王程坦让照片还原真实,让油画升华情感

当下的年轻人，结婚时几乎人手一套婚纱摄影楼里精心拍摄、制作出来的艺术照。同时越来越多新装修的家庭开始选择一种新的装点形式——手绘油画，让家里变得越来越个性化和艺术化。但是也有越来越多的人发现：艺术照处理得越精美越让人觉得不真实，所有照片看起来都一个感觉；手绘油画若或不受限制进行纯艺术创作还可以，倘若要将现实中的人和事、情感呈现出来，不是有太大的偏差就是没有神韵。

“怎么样能让我和老公的结婚照看着更加真实些呢？有谁能帮我在家里添几张特别像我和家人的油画？岳父岳母要过60大寿了，在异地的我想送两位老人几张他们的油画肖像，我只有照片怎样办到？”

在没有接触到视软油画之前，很多客户都为类似的问题烦恼过。到过视软艺术工作室后，这些问题都欢欢喜喜地解决了。

“现在婚纱摄影楼里拍摄出来的结婚照同质化太严重，太没个性了。婚姻是每个人一生的大事，我们要让每对新人的结婚照更加艺术而厚重起来，让每张照片在精美的同时更加真实而有立体感。视软油画正好可以做到这点”。视软艺术工作室王程坦自豪地说。

“很多没有深入了解我们工作室的客户，起初都还以为就是PHOTOSHOP一下就做出来的。其实不然，这是我们的软件研究院专门最新研发出来的。当初研发这套软件的时候，是为了让更多的人在特殊的时候可以送一份具有纪念意义的礼物给特别想珍惜和生命中特别珍贵的人。”

“手绘油画有太多的弊端，很难做到照片扑捉到的画面那么传神逼真，手绘师往往画着画着就走样了，模特一坐就是几小时，画得不好还要重来，油画破损后也无法还原。而视软油画不一样，它不仅从材料、质感、艺术气息上保留了油画的这些东西，而且还可以多张复制。很多人一起画了一张手绘油画合影，可能只有一个人能拥有，而视软油画可以一次性地让每个人同时拥有，损坏了也可以再复制。”

“此外，影楼里拍摄的同样大小的照片和手绘的同样大小的油画，和视软油画相比起来，价格要高多了。”王程坦告诉记者，利润不是他们现在追求的目标。为了保证每张视软油画能保存的年限、质感和效果，他们采用的全是惠普进口材料。“虽然成本很高，但是能让每个家庭都有我们的油画装点精美的房子，让每个想珍藏一份美好情感、一段特殊时刻的朋友通过我们视软油画实现心愿就够了”。

　　单色摄影通常与黑白摄影相关联，但实际上并不仅限于黑白效果。顾名思义，单色涉及在整个彩色光谱中仅一种特定颜色的图像中使用色调和变化，为什么要使用单色摄影　　

　　一、传达情感

　　对于单色，阴影是将一种颜色与不同数量的白色(浅色)或黑色(阴影)组合而成的结果。有色和无色都是传达情感的有效方法，可以选择要使用的内容，并且要取决于要讲的故事。如果你更喜欢黑白图像，以获取更生动或更暗的场景，从而传达出更强烈的情感。照片中使用的单一颜色会引起或增强不同的感觉。例如，红色通常用来表示激情，爱甚至愤怒，而蓝色则让人感到冷淡，镇定和克制。　　

　　应该注意的是，不同的色调/色调/颜色也会改变预期的情感或其强度，因此我们考虑了诸如色彩的“感觉”这样的概念。有时在单个图像中使用太多颜色可能会产生矛盾的感觉，并可能使观看者感到困惑。如果面临这样的难题，为什么不尝试单色　　

　　二、简化场景

　　单色本身具有简化场景的能力，同时有助于减少视觉干扰。摄影师应该使用这种质量，并通过周到的图形构图和构图框来增强它。在单色摄影的感知中会发生某些思考过程，因此缺少颜色成为突出显示构图中其他构图元素的好方法，例如纹理，形状和形状，光和阴影的运动。　　

　　三、如何获得高质量的单色图像

　　拍摄

　　在我们明亮的世界中，如何真正拍摄出成功的单色场景一个有趣的发现：一旦开始寻找单色，它就会显现出来。单色无处不在，尤其是在城市景观，建筑内部甚至室外。在自然界中发现的单色场景可以在情感上产生强大而有趣的图像。　　

　　如果还没有掌握色彩和谐的使用方法，请先在画面中使用一种颜色，灯光改变场景中单一颜色的方式令人着迷，此技巧将帮助更加关注颜色并更多地探索其属性。

　　识别场景中的重要细节

　　决定要在照片中传达什么样的情绪会在以后导致许多创意和技术决定，但是在此阶段，不必太担心这种特殊性，只需确定哪些细节和情感对最终图像最重要，请相信自己的感受即可。　　

　　调整曝光

　　正确的曝光在创建良好的单色图像中起着至关重要的作用，因为这完全取决于光和影的组合，重要的不是色彩对比度，而是色调。理想情况下，应该对数码照片进行曝光以保留图像文件中的最大细节和色调。也就是说，图像重要部分的色调值比平均灰度稍亮，然后在后期处理中调整曝光。

　　定义图像的光线和样式

　　确定要最终照片使用的样式。单色图像有很多不同的样式，这是颗粒状，高对比度，低调的照片，或丝般柔滑的高调照片，或介于两者之间的东西。　　

　　做出决定后，可以选择曝光设置，以便获得最可用的图像进行进一步的后处理，而不用在相机中制作最终图像。

　　首先应该考虑什么

　　哪些高光将被静音或阴影被剪切

　　这将如何影响图像

　　可以使用高动态范围技术来扩展摄像机的动态范围吗

　　您可以添加或减少灯光来更改场景吗

　　专注于音调时会丢失什么

　　看看颜色将如何以单色显示

　　如果色调之间的差异不足，则看起来色彩不错的场景可能不会产生漂亮的单色图像。当转换为单色时，将删除色相信息，但保留亮度和饱和度信息。这意味着，如果在彩色图像中以相同的饱和度和亮度显示红色和绿色，则在单色图像中它们看起来非常相似。尝试查看音调的强度，而不是其含义，在最终的单色图像中，较浅或较不饱和的颜色，较暗或较不饱和的颜色将显示为较暗的色调。　　

　　

　　检查具有相同色调的两种不同颜色是否以会损坏图像的方式重叠主体可以融入背景吗需要绿色来变暗还是变亮

　　后期处理

　　自**时代以来，单色后处理就已经存在，并且肯定不是一种新的创造性方法。在摄影的早期，较热的色调(例如棕褐色)和较冷的色调的产生是由于在照相胶片的冲洗过程中使用了某些化学物质而引起的。　

　　除了在照片中添加暖色调外，使用棕褐色还有另一个有用的效果。如今，在后期处理中获得单色图像颜色要容易得多，最简单的方法是为图像着色。为此，请将彩色图像转换为黑白/灰度，然后将黑色替换为其他颜色。　　

　　此外，可以调整对比度以使明亮区域更亮，黑暗区域更暗。

　　四、总结

　　黑白摄影是单色摄影中最明显的一种，在整个图像中只使用一种颜色，这种技术可以增强与观众的情感联系。单色自然发生，或者可以使用图像的后处理获得，这是一种极简主义的成像方法，可以创建真正的图像。

人像摄影是摄影中最重要的领域之一，也是最能体现摄影师艺术境界的摄影领域之一。以笔者拙见，人像摄影的艺术境界从低到高，可以概括为赏心悦目、惟妙惟肖、张扬个性、诠释生命四个层次。

一、赏心悦目

赏心悦目是一般大众也包括一般摄影师对人像摄影作品的基本要求。无论是商业人像、家庭留念照、新闻人像乃至任何一个摄影领域中涉及的人像，无论是被摄者、摄影者和观看者，只要无特殊目的，无不希望看到赏心悦目的人像，而使观众、听众的身心得到愉悦是任何艺术形式最重要的目标之一。

赏心悦目首先成为商业摄影师和顾客共同追求的目标。而现代摄影的发展从技术上以较轻易地解决了很多前辈摄影家很难或无法解决的问题，因而使实现赏心悦目这一境界变得相对轻松一些，对于商业摄影来说。这一境界的人像摄影作品，除了对摄影师本身的素质提出要求之外，还依赖于一些客观因素，如：优秀的化装师、美丽的服饰、精致的道具，高档的摄影器材、高级的灯光、设备先进的摄影棚，高级的照片后期加工系统、精美的装裱和精心的编辑策划等等。对于这一境界的人像摄影来说，非摄影本体语言过多的介入和摄影本体语言的淡化是最大的缺陷。所谓摄影本体语言就是摄影技术、艺术的独特表现手段，包括胶片的运用、曝光的控制、摄影用光和构图的经营等等。而非摄影本体语言主要是指原本对摄影起辅助作用的非摄影表现手段，如化装、服饰、道具等等。

在这些人像摄影中，摄影本体语言一般较为淡化，而在所剩无几的摄影本体语言中，绝大多数已成为一种固定的模式和套路，甚至还会有所扭曲。比如在用光上说，为了迎合大众口味，更多地采用了正面光和柔光；在曝光上说，为了使肤色显得更白，经常采用曝光过度的方法。

但所有这些都是为了顾客，这是无可厚非的。赏心悦目就是使顾客和普通大众的身心得到愉悦，所以，这种人像摄影本身就是摄影艺术的重要组成部分，也正是这种赏心悦目的摄影作品把万千大众吸引到影楼里，而这成为中国摄影艺术尤其是业余摄影艺术发展的重要经济支柱。

既然摄影作品具有吸引大众的能力，就说明摄影作品具有引导大众的审美倾向的能力。这种以赏心悦目为代表的商业人像摄影流行十年以来，大众的审美倾向已经在悄悄地发生改变。

而且，近年来，随着一批极富艺术表现力的青年摄影师对商业摄影的突出贡献，使的目前的人像摄影正呈现蓬勃发展的态势。

二、惟妙惟肖

摄影术的出现使得人像再现的“相象”问题变的轻而易举，当代人像摄影的发展又似乎脱离了这一发展方向，尤其是流行的当代商业人像越来越不象本人，而离惟妙惟肖的距离也显得更为遥远。这里的惟妙惟肖当然不仅仅是简单的“相象”，而是在赏心悦目基础上的神形兼似。

这一境界的人像摄影作品，一般具有以下主要特征：

1：摄影本体语言和非摄影本体语言的正确运用

摄影本体语言的运用不以是否赏心悦目为唯一依据，而以能否表现人物的神态特征为主要依据，用光自然考究，曝光准确，体现正常肤色及质感。化装道具不过分张扬和哗众取宠。化装的目的不时掩盖什么，而是要进行衬托，道具只是修饰而不是表现什么。

2：精妙的神态捕捉和眼神塑造神态的捕捉是摄影师永恒的主体，也是一幅人像摄影作品能否做到惟妙惟肖的关键。，在柔美型的当代人像摄影中，应该说在这一点上做得是很不错的。在在眼神的塑造上就有所欠缺了。这主要是由于摄影用光的平淡造成的。正面的柔光所营造的高调是很难突出眼神的。所以通过光线的运用来表现人物的眼神是这一境界的人像作品的关键。

三、个性飞扬

人像摄影中个性的张扬可以分为两个方面，一是张扬被摄人物的个性，二是张扬摄影者的个性。从被摄影者的角度出发，拍摄人像的目的无非是留念、欣赏及展现自己的个性魅力。从这一点上说，摄影师就是要帮助被摄者展现自己的个性魅力。而从摄影者的角度出发，他作为一个艺术作品的创作者，要通过摄影手段、借助于模特的表现能力来表现自己的摄影创意，来体现自己的摄影风格乃至通过摄影语言来诉说自己对生活的确理解。

这一境界的人像摄影作品通常具有以下特征：

1：独特的摄影本体语言

从摄影语言的运用上说，第一境界人像摄影作品的摄影语言运用一般流于平淡，第二境界人像摄影作品的摄影语言运用趋于自然，第三境界摄影作品的摄影语言运用重在卓然不群。用光是摄影最独特的本体语言。

如谢墨拍摄的《对影双姝》，巧妙地利用阴影，营造了奇妙的错觉，令人过目难忘 。又如朱恩光的《圣徒》，柯林·托马斯的《一线光明》，萨博·亚历萨顿的《纯》等等。摄影本体语言妙处体现得淋漓尽致。

2：独特的而简练的戏剧性情节

如阿德莱尔·穆萨威拍摄的《生命中的阴影》，画面中的男女主人公在摄影者苦心经营的光影效果中诉说着一段耐人寻味的故事。它不是一部电视剧，但却似乎比一部电视剧要说的更多。当然，这幅作品在用光和构图上也都有独到之处。

3：展现对人和自然关系的独特理解

纯粹的人像摄影也许是不包括自然的，但在这个特殊的环境危机时代，不少摄影者把镜头对准了自然，对准了人和自然的关系。或是热情的讴歌，或是尖锐的批评。不管是卡尔·考雷的《人与太阳》还是易水生的《人与太阳》，都表达了人与自然融合的渴望。 4：强烈的视觉冲击

无论是匠心独具的光影、别出心裁的构图还是创新大胆的镜头运用，其目的都是产生强烈的视觉效果。

张扬被摄人物的个性就是使拍摄出来的人像摄影作品要与众不同而富于戏剧性的。而摄影者个性的张扬要通过自己个性化的摄影本体语言来展现自己对摄影的理解、对被摄人物的理解、对人像摄影的理解，甚至对生活的理解，所以从某种意义上说摄影作品就是摄影者无声的自白。

四、诠释生命

伟大的人像摄影作品之所以伟大，是因为他刻画了人物的灵魂，是因为它讴歌了生命的伟大，是因为它记录了一个时代的精神风貌，是因为它记录了人类社会的大悲大喜。

从人的个体来看，伟大的人像摄影作品深刻地记录了人物的内心世界，或是悲伤或是喜悦，或是思索或是呐喊。也正是因为它呈现了人物的内心世界，所以这样的摄影作品才给人以心灵的震撼。同时它讴歌了生命的可贵与伟大，面对这样的作品，每一个观众都将为拥有生命而自豪。

从人类社会的总体来看，伟大的人像摄影作品记录了一个时代人们的精神风貌，它记录了人类社会的大悲大喜。伟大的人像摄影作品的意义已经完全超出了普通肖像的意义。它是社会的象征，是时代的象征，是历史的象征，从这一意义上说，人像摄影的意义远不止被摄者的留念和摄影者的个性张扬。

在老一辈看来，“**感”其实是一种“胶片感”，有一点点做旧的痕迹，有一点点颗粒感；

可实际上，它是通过道具、镜头语言、声场、构图等元素营造出来的一种有故事性的氛围感。

所谓**感，特征是“画面更生动，暗部更深，白场更明亮，细节不丢失”；

手机拍摄，是可行的，比如在苹果的新春系列短片（陈可辛《三分钟》、贾樟柯《一个桶》）。

　而质感，原指雕塑、绘画等艺术品所表现的物体的物质真实感，在摄影里则是成片的细节层次上面的表现。

例如皮肤的柔嫩或粗糙、牛仔的硬朗，首饰的光泽、玻璃的透明、钢铁的坚毅硬重冰冷、丝绸的丝滑飘逸等等。

　但**质感的核心在于：真实的故事感+人工灯光+和谐的色调等。

·真实的故事感

**感还存在于剧情、运镜、后期、手法、BGM等等，这就和“人”有关，正所谓**中一窥人生百态；

「我们不只是用相机拍照，我们带到摄影中去的是所有我们读过的书、看过的**、听过的音乐、走过的路、爱过的人。」

所以器材不重要，重要的是镜头后面的脑袋，一花一树，一人一景，一动一静，都是你镜头中的故事。

“照片是有魔法的，它是一份未来待拆的礼物哦！”

毕竟好的影像作品，是能够让观者领略到作者的心态和情感的，带来共鸣。

·人工灯光

其次，光也是摄影的核心要点，质感乃至整个画面的形成都是由无数个点、线、面来构成的，这些点线面就是光。

**感有大部分是由于灯光，精心布置的人工灯光，会带来比较强烈的影调层次，展现一种现实生活难以看到的戏剧性画面之感。

就以“**感"人像为例，需用照片去讲故事，注重场景和情绪的融合，即多思考场景下应表达怎样情绪状态。

尤其是“破夜前行”“打破光的规则”等夜晚拍摄的照片会给人一种神秘、魔幻或浪漫的感觉。

举个比较典型的例子，杜琪峰的《PTU》，就有种强烈的光影节奏。

·和谐的色调

随后，我理解的色调和谐即是照片颜色风格成熟，用人话说就是看了舒服；

在调色之前，就要确定照片的风格，采取的色调是哪些，譬如日系小清新那种作品，普遍的特质是鲜艳明亮，这就要求你提高亮度和阴影度。

具体调色思路：整体调性偏暗，暖色便橙，冷色偏蓝；其他色彩低饱和，统一整体画面协调；加颗粒、暗角、轻微褪色，打造胶皮感。

这也称赋予“**色”，也就是你独特的风格偏色，比如《重庆森林》偏青蓝、《怦然心动》偏洋红，具体看内容题材或情绪内涵。

总之，恰当的调色往往能配合画面提升作品的情绪表达，以及增强作品画面的质感。

最后，画面比例、色调、打光，都是为故事感服务的，替情节打工。

拍好片的关键仍是多拍，多看，多思；揣摩经典影片的构图，运镜和光线，试着模仿和临摹。

可好的照片贵在既真实自然，又经过必要的、高水平的加工，后期的剪辑增色，也不可少哦！

在2022年的8月10号，文淇工作室晒出了文淇最新的写真照片，在照片当中，我们可以发现文淇穿着非常优雅的短裙，整个人也散发出非常精致的味道。文淇也是娱乐圈当中非常有潜力的一位明星，文淇的自身的表现是非常优秀的，也参演过很多的影视剧，在这些影视剧当中文淇的表现也是很不错的。

很多的网友都不太了解，文淇到底是如何在娱乐圈当中走红的，其实文琪是一位非常有天赋的女明星。在进入娱乐圈之后，就因为自己非常精湛的演技而受到了很多人的喜欢，文淇所在的工作室也是非常的会打造，文淇虽然说文琪在没有演戏的时候热度并不是特别的高，但是她本人一直都没有任何的负面新闻，演技好也是文淇一走红的主要原因。文淇年纪轻轻就能够和很多的老戏骨媲美，从中可以看出抡起的实力真的是非常的强大。《嘉年华》和《血观音》也是文淇的代表作品，很多的人都是通过这两部作品认识文淇的。

作为明星和演员，演技好是最重要的，而文淇本人就是如此。在很多影视剧当中，文淇的表现也是非常的出神入化，他在演戏的过程当中会选择去仔细的钻研一些台词和整个人物的性格，这样才能够让自己更加容易的去带入到整个角色当中。

和文淇媲美的娱乐圈同年龄段的女明星就是赵今麦，还有张子枫，她们三位女明星的演技都是非常的不错，而且年龄也非常的小，大约都是20岁左右。很多的网友可能觉得文淇的长相在娱乐圈里面并不是特别的吃香，不过文淇始终靠的都不是自己的长相，而是自己的演技，拥有好的演技必然会在娱乐圈里面站稳自己的脚步。

　　每个物体都有自己独特的质感和表面细节，的确，往往就是该物体所具备的最显著的特点。照片上成功地表现出这种质感可以大大地增强照片的效果，特别是要求拍出迷人的和引人注目的效果。摄影中如何表现质感和细节呢以下是我整理的经验分享，一起来看一下吧。

　　表现出质感并不十分困难，只要求多少善于观察。关键是要懂得对不同的被摄体用什么光线效果最好。一旦了解需要的光线效果，那么要拍一张优秀照片就可以有一半把握了。

　为了表现质感，最明显和常用的是侧光，光线以较低角度照射物体表面。这会在木器、石器和纺织物上产生极好的效果。但是要求点光源，室外摄影就用太阳光，室内则需要用闪光灯。如果离得很近观察，会看到从每个细小的凸凹不平的表面上形成的长长的，反差较大的阴影，效果强烈。

　阳光明媚的天气是进行拍摄实践的理想机会，可以练习从各种不同的角度观察被摄体，改变拍摄位置，以便取得最佳效果。为了拍一张有特色的照片，也许有必要等上几小时，直到太阳处于恰当的位置，或者第二天再来，这样做十之八九是值得的。

　　然而，侧光并不总是行之有效的。当侧光恰到好处时，效果会很好，但是有时阴影多了，也显得乱。当效果太强的时候，就会出现这种现象。选择一个室外景物，自己观察其在太阳移动时所产生的效果。首先，当光线角度造成越来越大的阴影时，出现的质感越来越明显。但是当阴影部分开始变长，以致占据了大部分画面时，问题就出来了，这种效果就受到破坏了。运用侧光的部分技巧，就是要能判断什么时候的光线角度最合适。

　如果被摄体表面有凹陷很深的部分，或者形状复杂，那么会出现另一个困难。侧光既能够很好地表现出物体表面的质感，但是也会从物体结构的其余部分投射出巨大的，漆黑的阴影。

　然而，尽管侧光有其缺点，但仍然是摄影家所掌握的一种得心应手的有用的武器。不一定要用太阳光，把闪光灯不装在相机上就可以提供一种室内摄影用的侧光。

　更好的是，如果有一台幻灯机，可以用幻灯机作为一种光源，使用这种光源可以调整光线角度和照相机的位置，直到感到完全满意为止。幻灯机的光线强烈又清晰，是很理想的光源。这种光线也很明亮，曝光无需超过几秒。

　　使用侧光拍摄，景深是个值得考虑的重要问题。如果被摄体与相机平行，可以使用大光圈，以便在不损失主要被摄体的清晰度的情况下使杂乱的背景模糊。这会取得使被摄体看起来有更清晰的效果，使主体更加引人注目。如果单镜头反光相机具有景深预测按钮，那么可以使用来判断拍摄该使物体的最佳光圈。

　除了侧光之外，还有表现质感的其他办法。例如，逆光可能是特别有效的，当这种光照射到物体表面到达相机时，从来没有想到的细枝末节和不可名状的东西都会呈现出来。

　　在某些情况下，逆光能象侧光一样取得很好的效果，只是要使相机对着光，而不是让光线从侧面照射。逆光真正美妙的地方是拍摄湿润的或稍稍有点发光的表面——光反射出成千上万个小亮点，非常抢眼。

　由于有很多亮光，曝光必须小心。明亮的强光部分进入侧光表，结果会造成曝光不足，产生半剪影效果。如果正想取得那种效果，当然是再好不过的了，但是应当记住，如果希望取得比较正常的效果，那么要增加一档或二档曝光。许多自动相机上的逆光控制按钮在这种情况下是很有用的。

拍出有质感的照片要有光线、对比度、锐度、镜头等因素。质感第一靠光线，光线要硬一点才有质感。对比度强，质感更鲜明。锐度加到最高，拍出的照片质感强度大。如是拍摄技术而言，尽可能靠近主体拍摄，使用三脚架固定相机小光圈拍摄。调整光线进行对比度调整，增加锐度。

一般来说构图元素有点、线、形状、形体、图案、纹理、颜色、色调，以及影调等。

点

指由像素构成的有一定意义、有一定面积或体积的物体。如常见的点有山川，森林中的一棵树，浩瀚海洋中的一只海鸥，极远处的行人，天空中飞过的风筝。

单一点

构图画面中单独存在的点，单一点虽形体比例较小，但给人的视觉感受往往又是很“重”的。

多点

构图画面中存在两个或多个的点，如果两个点分布于画面的两侧，并且大小和明暗相似，那这样的照片给人的感觉就会非常平衡、非常稳定和协调。

如果点在画面中存在远近的距离对比，那会让照片表现出一种纵深的空间感，而摄影师要通过点位置的安排，让照片更具立体和空间感，那就应该让稍大的点靠前，较小的点靠后，这样才符合透视规律。

线

多个点可以排列成线，我们常见的线有墙体的边缘、高耸的建筑物等直线，也有乡村小路般蜿蜒的曲线。

在摄影中，还有一类非常重要的、存在感官当中的线条。如某些林木、岩石，其排列虽然明显成线条，但我们能感觉出来还有一条隐约存在的“线”将这些景物串联了起来。

还有一些虚拟的线条，更需要我们细细体会，如人物或动物的视线朝向、构图元素的运动轨迹或指向。

我们最常见的线条有直线、水平线、垂直线、斜线和曲线。

对于直线来说，垂直线给人坚定向上，庄严有力的感觉。

控制好地平线的水平和走向，水平线会给人平静、稳定、舒缓的感觉。

对角线构图，可以让观者的视线专注于对角线的走向，给人传达出一种动感、活力的感觉。

向画面延伸的曲线能够增强照片的深度，让照片更具纵深感和立体感。

横向的曲线给人一种浪漫、优雅的美好感觉。

对于人像摄影来说，人物上下变化的曲线，更能表现出优雅、柔美的感觉。

垂直线，往往会给人以坚定、向上、高耸的感觉。它对静态对象的表现效果更好。

形状

场景中不同的直线、曲线，会有随机或是规律性的分布，将照片画面切割出了不同的几何形状。常见的几何形状有三角形、圆形、矩形、菱形。

矩形

正方形、长方形等都可以归入矩形。构图时照片画面中无论有多少矩形，其变化规律与取景画面的角度都相似，最终照片会很自然地产生一种秩序感。

三角形

正三角形（上窄下宽）表现出景物自身或景物之间的稳定感；倒三角线（上宽下窄）给人的感觉则是不够稳定，令人感觉压抑和不适。

三角形还包含了对角线和棱角，具有律动效果，构图中常常被用到。

圆形

指某些景物的边缘轮廓呈现出圆形，或线条为圆形，构图时以圆形来组织画面，可以获得一种圆满、完整无缺的心理暗示。

形体

确定景物的轮廓形状之后，其立体感要通过亮部和暗部的影调变化来塑造，最终全角度展现景物的全方位形体。在表现景物时，要突出它的三维立体效果，要强调它的厚度和分量，就必须表现出它的形体。

质感

指物品的材质、纹理等带给人的视觉和心理感受。我们可以运用光线、影调突出质感；景物的质感是摄影师情感与情绪的最佳载体，观者也更容易从质感当中感受到这种情感。

通过拍摄技术和对时机选择的控制，景物可以呈现出更好的质感，增强照片的表现力，其次，我们还可以借助于摄影器材，或是后期软件来增强照片的质感。

图案

多个点、多条线，或是多种不同的色彩构成图案，图案的特点就是可以丰富照片的构图内容和层次，让照片变得更加耐看。摄影师要用细心观察和善于求变的摄影观念来找出场景中有趣的图案来表现和强化。

色彩

色彩的来源其实很简单，主要是光源光谱自身的颜色，同时我们可以利用相机的白平衡调节来呈现不同的颜色变化。

色相

色彩的三要素：色相、饱和度与明度对摄影创作有很重要的影响。红、橙、黄、绿、青、蓝、紫便是7种不同的有彩色相以及黑色、灰色和白色三种无彩色，无彩色与任何一种色彩放在一起都非常和谐、自然、舒适。

红色和**、**和绿色、绿色和蓝色互为相邻色，在摄影创作当中，相邻配色能够让照片显得非常协调、和谐。

红色和青色、蓝色和**、绿色和洋红色为互补色，照片是互补配色，视觉效果也就强烈。

饱和度

在颜色中，饱和度最高的为红色，最低的为蓝色。

在色彩中不加入无彩色，那色彩自然是最纯的，即饱和度最高；加入无彩色成分越多，那色彩也就越不纯，即饱和度也就越低。

明度

色彩的明度由亮到暗依次是**、青色、绿色、橙色、红色、紫色、蓝色。

在摄影创作当中，照片中不能超过三种色彩，照片的配色应该以简洁、干净为佳。

景物都有自身固有的颜色，但这并不是一成不变的。随着光线、时间等的变化，景物的色彩可能会发生一些改变。所有摄影创作时，需要对色彩的这种变化敏感起来，才能创作出符合特定情感或情绪的摄影作品，才能更好地表现摄影师创作时的真实观感。在构图时要善于发挥色彩的这种联想和象征功能，并根据实际情况对所拍场景的色彩进行渲染和强化，获得你想要的照片视觉效果，传达你的思想和感受，并能与观者产生情感上的共鸣。

色调

色调是指照片画面的色彩基调，它是色彩明度、纯度等的总称。

暖色调

红色、橙色、**等色彩为暖色调。暖色调的照片容易表现出浓郁、热烈、饱满的情感，还可以表现出幸福、丰收等感觉

冷色调

常见的色彩中，绿色、青色、蓝色等为冷色调。冷色调的照片有时会让人感觉到理智、平静。

对比色调

利用冷暖对比来营造画面，冷暖对比颜色的色相差别较大，视觉冲击力较强。

互补色对比，如红色与绿色、**与紫色、橙色与蓝色的对比。给人的视觉感受带有强烈的冲击力与刺激性。

和谐色调

是由色相环上相邻的两种色彩，或是色相环上相距90°以内的色彩构成，摄影时取相邻配色搭配，会给观者以和谐、平稳的感觉。

浓彩色调

指通过采取减少曝光（使胶片略感光不足）或加偏振镜等办法来强化色彩感。

高饱和度、低明度的色彩给人浓郁、强烈的视觉感受，适合表现光比强烈的自然景观。

淡彩色调

色彩加白会让饱和度变低，亮度变高，这样最终照片的色彩是淡彩色调，这种色调的画面可以传达出淡雅、恬静的气氛。在实拍中，我们可以通过增加曝光量来实现这种效果。

影调

摄影中的影调，其实就是指画面的明暗层次，这种明暗层次的变化，是由景物之间的受光不同、景物自身的明暗与色彩变化所带来的。

高影调

高调也称为亮调，是指在照片当中大量由浅色、较亮的像素构成的区域层次。这类摄影作品给人以圣洁、明朗、开阔的感觉。

低影调

指以黑色为主的深色区域来构筑画面整体的层次，黑色几乎占据画面的全部区域，而浅色调的白色等仅仅作为点缀。低影调的作品给人以神秘、沉重之感，不仅可以增强画面影调的意境，还可以带来精致感。

中间影调

中间影调介于高影调与低影调之间。从整体上看，照片中不应该让大片黑色或浅色景物占据绝对的主导地位，更多区域是亮度一般的中间影调。

中间调的作品画面上以黑白为主，给人以强烈的视觉印象，同时还有生气、力量与兴奋之感。

剪影

剪影是一种特殊的影调构成方式，借助于场景中较大的光比，让背景处于正常曝光的状态，而作为主体的对象则是曝光不足。剪影照片通过影调的强烈对比，给人以更强的视觉冲击力。在风光摄影中剪影的使用较多，且多采用逆光拍摄。

节奏

点、线条、形状、色彩、影调等构图元素按照一定方式排列(如渐变、交替、间隔等)所呈现出的视觉和心理感受。

重复式节奏

一种或多种构图元素以相同或有规律的间隔重复出现形成的这种格局节奏。重复式节奏包含了元素的重复和间隔的重复两种方式。

渐变式节奏

指照片当中景物的色彩、影调、形状、形体等出现规律性变化时，令人感受到的节奏。要得到好的渐变式节奏效果，镜头焦距的变化以及灵活寻找拍摄机位，都是很重要的。

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