歌唱艺术中的“情”与“技”该如何结合？

声乐学习和演唱经验告诉我们一个真理：那就是“扎扎实实地掌握发声技巧，然后致力于艺术表现”。

声乐基本功是工具、是基础，对演唱者来说，是非掌握不可的，而且越扎实越好，但它单独存在却没有什么意义。因为声音的美并不能代表声乐的全部艺术含义，声乐的艺术表现特点在于通过美好的声音，表达真实的情感。

我们可把这个“情”理解为情感表达和声乐审美意识对声音质量的指令性要求，这就需要我们掌握全面的歌唱发声技巧，并让发声技巧服务于精神内容。

我国清代王德晖在《顾谈录》中指出：“口中有曲，心中有曲者纵全字正音和，终未能登峰造极”。这说明我国民族声乐早就强调歌唱技巧与情感表达的辩证与和谐关系，任何只注意“声”或“情”单方面的学习都是不完整的，它们是歌唱中血肉相连的两个部分，相辅相成，缺一不可。

我国两千多年前的音乐理论专著《礼记乐记》开篇便指出：“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声”。

说的是音乐作为“情”组合而成的韵律之声，无论是通过人体器官还是通过外在乐器以及其他乐舞形式展现出来，无非都是在表达人“感于物而动”的情感或感受，这表现了一种很朴素的反映论观点。

譬如在歌唱艺术表演中强调“声者发乎情”“情动而辞发”，自然是主情说的刻意引申；“转轴拔弦三两声，未成曲调先有情”，也是以情带声，以声传情的喻意；至于“歌欢则声与乐谐，歌戚则音与泣共”，说明声与情相谐和而存在。

常见有些歌者，不用心思，只求以“肥声”“猛音”自赏，认为只要声音完美就没有无情之曲。

他们在舞台上为声音而紧张，为高音而颤抖，他们的歌唱意识和思维高度集中于声音的圆润、气息的支持、声区的均衡、共鸣的部位等等。

过度的紧张必然造成艺术表现力的苍白和肤浅，从而使演唱者的表演在观众的听觉和视觉中有形无神、有声无情。意大利声乐家兰培尔蒂说：“嗓音不等于一切，因为一个歌唱家必须表达出一个诗人和作曲家的灵感”。

从这个意义上讲，“唱情”之说，可基本概括为歌唱家的二度创作，而二度创作的主要任务又是音乐形象的刻画。音乐形象所揭示的是生活在音乐形象中无尽延伸。所以，歌声必须首先“入人”，然后才能“化人”。

你的歌声要“入人”，就必须与人“情通”。你的歌声要“化人”，就必须使人神往，这是歌声与听众“情通”之后达到的另一个更深刻的思想境界，也就是“同声相应，同气相求”的深刻感应。

例如女高音歌曲《我爱你中国》，它的引子部分节奏自由，气息宽广，旋律跌宕起伏，加之采用特定的三连音节奏和连音的手法，给人以辽阔舒展的感觉，把听众引入百灵鸟凌空俯瞰中国大地而引颈高歌的艺术境界。

接着，间奏以抑扬格节奏乐句，用音型模进的手法把海外赤子对“祖国母亲”依恋的激动心情作了烘托并引入主部。主部一二段节奏较平稳，音程由小跳转大跳，旋律逐层上行，将祖国的春苗秋果、森林山川、田园庄稼等作了形象的描绘和细腻的刻画。

语句清新秀丽，音乐委婉深沉，使“我爱你中国”这一主题不断深化。尾部旋律激越富于动力，两个衬词“啊”的抒发，引向歌曲高潮，末句“我的母亲我的祖国”，在高音区结束，抒发出海外儿女一腔真挚的爱国主义情感。

歌唱者通过自己的二度创作，构筑出完整、生动的音乐形象，并注意在表达感情时如何去合理地、理智地、巧妙地运用声音的技巧，再令情动于中，情形于声。这个“情”字可以说是歌唱的灵魂，也是声乐技巧中的“内功”。

以上我们强调了情为声之本的道理，然而这个歌唱的根本因素却又不能代替声乐技巧，决不是说只要情真意切，歌声就必然优美动听。

相反，如果不掌握一定的声乐技巧，多么动人的感情也无法传递给听众。

再如女高音歌曲《黄河怨》，有的人演唱起来十分投入，悲痛欲绝，特别是唱到“宝贝啊，你死得这样惨”乐句时，几乎气绝声绝，甚至掉下眼泪。

尽管这样，但其声音的悲痛效果远远不及面部表情的程度，唱变成了哭，变成了讲，可对于听众来说，似乎只看到了歌者悲痛而没有听到悲痛，其关键就在于缺乏理智地运用声音效果来表现歌唱中的悲痛，使听众只有精神上的意识共鸣而没有身体上的声音共鸣。

要知道声乐中的“情”是一种艺术表现，艺术并不等于自然生活，从生活到艺术是有一个升华与飞跃过程的，而这个过程中的阶梯和桥梁就是声乐技巧，这种声乐技巧又是基于真切的感情，是情借技发出感人的歌声，技依情形成美妙的歌唱。

中国古代文学中形容歌声美妙的词句颇多，诸如“莺声燕语”“响过行云”“余音绕梁，三日不绝”“一声唱到融神处，毛骨肃然六月寒”等等。

这等美妙的声音，决非凭空而来，没有高超的发声技巧和演唱经验是不可能达到这种境界的。我们在歌唱中强调情感的作用，强调二度创作，这些都必须以声乐技巧为前提。

也就是说，二度创作的一切成果，主要是通过声音来表现，离开声乐技巧，歌者的二度创作便成为无的之矢。

对于声乐艺术表现来说，声与情从来就不是各自单摆浮搁着的，问题是在于歌者的一切声音技巧都要有所附着，即附着于你的二度创作，运用已经掌握的发声技术，从声音的“库”中调动恰当的声音和歌唱方式，唱出歌曲内容所需要的听觉效果、贴切地表现作品内容和你自己理解的情感。

真正使声乐表现达到“情为师，技为源，情深技活，字字贯连，声情并茂，动人心弦”的艺术境界。

综上所述，“声”与“情”的辩证和谐关系在于二者既是相对的两种概念，又是一个完美和谐的整体，因为“声”的掌握最终目的是通过技巧和艺术来表现人的“情”。

“情”是目的，“声”是手段，即“唱声”之功为“唱情”之目的而存在，但没有精湛的“唱声”之功，也就难以达到艺术上完美的“唱情”之目的。

所以，情为声之本，声为情之表。在声乐艺术表现中，应正确建立起这种目的与手段的辩证和谐观念。如果观念上有所偏差，演唱中必然会产生一种片面，无论产生哪种片面，都不能称之为完美的歌唱艺术。

（以上均来源网络）

在歌唱中情感与作品的融合

　声乐演唱是一门综合性艺术，它的魅力正是由于作曲者的心灵之作与演唱者的自我情感体验相契合达到的。演唱者不应该只重视演唱水平的提高，还应该在拓展自身素质上多下功夫。声乐表演艺术是文学、艺术、历史、审美等多种文化的积淀，是词曲作者和演唱者思想感情的外延和表达，是演唱者综合素质的体现。

　 摘要： 无论是什么音乐作品，作为歌唱者必须对作品本身有足够的理性认识，分析作品的词义内涵等，做好充分的准备，深入细致地体会，并不断加强自身的演唱技巧。在演唱时，只有加入情感的表现才能使演唱出来的声乐作品动听、感人。本文结合笔者多年的演唱经验，简要阐述了在歌唱中如何使情感与作品更好的融合。

　关键词： 歌唱;情感;声情并茂;措施

　声乐艺术的情感，是歌唱者在自己心里唤起曾经体验的情感，是一首歌曲的灵魂，是声乐演唱的目的。要把一首声乐作品演唱好，作为演唱者要充分了解歌曲，从多个角度来挖掘作品，在作品原有的基础上加以自己独到的认识和理解，以表现作品丰富的内涵，体现出作品的魅力，真正做到将情感与作品风格的完美融合,将唤起的情感通过歌声表达出来，同时使观众也体会到这种情感。

　一、情感在歌唱中的重要性

　声与情作为歌唱艺术的两大重要构成,恰如骨骼与血肉的关系:相辅相成、互为依托。如果没有情感只强调声音,极容易陷入“唯技术论”的陷阱,丧失歌唱的审美价值;只强调情感,则极易表现为情感泛滥,破坏歌唱的艺术情境。我们无法接受仅有“骨骼”的干枯、僵硬,也难以接受缺乏生命力的“血肉”堆砌。无论多么高超娴熟的表演技巧、多么感人至深的内心情感,都应该是为准确生动地赋予声乐作品以鲜活的音乐生命而存在的,绝不能把单纯追求高超的技巧或纯粹地展现丰富情感作为歌唱艺术的唯一目的。歌唱艺术应该始终贯穿技术服务情感、情感展示技术的宗旨,追求声音技巧与情感表达的平衡合理。

　只有跳出技术技巧条条框框的制约,让技术真正成为表情达意的手段,让情感表达成为展示技术技巧的方式,摆脱声与情貌合神离的“水油混合”状态,真正做到“骨肉相亲”般的完美结合,最大限度地建立起合情合理的平衡关系,才能从为了歌唱的“歌唱”,升华为返璞归真的歌唱艺术,到达一个崭新的艺术境界

　二、如何加强情感与作品的融合

　(一)深入分析声乐作品，理解把握其情感特征

　这个过程包括对作品地域性、歌词语言和内容、创作背景和意义进行分析、理解。

　1、对作品的地域性分析

　我国地域宽广，民族众多，每一首歌曲都具有其鲜明的地域特征。各地域在有不同的地域文化，也形成了不同的地域情感。一个作品，首先要分析它是哪个民族的，这个民族的人民有什么性格和情感特征;这个地域产生的歌曲有哪些特点，是如何产生的等等。

　2、对歌词语言和内容分析

　语言是歌唱的基础，又是歌唱的灵魂。所以我们必须掌握某一作品的语言要求。在内容上，歌曲要表达含义，离不开的还是歌词内容。我们在拿到一首作品时先不要演唱，而是把歌词大声有感情地朗诵几遍，这是很有用处的。我们要深入挖掘词义，有了对词义理性方面的掌握，才能更好地表达歌曲情感。

　3、作品的创作背景和意义分析

　演唱者对每一首歌曲，除了弄清词义外，还要弄清作者创作时的具体背景和意义。词意内容只是表面，不能只作一般的粗浅理解和表现，而重在挖掘它潜在的内涵。从中了解主人公所处的时代背景、特定的生活环境、人物的性格特点以及主人公所要表达的思想感情。

　(二)灵活运用声音音色，准确表现歌曲韵味

　音色是语言的一个重要组成部分，也是表达真实情感不可或缺的条件，如果有谁忽视音色的选择，他就必定会犯错误。要想唱好一首作品，单凭演唱者一成不变的声音来演唱远远不够。应根据不同歌曲的情绪和情感的需要选择恰到好处的音色和力度。对演唱来说，作品中的情绪和情感千变万化，高兴、愤怒，平静、冷漠等等，声音的色彩变化将起着重要的作用。表达欢乐时的音色应当是有光彩的、生动而流畅的。表达深刻的悲痛、内心的绝望时都用低暗的音色。表现恐怖和神秘的情绪是要把嗓音放低，使它变得暗些而略带嘶哑声。不同歌声的音色会产生不同的情感艺术效果。悲伤而缠绵的音色催人泪下，悠扬而甜美的音色使人心旷神怡。演唱者要巧妙运用自己的声音色彩完成歌曲的表达。

　同时，在演唱时要注意声音的强弱对比，这样可以使听众的情绪随着歌曲起伏变化。这里的强和弱并没有一个绝对的说法，二者是相对而言的。演唱者需要有微妙、灵敏的感觉，对音色的力度有细腻的分析和表达。具体到作品中，由强及弱或由弱及强都需要有对比的力度效果。这些力度的变化关系演唱者要经常加以练习，控制好力度的运用对一首歌曲的表现至关重要。掌握这一技巧，会使我们更好的、更细腻的表达作品内容。

　我们都知道歌曲表现的是味道，也就是韵味。这是一首作品“魂”的'体现。曲作者会把一些个别的音加以装饰、处理，使之富有一定的韵味色彩，歌曲变得更有魅力。歌曲韵味处理主要运用的手段有波音、倚音、滑音、重音、顿音以及变化音等。

　(三)分析并结合自身个性特点，表达作品魅力

　由于每个演唱者的兴趣爱好不同，所以演唱的特点也不尽相同。有的委婉深情，有的质朴深沉;有的纤细优美，有的刚健豪放;这不仅仅是因为每个人的先天条件不同，主要是每个人对歌曲的理解不同。每首歌曲都有其本身的创作背景，其中包括作者自己的思想和情感 ，并以此来描绘理想中的情景。这一切是一个整体，表演者要用自己的感受、天赋与歌唱技巧把作者的意图完整的表达出来，决不能一味跟着自己的感觉走。有的演唱者在了解了作品背景与风格后，也能有大致的情感表现力，但在真正演唱时，总认为自己的情感表现应高于作品本身，因而过分夸大了自己情绪的表现，使作品失去本身的魅力。

　(四)提高文化修养，拓展自身素质

　演唱者不应该只重视演唱水平的提高，还应该在拓展自身素质上多下功夫。声乐表演艺术是文学、艺术、历史、审美等多种文化的积淀，是词曲作者和演唱者思想感情的外延和表达，是演唱者综合素质的体现。每一位演唱者都应大量地博览群书，精读力作，努力缩小知识的盲区。演唱者必须要深入生活，因为艺术作品的创作源于生活又高于生活。要想准确的表现出来，只有深入其中，才能拓展视野，巩固知识，积累经验，为作品的表达作铺垫。

　三、结语

　声乐演唱是一门综合性艺术，它的魅力正是由于作曲者的心灵之作与演唱者的自我情感体验相契合达到的。演唱中，声音固然重要，但是没有融入感情的歌曲就像一盘色、香俱全的菜肴，看起来十分诱人，而吃起来却索然无味。在表达情感时，也应多几分理智，理解情感，感受情感，然后去恰当地表现情感。演唱者不但要在歌唱过程中将技术与激情有效地结合，产生出优美的声音，更需要注意在诠释曲目时能准确运用这种结合，在整体歌唱发声状态基本的范围内作某些音色、气息等的调整，形成符合情感表达需要的声音质量，符合表达某个作品的要求，让作品充满灵性，达到情感与作品风格的完美融合。

　参考文献：

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　　声与情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分，是辨证的统一，相辅相成。“声”是歌唱的基础，“情”是建立在物质的“声”基础之上。通过优美的声音，表现丰富的情感，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。我们要使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情成为一体，养成用心灵唱歌的习惯。

声乐演唱 情感体验 音乐教学

声与情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体，二者不可分割。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的，绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体都要参加，而且包括你的灵魂。歌唱应成为诸种因素融会于一个整体中的扣人心弦的完美艺术，就是说，只有声情并茂，技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术成果。声与情是辨证的统一，相辅相成。“声”是歌唱的基础，“情”是建立在物质的“声”基础之上。通过优美的声音，表现丰富的情感，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。我们要使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情成为一体，养成用心灵唱歌的习惯。

一、歌唱中声音的运用

我们在演唱一首作品时，运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和设计的问题。作为歌者除有美妙的声音外，能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要，比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音，面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜美的声音等。这里对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上；又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的鱼滴”等。总之，我们要擅于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切的表现作品。以下唱法的呼吸、发声、共鸣等三个基本方面，展开唱法艺术的技术说明。

1气息运用方面

在声乐演唱中，人们认为，不会呼吸就不会唱歌。这说明呼吸在歌唱中有着重要的作用。最理想的歌唱呼吸是“胸腹联合式”，横膈膜起着控制气息的作用。声乐演唱对呼吸（气息）是非常重视的，我们进行了生理与物理特性的科学分析，并认为呼吸是发声的动力。声音是由呼出的气流造成的，当然也能用吸气的气流造成。没有气流的冲击发音体是不会发出声音的。但如果气流用的太急太冲，发出的声音就不好听，成了噪音。气流强弱的变化和声音的响亮度、字音的清晰度、音色的优美圆润、嗓音的持久性及情绪的饱满充沛都有着密切的联系。严格地说，正确的呼吸要求是：人要站好，眼睛平视，胸部松开，两肩下垂，骨盆放平，两膝放松，身体的重心放在两脚趾关节处，横膈膜上下活动，吸气要深，保持气息平稳的活动成一条现状。唱歌时是用有控制的气，有强有弱，这就是音乐，给人以一种美的感受。

2歌唱发声技术方面

声乐演唱中注重歌唱发声的科学性，讲究的是技术的统一和自然，运用胸声、混声、头声将不同音高过渡性连接，消除嗓音歌唱发生方式转换的痕迹，使声音听起来自然、优美、统一，强调放下喉咙，运用“半打哈欠”的方式打开喉咙和咽部，用较小的嗓音力度和合理的气息作用力获得最佳的嗓音歌唱效果，强调泛音技术以丰富嗓音色彩，给声音增加适度的波动，减少了气息对声带的冲击力，使声音松弛柔和，从而最大限度地减轻了歌唱者的发声生理负担。发声中，对声带谈论较多，声带被称为奇妙的乐器。

二、歌唱中情感的表达

歌唱，是人类最早用来抒发思想感情的艺术。从来就没有脱离生活的歌唱。我们常会在浩瀚的大海之滨，在雄伟的崇山峻岭之巅，触景生情，放声歌唱。“情动于中而形于外”放声歌唱是情不自禁的。歌唱就是要通过歌曲把生活和人们的思想感情重现在舞台上，让听众在对音乐美的欣赏中，受到感染，引起共鸣，达到潜移默化，细致深入的影响人们思想的目的。歌唱的本质是人们情感的表现。在歌唱中，情感是声音的依据，声音是情感的表现。歌唱中的情感产生和生活中情感的产生有着密切的联系，作为歌唱中的情感绝不是生活中情感的再现。它已经超越了生活和人们心理本能的反映，不是停留在感性阶段，而是在理性制约下对歌曲形象的感受。因此，歌唱中的情感，是歌唱家对生活中情感的高度概括、加工和升华的产物。

1歌唱是抒发情感的最佳形式

歌唱家在感受歌曲形象的情感时，首先要与歌唱对象的总体形象“同化”，达到“人我一体”、“物我交融”的境界。所谓“同化”就是从心理活动来说，我就是“曲中人”，我就是“曲中物”。所有咏叹调中的人物形象都是以“我”的身份出现。演唱《为艺术，为爱情》时，我就是托斯卡。当演唱《晴朗的一天》时，我就是蝴蝶夫人巧巧桑。演唱表现事物形象的歌曲时要“物我交融”。“我”是天，“我”是云，“我”是雄鹰，“我”是百灵，“我”是太阳等等。这种“物我”交融，是一种忘我的情感状态，这种忘我的情感心理状态是在歌唱家对客观事物的感知、理解的基础上产生的。歌唱情感的产生是与演唱者的生活体验分不开的，内容丰富的现实生活，五彩缤纷的自然景物，都是情感产生的源泉。一轮明月、一片白云、一段美好的回忆，都会激发出歌唱的情感火花。歌唱家与一般人不同，他们对经常重复出现的客观事物都有新的发现，都能以充沛饱满的情感浸润他所发现的东西，并不断设法掌握那些还没有被人意识到的美的事物和情感。

在生活中，绝大多数人唱歌并不是给别人听的，而是为自己而唱，为了抒发自己的感情。例如：当思念保卫边防线上的丈夫时，你就是会情不自禁地哼唱起《十五的月亮》、《望星空》；当战友分别时，就会不由自主地唱起《驼铃》、《再见吧，老兵》；当恋人间相互表白爱情时，就会自然而然地唱起《月亮代表我的心》、《你是我的唯一》等。近年来随着人们物质生活水平的提高，高雅音乐不断被普及，音乐修养的提高，使人们也会演唱一些咏叹调和艺术歌曲来表达自己的情感。我们已经谈过，歌唱的本质是人们情感的表现。任何一首歌曲也都是为表现特定情感，是为了满足人们情感的需要。以革命斗争为题材的各个历史时期的歌曲，也是为了满足爱国主义情感的需要等。总之，歌曲演唱是时代情感的需要，是民族情感的需要，是人们交流和表达情感的需要。

2歌曲的表现形式与情感表现

演唱是通过旋律、速度和节奏、力度、音色等演唱要素直接表现情感。其中起伏跌宕、抑扬顿挫的旋律，能生动的传达着演唱者的情感。旋律的涌动与人的情感波澜是一致的。在动人的旋律中人的生命力与情感得到充分的体现。例如，德彪西的《钟声》歌词大意描写了教堂的钟声从远处传来，我们在森林中，心中激起思乡的愁情，想起了许多远离的朋友和过去值得留恋的往事。在演唱这首歌曲时，必须以轻声唱出，伴奏亦是如此，这象征着钟声自远处传来。伴奏者的右手这时还弹出那树林中轻微的风声，小心的采用续音踏板，带着恍惚的景象，恰如这钟声好像从飘渺中传来，仿佛看见了年代久远而又不枯萎的百合花，有飘然出尘之感。但在高潮时，音乐把我们唤醒，轻轻地把我们带回世俗中。德彪西的作品，看似在眼前，却又琢磨不定，需要有较深的艺术修养，透彻的理解与贴切的情感，旋律美才能真正得到体现，否则是难以表达确切的。速度和节奏是演唱生命的韵律。速度和节奏的快与慢，张与驰的变化，都直接表现着情感的变化。速度和节奏快，就会表现出现出热情、活泼的情感。速度和节奏慢，就会让人体会到忧伤悲痛的情感。中速则表现出雄伟、庄严的情感。一位歌唱家的首要任务之一，就是能把握好表现情感的最佳速度。从演唱者所选择的速度，就可以洞察他对该作品的理解力。格里格说：“如果一位指挥家把速度弄错了，那就什么都完了。”由此可见，只有适当的速度才能表达恰当的情感。怎样才能决定速度呢？我们应该根据乐谱的标记来确定一个大致的速度。一般歌曲在开始时，都有一个速度和表情标记，不同的情绪和力度有不同的表达方式，这对于我们的理解和再创作是很重要的。但不同时期的作品和不同的作曲家，在速度的理解和标记上都会有一定的差异，这需要我们在分析歌曲时仔细对待。

在确定好速度的情况下，然后再研究调性、歌词，理解和推测作曲家的意图，再以想象力来体会，从技术上去探讨，在伴奏的配合下全方位的进行研究。同一首歌曲，不同的演唱家所采取的速度，常常是会有差异的。但却都能表达出作品的内涵和深度，这是常见的。音乐修养与音乐感是协助决定速度的重要条件。速度必须稳定，快不可急，慢则忌拖。

力度的变化也是演唱情感变化的重要因素之一。一般来说，明亮而有活力的音色表现欢乐与激动的情感，低沉而又忧郁的音色表现忧愁而悲伤的情感等。力度的处理大体限于对声音的强弱和整体效果的表现。演唱者对力度的运用必须具有细微的感觉，对声音的力度有分析与表达运用能力。有了感觉后，如何运用自己的演唱技术，把这个感觉细腻而非机械地表达出来，这是演唱者的一个重要任务。

三、结语

歌唱是通过人类特有的声音表达情感的一种音乐艺术形式，它由始至终都与情感体验相伴。因而，正确把握好歌唱中的情感表达，是歌唱艺术的重中之重。有声无情，虽然缺少歌唱的主要内容，但我们还能听到声音，感受一些人声的艺术美；而有情无声，我们拿什么去表达情感？另外，我们应把“情”作为对声音质量及审美意识的指令性要求。做到“声情并茂”才是最理想的歌唱。只有声音，没有真实情感的歌唱是没有感染力的，违背了歌唱艺术的本意。反之，即使有很深、很丰富的情感，没有优美的声音依托表现，那根本就谈不上歌唱艺术。在创设情景，正确把握好作品中的情感后，让学生运用发声技术，调动恰当的声音和歌唱方式，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，达到听众能够感受到的情感交流，这才是歌唱的最高境界。

参考文献：

[1]薛良歌唱的方法人民音乐出版社，2001

[2]石惟正声乐学基础科学出版社，2002

[3]徐行效音乐心理学科学出版社，2003

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