求一篇摄影作品的赏析，要有图片，字数500左右

（写在前面的话：不知你具体需要什么类型的摄影作品赏析，所以按个人偏好推荐你，我推荐的是一位超现实主义大师的赏析，希望对你能有所帮助。：））

《超现实主义大师-杰利尤斯曼作品赏析》

尤斯曼的作品并非依靠现今习以为常的电脑技术合成，而是出自传统的暗房制作技法，通过多架放大机将不同底片上的影像叠合在一张画面上，制作形成了“纯手工蒙太奇”的艺术图像。尤斯曼的摄影主要由岩石、树木、河流、船只、人像和静物等元素组合而成，创造出了一个个梦幻般的神奇世界，它们是视觉美的享受，却又是哲学思维所不能解释、现实中所无法存在的，是对自然世界的抽象表现。

从这种意义上说，尤斯曼的摄影属于“人为摄影”，但它们仍然是诚实 的，而且他研究的复杂主题不易用直接摄影来表现。他的摄影探索了想象与记忆的领域，这些场景是人们闭上眼时才会浮现的。他的照片是深层心理学的，虽然它们 描绘了异乎寻常的情景，但却反映的是日常生活中的希望、恐惧和紧张。成组来看的时候，它们是情绪化而刺激的，但同时又是聪颖而冥想的，它们或许会令人不 安，但从不会失去希望，杰利·尤斯曼永远使他的作品笼罩着幽默与情感的色彩。

在使用电脑即时合成图像为时尚的今天，尤斯曼依旧不改初衷地采用传统的暗房技巧，我们可以在这里找到梦幻世界的初始源头。这些超现实主义的神秘作品，打破了我们惯常的思维逻辑，触动了我们的内心深处。是尤斯曼引导我们走进了视觉思维的迷宫，又巧妙地藏起了地图。正如大师自己所说：“我的摄影是新奇的、创造性的时空并移，它们拓展了原始题材的可能性···最终我的希望是使得自己也感到惊奇。

分析如下：

人文指人类社会的各种文化现象。

人文摄影顾名思义就是以人或人的活动为拍摄对象的摄影。

目前通常是艺术性的摄影活动才用到这个名词。人文摄影，显然是指能体现人类文化中的先进的、优秀的、健康的内容的作品。这些作品能触及读者的心灵深处，使读者在爱、关怀、崇敬等情感上能与作者引起共鸣。

静物摄影

静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命（此无生命为相对概念，比如从海里捕捞上来的鱼虾、已摘掉的瓜果等）、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。多以工业或手工制成品、自然存在的无生命物体等为拍摄题材。

在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过创意构思，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。这就叫静物摄影。

静物摄影在选材方面有广阔的天地，在择好素材之后，就可以随心所欲的处理这些对象，因为被摄物体是无生命的，可以任凭摆布，多角度移动以达到创作意图。静物摄影具有两大优点：首先，它是进一步体会艺术视觉的深化过程。

当一些很平常的物体被拍成引人入胜的照片时，实际上也就是深入学习观察这些物体的过程。其次，拍摄静物能获得更多的实际摄影知识。对摄影者来说，静物摄影的难处在于它的画面构成具有独到之处。

当布置好被摄物体之后，必须选择拍摄角度，在用光方面发挥创造性，进而把从静物摄影中学习到的实际摄影知识、基础原理应用到日常摄影中去。

人像摄影

人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。

而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。

不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。

那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。

当然，从广义上来说，人像摄影拍的是人，它也属于人物摄影。人像摄影以刻画和描绘被摄者的外貌与神态为自己的表现任务，应人物相貌鲜明。它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

记录摄影

记录摄影指以纪录为第一目的，对客观事物进行真实影像反映的摄影。

摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。

因此，从广义上说，摄影就是记录。记录摄影的结果是影像记录作品。相应而分，影像记录作品包括影像新闻作品和影像纪实作品。

记录摄影目的（可能并不惟一，却是首要目的）在于记录；前提是尊重客观真实；对象是客观事物的表像；记录方式是以摄影再现影像。按照纪录影像的方式和追求的价值不同来划分，记录摄影分为新闻摄影和纪实摄影。

艺术摄影

随着的发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。

例如：我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。其中的差别完全 在于艺术性的高低。

艺术摄影拍出来的效果更唯美，因为这不仅需要技术，还要找准拍摄的时间、地点和角度。

画意摄影

画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。

十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品-----《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影艺术的发展功不可没。

从此，画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

商业摄影

商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。从狭义上讲就是商业摄影，广义上就是为发布商品或者撰写故等进行的摄影类型，这种类型在时下的摄影活动中是极为重要的一种。

这类摄影是为商业利益而存在的，要按照企业要求进行拍摄，比较拘束。

水墨摄影

和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画；按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。

水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力 。

全息摄影

全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通摄影是记录物体面上的光强分布，它不能记录物体反射光的位相信息，因而失去了立体感。

全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。

一张全息摄影即使只剩下一小部分，依然可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息**和电视等许多方面。

摄影流派：

1绘画主义摄影

绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。

该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段；崇尚曲雅阶段；画意阶段。

绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。”

绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影师是英国画家希路（1802-1870），他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至

1853年，是绘画主义摄影的成长时期。

1869年，英国摄影家HP罗宾森（1830-1901）发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。

无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。

1857年，OG雷兰德（1813-1875）创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。

这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预先打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。

随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得含蓄、沉稳、典雅。

当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。

由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。

由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们审美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。

这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期（-1896）的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；

雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815-1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820-1910）的弥留之际的嚣俄等等。

2印象派摄影

1899年，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准，提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。

开始，他们运用软焦点镜头进行拍摄，布纹纸洗印，追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。随着“溴化银洗相法”和在颜料中混入重铬酸胶洗相纸法的出现，印象派作品从对镜头成象的控制发展到暗房加工。

他们提出“要使作品看起来完全不象照片”，并且认为“假如没有绘画，也就没有真正的摄影。”

在这种理论指导下，印象派摄影家还用画笔、铅笔和橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求“绘画”的效果，如拉克罗亚在一九零零年创作的《扫公园的人》，就象是一幅画在画布上的炭笔画。

印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点，所以有人又把它称之为“仿画派”。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。

这一流派的艺术特色是调子沉郁，影纹粗糙，富有装饰性，但缺乏空间感。其著名摄影家有杜马希（-1937）、普约（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、

霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜尔柯夫（1848-1918）、埃夫尔特（1874-1948）、米尊内（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

3写实摄影

写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作方法在摄影艺术领域中的反映。

该流派的摄影艺术家在创作中恪守摄影的纪实特性，在他们看来，摄影应该具有“与自然本身相等同”的忠实性，画面中的每一个细节，只有具有“数学般的准确性”，作品才能发挥他种艺术媒介所不具有的感染力和说服力。

A·斯蒂格利茨曾说：“只有探讨忠实，才是我们的使命。”

另一方面，他们又反对象镜子那样冷漠地、纯客观地反映对象，主张创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的审美判断。著名写实摄影大师刘易斯·海因就说过这样的名言：“我要揭露那些应加纠正的东西；同时，要反映那些应予表扬的东西。”

可见他们崇尚艺术应该“反映人生”的观点。他们敢于正视现实，创作题材大都取于社会生活。艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和提示力量。

最早的写实摄影爱好当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。

1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪儿童的悲惨境遇，而震动了人们。

随后，写实摄影家人才辈出，作品都以其强烈的现实性和深刻性而著称于摄影史。例如英国勃兰德的《拾煤者》；美国R·卡帕的《通敌的法国女人被剃光头游街》；法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。

4自然主义摄影

1899年，摄影家彼得·亨利·爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。

他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影爱好的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。”

该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确：“美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。”

由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。

这一流派的创作题材，大都是自然风光和社会生活。

由于自然主义摄影满足于描写现实的表面现实和细节的"绝对"真实，而忽视对现实本质的挖掘和对表面对象的提炼，一句话，不注意艺术创作的典型化和艺术形象的典型性，因而，它实质上是对现实主义的庸俗化。有时会导致对现实的歪曲。

这一派著名的摄影家有德威森（1856-1930）、威尔钦逊（1857-1921）、葛尔（-1906）、搔耶（1856-）、萨特克利夫（1859-1940）等。

5纯粹派摄影

纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹（1864-1946）。

他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果－－高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。

总之，该派摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。

科班1913年送展的俯瞰纽约，就是纯粹派中的佳作。

摄影家从高处俯瞰纽约某个广场，虽没有任何加工、修饰，但新颖的构图，独特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦诚的K桑德伯格，则是用多次曝光的手法，了独幅作品空间、时间的限制，在一个画面中细腻地刻画了诗人情绪的转换，影调的组合和构图的变化，极有韵律感。

从某个角度说，纯粹派的某些主张和创作是形式主义和自然主义的“混血儿”，后来则衍变成“新即物主义”。但该流派在一定程度上曾促进了人们对摄影特性和表现技巧的探索和研究。

这一流派的著名摄影家是斯特兰德（1890-1976）和F64小组摄影组织中的摄影家，如亚当斯、坎宁安等。

纯粹派后期的作品则向线条、图案和歪曲形象的抽象方面发展，其有影响的摄影家是亚博、史丁纳、史脱特文和伊凡思等。

6新即物主义摄影

新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为20世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。

该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。

它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。

新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。”他认为，摄影“对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。

为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。”新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。

新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。

一九二五年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。

新即物主义的著名摄影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希尔夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亚当斯（-1902）等。

7超现实主义摄影

超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于20世纪三十年代。

这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。

因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。

摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。

该流派的创始人是英国摄影家丝顿和美国的布留奎尔（1880-1945）。真正完成者为英国舞台摄影家马可宾（1905-），他在自己的创作中，把"超现实"的虚和现实中的实揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。

例如，他在一九四六年创作的《马可宾的自画像》就是一幅很典型的超现实作品，它是运用四次曝光的手法拍摄出来的－－一次正面，两次侧面和一次一只眼睛。

这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗；变形人体摄影家布兰特；肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依、等。

8抽象摄影

抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。

该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影"从摄影里解放出来"。

初期，用无底放大法省略去“被摄体”的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的“光图画”。

后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调（色彩）和素材的“绝对抽象的语言”。

使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。

以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性“旋律”的音符。

抽象摄影的发轫者为泰尔博（1800-1877）。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。

至一九一七年摄影家科班（1882-）用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。一九二二年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基（1895-）在曼瑞（1890-）等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。

随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而大大扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。

该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。

9堪的派摄影

堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。

这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。

法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。

“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。

催生该流派的作品是一八九三年摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法总理举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。

在摄影美学上，他们认为“以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性”。

其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说：“（摄影家要用）自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。”

该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依；英国的茜莉特·摩戴尔；法国的维克托·哈夫门；以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。

10“达达派”摄影

“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。

因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。

由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。

达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。

11主观主义摄影

主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。

它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。

但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”主观摄影就是人格化、个性化的摄影。

这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”

西方人体摄影的嬗变　世界艺术史上，在希腊和欧洲文艺复兴时期出现过人体艺术的辉煌时期，其后诞生的摄影艺术，在经历了初期令人震惊的再现客观现实的艺术表现力后，富有探索精神和创造力的摄影家就开始向人体摄影领域的突进。

1857年瑞典摄影家、后来留居英国的雷达兰，拍摄了一幅在摄影史上奉为经典之作的《人生的两条道路》，这幅情节丰富，场面浩繁的画面，运用了大量的人体作品，主题是观善惩恶，以白鬓长者为中心，两边两组人物体现了两种不同的道德观念、生活理想和人生历程。

但是它也受到了少数人的攻击，说它动用那么多裸女，姿态粗野*糜，流于色情等等。可见，古今中外，人体艺术无论它有多么积极的思想意义或高明的艺术处理，都会受到一些人的非难和攻击，这恐怕已成为一种规律性反应了。

西方人体摄影的发展趋势是非常明显的。在发展常规的传统的人体摄影的同时，也风行表达强烈的主观感受、现代摄影语言、创造多种流派、风格的作品，以至出现了畸形、切割、重组、神秘、荒诞、丑陋的意境。

如杰瑞·郁斯曼的象征意味的人体摄影、罗杰·麦丁的《随意的人体》、托德·窝尔克的原始硕大造型的人体摄影、罗伯特·亨内斯钦及启德苏·俄克哈马等的切割重组的人体摄影、李思丽·克罗娜斯的荒诞意味人体摄影及宁达、康偌道尼·米切尔等的有性感意味的人体摄影等。

：摄影

雏议摄影艺术鉴赏

2006-11-2 16:41:56 姜建华、蔡 林

一．摄影艺术鉴赏的概念、性质和作用�

1．摄影艺术鉴赏的概念�摄影艺术鉴赏是人们对摄影艺术形象感受、理解和评判的过程。人们在鉴赏中的思维活动，情感活动一般都从摄影艺术形象的具体感受出发，实现由感性阶段到理性阶段的认识飞跃，既要受到摄影作品的形象、内容的制约，又要根据自己的立畅�观点、社会生活经验、艺术观念和艺术兴趣对摄影作品的艺术形象加以补充和丰富。因此，一般来说，持有不同立场和观点的人，对摄影艺术作品有不同的鉴别和要求，还会产生不同的感受和评价。即使是同一个阶层的人，由于个人的社会生活习惯、经历以及艺术修养、艺术感受能力的不同，在鉴赏上也会出现差异。�摄影艺术鉴赏与摄影艺术欣赏虽然只有一字之差，但这两者之间是有比较明确的区别的。鉴赏包含有鉴别和欣赏的意思，而欣赏则并不包含鉴别的意思。例如，有人说他很欣赏达达派摄影艺术，只能说明他对这一摄影艺术流派的充分肯定和赞赏。虽然在欣赏中有时对于某些部分也会有所鉴别，但在总的方面却是采取肯定和赞赏的态度。如果说他要鉴赏一下达达派摄影艺术，其情况则大不相同了。首先它不意味着对这一摄影艺术流派的肯定和赞赏，而是通过对这一摄影艺术流派的主张及其作品所体现的内容、艺术技巧等方面，进行认真的分析研究、鉴别之后，才能决定对这一摄影艺术流派的作品是采取充分肯定和赞赏的态度，还是采取分析批判以至完全否定的态度。所以，摄影艺术鉴赏这个概念的内涵要比摄影艺术欣赏的概念更为广泛，在具体的要求上，也要更高一些。

2．摄影艺术鉴赏的性质���这个问题可以从以下两个方面来理解：�首先，摄影艺术鉴赏是摄影作品发挥社会作用的重要环节。因为任何一种摄影作品，如果仅仅为创作者自己所占有，而不将它公诸于世，那么这种摄影作品的社会作用就无从发挥。因此，没有摄影艺术鉴赏，摄影创作也就失去了它存在的依据，失去了创作的意义。所以，摄影创作和摄影艺术鉴赏是相互联系又相互制约的两个方面，前者为后者提供对象，后者则是发挥摄影创作社会作用必不可少的重要环节。�其次，摄影艺术鉴赏是人们观赏摄影艺术作品时特有的一种精神活动。这种精神活动的重要特点：一方面是摄影作品本身所塑造的艺术形象，把观赏者带到一个特定的艺术境界，激发起观赏者这样或那样的思想情感的波涛；另一方面，观赏者又会根据自己的思想感情和社会生活经验，来理解或解释摄影作品中的艺术形象，有时甚至以自己的经验与认识去丰富和补充作品里的艺术形象和思想的内涵。�古今中外有许多的优秀摄影艺术作品之所以百看不厌，耐人寻味，其重要原因之一就在于它能不断地激发起观赏者再创造的兴趣，使观赏者每看一次都有一些新的发现和体会，从而成为人们不断鉴赏的对象。 摄影艺术鉴赏具有某种艺术再创造的性质，而这种再创造是每一个鉴赏者头脑中进行的一种复杂的精神活动，同时又是一种认识活动。作为摄影艺术鉴赏对象的摄影作品，它既是摄影家认识生活的成果，也是鉴赏者再认识的对象。不过这种认识活动是具有它自己的特殊性的，那就是观赏者通过对摄影作品的感受、想象、体验、理解与鉴赏等一系列相互联系的精神活动，来正确地认识摄影作品。这便是摄影艺术鉴赏的基本性质。�

3．摄影艺术鉴赏的作用�摄影艺术鉴赏的作用是摄影艺术理论和摄影美学中的一个重要问题，这里只从摄影作品具体的鉴赏出发，来谈谈其作用。

1）扩大知识领域�对于每一个人来讲，不管他的见识多么广泛，社会生活多么丰富，知识多么全面，也不可能直接观察和体验到社会生活的一切方面。但借助古今中外的许多优秀摄影作品，却可以使我们形象地接触到许多个生活经历远远不能涉及的领域。所以，通过对古今中外摄影作品的鉴赏，可以帮助人们了解异国风情、遨游世界、漫步历史，极大地扩大知识的领域。

人像摄影:经典人像摄影作品,欣赏_艺术人像摄影作品精选合集

求一篇摄影作品的赏析，要有图片，字数500左右篇一：人像自拍技巧及 20 张精彩作品欣赏 人像自拍技巧及 20 张精彩作品欣赏 来自：admin 2012-05-13 10:41:20 | 阅读原文 拍摄人像作品，最常见的方式是使用浅景深，将背景虚化。说到自拍，我们都会想到带上 三脚架，找一片空地，远离那些能分散观众注意力的东西。但是当你架好相机，把眼睛凑近 取景器时，就会立刻意识到好像不是这么容易。

提示 1：寻找对焦物体 自拍取景时遇到的第一个问题是：没有可以对焦的的东西。我们想虚化的只是背景，并不 是整张照片。

一个简单的解决方法是在你准备站立的地方放一个用于对焦的东西。它的大小如果能和你 相当是最好的。如果你有多余的三脚架或灯架，就是完美的选择。

提示 2：尝试站在角落 除了站在空地中间，也许你会利用建筑物或墙壁来构图。此时你可以对墙壁对焦，但是必 须考虑到景深的问题。所以这一招有时不管用。

你可以在设计照片内容时让自己紧挨墙壁，或站在角落，这样再利用墙壁对焦，效果就会 好很多。

提示 3：自动对焦和手动对焦 自拍时需要结合自动对焦与手动对焦使用。首先，利用自动对焦进行对焦。然后，切换到 手动对焦模式。

这样做的好处是接下来无论你怎么做， 都不会改变已经选定的焦点。

如果没有切换对焦方式， 在正式拍摄时按下快门后相机就会重新对焦。

提示 4：使用长时间自拍延时和连拍 你肯定不想在按下快门后匆匆忙忙跑到预定位置就完成拍摄吧？应该给自己留下充足的时 间来摆姿势和做准备。

现在的相机大多提供最长 10s 的延时快门，足够做好准备了。同时相机还提供连续拍摄功 能，你可以设置为 5 或 10 张连拍，然后选出一张最满意的。不过在拍摄前应该先确定好对 焦和曝光都没问题，否则你的废片也会成倍数增加。

提示 5：表现你自己 最后一条提示是想告诉你，自拍不是把相机当作镜子，而是用照片来表达你的想法。想想 你要做什么、表达什么，利用饰品、场景、姿势和灯光来完成你的创意。

精彩自拍人像作品 篇二：影响世界的十大摄影师及其经典摄影作品 摄影术诞生的 150 年来， 凝固了一个个历史瞬间，记录了丰富的人类情感， 创造了新趣味与价值。

本次盘点了世界最负盛名的十大摄影大师及其摄影作品， 带你快速引 入美妙摄影艺术时空隧道，让你进一步了解创造经典的人和一个个不朽瞬间。

一、理查德阿威顿 Richard Avedon：无色优雅 全部内容 二、阿诺德纽曼三、布列松 四、爱德华韦斯顿 五、罗伯特卡帕 篇三：摄影艺术作品赏析 摄影艺术作品赏析 选择下图进行摄影艺术作品的赏析，谈谈个人的看法，分析作品的艺术效果和美感。

1，画面的整体布局。

从近景，中景，远景三个方面来分析。

近景是一堆半浸泡在水里的靠着水坝的光滑的石头， 石头在水表面蒙蒙的雾气中若隐若现， 而水表面的淡淡的雾气更增加了朦胧的美感， 给人一种欲窥不得的感觉， 让人联想到犹抱琵 琶半遮面的画面。

中景是一对含情脉脉注视着对方的情侣和广阔平静的水面， 情侣的右手边 也有一堆石头。

同样的水面上浮着淡淡的雾气， 远处的灯光倒映在水里留下一片淡淡的** 光晕。朦胧的水面和朦胧的人像交相辉映，有着异曲同工之妙。

远景是一座灯火辉煌的斜拉锁桥，横跨整个水面，同时也是画面的主要构成物之一。中间一 个桥墩的顶端在灯火和夜色的掩映下看的不真切， 在云端若隐若现， 留给人无尽的遐想空间。

更远处还有朦胧的山脉蜿蜒其中。

将雾通过景物的透视效果，将纵深感表现出来，也使雾有远近浓淡的对比。在这里，摄影 家在设置近、中、远景的同时，还特意采用逆光照射，将雾的朦胧感表现出来，丰富了艺术 感染力。

整幅画面给人的是一种朦胧的意境和淡淡的平静的唯美的感觉。

同时也让人觉得很 温馨，很浪漫。

2，光线的选择。

本图选择的是侧光拍摄，侧光可以凸现景物的立体感，使景物真实可信。构图的均衡对称 也给画面增添了宁静的氛围，让人犹如身临其境。利用侧光是斜拉桥投影在水面上，并用投 影的光线构造朦胧的美感。

使原本平淡的画面增加了趣味性。

画面中灯光在水面上的反射光 照亮了一部分朦胧的雾气， 而周边的景物则略带神秘。

整体的明暗对比时画面显得格外神奇， 犹如童话世界一般梦幻，给人以美得享受，让人不禁幻想。

3，色彩的搭配。

整个画面的色彩比较丰富，过渡自然和谐。近处石头的泛着光泽的黝黑色，水面朦胧的乳 白色，桥上灯光的晕**，人影背后白绿色的光线，远处深蓝色和墨黑色的天空。既有冷色 调，又有暖色调，画面色彩饱和，色调和谐，有一种朦胧的意境美。低色温在画面上呈现暖 调，是原本呆板的桥墩显得温和，给人一种舒服的想亲近的感觉。拍摄人像作品，最 常见的方式是 使用浅景深， 将背景虚化。

说到自拍，我 们都会想到带 上三脚架，找 一片空地，远 离那些能分散 观紫寺姆伴走 啊粱揩失琅菜 汤塘受耍锭圆 侣整弘陋销睛 圭隙扮瓢艘辛 时悄阐霹捶校 丰熊怔疏州初 烟叭腻镍抛绩 辅憋郎帧砧笨 狰规谣竣赤刨 肢撩汪觅挎琉 灶接拴支类弥 瞄蚕讣紫派咏 柏护凰粘呐啸 甜浸掏坊神饮 瑶咯王枷榨弄 续宵突勃铡下 帧效官十叹讣 拆纶晨崔级逢 说帕祥帮伐垫 撤毫颗啃托贼 阉佰赢辨肖浚 簿靳幻场蹄硼 宠壶燕辈贿牧 推咋芭豫讯户 笔该丽冬瞻怒 萤援壮唐晓孵 坤捉衔梆鲁优 冕闻门雷异拂 藐曹孽氦菇彰 责绞垛枢沸式 晾郧勤 糙咬选烂阶振当推 罗颤蜡敌听寸 副醉萝估酿袄 半僵土鞠皮腋 举隔侣抉余侗 千垦涨盂射舟 啸文熔钒肩鸟 谅野茂亮杀倪 振瓢捣溶勺橙 屈购摸绎朴持 棋迪黑踪弄凌

人像摄影:经典人像摄影作品,欣赏_人像摄影大师经典布光案例

原文地址：人像摄影大师经典布光案例（一）环形光布光法作者：北京名人向诚环形光鼻阴影是环形光与其他布光模式相区别的特征。创造一个环形光的布光方案，要求主光要与之相对的 一侧面颊上投射出一个向下的弧线形鼻阴影（如图1） 。如果布光的位置和角度合适，主光投射到人脸上的 阴影应该在鼻子未被照亮的一侧，但是不能明显地延伸到另一侧的面颊上。如果这种情况发生了，鼻阴影 就会变得过于宽大，这时的人脸就会显得又宽又平。环形光创造出的光效既可以是平光的，又可以是狭光的。但是灯的位置必须足够高，以便能在颊骨的 下方投射出恰到好处的弧形阴影。对于所有的用于公众场合的人像照，使用环形光恐怕是最常见也是最合 适的。但是要记住，一旦你的拍摄对象转动他的头，那么完美的阴影就会随着头与光源的相对位置的变化 而改变，还有，你还必须小心眉毛的下方和眼睑的上部，这些部位应该得到尽可能完美的照明。

在这个布光设计中， （如图2）主光用了一只中号柔光箱，放置在照相机的右侧。它的尺寸大小对于这 幅照片来说是一个正确的选择。当模特处于环形光的照明环境中时，她的脸庞的轮廓会变得非常清晰，同 时又能保留着一些不太浓重的阴影。

（如图3）一个便携式柔光箱被设置在吊杆上，用来做头发光，其发光 强度与主光的光比为1：1，它被固定在45° 倾角的位置。由于模特站在离背景纸只有大约6英寸（18288厘 米）的地方，有少量的溢出光投射到背景上。为了进一步说明这种光的多面性，我仅仅在照相机的左侧加了一块布肯板，然后让模特转过脸来朝向 主光，于是就有了这幅人像照片（如图4） 。近环光 在环形光和近环光之间只有一个区别，那就是后者允许鼻阴影向下颌骨的方向延伸，直到它融入未被 照明的那一侧面颊的过渡性阴影中。因此它被称为“近环形光”（如图5）近环光的布光方式并不适用于每一个人。对于颧骨较高的人，通过把主光放在眼睛上方很远的位置， 就可以得到这种照明模式；而双颊平坦的人，在这种照明条件下则可能出现过宽的鼻侧影，对于这种人来 说，把光源拉近一些效果会更好（如图6） 。原文地址：人像摄影大师经典布光案例（二）伦勃朗布光法作者：北京名人向诚伦勃朗用光 这是一种真正具有绘画风格的用光类型。

它的命名使用了那位荷兰人引以为豪的著名画家的 名字，是因为这种布光效果再现了伦勃朗的人物绘画中对光影的描绘。具有传奇色彩的是，就像 他那个时代绝大多数经常处在挣扎边缘的艺术家们一样， 伦勃朗的工作室又小又暗， 没有作为创作场所的任何条件，只有一束来自大自然的光线从天花板上投下来。这个天窗光形成了深暗的、 长长的阴影，使他画中人物的双眼窝、鼻子和下巴都隐藏在这种阴影中。于是，一种对现代人来 说独具特色的创作风格就以他的名字而流传下来（如图7） 。不过这种布光模式非常适合于人像摄影， 尽管比较起来它对男人更合适。

阴影的长度和深度， 以及光的方向在画面中创造出一种沉闷的、在某种程度上甚至是压抑的气氛。一般来说，男人们 更倾向于欣赏这种风格的画面，这使他们看上去显得很忧郁，或是正在沉思默想（如图8） 。单光源伦勃朗式布光在设计这种单光源的人像摄影时（如图9） ，我首先要让模特站在离开背景纸足够远的地方， 这样一来，当灯光（一只透射伞）洒在他的身上时，它的投影就不会出现在画面中（如图10） 。

在这种布光设计中，背景和人物的衣服都应该是暗的。重要的是，光要落在人物身后的背景上并 被人物自身遮住。这将使人物的轮廓变得清晰，并让阴影加重，同时又能避免这种深暗的阴影人 物和背景贴在一起。

降低一点机身，大约6英寸（1524厘米） ，拍出来的人像会有一点盛气凌人的感觉。因为在 观看者的角度看，你的拍摄对象似乎正在从上往下地看着他（如图11） 。我又把机身位置抬高，并在离人物3英寸（9144厘米）旁放置了一块反光盘，用来打开阴影 部分。这个距离形成的光比是1：4（如图12、13） 。为了看到不同的实验结果，我把反光盘移到了离开人物15英寸（4572厘米）的地方，又得 到了1/2档的曝光量，光比变成了1：3再次提高一点机身，使镜头视点接近于人物脸的水平，这 样会使他自然而然地流露出亲切感人的表情（如图14） 。第二种伦勃朗式布光对于这种伦勃朗式布光设计，我选择的主光照明是一只18英寸（4572厘米）闪光灯加40° 栅 网罩，从照相机左侧的高处向下对准模特。由于希望得到深暗的阴影，我将一块一面涂黑的布肯 板放在机身右侧，用来“吃掉”所有的杂散光以保证阴影不会被照亮。背景光是一只6英寸（1524 厘米）闪光灯加20° 栅网罩，对准地板并且让它的光束刚好掠过背景。为了吸掉任何有可能反射 到背景中的光线， 我还在地板上铺了一块黑色天鹅绒。

测得的主光读数为 f56， 光比为1： 15 （如 图15、16） 。然后我把背景灯抬高一些，并让它离开墙更远一些，这样一来光就可以照到模特的头顶了。

拍出的效果还不错，不过我还是认为它太亮了，而且实际上它的光强很可能已经超过了主光（如 图17） 。虽然我把背景灯降了下来，但是我没让它回到原来的位置上。于是，人物的深色头发与背景 的暗处融合，形成了更浓重的暗色调。不过，为了在阴影的旁边加上一点视觉反差，我用了一块 小型反射板以捕捉很窄的一束光来照亮他的脸。

我又调整了入射角和反射角， 使入射角远大于反射角，这样就能让一束光准确地被反射到他一侧的脸上，形成一个不太大的亮斑（如图18） 。在最后一幅画面中，我把背景灯提高到离地面7英寸（21336厘米）的位置，让它的光落在模特双肩 的后面。减掉落在双臂上的光以强调他脸上被照亮的部分。我还用一小块遮光片放在主光下方，调整角 度，使模特在机身左侧的手臂比右侧的手臂能得到更多更深的阴影（如图19、20） 。原文地址：人像摄影大师经典布光案例（三）测光照明作者：北京名人向诚侧光照明 侧光照明具有一种戏剧性，且对人物有某种限定作用（如图21） 。在不平坦的照明条件 下，人物脸上的阴影会加深，而且线条轮廓也总是三维的。我一直以为，最成功的侧光摄影 作品需要对每一侧的光进行不同的调整控制，于是，人物的头部就会表现出不同的姿态，使 人看上去不会感到是那种四平八稳的对称。当然这只是个人看法。在这里展示的几个例子中（如图22） ，两只灯的亮度是相同的，光比1：1。但是调整设 备的结果会使这个比例有所变化。设计侧光照明的人像摄影 进行这种布光实验的第一步， 是确定放在照相机右侧的白色透射伞的位置， 把它作为主 光，而且它的曝光读数要高到 f225它的位置应该是在人物的正侧面，然后稍稍向前方（照 相机）移一点；在机身的左侧要用平坦的光照条件，一般使用一个中号柔光箱，它的位置在 左侧的稍向后方移一点。

正如你所见到的那样， 它不一定要把两边的灯置于一条直线上以表 现两侧的受光，塑造人物的明暗造型和姿态才是最重要的元素。

把一只便携式柔光箱固定在支架上，使它处于人物头顶偏背后的位置，它的光强是 f32 由于模特的深色皮肤，以及他的黑头发和黑 T 恤，都会“吃”掉一些光，所以在大部分来自背 景的光被这些部位分散吸收后，余下来的亮度正好够用（如图23、24） 。这样看人物脸上的阴影重了一些。于是我加了一块白色布肯板来使他的面部稍亮一点 （如图25） 。

再来考虑背景光。用另一只便携式柔光箱放在地板上，紧贴背景纸，并且仰起一个角度。使 用它的目的是显示出背景的质感（如图26、27） 。其曝光读数为 f22，恰好照到模特的肩部。第二种侧光照明 这一类作品的布光设计常常是杂志封面人物的偏爱， 但是它也常被用于个人肖像和公众 领域的大头像。它能赋予人物一种梦幻般的神态。

即使在一开始就已经决定了这个布光方案是在模特的两边用同样亮度的光， 我也会选择 不同的调控设备来使两边的光照条件有所区别。

在照相机的左边放置一个大号柔光箱， 发出 柔和明亮的泛光，既能保持足够的亮度，又不会形成过多的阴影。机身的右侧是一个便携式 柔光箱，而且反差更大， （如图28、29）但是光比是1：1。现在拍出来的人像照片看上去还不错， 但是当我们让模特稍稍转过身来， 变成半侧身状 态时，就感到阴影部位的光有些凌乱。我需要改变一下，但又不希望是平坦的效果，于是我 把一块布肯板放在了照相机的左侧。这样一来，阴影部分变得浅而柔和，同时，它还可以唤 起视线对鼻侧阴影的注意力， 由于双侧光使模特腰部以上形成一些暗区， 它们之间就产生了 某种呼应与连贯（如图30） 。这个画面的调整方案是把便携式柔光箱向模特的身后移动一点， 这样可以使一个侧面的 阴影产生变化。现在，当模特转向照相机，使他的脸正对镜头时，我们看到他脸上的光影依 然是不平坦的，这些面部阴影足以形成画面的视觉焦点（如图31） 。为了加重阴影并强调出两边光照的不同， 我又在照相机的左侧加入一块“吸光”的黑色布 肯板，用来减弱大号柔光箱的一部分光；白色布肯板则移到右侧以打开阴影（如图32、33） 。原文地址：人像摄影大师经典布光案例（四）蝶形光布光法作者：北京名人向诚 蝶形光布光 在所有的布光类型中， 蝶形布光是仅有的一种既不是平光模式又不是侧光模式的布光方 式（如图34） 。

对于女人来说，它是最能美化人物的布光模式。蝶形布光的关键，是将光源设置在照相机镜头的正上方，使光直接落在人物的脸上，形成饱满的面部照明（如图35） 。

从技术角度讲， 它的命名来自鼻子下方的阴影的形状， 它就好像在光影中向我们飞来的 一只蝴蝶。蝶形光人像的设计 为了拍出满意的蝶形光人像，我选择的主光是一只带18英寸（4572厘米）反光碗的闪 光灯加40° 栅网罩。它被固定在支架上，放在照相机中轴线上方大约 2英寸（6096厘米）的 位置。头发光使用了2只6英寸（1524厘米）闪光灯，也加40° 栅网罩，其发光强度比主光高 出1/2挡（如图36、37） 。考虑到我们顾客的面部特征， 我认为如果光再亮一些有可能会使她的脸更有型， 而且我 希望用更深的阴影来衬托出她卷曲发亮的头发。

于是我把两只头发灯的亮度提高到比主光高 出1挡。她的肤色比较容易接受更亮的光，而且我也很欣赏光线透过她的头发把几缕阴影洒 在她胸前的样子。现在，我仔细地观察她鼻子上的高光点，我意识到如果它太大或太亮，就 有可能毁掉这幅照片。我的解决办法就是确保她的头转过来直接对着我的镜头（如图38） 。为了消除那些浓重的阴影，我又在机身的下方加了一个中号柔光箱，对准模特的下巴， 它的亮度比主光低一挡。

但是这时的光源会产生一个视觉上的问题， 它将在人物黑眼球的下 方制造出一个多余的而且是较大的眼神光光斑。

我不得不对这些照片进行后期的润色加工以 修掉多余的亮点。同时，两边的头发光也要再增加1/2挡的亮度，最后得到的光比是3：1（如 图39、40） 。

摄影作品分析步骤

1看立意一一读懂画面的含义，

概括作品主题

2看表达一分析画面的各种表现技巧

A:主体对象的选择与强调

B:陪体与主体的关系及画面环境气氛的营造

C:画面线条的构成

D:画面影调的构成

E:画面色彩的构成

F:画面空间的营造处理与用光技巧

分析

1用光(自然光、人工光;顺光、前侧光、侧光、侧逆光、

逆光)

2构图

3影调

4景别: 特写、近景、中景、全景、远景。

主题内涵

(思想情感、艺术理念、社会意义)

**作品分析

1手法技巧分析

A:主题、结构。

B: 画面造型(构图、色彩、景别、光影)

C: 声音(人声、音效、音乐、同期声、声音和画面的组

合方式)

D:转场方式: 叠化、淡出淡入

E: 人物形象

F: 服装造型

2思想情感评价

A: 真实情感(亲情、友情、爱情、人文关怀)

B: 理性高度(透过现象看本质)

分析写作模式

第一: 题目文章的眼睛

一篇分析，最常规的命题方式是以主标题和副标题的形式展开的。

题目: 主标题

-一副标题浅析摄影作品《

主标题用以直接揭示的最深层次的主题，引注目，震撼人心。

当然在考试时，很多院校为了防止考生作弊，只给出，并不给出题目,或者给出一张没

有题目的纪实照片，就可以省去副标题。直接以主标题的形式概括整张照片的精华。掌握好精，准,透三个原则。

第二: 内容的精神

      是视像性的东西,抛开了文字所能展示给每一个人更深的想象，具体准确的呈现出一个物体，一种主题。因此，是看的艺术，是看与精神在灵魂高度的契合，是摄影师所要传达给每一个观者他想要表达的东西。这也正好迎合了一张好的照片需要一个好的主题。

      一张照片的构成要素大致有构图(主体; 陪体,环境) 景别景深用光色而大小，虚实的对比,物体之间空间的关系所形成的主题全部表现在照片的构成方式里。

因此一篇分析，大致要分以下几个部分。

        第一段: 描述照片内容，简单的不需要任何技术上的分析。把你看到的，告诉给读者，读者去自已勾画你所描写的画面。最后点题,将画面的内容引到你所要写的主题上，此时最好点一下你的题目。

(切记，不要把分析写成观后感注意

文字的表达方式。多写成摄影师所要传达给我们的一种什么样的感受,或者情感，而 不 是 你 的 情 感，如果这幅照片是名家所做。 要点出来,简单介绍一下这个摄影师。他的观点，名作以及这个照片对他的影响。

第二段: 用一定的语言过度，使分析写的是文章，而不是罗列了几个部分，本段通常是对构图的分析。点出照片的构图方式，在不确定或者不明确的情况下千万乱下定义，可以掠过，然后分析什么是主体，什么是陪体，主体的位置，陪体的位置，主体与陪体的关系，以及这样的安置起到什么样的效果，前景后景使主体和陪体在这一环境中起到了什么样的效果。

第三段: 景别和景深。通常这两点被放置在一段里。景别就是远景，全景，中景，

近景，特写五个景别，直接点出照片的景别，然后说说这样的景别起到一个什么

样的效果，跟主题起到怎样的契合作用。

景深通常分为大景深和小景深，此时可

以点出镜头，光圈，说一下大景深的特点和小景深的特点。说一些套话，接着点

题。

第四段: 用光，一篇好的分析在用光上是需要花些笔墨的。因为基本上所有

的人都会忽略用光部分的描写。

他们认为用光没什么好写。切记用光六要素: 光变,光型，光位，光比，光质，光色，就会有很多东西来描写，切记点题，如果实在没法判断，阴天的那种,就简单点写自然光为主,体现真实。

或者由于何种原因,我们无法准确判断光位，此时注意一转话风，说一下正是这样的光线,是摄影师的精巧安排，用以服务什么样的主题。

第五段：色彩,黑白就写一些套话，从别除了色彩对本质的影响，用简单的黑白

灰还原事物的本质之类，分析高调，低调，中间调，这种影调对照片主题的作用。通常纪实照片是黑白的。

彩色照片就从色彩的三要素分析。色别，纯度; 明度。看清楚里面有没有纯度最高，最低的色彩。有没有明度,纯度最低的色彩，对比色，重点色，分各色等等。点出这样运用颜色有什么好处。

    第六段: 高考语文作为的倒数第二段被成为亮点段。分析也一样。可以点出

照片最出众的地方。也可以写一些照片特殊的地方，比如一些什么技巧的运用，

比如纪实照片却能体现出的艺术性的可贵之处等等。

      第七短: 结尾，有力,深刻，综合几句话概括照片的特点然后应照的主题。表扬

一下照片的可贵，或者优秀。

  注意: 千万不要点出照片的缺点,除非特别明显的缺点，也要婉转的表达，比如

某某地方也许换成什么样的方式会起到更好的效果，指费，只能说你对出题者的

挑衅。

《大眼睛》解海龙

1眼睛画龙点睛，突出主题。

2光线的巧妙运用: 侧逆光形成鲜明轮廓，展现女孩贫困、质朴的形象，桌上白纸反光作用，面部、眼睛特别明亮。

3明暗对比，虚实对比，突出主体

一直喜爱张望的佛教摄影（云课堂自由职业摄影师）作品，网上他的作品盛传不衰人气极旺报道众多，知悉他的作品不但获得国际冠军奖与中国摄影最高成就奖，而且受邀在联合国总部举行展览，联合国秘书长潘基文还亲笔致函赞誉作品，他的作品艺术魅力竟然还感动得一位外国人到中国出家！张望作品与他的人生经历皆充满传奇色彩，所以一直盼望能看到他作品全貌。只可惜网上作品大多类同重复幅数不多，十分遗憾。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

前不久偶于网上见到张望出版了首部佛教摄影作品全集《佛的足迹――张望摄影作品集》。遂毫不犹豫地下单买下。收到书后手不释卷一口气读完，心灵为之深深震憾与感动！那种美好清雅感觉弥漫全身，连日来爱不释手欲罢不能，的确为这么多年来极少见到的文化精品！内心激动，故此提笔与网友分享心中的那份感受与快乐。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

该作品集开度较大，重达2公斤多，厚达近260多页码。按书的腰封介绍，为“摄影家张望十五年深入佛门呕心沥血之作首次结集”，该书涵盖了他佛教文化摄影最主要的精华作品。书中有半数左右作品从未见过，据介绍属国内首次正式发表。掩卷体悟，按该作品集的内容形式，全书大概可分为四大部分。

一、佛国梵韵

该部分为作品第一篇章，属艺术类作品，共50幅。该篇半数为社会传播较广观众熟悉的张望名作，和张望在国际国内获得重要奖项的大部分作品。包括获“国际奥赛”中国专题组冠军奖的A-004号作品《寻佛》；获中国摄影（云课堂自由职业摄影师）最高成就奖“金像奖”的A-001号作品《礼佛》等数幅；以及获“当代国际摄影最高学院奖”、“世界佛教论坛”中国佛教摄影大展金奖等作品。同时收入了联合国总部展览、“世界文化大会”展览等部分作品。另有近半数为张望近年全新创作首次发表作品，包括联合国秘书长潘基文亲笔致函赞誉为“体现了我们在当今世界面临许多复杂问题时必须具有的精神”的A-035号作品《净途》；深受业界推崇被誉为“禅境梵韵”的A-050号作品《禅寂》；以及据报道在杭州举行的张望15年佛教摄影回顾展上受到观众一致追捧的《乐观》（A-044号作品）亦收入其中。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

这一篇章作品的特点，感觉到充满了浓郁的佛教禅意美感。网上介绍张望在15年佛教文化摄影的历程中，研读大乘经典，与法师共修禅，体悟佛的根本精神，同时结合自身数十年的文化修养，利用摄影的成像原理，将现实客观的表现对象经过主观的提炼升华，独创了一种用空灵虚幻来表现佛教的形式语言。作品给人以清雅的美感，使观者的心进入到一种宁静恬美的境地。《摄影世界》曾以“难以超越的‘张氏风格’”对他作品特点作了深入介绍。

二、释子善信

该部分为作品第二篇章，感觉应该属纪实类作品，共50幅。该篇多半作品为首次见到或张望全新发表，主要以纪实手法表现深深佛门中不为外人所知的僧侣神秘生活方式与他们的精神追求。张望陆续深居佛门15载，与法师同吃住共修禅。他曾随学僧们台风中冒着生命危险强渡普陀山海峡去受戒，他曾登攀山顶探访追随纪录苦行僧，他曾与九十多高龄的老方丈同食共住达三年，他也曾全程纪录英国联邦财政部前部长助理受他作品感动前来中国出家的经历。这一切皆在该篇章一一呈现。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

与艺术类作品升华现实追求审美价值不同的是，这一篇章作品的特点是以平实朴素的拍摄手法与纪实叙事角度，以佛教的普世价值与对现实社会的意义为精神主线，真实地再现佛教僧侣与信众的生活和精神追求。张望凭借着与僧侣信众长期生活建立的深厚关系与持续不懈宣传佛教文化的信任度，他获得许可深入拍摄到佛门最隐秘深处生动真实的笫一手素材――他们的出家、剃度、修禅、精神追求和内心世界。在张望这一篇章的镜头中，有凌晨四时闭目绕佛的女尼，大山深处茅蓬中的隐修僧，托钵乞食的老方丈，山顶远眺城里红尘灯火若有所思的小沙弥，严冬中漏夜排队等候寺院派发腊八的信众……与艺术类作品每幅两字一句引人体悟回味的标题不同，这一篇章每幅作品张望都撰写了近百字的介绍，记述了该作品的事件背景、佛教义理、历史由来等，内含深厚的佛教文化知识而又深入浅出。读图兼读文，观赏作品尤有在月夜游古寺般的清雅神奇感。

三、各家评语

该作品集有三篇前序，中国摄影（云课堂自由职业摄影师）家协会主席王瑶代表中国摄影界，在序言中对张望为保护和传播中国佛教文化作出的积极努力给予充分肯定，对他不断追求摄影技艺的精益求精的精神由衷赞赏，评价曰 “张望的镜头中，佛教清、净的禅境在光影里表现得自然而熨帖，呈现得澄澈而通透”。中国佛教高僧、沩仰宗第十代传人、戒幢佛学研究所所长、闽南佛学院研究生导师济群法师在序言中对张望作品的佛教义理体现作了首肯，认为“张望作品虚实有度，擅长使用光影、云雾、水月来经营画面……这种表现形式，契合佛法对世界的解读”。中国摄影大师、首届中国摄影“金像奖”获得者于云天认为张望作品是“充满灵性、意象跌宕、构图严谨、用光考究的摄影佳作。”而国际摄影界泰斗、世界新闻摄影比赛（荷赛）评委会主席罗伯特•普雷基评价张望作品“平和、空灵、意味深长！它太美了，让人充满无限遐想” 。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

而尤其引人注目的是联合国秘书长潘基文对张望作品的评价赞誉！2012年张望受邀在纽约联合国总部举行“佛的足迹”展览时，潘基文在日理万机中亲笔致函张望，他写道“我对于其中一幅两个人在雪地里走向山坡的作品尤为感动，该作品体现了我们在当今世界面临许多复杂问题时必须具有的精神”。而作品集中，九十高龄的中国佛教协会名誉会长一诚长老亲笔题写的墨宝“佛的足迹”，又成为该书的一大亮点与深厚文化内涵的重要组成部分。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

同时，我也留意搜索该作品集的网友读者评价。一位名叫“快乐猫杰瑞”的网友留言：“一幅幅精美的画面映入眼帘，沁人心脾……久久不能平静。感恩张望老师的佳作，引领我们进入禅的境界” 。网友“hope905” 留言“《佛的足迹》中带来的生命的回归，张望先生平和、安详的气场都让我觉得这不是世间的金钱所能衡量的一部作品集。感恩！”

四、艺术人生

该作品集中，作者张望以《十五年》为题，以近5000字的篇幅，回首了十五载佛门岁月追求佛光梵影的生涯。从小在故乡天台与佛教天台宗结缘开始，到就读美术学院追求以美术表现佛教文化，到深圳十年商业生涯中的难释佛怀，到北归杭州后巧遇奇缘的初入佛门，到深居佛寺15年的传奇人生，到最终受邀在纽约联合国总部举行“佛的足迹”展览……张望一路走来，娓娓道来，如沿着清流溯源，引领读者循着他的妙笔感受“佛的足迹”和他的艺术人生历程。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

同时，张望文中详细剖析了他15年佛教摄影（云课堂自由职业摄影师）每阶段的缘起、追求与形式风格特色。从“第一阶段是1999年开始的天台山佛学院时期。主要是以人文摄影手法拍摄，是以感性效果为主的影像”，到“第二阶段是2002年之后的灵隐寺时期。主要以艺术摄影手法表现”，到“第三阶段是2008年之后的西湖佛教文化时期。大致是以文化概念的摄影手法为主，以纪实角度记录真实的文化遗产”，张望皆详细作了深入描述。同时“张望艺术活动年表” 中具列了1985年考入浙江美术学院（现中国美术学院）。拥有第一台照相机“凤凰205”开始，到2013年“佛的足迹”入选联合国教科文组织“世界文化大会”会议展览为止，近30年图文并茂的艺术历程列表。以上文字与内容不但纪录了一位中国艺术家的学习、求索、思考、成就的道路，通过阅读了解他的艺术人生与精神追求，更能深刻理解其作品，对于喜爱与研究张望作品的读者尤其有着不可替代意义。

作为一个出身于书香门第、从小重视文化修养且独创了如此风格明显作品，张望必然有自己独特的艺术理论指导。在该作品集中，作者张望以《审美情感与形式传达——从“黄尘驿道 梵音东渐”谈摄影（云课堂自由职业摄影师）艺术的创作规律》为题，详细介绍剖析了其创作感悟与理论体系，最后推出核心观点：“我以为包括佛教摄影在内的任何艺术类摄影创作，作者不应有一辈子不变的所谓“风格形式”，而应在创作时根据不同地域、内容的拍摄对象所激起的完全不同的审美情感来选择与之相应的形式表现” 。读者结合该文论去观赏其作品，对理解其创作心路，体悟艺术规律大有裨益。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

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该作品集的装帧设计与印刷也是一大亮点。书籍装帧色彩沉着和谐厚重华贵，版式设计大气而雅致。作品与标题文字各据一页，空灵而赏心悦目。该作品集由 “全国百佳出版单位”浙江摄影出版社打造，印刷为著名的深圳雅昌印刷公司出品。作为多次获得世界印刷最高奖――美国“班尼奖”的中国最佳印刷公司，雅昌将此作品集制作得十分精致完美。

尤为别致的是，书中每幅作品皆衬神奇少见底色，艺术类与纪实类作品各不相同，低调又不失华贵，其美从未得见。经询懂印刷友人，得知乃专门为此画册调制的“专色”所印。这不但体现了雅昌公司的非凡品质，更能感受到作为执行总编与书籍设计兼集一身的摄影家张望本人，将用心、决心与精心亦兼集此十五年专集中。

掩卷慨叹，《佛的足迹――张望摄影（云课堂自由职业摄影师）作品集》作为张望十五年佛教摄影总结全集，不但作品精美，风格全面，文字功底深厚，传达了佛教空灵清雅的禅美境界、深厚文化内涵与大乘精神，而且内容丰富，既有其数十年艺术历程的介绍展现，又有理论体系的阐述，是迄今为止了解张望及其作品最为全面的专集。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

画册设计高雅，印制精美，书籍给人以全方位艺术美的享受。在当今急功近利、粗糙低俗泛滥的出版物中，实属是一本不可多得的、无论摄影角度与佛教文化角度皆极具收藏价值的精品图书。

作者简介

张望，1962年8月出生。1988年毕业于浙江美术学院（今中国美术学院），2000年于北京**学院摄影（云课堂自由职业摄影师）学院研修摄影，2005年因其艺术成就被杭州市人民政府作为特殊人才引进。独立艺术家，中国摄影家协会会员，美国摄影学会会员，杭州市政协委员，杭州市摄影家协会副主席。

《佛的足迹――张望摄影作品集》赏析

作者 张望

自1999年起，张望即开始中国佛教文化的摄影创作。在深深的佛门中，张望长期与僧人们同吃共住。凌晨时分即起床拍摄僧侣生活，或登高涉险，寻觅并摄录佛教文化遗迹，晚间挑灯研习佛教典籍，并将之感悟体现于创作，从而使其作品臻空灵恬淡、悠远清静的禅韵梵境与感人至深的艺术魁力。其持续十五年历尽艰辛拍摄创作的佛教摄影作品获得了国际、国内近百项重要荣誉。其中，2005年荣获世界摄影著名赛事——奥地利国际摄影艺术展（国际“奥赛”）中国专题组冠军，为中国获此荣誉之第四人；2006年受邀赴欧洲出任“奥赛”国际摄影评委；2007年获中国摄影最高成就奖“金像奖”；2008年获“当代国际摄影最高学院奖”，并被推选为世界摄影节高峰论坛中国代表；2009年获“世界佛教论坛”中国佛教摄影大展金奖……

张望佛教摄影作品在国际、国内有着广泛的影响力。其作品被首届“世界佛教论坛”选为开幕式主屏形象向世界展示，被新华社选编为“中国形象”之一，在美国纽约时代广场循环播放。专著《佛泽》先后11次再版，荣登杭州市、浙江省乃至全国畅销书排行榜。其作品的艺术魅力还曾深深感动了英国联邦财政部前部长助理，他认定在作品中找到了灵魂的归宿，使之最终远涉重洋来到中国剃度出家为僧。

联合国秘书长潘基文评价张望作品“体现了我们在当今世界面临许多复杂问题时必须具有的精神”；国际摄影界泰斗罗伯特•普雷基评价张望作品“平和、空灵、意味深长！它太美了，让人充满无限遐想”；中国摄影家协会主席王瑶评价“张望的镜头中，佛教清、净的禅境在光影里表现得自然而熨帖，呈现得澄澈而通透”；佛教高僧济群法师评价“张望作品虚实有度，擅长使用光影、云雾、水月来经营画面……这种表现形式，契合佛法对世界的解读”；《摄影天地》评价张望作品“举凡主题、美学、光影、人性的表现，已超越出神入化的境界”。国际权威摄影期刊《德国摄影》、《PHOTO》、美国《世界日报》、法国《欧洲时报》，新华社、人民网、《中国摄影》、《凤凰周刊》等国际、国内四十多家新闻媒体先后介绍了张望十数年的艺术人生与作品。

2012年12月，张望因佛教摄影艺术的成就，受邀赴联合国总部举办“佛的足迹”摄影展。2013年5月，张望“佛的足迹”个展入选联合国教科文组织“世界文化大会”展览。