德彪西的印象主义音乐指的是什么及其代表作都是什么？

德彪西(ClaudeDebussy，1862-1918)出生在巴黎附近的一个小镇。十岁入巴黎音乐学院，十八岁遇见俄国富妇梅克夫人，夏天为她的宫邸演奏钢琴，在那里引发了他对俄国音乐终生的兴趣。他二十二岁获罗马大奖到意大利，未满三年便返回他热爱的巴黎。1889年，他在巴黎的国际博览会上首次听到印度尼西亚的加美兰音乐，留下深刻印象。他有许多美术界、评论界及文学界的朋友，受他们的启发和影响，创作了印象主义的音乐。1918年，他死于癌症。

德彪西用音乐表现了他的画家、诗人朋友所追求的东西，如对漂泊的情态和模糊的气氛的感悟，以及从文学、诗歌的许多题材中得到的灵感。他的许多作品从标题上就可给人以隐约、模糊的想像，比如《大海》、《月光》、《沉没的教堂》、《云》等等。但是，他的作品与19世纪的标题音乐不同，它们并不想表现深刻的情感，也不讲述什么情节或故事，而是描绘一种情态，一种即逝的情绪和气氛。在音乐手法方面，他的创作主要不是通过旋律和形式，而是力图更多地通过和声和色彩来表现这些情态和印象。

他的作品数量虽然并不多，但却有钢琴、乐队、室内乐、声乐等各种体裁，包括一些经典之作。如管弦乐《牧神午后序曲》(1894)、歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》（1902，根据马拉美的诗而作)、钢琴曲《版画》(1903)、两卷钢琴《前奏曲》(1910、1913)、两首钢琴《意象》(1905、1907)等等。其中歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》与传统歌剧不大一样，里面的角色很少相互交流，剧中没有咏叹调，其旋律几乎是说话式的，而全剧梦幻性的气氛由乐队伴奏谨慎地隐蔽地奏出。它体现了作者避免使用瓦格纳式的浓重、强烈的音响的意图。乐队作品《大海》(1905)采用了大量平行五度、三度，甚至七度、九度的和弦，以其色彩的运动代替了和声的进行。作品中有时还由长笛、竖琴等乐器突出地奏出五声音阶，使人联想加美兰音乐的影响。

他的钢琴创作可与19世纪肖邦的地位相比，他进一步探索了钢琴的表现力，如高低音区的对比，用踏板造成的混淆性的音响和泛音等。其中《雨中花园》（1903)和《水中倒影》（1905)等堪称印象主义的钢琴音诗。

“歌曲之王”—— 舒柏特

舒柏特(1797—1828)出生于维也纳近郊一个小学教员家庭。他8岁开始学习音乐；16岁担任助理教师，教授私人钢琴，以此谋生。1813年，当他毅然离家去维也纳作一个“自由艺术家”的时候，对未来充满了美好的向往。但他所处的时代正是法国资产阶级革命失败，欧洲处于反动王朝复辟的时期。

他一生共写下了1500首作品。包括14部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲及600多首歌曲等，其中最著名的有交响曲《未完成》、钢琴五重奏《鳟鱼》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》等。

他创作的中心是歌曲，有“歌曲之王”的美称，他的歌曲优美、质朴而深刻，充分体现了诗歌的意境。作品中折射出那个时代小知识分子的苦闷与压抑、欢乐与痛苦，成为浪漫主义艺术的典范。

欣赏：

1、小提琴独奏曲《小夜曲》（2：46） 歌词大意：①“我的歌声穿过深夜，向你轻轻飞去，在这幽静的小树林里，爱人，我等待你！”

②“你可听见夜莺歌唱，她在向你恳求，它要用那甜蜜歌声，诉说我的爱情。”

2、A大调钢琴弦乐五重奏（鳟鱼）第四乐章（7：35）创作背景： 1817年，舒伯特创作了著名的歌曲《鳟鱼》，歌曲用二段体写成。第一段描写鳟鱼在清澈的小河中欢畅地戏游，第二段描写狡猾的渔夫把河水搅浑，得以浑水摸鱼。后来，创作《A大调钢琴弦乐五重奏》时，采用了这首歌曲的曲调，故又称《鳟鱼五重奏》。

“钢琴诗人”——肖邦

肖邦（1810——1849）波兰钢琴家、作曲家。生于华沙附近的一个教师家庭，父亲是侨居波兰的法国人，并是一位长笛演奏家，母亲是波兰贵族世家的女儿，钢琴弹得很好。他从小喜欢音乐，6岁接受严格的钢琴教育，9岁就在音乐会上公开演出。16岁时进入华沙音乐学院，跟随院长艾尔斯纳学习音乐理论。1830年，20岁的肖邦出国作旅行演出。他来到了巴黎，当时的巴黎是群星荟翠的艺术之都。他在这里以作曲家、钢琴家的身份获得了盛誉。1849年10月17日，他在巴黎病逝。

他的音乐潇洒、飘逸、含蓄、柔情，而这一切又都是在浓郁、鲜明的民族风格和热烈、深沉的富爱国热情中表现出来的。，人们称他为“钢琴诗人”。他为后世留下了二百余首钢琴珍品，有以《c小调革命练习曲》为代表的27首练习曲，有富于民族风格的51首玛祖卡舞曲，有着阳刚之美的《降A大调波兰舞曲》（也叫波罗涅兹舞曲），而他的21首《夜曲》更是钢琴音乐中的精品，另外还创作了许多钢琴奏鸣曲和协奏曲等。

欣赏：

1、《降D大调一分钟圆舞曲》 （小狗）（1：51）

2、《f小调第二钢琴协奏曲》第二乐章（15：06）演奏：伦敦交响乐团、钢琴：鲁宾斯坦 、指挥：安德列-普列文

（注）安德列-普列文（1929--）出生在德国的柏林，犹太人。二战期间随家人到了美国，从1963年开始指挥生涯，先后担任过美国圣路易斯交响乐团、休斯顿交响乐团、匹兹堡交响乐团和英国伦敦交响乐团的音乐指导和常任指挥。

1813年10月10日，威尔第出生在意大利北部一个小城镇里，他的父亲是农民，开了个小客栈。威尔第曾被米兰音乐学院拒之门外，但他没有灰心丧气。他拜著名指挥家拉威尼阿为师，日以继夜的努力学习，很快就绽放出天才的光芒。

威尔第所处的正是意大利最为动荡的时代。他的成名作《纳布科》映射了奥地利对意大利的残酷统治，因此受到了意大利人民的极度欢迎，取得了轰动性的成功。从《纳布科》开始，威尔第踏上了辉煌的征程，他的歌曲插上了金色的翅膀，飞遍了意大利的山山水水。

从19世纪50年代，威尔第的创作进入成熟阶段，他的三大名作《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》相继问世，他又陆续写出一批很受欢迎的歌剧：《西西里晚祷》、《西蒙-波卡涅格尔》、《假面舞会》、《命运的力量》、《唐-卡洛斯》、《阿依达》。

《阿依达》使歌剧大师的声望登上一生的顶峰。这部歌剧是应埃及总督之邀而写，它描述了古埃及的一个著名历史故事。1871年12月24日，开罗首演大获成功。一个半月后，这部歌剧在米兰斯卡拉剧院上演，威尔第亲自指挥，意大利国王莅临观看。剧场内外盛况空前。

在威尔第八十高龄时，他又写出了最后一部歌剧《福尔斯塔夫》，如此长久的艺术生命不能不叫人惊叹。

1901年1月27日，威尔第在米兰逝世。在无边的送葬队伍中，自发的响起了动人心魄的歌声：《纳布科》中最著名的唱段《飞吧，思想，乘着那金色的翅膀！》

勃拉姆斯

勃拉姆斯Johannes Brahms(1833-1897)

作家生平作品：学院节庆序曲、D大调小提琴协奏曲、德意志安魂曲、第一交响曲、第四交响曲、匈牙利舞曲、摇蓝曲。

学院节庆序曲作于1880年。1879年3月,布雷斯劳大学授予勃拉姆斯哲学博士的学位,他为此写了这首曲子加以感谢,但作品直到1880年8月才完成。1881年1月由作曲家亲自指挥首演于布雷斯劳大学。作者曾说这是“宴席上欢乐的学生歌曲的集锦”。

勃拉姆斯D大调小提琴协奏曲真不愧是音乐史上最伟大的四大小提琴协奏曲之一。 不论技巧曲风都足堪与贝多芬等齐名。 有人说如果贝多芬的小提琴协奏曲是男性, 孟德尔颂的是女性。 那勃拉姆斯的就是男性中的男性。 乐评家说贝多芬的小提琴协奏曲: 表面平静骨子里却充满风暴。 那勃拉姆斯的小提琴协奏曲呢 相信大家都听得出来, 第一三乐章雄劲粗犷热情豪放, 巨人登场架式英雄纵横性格, 有别于贝多芬的内敛。 这也是勃拉姆斯小提琴协奏曲特别雄伟壮丽的原因之一。 可与其第一号交响曲互相媲美彼此呼应。 不过问题好像也是出在这里 好几位欧美日本乐评家认为勃拉姆斯小提琴协奏曲成熟度构思深奥曲趣深邃, 几乎是完美珍品, 为他曲所不易见, 但唯一的瑕疵也正由于它交响曲个性。 难道这是乐团结构使然或是小提琴本身特性使然小提琴协奏曲就不能色彩富丽爆劲磅礴吗 勃拉姆斯第1 号钢琴协奏曲也有交响性格, 乐团咄咄逼人, 但争议好像少点。或许是钢琴的音量大馀韵深远, 置身在管弦乐团风雨交织的波浪中, 仍能突显出它身为弹弦(击弦)乐器相异音色的特性, 别有一番美感。 而小提琴协奏曲中协奏夥伴正是弦乐器与管乐器, 小提琴又占有相当重要的比例, 独奏小提琴音量有限, 音高音程与协奏小提琴部分重叠, 一旦面临总奏,Solo好像快被淹没吞噬了 以上这样解释不晓得是不是太过浮面 廿世纪也有一首协奏粗旷大胆鲜丽的哈察都量小提琴协奏曲,但却未闻因曲风雄伟而淹盖Solo的情形 或是因为协奏曲基本上就不同于交响曲, 不适于"交响化"。 或是因为协奏曲的表达内容更著重于表现独奏乐器的运动性吧。

勃拉姆斯的《德意志安魂曲》在安魂曲音乐中的特殊的地位，在于它不但是以德语演唱的（"德意志"在此有"德语的"及"德国的"双重意义）、唱词摆脱了传统的拉丁语经文的规范，而且精神上更富于人性，从天主教的神性转向自马丁。路德以来在德国兴起的新教的精神（在这个意义上是"德国的"）。勃拉姆斯是从1857年开始创作《德意志安魂曲》的、那年他才24岁。到1861年，安魂曲已经写了四个乐章。1865至1866年间，为纪念母亲的去世，勃拉姆斯增加了两个乐章。到1868年写出最后的一段音乐（有女高音独唱的第五乐章）后，此曲才告完成，创作前后历时11年。最终版本的《德意志安魂曲》共有七个乐章。勃拉姆斯是个虔诚的新教徒，《德意志安魂曲》的唱词是他自己从路德翻译的旧约和新约圣经中关于死亡、信仰和永生的段落中精心挑选编缀而成的。由于勃拉姆斯极其熟悉《圣经》，唱词编来浑然一气，不落痕迹，只就文字来论，已是大手笔。他写的音乐和他挑选的唱词配合得天衣无缝，在这里虽然也有哀悼，也有悲伤，但是没有传统的关于末日审判的恐怖，没有奉献、赎罪、超拔的内容，而是代以一种不同的关于生与死的信念：凡有血气的，尽都如草如花，草必凋残，花必谢落；但是有信仰的，死亡并不是一件可怕的事，他们会从上帝那里得到安慰。如果把这里的"上帝"换成"信仰"二字，就有着更广泛的涵义。

勃拉姆斯虽然只写了四首交响曲，但仍被称为是贝多芬以后最伟大的交响曲作曲家之一。他的《第一号交响曲》被世人称为《第十号交响曲》。所谓“第十号”乃是指本曲续接于贝多芬“不朽的九大交响曲”之后，成为第十首著名交响曲之意。乐曲中充满斗争、烦恼、苦闷、失意、喜悦等人间七情六欲的交织，是遍历人世沧桑者最伟大的精神安慰，也是勃拉姆斯留给世人的精神至宝。 有趣的是，勃拉姆斯故意在本交响曲的最后一个乐章中引用了贝多芬《第九交响曲》中“欢乐颂”的曲调，不负其《第十号交响曲》之美名。本曲的作曲一共花了二十一年的时间（1855-1876），完成时，勃拉姆斯已经四十三岁。本交响曲的写作之所以耗时长久，并不是因为作曲者忙于其他作曲工作，而是他态度十分慎重。勃拉姆斯本来就很严谨，在交响曲创作方面更是如此。他立志：要写便写出能和“不朽的九大交响曲”并驾齐驱的作品，以不辱前人风范。所以他不惜半生的推敲、琢磨，才写出了这首能和贝多芬交响曲相提并论的，登峰造极、光芒万丈的巨作。

本曲完成于1885年，同年十月由勃拉姆斯亲自指挥首演。作者从1884年夏就已开始创作本交响曲，历经一年才告完成，由此可见勃拉姆斯那一丝不苟的创作态度。本交响曲和作者其他三部交响曲在性格上迥然不同：第一，它具有前三首交响曲中所没有的忧愁色彩，即后人所说的“古典悲剧性”。其实在这以前，勃拉姆斯也常在他的作品中抒发忧愁的情思，但像本曲这样，以忧愁作为乐曲的基调，却属首次。它的第二个特征是，全曲以“古老”的手法写成。当然，古老、典雅是勃拉姆斯全部作品所显示的重要特征之一。由于本交响曲具有这些特征，所以一直未能得到普遍的理解。但本曲的深刻隽永，终于逐渐被听众所接受。本曲在勃拉姆斯生前，就已经常被演奏，而且经常博得满堂喝采。

勃拉姆斯全部作品中最广为世人所知的乐曲，不但到处被演奏，而且被改编成各种不同形式的器乐曲。勃拉姆斯自1852年开始创作这一系列乐曲，当时他在维也纳对该地的吉普赛音乐颇感兴趣，于是记下了许多吉普赛音乐的旋律。1869年他开始出版“匈牙利舞曲集”，实际上大部分是借用了吉普赛音乐的旋律，加以编辑和整理而成。勃拉姆斯的匈牙利舞曲是由21首“四手联弹”钢琴小曲所组成的曲集，虽然每一首乐曲的旋律和风格不尽相同，却都混合着匈牙利民族音乐和吉普赛民族音乐的特色：节奏自由，旋律有各种各样的装饰，速度变化激烈，带有一定的即兴性；形式虽然没有统一的规定，但以三段体为最多。勃拉姆斯的全部匈牙利舞曲都可归为世界名曲，尤以前十首最受世人的青睐。

这首常用于小提琴独奏的《摇篮曲》，原是一首通俗歌曲，作于1868年。相传作者为祝贺法柏夫人次子的出生，作了这首平易可亲、感情真挚的摇篮曲送给她。法柏夫人是维也纳著名的歌唱家，1859年勃拉姆斯在汉堡时，曾听过她演唱的一首鲍曼的圆舞曲，当时勃拉姆斯深深地被她优美的歌声所感动，后来就利用那首圆舞曲的曲调，加以切分音的变化，作为这首《摇篮曲》的伴奏，仿佛是母亲在轻拍着宝宝入睡。原曲的歌词为“安睡安睡，乖乖在这里睡，小床满插玫瑰，香风吹入梦里，蚊蝇寂无声，宝宝睡得甜蜜，愿你舒舒服服睡到太阳升起。”那恬静、优美的旋律本身就是一首抒情诗。 后人曾将这首歌曲改编为轻音乐，在世界上广为流传，就像一首民谣那样深入人心。

美国音乐经过长期发展，到20世纪初才具备独特的美国风格，并取得了与西方各国音乐文化同样重要的地位。在此之前，美国境内存在着生活在这块土地上的各个民族或种族的音乐，也存在着欧洲音乐家从欧洲各国带来的专业音乐。它们之间经过长时期的相互影响、融合，促进了美国音乐的形成和发展。

16-18世纪 印第安人的歌唱主要用于劳动、婚丧、准备作战等场合，以鼓等打击乐器伴奏，音调简单，独具一格。16世纪后，随着各国移民的到达，也带来了他们本国的音乐文化。经过激烈的争夺，英国人终于取得了在北美大陆的优势。因此，英国音乐对美国音乐的影响最大，它为美国音乐的形成奠定了最初的基石。1619年，第1批非洲黑人奴隶被贩运到北美。非洲黑人酷爱音乐，惯于一边劳动一边唱歌。黑人音乐的动人曲调和独特的切分节奏，对美国音乐的发展起了巨大作用。

1640年，马萨诸塞出版了《海湾诗篇歌集》，是北美刊印的第1本书。18世纪初，为提高歌唱水平，许多牧师著书指导唱歌。同时，随着移民的增加和一些大城市的逐渐繁荣，世俗音乐也变得活跃起来。欧洲乐器如小提琴、吉他、哈普西科德等开始流行，出现了专业音乐家。1731年在波士顿举行了第1场音乐会。通常的音乐会节目包括爱国歌曲、歌剧咏叹调、传统民歌等，有时也有一些标题的或无标题的器乐作品。在此基础上产生了美国本地出生的第!批作曲家。同欧洲音乐相比，当时美国作曲家的作品被认为不够成熟。

19-20世纪 19世纪初，许多欧洲音乐家来到美国，他们带来了远比美国先进的音乐水平和技巧。1848年欧洲革命后，又有大批德国音乐家移居美国。他们使原先习惯于赞美歌的美国人的音乐趣味发生明显变化，也给美国年轻一代作曲家的创作带来巨大影响。与此同时，音乐教育获得迅速发展。

南北战争后，美国音乐生活更趋活跃，又有一些重要的音乐团体相继建立，如大都会歌剧院(1881)、波士顿交响乐团(1881)等。更重要的是，出现了一批具有相当专业技巧的作曲家。他们把美国音乐提高到了欧洲的水平，但作品缺乏独创性，带有明显的模仿倾向。其中成就最高的是E．麦克道尔，他被认为是美国第1个取得国际声望的作曲家。

当美国作曲家几乎都在追随欧洲风格时，歌曲作家S．C．福斯特却采用美国黑人音乐的曲调进行创作。他的很多歌曲是为当时盛行的“黑人剧团”(由白人化装扮演黑人，其成员称为游吟艺人)写作的；而真正的美国黑人音乐却末受到重视，它们只在黑人中流传发展。当时流行的黑人音乐主要类型有灵歌、布鲁斯、劳动歌曲等。

19世纪末20世纪初，美国出现了摆脱德国音乐控制的新潮流。捷克作曲家A．德沃扎克对此起了很大作用。他于1892-1895年间应邀就任纽约音乐学院院长。他建议美国作曲家把美国印第安人和黑人音乐运用到自己的创作中去。也有的作曲家转向法国音乐，他们的创作与印象派有着密切联系。另有一位作曲家C．E．艾夫斯在独自探索美国化的音乐语言。他在当时并未引起人们的注意，后来才被认为是美国老一辈最著名的作曲家。

20年代，社会舆论鼓励美国作曲家创作具有美国风格和特点的作品。一批作曲家在各方面支持下，为美国民族主义音乐的确立作出了贡献。特别在交响乐领域，他们为美国音乐赢得了与欧洲各国音乐并驾齐驱的地位。曾在巴黎从法国作曲家N．布朗热学习的A．科普兰、R．哈里斯、W．辟斯顿、V．汤姆森以及R．塞欣斯(1896-)等人，都在一定程度上把美国的音乐语言与西方第一流的作曲技巧结合起来。他们的学生和追随者如W．舒曼、S．巴伯、L．伯思斯坦等继承了他们的道路。这些青年作曲家大都是国内培养起来的。

20-30年代的美国音乐并不只是朝着一个方向发展。西方音乐在第一次世界大战后经历了空前的剧烈变化，出现了新的现代音乐流派；即便是上述作曲家，在他们的某些作品中，也表现出不同程度的实验的性质。最重要的实验主义者是1915年定居美国的法国作曲家E．瓦雷兹。同时期，美国的流行音乐空前发展。特别是从黑人音乐布鲁斯、拉格泰姆等演变而来的爵士音乐风行全国。具有独立的美国风格的音乐剧(亦称百老汇歌舞剧)是在欧洲的轻歌剧和喜歌剧的基础上逐渐发展起来的，在流行音乐中占有特殊地位。著名的音乐剧作曲家有R．罗杰斯(1902-1979)、G．格什温、伯思斯坦等。

纳粹政权的出现和第二次世界大战，使许多著名的欧洲作曲家来到美国，如P．欣德米特、B．巴托克、勋伯格、斯特拉文斯基、D．米约等。他们给美国音乐生活带来了新的巨大影响。美国成为西方音乐文化的一个重要中心。美国音乐创作的民族性不再受到重视，许多美国作曲家的作品与欧洲音乐在风格上的差别几近消失。

50年代以后，美国音乐更趋多样化。尽管有的作曲家基本上按照传统的音乐语言进行创作，但是吸引着新一代作曲家的是层出不穷的各种新音乐流派，代表人物是J．凯奇。在流行音乐领域内，也出现了新的品种。从布鲁斯等音乐发展而来的摇滚乐风靡全国，爵士音乐退居次要地位。摇滚乐的代表人物有E．普雷斯利(1935—1977)等，民歌的著名歌手有B．迪伦(1941- )等。70年代以后，摇滚乐的热潮逐渐衰退，各种流行音乐互相影响，在风格上趋向综合。最著名的流行音乐歌手是M．杰克逊(1958—)。

在音乐表演方面，美国往往由于拥有世界第一流的指挥、独奏家和歌剧演员而达到很高水平。美国的交响乐团占全世界总数的一半以上。其中波土顿、芝加哥、克利夫兰、纽约和费城等交响乐团均享有国际声誉。

克劳德·德彪西（ClaudeDebussy，1862年8月22日—1918年3月25日，又译克劳狄·德布西）

法国作曲家。生于商人家庭。十一岁进入巴黎音乐学院。1884年以大合唱《浪子》获“罗马大奖”，后赴意大利学习两年。艺术上反对旧传统，并受东方音乐及唯美主义思潮的影响，逐渐形成对现代欧美音乐具有深远影响的印象乐派。而其实质更接近于象征派。德彪西私生活上也相当反传统，甚至为圈内朋友所看不惯。

他于1873年入巴黎音乐学院，在十余年的学习中一直是才华出众的学生，并以大合唱《浪子》获罗马奖。后与以马拉美为首的诗人与画家的小团体很接近，以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲。并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》，还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。他摆脱瓦格纳歌剧的影响，创造了具有独特个性的表现手法。钢琴创作贯穿了他的一生，早期的《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格；《版面》、《欢乐岛》、两集《意象集》和《二十四首前奏曲》则为印象主义的精品。管弦乐曲《夜曲》、《大海》、《伊贝利亚》中都有不少生动的篇章。第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。此时他已患癌症，于1918年德国进攻巴黎时去世。

在三十余年的创作生涯里，他形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格,对欧美各国的音乐产生了很深远的影响。

一、德彪西的“梦幻世界”德彪西这位现代音乐的创始者，开发了任何音乐家都没有发现过的、奇怪的音的世界。他生于1862年。他的前辈中并没有音乐家，他的父亲是一个店主，穷得不能给他的儿子任何种类的教育，因此他计划使他的孩子成为一个水手。但是一位曾经做过肖邦学生的好心肠的夫人，对这个有音乐天赋的孩子很感兴趣，于是免费给他上课。德彪西十分珍惜这个机会，他努力学习，十一岁的时候，德彪西就考上了巴黎音乐学院。德彪西在音乐学院期间，成为某位有钱的俄国贵夫人的一个三重奏中的钢琴家，并且有机会到欧洲各地旅行——佛罗伦萨、维也纳、威尼斯，而且最后在那个贵夫人的俄罗斯庄园里住了一段时间。在那里，德彪西遇到一些正在努力从民间音乐中为他们的祖国创造一种民族音乐的俄国作曲家。德彪西对这些俄国音乐家所使用的，与别国作曲家们所用的大调、小调音阶大相径庭的奇怪音阶非常感兴趣，这些音阶是建立在狂热的东方民族的民间音乐基础之上的。一年以后，德彪西回到巴黎音乐学院，并像许多别的法国音乐家们一样，赢得了罗马奖而完成了他的音乐学院课程。但是他写的音乐与别的音乐家完全不同，他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调和小调音阶。有时，他会回到早期教堂音乐的那些有点古怪的古老调式上去，他还经常使用一种全音音阶。我们的大调和小调音阶是由七个音组成的，五个全音和两个半音，而大调与小调音阶之间的区别在于那些半音放在哪里。在大调音阶里，半音总是处于第三音和第四音，和第七音和第八音（3-4；7-1）之间。在小调音阶里，其中的一个半音总是在第二音和第三音之间，但是也有几种不同的小调间音阶，在那里，第二个半音处在不同的地方。德彪西最喜欢的音阶有六个全音而完全没有半音（如C、D、E、升F、升G、升A），所以他的旋律听起来同任何过去的音乐都不一样，而他的和弦就更加奇怪。德彪西正是运用了他所偏爱的全音音阶，构筑起他与众不同的“梦幻世界”。

二、泛音德彪西对传统音乐作了许多大胆革新。之所以只有他敢这样做，也许是因为任何一个音乐家都不曾有过他这样的一双敏锐的耳朵：德彪西实际上比一般人听得见更多的泛音。正像一种颜色往往是由一些别的颜色组成的那样（紫=蓝+红，橙=红+黄，等等），一个音往往也是由许多音组合而成的。各种音是由空气中的各种振动引起的，而正如我们从希腊的单弦琴上看到的那样，一个音是高还是低，要看振动有多快。但是，一个音除了第一个或主要的振动之外，还有一些次要的、共鸣式的振动，正象一块扔到水里的石头引起的不是一个波，而是一圈圈不断扩展开的波纹。泛音中的第一个和最强的是基音上面的第五个音，这是德彪西不用助听器也能听得见的音。假如我们有一架调音调得很准的钢琴，不出声地按下一个琴键，然后很响地敲击它上面或下面的第五个音，我们就往往能听见它作为另一个音的泛音，发出德彪西曾经用耳朵听得见的效果。第二个泛音是原来的音（基音）上面的第十个音，第三个泛音还要高，但已十分微弱。下面的泛音依此类推。造成不同乐器音色差别的主要原因，就是泛音的不同。一把像小提琴那样的乐器，其中的较低的泛音较强，就有一种平滑而圆润的音质；而一把象小号那样的乐器，其中较高的泛音较强，就有一种较为洪亮的音质。德彪西建造他那古怪的、非尘世的音乐，用的就是这些在空气中听不见其振动的音。他为了让所有的人们都听见，大胆地敲响了那些人们甚至还不知道自己已经听见了的声音。由于德彪西敏感的耳朵，他还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的、闪烁着的音响效果。起初人们还被他的音乐所困惑，并且不知道怎样理解它，但是一旦听惯了，就会非常喜欢它。德彪西所创立的这种音乐，就是被后人称为“印象主义”的音乐。

■主要作品

按体裁时间分列：

管弦乐曲:《春》(1886);《牧神午后前奏曲》(1894);《夜曲》(1899);《大海》(1905);《圣塞巴斯蒂安之殉难》(1911);《意象》(1912)

室内乐:《弦乐四重奏》(1893);《大提琴奏鸣曲》(1915);《长笛、中提琴和竖琴奏鸣曲》(1915);《小提琴奏曲》(1916-1917)

钢琴曲:《贝加莫组曲》(1905);《钢琴曲》(1901);《版画》(1903);《意象》(1905和1907);《儿童园地》(1908);《前奏曲》(卷I:1910,卷ii:1913);《练习曲》(1915);《白与黑》,为双钢琴而作的(1915)

合唱作品:《浪子》(1884);《中选的**》(1888);

歌剧:《佩利亚斯与梅丽桑德》(1902)

歌曲:五十余首

法国作曲家：克罗德•德彪西

克罗德·德彪西，杰出的法国作曲家。他于1873年入巴黎音乐学院，在十余年的学习中一直 是才华出众的学生，并以大合唱《浪子》获罗马奖。后与以马拉美为首的诗人与 画家的小团体很接近，以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲。并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》，还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。

他摆脱瓦格纳歌剧的影响，创造了具有独特个性的表现手法。钢琴创作贯穿了他的一生，早期的 《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格；《版面》、《欢乐岛》、两集《意象集》和 《二十四首前奏曲》则为印象主义的精品。管弦乐曲《夜曲》、《大海》、《伊贝利亚》中都有不少生动的篇章。

第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格 也有所改变。此时他已患癌症，于1918年德国进攻巴黎时去世。在三十余年的创作生涯里，他形成了 一种被称为“印象主义”的音乐风格,对欧美各国的音乐产生了很深远的影响。

一、德彪西的“梦幻世界” 德彪西这位现代音乐的创始者，开发了任何音乐家都没有发现过的、奇怪的音的世界。

他生于1862年。他的前辈中并没有音乐家，他的父亲是一个店主，穷得不能给他的儿子任何种类的教育， 因此他计划使他的孩子成为一个水手。但是一位曾经做过肖邦学生的好心肠的夫人，对这个有音乐天赋的 孩子很感兴趣，于是免费给他上课。德彪西十分珍惜这个机会，他努力学习，十一岁的时候， 德彪西就考上了巴黎音乐学院。

德彪西在音乐学院期间，成为某位有钱的俄国贵夫人的一个三重奏中的钢琴家，并且有机会到 欧洲各地旅行——佛罗伦萨、维也纳、威尼斯，而且最后在那个贵夫人的俄罗斯庄园里住了一段时间。

在那里，德彪西遇到一些正在努力从民间音乐中为他们的祖国创造一种民族音乐的俄国作曲家。 德彪西对这些俄国音乐家所使用的，与别国作曲家们所用的大调、小调音阶大相径庭的奇怪音阶 非常感兴趣，这些音阶是建立在狂热的东方民族的民间音乐基础之上的。

一年以后，德彪西回到巴黎音乐学院，并像许多别的法国音乐家们一样，赢得了罗马奖而完成了 他的音乐学院课程。但是他写的音乐与别的音乐家完全不同，他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调 和小调音阶。有时，他会回到早期教堂音乐的那些有点古怪的古老调式上去，他还经常使用一种 全音音阶。

我们的大调和小调音阶是由七个音组成的，五个全音和两个半音，而大调与小调音阶之间的区别在于 那些半音放在哪里。在大调音阶里，半音总是处于第三音和第四音，和第七音和第八音（3-4；7-1） 之间。在小调音阶里，其中的一个半音总是在第二音和第三音之间，但是也有几种不同的小调间音阶， 在那里，第二个半音处在不同的地方。德彪西最喜欢的音阶有六个全音而完全没有半音 （如C、D、E、升F、升G、升A），所以他的旋律听起来同任何过去的音乐都不一样，而他的和弦就 更加奇怪。 德彪西正是运用了他所偏爱的全音音阶，构筑起他与众不同的“梦幻世界”。

二、泛音

德彪西对传统音乐作了许多大胆革新。之所以只有他敢这样做，也许是因为任何一个音乐家都 不曾有过他这样的一双敏锐的耳朵：德彪西实际上比一般人听得见更多的泛音。

正像一种颜色往往是由一些别的颜色组成的那样（紫=蓝+红，橙=红+黄，等等），一个音往往也是 由许多音组合而成的。各种音是由空气中的各种振动引起的，而正如我们从希腊的单弦琴上看到的 那样，一个音是高还是低，要看振动有多快。但是，一个音除了第一个或主要的振动之外， 还有一些次要的、共鸣式的振动，正象一块扔到水里的石头引起的不是一个波，而是一圈圈不断扩展开的 波纹。

泛音中的第一个和最强的是基音上面的第五个音，这是德彪西不用助听器也能听得见的音。

假如我们有一架调音调得很准的钢琴，不出声地按下一个琴键，然后很响地敲击它上面或下面的 第五个音，我们就往往能听见它作为另一个音的泛音，发出德彪西曾经用耳朵听得见的效果。

第二个泛音是原来的音（基音）上面的第十个音，第三个泛音还要高，但已十分微弱。

下面的泛音依此类推。造成不同乐器音色差别的主要原因，就是泛音的不同。一把像小提琴那样的 乐器，其中的较低的泛音较强，就有一种平滑而圆润的音质；而一把象小号那样的乐器，其中较高的泛音 较强，就有一种较为洪亮的音质。

德彪西建造他那古怪的、非尘世的音乐，用的就是这些在空气中听不见其振动的音。他为了让 所有的人们都听见，大胆地敲响了那些人们甚至还不知道自己已经听见了的声音。由于德彪西 敏感的耳朵，他还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的、闪烁着的音响效果。

起初人们还被他的音乐所困惑，并且不知道怎样理解它，但是一旦听惯了，就会非常喜欢它。 德彪西所创立的这种音乐，就是被后人称为“印象主义”的音乐。 （文/佚名）

管弦乐作品：

3首夜曲：

云《Nuages》

节日《Fetes》

海妖《Sirenes》

3首映像（Images）：

基格舞曲（Gigues）

伊比利亚（lberia）

春之轮旋曲（Rondes de printemps）

芭蕾：游戏（Jeux）

牧神的午后前奏曲

大生活费

宗教舞与世俗舞，竖琴与乐团

室内乐作品：

大提琴奏鸣曲，d小调

弦乐四重奏，g小调

声乐作品：

联篇歌曲：比利第斯之歌（Chansons de Bilitis）

歌剧：

佩利亚与梅丽桑（Pelleas et Meisande）

钢琴作品：

梦（Reverie）

前奏曲（两册）

儿童天地（The Children's Corner）

月光（选自《贝加莫》组曲）

阿拉贝斯克（Arabesques）

版画（Estampes）

其他器乐作品：

西琳克丝（Syrinx），长笛

大提琴奏鸣曲第一号，d小调

小提琴奏鸣曲第三号，g小调

　　浅谈印象派音乐

　　关键词：德彪西 印象主义音乐产生的背景，因素及风格特征

　　摘要： 印象派的代表德彪西的创作和实践、使20世纪音乐真正有了划时代意义的开端。从诸多方面进行分析德彪西的音乐风格、印象主义音乐产生的背景，因素及风格特征，展示以德彪西为代表的印象派音乐真正的伟大之处。

　　19世纪末叶至20世纪初叶、欧洲进入了“自由”资本注意向帝国主义过度的社会大变革、大改组的时代。从社会运动上看；连续爆发了几次重大的革命事件，在哲学思潮上；一方面，涌现和传播着形形色色的资产阶级唯心主义理论和学说，另一方面，马克思列宁主义的学说和其指导下的革命实践，也在这个时期产生和发展。在文艺流派方面；出现了以左拉为代表的自然主义文学，以马拉美为代表的象征主义诗歌和莫奈为代表的印象主义绘画。。。。。。 较年轻的德彪西和拉威尔选择了打破陈规、扩宽眼界、锐意创新。他们从当时的诗歌、戏剧、绘画的最新探索中，从法国中世纪至巴罗克时期古色古香的音乐中，从俄罗斯、西班牙和东方民族别具一格的音乐中，发现了新的天地，得到了新的启发。于是他们通过自己的艺术实践，开创了新的音乐风格，形成了新的音乐流派———— 印象主义音乐！它是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的 一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。 它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。由法国作曲家C德彪西首创。印象主义一词借用自美术。1874年巴黎“落选者沙龙”展出画家C莫奈一幅题为《日出印象》法国莫奈《日出印象》的绘画，引起嘲笑和议论，此后人们把艺术理想与表现手法大致与之相似的画家，如E德加、C毕沙罗、A西斯莱、PA雷诺阿称为“印象派”。他们反对学院派的保守思想，热爱大自然,面向现代生活,采取在户外的阳光下直接描绘景物的方法，在光与色的变化中表现对象的整体感与周围的气氛，对绘画的发展有很大影响

　　印象主义一词在音乐中首次出现于1887年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第 2部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。1894年其《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义”加以赞扬；1905年以后，此词常用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，不再带有贬意。 古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与激情的发挥。 与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画， 而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。 印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐 却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。 正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。 德彪西法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法国作曲家杜卡和 意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物

　　印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感。 印象主义音乐是19世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种新音乐风格，它深受当时印象主义绘画和象征派诗歌的影响，追求刻画实物周围的色彩与光影在瞬间的迷离变幻。因此，在印象派的音乐中，富有色彩效果的和声远比旋律重要。由于钢琴兼有和声以及音色精致变化的功能，又能在琴槌、琴弦和踏板的巧妙组合之中产生奇妙的泛音效果，最能表达云雾水性音响的灵动之感，因而十分适宜表现印象主义的风格

　　像印象派绘画一样，印象派音乐的主角是音响和音色。为了让色彩效果得以在音乐作品中突出起作用，印象派作曲家大胆地对十九世纪后半叶浪漫主义音乐的风格和形式提出挑战：为什么一部作品必须受自然音阶所包合的那几个音的约束？为什么和弦连接必须依据从紧张到松弛、从不协和到解决的模式？为什么音乐的表达要囿于呈示、对比（或发展）和再现的框框？对此，他们的回答是：用织体、色彩和响度以取代发展，他们还认为音乐只能暗示或者提供一种意象或心境，不必要去转述一则故事或者字面的含义。他们的具体做法，首先是在和声方面利用音的各种新的结合（九和弦、十三和弦、含附加音如添加不解决的二度音的和弦，以及各种增和弦等）和这些非常复杂的和弦的连接（一个个不协和和弦的并列），而创造出不断闪烁的强烈色彩，就像印象派绘画的纯色并列一样。从这里可以看出，和声的进行完全是服从于音色效果的，配器方面也是这样。瓦格纳式的庞大乐队编制还是保留着，但用非常雅致的手法加以处理：铜管乐器常常加用弱音器，木管乐器则多使用其神秘动人的低音区，弦乐器的分奏也相当细密，打击乐器中的钟琴、钢片琴和三角铁，以及竖琴在色彩性处理上都发挥了很大作用。同音色效果密切相关的还有力度方面的因素－一印象派作曲家为了突出音乐的恬淡、纤巧、妩媚、甚至带点伤感等情调，爱用弱奏和极弱奏，乐曲中的力度高潮大多只是短暂的闪现。至于旋律方面在器乐作品中往往没有大段的旋律，而是一些互不连贯的短小动机的瞬息自由飘浮，其中变化多于稳定，正如德彪西所说，旋律的连绵进行从不被任何东西打断，而且永远不回复它的本来面目。还有，一般总是避免节拍重音的节奏型，各种调式音阶、全音音阶和东方的五声音阶，以及丰富而复杂的织体，都成为印象派音乐语言的重要组成部分。印象派音乐喜欢反映微妙和难于捉摸的东西，而不喜欢堂皇、不朽的雄伟气派；喜欢暗示和隐喻，而不喜欢过分夸张、直率和毫无保留。所以，模糊的轮廓，朦胧的色彩，不易分辨的色调变化，都是印象派音乐的明显标志；它所塑造的种种幻象、印象和气氛，都同莫奈的模糊印象、塞尚的奇异梦境、雷诺阿的美妙温柔、修拉的眩目精巧相对应。印象派音乐的精致而优美的音乐语言，同浪漫派音乐夸张的响亮音调，同样达到了很高的审美境界，同样受人喜爱。

　　德彪西：（1862--1918） 被誉为印象派音乐大师。他的音乐虽然是标题性的,但它不企图讲述一个故事或某些特定的情感,而是创造一种符合作品的主题或标题的"情绪"或气氛。他的《夜曲》、《大海》、《意象集》等,也都是印象主义管弦乐的杰作。德彪西以后,再也没有人写出这些富有管弦乐音调色彩的作品了。 德彪西是20世纪最伟大、是重要的作曲家之一。 作为印象派音乐的创始人，德彪西的创作特点与浪漫主义有着直接的承传关系。从他的钢琴作品标题来看，德彪西喜欢把创作寄托于梦幻世界，而这正是浪漫主义音乐的一大特点。尽管德彪西描绘大自然的题材比比皆是，但他并没有像浪漫主义音乐那样借景抒情，而是超然物外，精神遨游在水光山色之中，在虚无缥缈的意境中进入一个忘我无我的境界。德彪西是继肖邦之后的又一位挖掘钢琴内在音响的大师，他打破了调性的束缚，开拓了钢琴音色的微观世界。

　　印象派音乐是十九世纪最后一种富于特征的风格，它反映了一个新时代的变化的初步迹象，是新世纪音乐的许多重要特点和精神意境的发端

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　　印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感。

　　印象主义音乐是19世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种新音乐风格，它深受当时印象主义绘画和象征派诗歌的影响，追求刻画实物周围的色彩与光影在瞬间的迷离变幻。因此，在印象派的音乐中，富有色彩效果的和声远比旋律重要。由于钢琴兼有和声以及音色精致变化的功能，又能在琴槌、琴弦和踏板的巧妙组合之中产生奇妙的泛音效果，最能表达云雾水性音响的灵动之感，因而十分适宜表现印象主义的风格。不仅如此，印象主义音乐在听觉感受、观念意识和心灵体验上都超越传统进行了全方位的更新。法国印象主义钢琴音乐作曲家中最具代表性的是克劳德·德彪西和莫里斯·拉威尔。

　　作为印象派音乐的创始人，德彪西的创作特点与浪漫主义有着直接的承传关系。从他的钢琴作品标题来看，德彪西喜欢把创作寄托于梦幻世界，而这正是浪漫主义音乐的一大特点。尽管德彪西描绘大自然的题材比比皆是，但他并没有像浪漫主义音乐那样借景抒情，而是超然物外，精神遨游在水光山色之中，在虚无缥缈的意境中进入一个忘我无我的境界。德彪西是继肖邦之后的又一位挖掘钢琴内在音响的大师，他打破了调性的束缚，开拓了钢琴音色的微观世界。

　　与德彪西相比，作曲家拉威尔在钢琴音乐创作风格上有着很大的差异，他在逐渐摆脱印象主义美学思想的约束，回到更古老纯粹的法国传统。拉威尔享有管弦乐配器大师的盛名，敏锐的色彩感大大地影响了他的钢琴创作。如果说德彪西主要从钢琴本身去发掘表现潜力和音响层次，拉威尔则更注重从乐队配器的角度来发挥钢琴音响的色彩性。其钢琴作品以组曲《镜子》、《夜之幽灵》和两首钢琴协奏曲最为著名。

克劳德·德彪西

阿希尔-克劳德·德彪西（法语：Achille-ClaudeDebussy，1862年8月22日－1918年3月25日），法国人，十九世纪末、二十世纪初欧洲音乐界颇具影响的作曲家、革新家，同时也是近代“印象主义”音乐的鼻祖，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。

德彪西自幼年起即受到印象派艺术的熏陶。他在马斯奈等前辈作曲家开创的法国音乐传统的影响下，结合了东方音乐，西班牙舞曲和爵士乐的一些特点，将法国印象派艺术手法运用到音乐上，创造出了其别具一格的和声。其音乐对自他以后的作曲家产生了深远的影响。

德彪西的代表作品有管弦乐《大海》、《牧神午后前奏曲》，钢琴曲《月光》、《前奏曲》和《练习曲》，而他的创作最高峰则是歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。

德彪西被总括为印象派音乐的代表，虽然他本人并不同意，甚至设法远离这一称谓。一些作家如罗伯·施密兹（ERobertSchmitz），塞西·格雷（CecilGray）亦认为德彪西是一位“象征主义者”而非“印象主义者”。《新格罗夫音乐辞典》内文也写到，将德彪西的音乐美学称为“印象主义”是不尽准确的。

第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。此时他已患癌症，于1918年3月25日德国进攻巴黎时去世。

中文名：克劳德·德彪西

外文名：Achille-ClaudeDebussy

国籍：法国

出生日期：1862年8月22日

逝世日期：1918年3月25日

职业：作曲家、音乐评论家

毕业院校：巴黎音乐学院

代表作品：《佩列阿斯和梅丽桑德》，《牧神午后》、《夜曲》，《大海》，《版画集》等

主要成就：近代“印象主义”音乐的鼻祖和代表

人物生平

成就

德彪西被认为是印象派音乐的代表，虽然他本人并不同意并设法远离这一称谓。

一些作家如罗伯·施密兹（ERobertSchmitz），塞西·格雷（CecilGray）认为德彪西是一位“象征主义者”而非“印象主义者”。《新格罗夫音乐辞典》内文也写到，将德彪西的音乐美学称为“印象主义”是不尽准确的。

不管怎样，德彪西自幼年起即受到印象派艺术的熏陶。他在马斯奈等前辈作曲家开创的法国音乐传统的影响下，结合了东方音乐，西班牙舞曲和爵士乐的一些特点，将法国印象派艺术手法运用到音乐上，创造出了其别具一格的和声。其音乐对其他的作曲家产生了深远的影响。

出生

德彪西一家原是农民世家，在约1800年他们由勃艮第迁至巴黎。其祖父是贩酒商，后则成为一名木匠。而德彪西的父亲曼纽-阿希尔（ManuelAchille）则曾在海军当步兵七年，后来与妻子维多林定居圣日耳曼昂莱并经营一家瓷器店。

德彪西于1862年8月22日出生于圣日耳曼昂莱，他也是曼纽夫妇的头一胎。曼纽希望他的儿子成为一个海员。

1870年普法战争期间，德彪西举家搬迁到戛纳的姑姐克莱门汀（Clementine）家。虽然德彪西并非出身音乐世家，也没有良好的音乐环境，但他却十分热爱音乐，幼年时就显露出显著的音乐才能。克莱门汀为德彪西安排了钢琴课，由一位叫让·西汝蒂（JeanCerutti）的意大利人担任教师，于七岁开始学习钢琴。

求学

1871年10岁的德彪西获得曾是肖邦学生的MarieMautédeFleurville的关照。

1872年，11岁的德彪西进入巴黎音乐学院，在那里学习了12年，他的作曲课、音乐理论及历史课、和声课、钢琴课、风琴课、声乐课老师们，几乎都是当时的知名音乐家。有ErnestGuiraud、Louis-AlbertBourgault-Ducoudray、mileDurand、Antoine-FranoisMarmontel、CésarFranck、AlbertLavignac。德彪西是一个看谱就能知音的学生，他的钢琴提弹奏得非常出色，可以进行专业演奏，他演奏过贝多芬、舒曼和韦伯的钢琴奏鸣曲，肖邦的《第二叙事曲》。

德彪西在音乐学院学习时，就显露出是一个富有创新精神的学生。他在自己学习音乐的过程中，始终有一种打破陈规、探索新领域的强烈愿望。为了寻求一种新的音响组合，他常常在钢琴上连续弹奏一串串的增和弦、九和弦、十一和弦以及全音音阶等等。他弹奏的和弦，全然不按照传统规则予以预备和解决。为此，他常常遭到教师们的责备。

升华

1880年，德彪西到俄国担任了柴科夫斯基的至交——梅克夫人的家庭钢琴师。这个机会使他受益匪浅。他由此开始接触到许多俄国音乐大师的作品，特别是穆索尔斯基的作品。这位大师的极富特色的新颖和声，对年轻的德彪西产生了深刻的影响，为他后来所开创的“印象主义”音乐奠定了基础。

扬名

1884年，德彪西以大合唱《浪荡儿》(《L'Enfantprodigue》)荣获罗马大奖，并获得了一份奖学金和前往设在意大利罗马的法兰西学院4年留学的资格。从此，他的创作活动逐渐频繁起来，同时，他还广泛结交当时欧洲最活跃和最有影响的作曲家，并对理查德·瓦格纳的音乐产生了浓厚的兴趣。

1885年-1887年，德彪西是在意大利罗马度过的。

1888年他没有完成罗马的学业，就离开那里，到德国拜罗伊特参加音乐节，在那里他被瓦格纳式的歌剧震撼了，他在拜罗伊特呆到1889年才回到巴黎。瓦格纳早在1883年就去世了，但是他的音乐风格影响了青年德彪西。

1889年，巴黎举行世界博览会，那一年巴黎艾菲尔铁塔树立起来。在博览会上，德彪西听到了爪哇甘美朗的演奏，对十二平均律和五声调式印象深刻。

成型

1890年以后，德彪西和象征派诗人马拉美结识，他加入了以马拉美为首的巴黎文艺沙龙。在这里，德彪西结识了许多青年艺术家。他经常参加他们的艺术讨论聚会，这些艺术家们的一些全新的艺术观点和思想深深地影响着德彪西。他开始欣赏他们的诗，并为这些诗歌谱曲。这时，他的音乐已开始带有“印象主义”色彩，并逐渐发展成为他最后总的艺术风格。

创立音乐奥秘

对俄罗斯影响

德彪西这位现代音乐的创始者，开发了任何音乐家都没有发现过的、奇怪的音的世界。

他生于1862年。他的前辈中并没有音乐家，他的父亲是一个店主，穷得不能给他的儿子任何种类的教育，因此他计划使他的孩子成为一个水手。但是一位曾经做过肖邦学生的好心肠的夫人，对这个有音乐天赋的孩子很感兴趣，于是免费给他上课。德彪西十分珍惜这个机会，他努力学习，十一岁的时候，德彪西就考上了巴黎音乐学院。

德彪西在音乐学院期间，成为某位有钱的俄国贵夫人梅克夫人家里钢琴教师，并且有机会到欧洲各地旅行——佛罗伦萨、维也纳、威尼斯，而且最后在梅克夫人的俄罗斯庄园里住了一段时间。在那里，德彪西遇到一些正在努力从民间音乐中为他们的祖国创造一种民族音乐的俄国作曲家（以穆索尔斯基为代表，被称为俄罗斯民族乐派）。

德彪西对这些俄国音乐家所使用的，与别国作曲家们所用的大调、小调音阶大相径庭的奇怪音阶非常感兴趣，这些音阶是建立在狂热的东方民族的民间音乐基础之上的。

全音音阶

一年以后，德彪西回到巴黎音乐学院，并像许多别的法国音乐家们一样，赢得了罗马奖而完成了他的音乐学院课程。但是他写的音乐与别的音乐家完全不同，他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调和小调音阶。有时，他会回到早期教堂音乐的那些有点古怪的古老调式上去，他还经常使用一种全音音阶。

我们的大调和小调音阶是由七个音组成的，五个全音和两个半音，而大调与小调音阶之间的区别在于那些半音放在哪里。在大调音阶里，半音总是处于第三音和第四音，和第七音和第八音（3-4；7-1）之间。在小调音阶里，其中的一个半音总是在第二音和第三音之间，但是也有几种不同的小调间音阶，在那里，第二个半音处在不同的地方。

德彪西最喜欢的音阶有六个全音而完全没有半音（如C、D、E、升F、升G、升A），所以他的旋律听起来同任何过去的音乐都不一样，而他的和弦就更加奇怪。德彪西正是运用了他所偏爱的全音音阶，构筑起他与众不同的“梦幻世界”。

泛音

德彪西对传统音乐作了许多大胆革新。之所以只有他敢这样做，也许是因为任何一个音乐家都不曾有过他这样的一双敏锐的耳朵：德彪西实际上比一般人听得见更多的泛音。

正像一种颜色往往是由一些别的颜色组成的那样（紫=蓝+红，橙=红+黄，等等），一个音往往也是由许多音组合而成的。各种音是由空气中的各种振动引起的，而正如我们从希腊的单弦琴上看到的那样，一个音是高还是低，要看振动有多快。但是，一个音除了第一个或主要的振动之外，还有一些次要的、共鸣式的振动。

泛音中的第一个和最强的是基音上面的第五个音，这是德彪西不用助听器也能听得见的音。假如我们有一架调音调得很准的钢琴，不出声地按下一个琴键，然后很响地敲击它上面或下面的第五个音，我们就往往能听见它作为另一个音的泛音，发出德彪西曾经用耳朵听得见的效果。第二个泛音是原来的音（基音）上面的第十个音，第三个泛音还要高，但已十分微弱。下面的泛音依此类推。

造成不同乐器音色差别的主要原因，就是泛音的不同。一把像小提琴那样的乐器，其中的较低的泛音较强，就有一种平滑而圆润的音质；而一把象小号那样的乐器，其中较高的泛音较强，就有一种较为洪亮的音质。

德彪西建造他那古怪的、非尘世的音乐，用的就是这些在空气中听不见其振动的音。他为了让所有的人们都听见，大胆地敲响了那些人们甚至还不知道自己已经听见了的声音。由于德彪西敏感的耳朵，他还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的、闪烁着的音响效果。起初人们还被他的音乐所困惑，并且不知道怎样理解它，但是一旦听惯了，就会非常喜欢它。

结果

德彪西所创立的这种音乐，就是被后人称为“印象主义”的音乐。

音乐特色

德彪西的音乐和古典主义音乐相去甚远。在他的作品中已看不到古典主义音乐的严谨结构、深刻的思想性和逻辑性，也看不到浪漫主义音乐的丰富情感，取而代之的则是奇异的幻想因素、朦胧的感觉和神奇莫测的色彩。他的和声细腻、繁复，配器新奇而富有色彩，旋律略带冷漠飘忽的感觉，这都是古典主义音乐和浪漫主义音乐所不具备的。

德彪西一生创作的作品虽然不多，但他的作品每首都有其突出的特色。他的许多作品已经成为“印象主义”音乐的典范，其中著名的有：歌剧《佩列阿斯和梅丽桑德》，管弦乐曲《牧神午后》、《夜曲》，三首交响素描《大海》，钢琴曲《版画集》等，此外还有一些声器乐和室内乐作品。

德彪西的音乐具有划时代的意义，尤其是他那独特的“印象主义”风格，对二十世纪现代音乐起到了直接影响作用。因此德彪西又往往被认为是二十世纪现代音乐的开创人物。

除了作曲、教学外，德彪西也从事音乐评论的工作，由于他的评论立场中肯，言辞锋利，相当受人尊敬，曾出版乐评集。由于此时巴黎美术界的发展正值颠峰状态，雷诺瓦、莫奈、塞尚等画家十分活跃，当时莫奈完成一幅名为《日出·印象》的画而名噪一时，这便是印象主义、印象派等艺术形式用语产生的开端。再加上文学作品都以标榜"印象主义"为题材，这些文学家与艺术家互相往来，对于音乐家有很大影响。德彪西遂将其理论应用到作品中，发展成为印象主义，成为印象主义的创始人与完成者。

生前的最后十年，是德彪西艺术颠峰的时期，许多伟大结束的代表作皆陆续完成，自成一派而闻名世界，也经常在欧洲各国演奏与指挥自己的作品。至50岁起，被癌症所困，身体日渐衰弱。

1918年3月25日，德军空军和炮兵对巴黎发动了春季攻势，德彪西因癌症在巴黎的家中去世。逝后葬在Passy公墓，完成了他死后“在树木和鸟儿中”长眠的遗愿，他的妻子和女儿同他葬在一起。

主要作品

按体裁时间分列：

管弦乐

舞台作品

室内乐

钢琴曲

第一期作品（1884—1900年）

钢琴曲

第二期作品，1901年—1904年，印象主义成熟阶段，但也有一个逐步形成的过程

合唱