钢琴总会把感情表达很纯粹啥意思？

首先，您早知道，作曲常常从钢琴开始，因为钢琴的音域最广，很多名曲最初都是从钢琴诞生然后改编的，钢琴的地位可见一斑。

钢琴演奏是一种内在感受与外在听觉相结合的审美活动，它是连接音乐创作与音乐欣赏的桥梁。音乐不仅仅是声音，还有身体的表现动作。如舞蹈中，音乐不仅可以当作声音，还能当作运动和身体的张力。钢琴的演奏与声音之间的关系复杂而微妙，我们在头脑中想象要弹奏的声音，想象越是细致逼真，弹奏的效果则越好。另一种情况则是，演奏者对于弹奏时触键所发出声音的调控，客观地用听觉捕捉自己所弹奏的声音。有的人反对后者从身体的角度验证声音，他们更赞同借助理性、逻辑在大脑中设计出声音的效果，而在这个过程中，耳朵就成了验证结果的次要角色。

钢琴演奏中的情感表达，不仅受演奏者的思想主导，还与身体的动作有密切的关系，三者互相作用于彼此之间，形成一种微妙的平衡。进而表达的感情相对其他乐器来说就最是纯粹。

其实也是仁者见仁智者见智，好的旋律通过不同的乐器表达出来的内容不一样，演奏者的感情融合也不一样，钢琴作为音域最广的一种乐器，先天占据情感表达方面的优势。

希望我的回答能帮到您！望采纳，谢谢！

1、理解作品的内涵与情感

演奏的首要条件是忠实于原作，凭借空想是不能演奏好一首乐曲的。这就需要我们了解并理解作品，理解作者的创作意图，与作者产生共鸣，再进行二度创作的时候就非常容易了。首先可以赏析音像资料。通过各位大师的音频或视频资料对作品有大概的认识，也能从他们的演奏中体会到作者想要表达的内容。然后，可以通过查阅文字资料，对作曲家生平，对作品的写作年代，对作品创作的时代特征及当时的音乐风格，以及对作品的国家、民族，作品问世以来的评价等进行仔细研究，使演奏者对关于作品的一切有全方位的了解，更易与作曲家的创作形成情感上的沟通, 更利于演奏者对作品情感内涵的把握。亨利伍德曾说：“人们能够给演奏者提出的唯一劝告是：在盲从的依附不适当的标记和那种过于自由地偏离作曲家的明显意图之间，寻找一种巧妙的平衡。”这种“巧妙的平衡”就需要变化的演奏技巧与丰富的情感相结合。

2、处理好音色与情感

音色是指声音的感觉特性。声音是由发声的物体振动产生的，分为基音与泛音。音色的不同取决于不同的泛音，每一种乐器、不同的人以及所有能发声的物体发出的声音，除了一个基音外，还有许多不同频率的泛音伴随，正是这些泛音决定了其不同的音色，使人能辨别出是不同的乐器甚至不同的人发出的声音。人们喜爱某位音乐家的演奏，通常是记住这个音乐家的演奏音色。这种演奏音色即是钢琴家所特有的情感音色，是钢琴家在了解了作品内涵、风格等之后用适当的演奏方法对钢琴音色的一种理想的控制。所以处理好音色与情感极为重要。

首先，音色的调控依赖于人们敏锐的听觉。在演奏乐曲时，合适的音高，均匀的时值，恰当的音量，变化的音色等等，都需要耳朵仔细地辨别，并让大脑控制手指的活动。所以演奏者需要时刻用耳朵去聆听自己横向的旋律是否优美，纵向的和声是否恰当、纵横结合的复调是否相融，以及弹出的音色是否符合心中想要表达的情感。

其次，音色的调控取决于不同的触键。触键方法的不同会带来不同的音色效果和情感表现。有了对作品和对作曲家的深入了解，也有了对演奏乐曲的基本把握，接下来重要的就是怎么样把想要投入的情感通过钢琴这个媒介表达出来，所以情感因素的技巧化就显得极为重要，触键就是其中的一位重要帮手。如弹奏欢快活泼的乐章时，需要明亮的音色，这时的触键就需要干净利落，以手指抬高垂直触键的方式较为妥当；当弹奏一些温柔细腻的乐章时，需要圆润的音色，这时的手指要紧贴着琴键，轻轻地按动；当弹奏一些刚劲有力、激情澎湃的乐章时，需要洪亮的音色，这时全身应该发力，透过手指猛击到琴键，将全身的力量注入指尖，弹出强而有力的音响。不同的情感处理需要不同的触键方式。一首作品有起有伏，时而激情澎湃的地方，时而宁静优美。所以，一首乐曲中通常是几种触键方式的综合运用。

可以从两方面去表扬弹琴者:

专业角度:坐姿，端庄、优雅，头颈肩自然放松，手臂自然端平靠手指力量支撑在钢琴键盘上；手型，呈抓握状态，通俗一点说就像手里握着一个乒乓球，指尖第一关节立于键盘上呈直角；音色，在弹奏中对声音强弱的把握张弛有度，收放自如，抒情的乐句音色柔美，激情的乐句音色刚强，活泼的乐句音色跳跃；情感，琴声饱含感染力，倾听者能感受到弹奏者对音乐融入的情感，并为之感动，这也算是一种境界了！

非专业角度:首先是倾听，弹琴时候不喜欢被打断，等一曲终了，伸出双手鼓掌