书写习惯，二是为了提高书写效率。

第四阶段的时间基本上跟第三阶段契合，此时期，为了工作需要，毛主席创作了许多诗词，以诗词来表达自己的思想 情感 和人生感悟。他的书法逐渐从行书向草书过度，并主动把文学上的 情感 和书法上的 情感 融会贯通起来，让书法直接化身为诗意的载体。

第五阶段大致从20世纪40年代开始到1964年结束，此时期毛主席的书法从草书开始向狂草转变，形式、内容、笔意、章法、气势等元素都统一起来，形成了鲜明的“毛体”风格，给人很高的视觉享受。

第六阶段从1964年之后到他去世前，此时期毛主席的书法 “人书俱老” ，运笔随心所欲，字体常常在行书和草书之间自由转换，写字时，往往根据不同的心境、场合和内容来写，展现出一种浑然天成的自然美，以及气吞山河的伟人气质。

毛主席写给宋庆龄的这两封信，正好写于他的书法历程的第五个阶段，用笔变化多端，挥洒自如，完全称得上是“我手写我心”的自然流露。

古代诗词是我国优秀的文化艺术，在书法的笔墨之下，又会有什么样的精彩作品被创作出来呢下面是我为你整理的古诗词书法作品，希望对你有用!

古诗词书法作品欣赏

　古诗词书法作品1

　古诗词书法作品2

　古诗词书法作品3

　古诗词书法作品4

　古今书法创作草书常用的--几种模式

晋代“二王”模式 晋代至今为今草的成熟期，晋人萧散的风神造就了其自由、自在、散淡、清雅的行草书。王羲之正、行、草兼善，但造就其书圣地位的是其今草，而绝非其稚拙的小楷和书迹真假莫辨的行书。在上世纪90年代以宗法民间书为时尚流行书风盛行之际，一些有识之士理性地提出了继承经典精华的创作观念，将视线投射到“二王”草书上，其创作实践很快也获得了书坛的确认。进入21世纪以来，书法向精英化、深内涵、高品味方向发展，其有愈加强化壮大之势。晋草用笔特征是精整、细腻，无论行笔如何迅疾，如何夸张，其笔墨线条起运都很到位，可谓笔笔见锋，遒逸明净，是为难于超越之经典。惜此类草书过于津津于点画，有失浩落大气之憾。

唐旭素模式 有唐一代，张旭、怀素运用篆书笔法入草，强化草书的中锋用笔和连绵开合的变化取势，并参以舞剑、夏云等人文自然物象，极力夸张草书变化形态，使草书发展到一个颠峰时代，或曰狂草、大草。正是其极大变化草书的用笔结字起伏、对比夸张特征，成就了一个与盛唐时代气象相吻合的浪漫主义书风时代。后世多所效法而难以有所超越，惟近世毛泽东以领袖之气魄、一生的阅历和笔法锤炼，至晚岁，终得胸怀万古，超迈古今，纵横捭阖，与其踵武前后，相互媲美之今世伟大浪漫狂草，盖笔法易得而气度胸怀难臻。[转载]当代草书的创作模式

宋山谷模式 从意境情调上讲，书法像诗歌一样有唐宋之分：唐书激昂，宋书沉潜。宋代草书家虽然不多，盖有周越、赵佶、黄庭坚等，成就最高的黄庭坚草书也能表征一个时代的草书风貌，黄山谷悟禅不仅造就了其独具风格的江西诗派，也成就了其具有禅学意味的线条从容、不急不躁、富有弹性、内涵深厚而得以体现有宋时代精神的黄体大草。

草书堪称是非理性的浪漫艺术形式，而山谷草书却以理性的操控，创闲庭信步而又出其不意的长划短点骇人大草。相对说来，因了山谷草书线条较慢的从容特性，后人学之是容易上手的，故尔取法黄草也成为当代草书创作的一种较显要的模式。

明清调模式 明清调书作的特点是悬挂于高堂之上的巨幅长挂。而明末清初的徐渭、倪元璐、黄道周、王铎、傅山、八大都是享名书史的草书大家。其书作的巨制形式很自然地契合了当代展厅对书作的视觉效果要求。

新时期以来，当展厅效应愈来愈明显，逐渐被当代书人所认可后，明清调书风自然走红。当今许多中青年书家就是沿着明清草书形式的路子而为书坛所注目的。明清调书法特征一方面是其巨制长挂形式，另外从笔墨表现形式上也形成了具有极度视觉冲击力的效果，如徐渭的满纸云烟，倪元璐、黄道周的行密列疏，王铎涨墨枯笔的强烈反差对比、中轴线的左右摇摆……在王铎等草书遗迹中有大量临写“二王”阁帖的笔法，缠绵缭绕通行一笔的书作，我们有理由把它们看作是明清书家用新形式消化经典的努力。这些都为今人化古为今进行创作参展提供了较为现成的模式。需要指出的是，明清诸家长挂巨制草书多行草夹杂，或以行书之体作连绵结体而为草书者，其大有以潦草作草书之随意之弊。

标准小草模式 清乾嘉以后，碑学复兴;而与帖学联系紧密的草书却没有获得新的发展，甚至出现断层式微的状况。民国于右任碑体楷书、碑体行书都取得了极高的成就，他同时又致力于草书的研究与倡导。或许是出于力挽草书衰落历史局面的考虑，为使变幻莫测的草书创作有较易掌握的规律，为使草书有更多的受众面，他做起了研究和倡导标准草书的努力。然而艺术的本性却是不能取标准和求统一的，标准草书实际上就是字字独立的小草，却为当代草书创作提供了迥异连绵大草狂草的一种空灵、明净的草体范式，其在当代不失为一种值得取法的创作模式。[转载]当代草书的创作模式

简草模式 自20世纪初以来，新疆和敦煌流沙坠简的出土，居延、长沙等汉代简帛书的陆续面世，为现代人提供了新的汉代书法遗迹资料。其向人们昭示了汉代文字的日常书写形式并不是过去人们通常看到的规矩汉碑或快速书写的如《急就章》、《出师颂》等章草形式，而是更为活泼丰富的手写体式，我们通常称之为“简帛书”。在这些简帛书中，有大量的笔画连带、简化、结体大小夸张变形之草，尤以《居延汉简》中居多，我们无以合适的书体名称之，此姑妄称之“简草”。它新鲜的用笔、结体、字距、行距变化很快吸引了对隶书章草有兴趣的书家，一种有别于古代传承下来的章草——简草书创作模式应运而生。

嫁接杂交模式 以上所述皆为单一取法某一历史资源的创作模式，而实际上作为具有融化创变精神的书家不可能拘于一种模式，往往是兼取两种或两种以上的模式进行锤炼磨合创作。如在今草中糅进章草的笔法和结字草法，或在章草、简草中运用明清调涨枯墨和巨制长挂形式等。法无定法，才是草书艺术的根本特征与灵魂。这些方法可谓之嫁接或杂交，是创新变化最直接有效的途径。采用嫁接与杂交法进行创作，前提是书者要对需嫁接或杂交的单纯形式达至纯熟，能够化用。嫁接与杂交要避免生硬、做作之态。清新与天工自然

永远是书法艺术创作表现的两难而至高境界。不过，沿着这一途径艰辛前行却有望获取集大成大家之辉煌成就。

六百年前，一位波斯王子坐在皇宫里悠闲地读一本诗集。这些线条将被写在一个高度程式化的书法称为纳斯塔'liq，并安装在黄金边界和旁边的精心插图。这首诗可能来自古代的文字，也可能是王子自己写的。

相关内容在Instagram发布前，纪念了亚洲最繁忙的道路，发掘了美国的 劳伦斯，温德尔·菲利普斯环球字体项目平均了世界的手写体，得出了一个令人难以置信的平均字体是什么喜欢和波斯国王共进晚餐吗？在萨克勒美术馆的书法课

现在游客可以在亚瑟M萨克勒美术馆扮演波斯王子，在那里，世界上第一个致力于艺术形式和题为“Nasta'liq：波斯书法的天才”的展览于9月13日开幕。在用笔和纸书写的时代正在衰落，而且越来越快，电子化和短命化，或者是用文字信息来表达情感，展览的策展人西蒙·雷提格说：“没有任何文字，古代书法提醒我们书写文字的审美价值。

”

“Nasta'liq确实是波斯语的视觉体现，至今仍是伊朗最受尊敬的书法形式。”。伊朗是波斯文化的中心，波斯文化也扩展到土耳其、印度、伊朗、伊拉克、乌兹别克斯坦等地。展览中心的四位书法家米尔阿里大不里子，苏丹阿里马沙迪，米尔阿里哈拉维和米尔伊玛德哈萨尼被认为是这个时代的名人。“这些人是当时的达芬奇或毕加索，”雷提格说，并补充说，即使在今天的伊朗，他们的名字仍然是众所周知的。

学者认为米尔阿里大不里子（活跃于1370-1410年左右）是纳斯塔的发明者。这种写作风格在14世纪的伊朗发展起来，并在接下来的两个世纪达到顶峰。此前，书法家用与 语和土耳其语相同的文字书写波斯语，因此米尔阿里大不里子想专门为波斯语创作一个文字。“在某种程度上，有必要开发一个脚本，使之能在视觉上感觉到语言，”Rettig说，他指出，没有任何特殊的脚本与使用拉丁字母的任何特定语言绑定。

以前的 书法主要是为了宗教目的而存在的。雷蒂格说：“当我们在 教中经常谈论书法时，我们会想到《古兰经》和带有宗教背景的书法。纳斯塔利克就是这样。”。“ 语是世界这一地区的宗教语言，波斯语是文化语言。”

是大师传给学生的独特技能。书法家们用诸如口香糖和五倍子（一种生长在植物上的植物）之类的原料混合自己的墨水，并对配方保密。1514年，书法家苏尔坦·阿里·马沙迪（Sultan Ali Mashhadi）指示：“不要在这件事上省力，否则你的工作就白费了。”。书法家们用锐利的芦苇或竹笔从右向左慢慢地摆出纳斯塔立克的姿势。

展览中的基石艺术品是目前已知的由大不里子签署的唯一手稿。展出的32件作品和手工艺品中，除了两件以外，其余都是从弗里尔和萨克勒美术馆的永久收藏品中提取出来的。 艺术的首席馆长兼馆长马苏梅·法哈德说：“世界上很少有藏品在纳斯塔利克的书页上具有自由和萨克勒的深度。“剧本以其微妙的控制和节奏美而著称。”

“Nasta'liq:波斯书法的天才”将在亚瑟M萨克勒画廊展出，直到2015年3月22日。

书法是一种抽象的艺术形式，通过笔墨线条表现作者的个人情感和思想。书法的灵魂或人格的无声反应是指书法作品能够反映作者内在的灵魂和个性特点，是一种无声的语言，传达出作者内心的情感和思想。

书法作品不仅仅是技巧的表现，更是作者灵魂的流露。优秀的书法作品往往能够体现出作者的修养、气质和情感，使观众产生共鸣和情感共振。书法家将自己的修养、气质和情感等人格特点融入到作品中，使作品具有独特的艺术魅力和生命力。

因此，书法是灵魂或人格的无声反应，是表现艺术中最为真实和深刻的形式之一。它不仅仅是一种艺术形式，更是一种精神境界和文化传承。

　中国书法是中华民族的国粹，上千年来无数文人雅士为之醉倒，不断探索，下面我带给大家的是淡泊明志宁静致远的书法欣赏，希望你们喜欢。

淡泊明志宁静致远的书法欣赏

　淡泊明志宁静致远的书法欣赏1

　淡泊明志宁静致远的书法欣赏2

　淡泊明志宁静致远的书法欣赏3

　淡泊明志宁静致远的书法欣赏4

　淡泊明志宁静致远的书法欣赏5

　书法的魅力

　中国书法是中华民族的国粹，上千年来无数文人雅士为之醉倒，不断探索，当前国内外广大书法 爱好 者更掀起学习和 收藏 书法的热潮，为了更好地把中国书法艺术介绍给大家，在这里简要介绍中国书法的类别和欣赏的有关问题，让观众初步懂得中国书法的源流及其特点，懂得如何欣赏，增强对中华国粹的认识。

　一、为什么中国书法是艺术

　中 国画 是不是艺术的问题我们不会发生怀疑，可是对中国书法为什么会是艺术的问题并不是每个人都能说清楚的。中国书法和别的国家的文字一样，都是写字，为什么只有中国书法能成为艺术呢。这涉及到书法艺术的本质属性问题。中国书法所以能成为艺术，主要从以下几个方面进行分析就可以搞清楚。

　(一)首先是书写的工具不同。毛笔是中国古代唯一的书写工具。毛笔有硬毫、软毫，有长锋、短锋，还有专门为了写大字的提笔、楂笔。毛笔书写的笔画具有粗细、轻重、方圆、枯湿、浓淡等等变化，这些变化有利形成韵律感、节奏感，这是艺术表现所需要的，硬笔是不具备这个功能的。毛笔的笔毫是棰形的，可以“八面出锋”，便于萦带、使转，有利书法作品的气韵贯通，有利表现书法的动感，字写出了动感就生龙活虎，具有生气。用毛刷刷出来的美术字虽然具有美感，但是它缺乏动感。毛笔能使线条圆润、厚重具有立体感和力感，力感是生气勃勃朝气向上的表现，有利表现书者的情感。毛笔所独有的功能是 其它 书写工具望尘莫及的。

　(二)汉字有利书法艺术的造型

　1汉字形体独立。汉字基本是“方”的，真草隶篆大致如此，字的宽度大体相等，这样既便于横式排列，也便于纵式排列。纵式排列从上至下书写，有利书法的气韵贯通。拉丁文的字词长短不一，杂乱无秩，只能横式排列，谈不上气韵的问题。

　2汉字笔画纵横交错，相互穿插。为字的造型美提供了一个不可或缺的条件。拉丁字母形态简单，笔画交错少，线条单调，不便造型。艺术是忌讳雷同的，形态单调的拼音文字是不可能具有艺术感的。

　3汉字结构复杂，形态生动。汉字是由三百多个不同的组成部分构成的，而拉丁文只有二十多个字母。汉字组合形式复杂，有左右结构、左中右结构、上下结构、上中下结构、半包结构、全包结构、品字或倒品字等多种组合形式。拉丁文的字词都是从左至右横向拼合而成的。汉字笔画多寡对比强列，如“鑫”字24画，“一” 字只有一画，这有利使字的大小、长短发生变化，使书法作品产生有疏有密，错落有致，形态各异的美。汉字还有为数众多的异体字，为艺术的变化提供了便利条件，如 “秋”、“苏”的左右旁可以移位，左右结构的“鹅”字，可以写成上下结构的字。

　4汉字一字多体。汉字有真草隶篆，每种书体都还可以细分成若干种，这为书家选择艺术的表现形式提供了方便的条件。表现庄重可以选择楷书，表现古朴可以选择篆书;表现厚重可以选择隶书;表现活泼可以选择行书;表现奔放可以选择 草书 。尤其是草书最有利抒发书者的情感。另外草字的结构独特，很多楷书难以写好的字，草书往往将其变成好写好看的字，如草书把“城”字向右的戈钩变成向左钩。草书口诀“玉出头为武”，就是这样来的，“哉”、“贼”、等字都是如此。

　以上从客观方面进行了分析，那么在书家的主观方面是如何的呢

　(三)中国书法融入了书者的情感。中国书法所以能成为艺术，是书家在熟练掌握书法技法之后，在书法中融入了书者的情感，书家的审美意识，以及他的性格、学识、阅历等诸多方面会自觉不自觉地融入书法中去，使书法具有气韵、神采、意境，成为书家精神世界的外在表现。常说“字如其人”就是这个道理。

　让我们举例来说明这个问题。古代书法家离我们很远，很难理解他们，我们对毛主席、周恩来、弘一法师这三个人物很熟悉，让我们看看他们的书法作品。你看毛主席的这幅《北国风光》气势宏伟;周恩来的作品端庄严谨;弘一法师的作品含蓄典雅这些作品不正是他们人格的画相吗

　由于毛笔这种书写工具和汉字所具有的独特性，加之书法家熟练地掌握了书法中的诸多的技法，技法和书家情感相互作用，使书法成为一种具有气韵、神采、意境的艺术。中国书法毫无疑问是艺术，而且是高深莫测的。

　二、书法欣赏的有关问题

　欣赏书法能淘冶人的情操，可以和书者达到心灵的沟通。下边我们看《兰亭序》，这篇作品是东晋王羲之和一些文人欢聚时，即兴所写的一篇诗集序文。这篇被称为 “天下第一行书”的作品，气韵流畅，神采飞场，富有变化，这种变化既表现在笔画上，方圆兼备，形态生动。仅以撇为例，就有多种形态(以7-9行为例)。字的结构多变，二十多个“之”字无一雷同。这幅作品突出的特点是轻巧秀美。欣赏这样的作品，你就会产生身临其境之感，就象沉浸在愉悦的环境之中。

　《祭侄稿帖》是颜真卿祭奠他惨遭叛匪杀害的侄子颜季明所写的一篇祭文。这篇书法作品饱含着书家对亲人的怀念和悲伤，对安禄山等叛匪的愤慨，在声泪俱下的情形下，一气呵成的，精湛的笔墨技巧和书者悲愤激昂的心情融织在一起，线条的抑扬顿挫就象心电图一样反映着书者的心绪。这不愧为“天下第二行书”。

　书法作品首先是要看字写得好不好，是否有力感、韵律感，整体是否有气势。其次要看是否具有独特的风格。但是仅仅只有这些还不够，作为艺术品要表达出书者的情感，最起码要做到表现形式和书者所要表达的内容要统一，情感和笔调要协调。把小桥流水田园诗用巨幅、粗犷的形式表现，就会象林黛玉穿盔甲，显然不合适。古人云：书乃心画也。王羲之、颜真卿的这两幅书法艺术珍品都不是他们特意创作出来的，他们在书写时绝对不会想到要写出一篇留传千古的书法，而是在真情实感的驱使下自然而然形成的。艺术品可贵之处就在于自然天成。《兰亭序》是在十分喜悦的环境下写出来的;《祭侄稿帖》是在万份悲痛的情况下产生的。历史上形成这样两篇不同风格的神品并非巧合，正象宇宙有天地之分，万物有阴阳之别，人有内向、外向之异，这就必然会出现两个楷模。这是符合书法艺术发展规律的。

　在欣赏书法作品时，每个人的感受会有不同，书法艺术，不象数理化只有一个唯一正确的答案，艺术是百花齐放的，是多元的。由于书家的性格不同，审美观存在差忌，就会使作品的风格各不相同。所表现的美有的雄浑，有的古朴，有的秀逸，有的潇洒，有的文静，有的老辣，有的端庄，有的险绝，各有特色。

　历史上有名的碑帖，都是很美的书法作品。但是由于欣赏者的欣赏水平、欣赏角度不同，就会形成不同的看法。有的人喜欢碑的雄强，有的人喜欢帖的清秀，这是很正常的。

　王羲之的《兰亭序》和《爨宝子碑》是同时代的两篇名作，一个清秀;一个雄强。雄强的作品力感外露，容易使人感受到力，清秀的作品力感内涵，好象是柔弱的女人，其实女人并不一定是弱的，有些女人就很利害、很刚强。这两幅作品都具有很强的力感，都很美，只不过力感的表现形式不同而已。

　美有外表的美和内在的美之分，就象当代选美一样，美的模特不仅要具备五官端正、身材苗条的外在美，还要具备学识丰富、道德高尚的内在美。书法作品首先要具备笔画精良、结构稳妥、章法合理这些外在美的条件，还需要具有力感、气韵、神彩、意境的追求。只有外表的形式美，浅薄而缺乏内涵的书法作品就不耐看，就象脸蛋漂亮的蠢女人，这种“美”就失去了意义。搞书法艺术的人除了要苦练基本功，熟练掌握传统技法以外，还要锤炼“字外功”才能创作出精品，就是这个道理。