明末清初著名画家龚贤的积墨山水是如何形成的？龚贤绘画的风格特征

明末清初山水画成就卓著的画家龚贤，创作了前所未有的深刻、丰富、有趣的山水画，尤其是他后期的作品《黑龚》，给人以宁静、淡然的感觉。他对高志远的人格和美学思想拓展了明清山水画独特的精神境界，实现了精神与自然山水的和谐统一。龚贤擅长水墨画，善于利用多层次的水墨积淀，深刻、丰富、强烈、清晰，有效地塑造了山水形象和氛围，增强了艺术魅力。代表作有《千山万水》，《穆》，《夏山雨》等。他的许多画不仅在当时，而且在今天都是新颖独特的。古代笔墨之美渗透灵魂，这在中国古代画家中是非常罕见的。

县共江村渔隐图竖轴宣纸

一、龚贤山水画风格的特点

龚贤的山水画风格深沉，与龚贤的笔墨技法有关，尤其是用墨。龚贤特别擅长水墨画。

墨积是指墨色的堆积、层次感、染色、层次感、粗细感。龚的水墨画最大的特点就是一层一层的堆积和染色，一直堆积到七八分钟以后。墨水堆积时，笔与笔之间的间隙应设置为空。第二遍、第三遍积墨时，要增加厚度和花子感，使之丰富美观，直到积了七遍、八遍、十遍以上，积得越来越厚。所以湿墨不能用，容易死。湿墨用多了，不会丰富美观，也不会表现出岩石的体积。恐怕只剩下一张黑纸了。龚贤的画不用湿墨擦。相反，它们是用淡湿的墨水画出来的。要慢慢加，循序渐进，一个一个加，先干后湿，达到亮、暗、有光泽的效果。他的水墨画风格独特，深邃而深邃。

这幅画光线充足。

在龚贤的画中，砾石的结构以“聚墨法”为代表。石头的下部是暗的，逐渐变亮，光感很强，而上面的石头下部还是暗的，上部还是亮的。

头部清新通透，明暗对比强烈，有富光感。龚贤画了一棵树，和石头很搭。他用干笔画岩石并反复染色，而他只用很少或不用笔画树干，更不用说渲染了，只有湿笔和中心。通常会有几根白色的树干在厚厚的黑色石头中脱颖而出，或者白色的树干被厚厚的黑色树叶包围。在浅色岩石上画出浓黑的树叶，形成黑白的鲜明对比，加深墨色，发展“亮”墨，建立一幅充满明亮光线的画面，这是他对中国画的独特贡献。

求湿气，不要淋湿。

龚贤特别喜欢用墨，可以“湿”而不是“湿”。所以解说员说，“千分之五的独特之处在于它用的墨水多。”龚贤以水墨为主，可旧可新，可美可湿。“湿”和“湿”不一样。两者的区别在于，墨水是明亮有光泽的，是商业化的。它能表达生命的自然意识，使它能“用美丽的颜色看它，却用五色看它”。

等级观念明显。

龚贤的聚墨山水画追求明暗，但他的明暗表现不同于西洋画。中国的阴阳画，虚拟现实，光影，和西方的光影画是两个不同的概念。中国画的阴阳，解决的是局部立体结构与层次的关系。龚贤画了不同层次的树和山，他在表现层次时解决了空白空间之间的距离。关于画树，龚贤在课上画了详细的讲解。他还讲了怎么数叶子，怎么数一次，两次，三次，五次甚至七次。他解释的这些方法都是为了提高学生的水平和整体意识

龚贤的山水画非常注重水的灵活运用。龚贤的山水画，除了擅长用墨之外，全是纸和云。不可能画出这么动人的云、雨、雾。龚贤在绘画时更注重润，反对湿，但这并不意味着他把水排除在绘画之外。龚贤所谓的“湿”是相对于“湿”而言的。比如说，表示染色要湿，“湿”就是过度。也就是说，当湿度超过湿润程度时，就变成了“死墨”。龚贤泼水大胆而细致，不仅在画面正面泼水，还在画面上依次添墨，增加了墨水的渗透性，使画面更加深邃流畅。

县公文山瀑布景观图轴

二、龚贤山水画风格的形成过程。

龚贤的人生绘画可以分为三个阶段：前期是30岁之前，是学习阶段，没有风格；早期是30岁到38岁，简单用笔概述的“白公”已经成为一种画风；后期从38岁到40岁，不断改进工笔人物画的画风，同时对这种复杂的画法进行了多次尝试擦染，最终形成了苍润浑伦的“黑宫”画风。龚贤早期的绘画倾向于简单的山水画。是龚贤早年创作的。这幅画是用高空叠加的方法画的。森林里有山，有瀑布，有壮丽的天气。从绘画方法来看，绘画以山的轮廓为主，线条圆润而富有弹性，整个画面以灰色调为主，略显“白工”风格。

这幅《水墨山水图画书》的画，山石脉络清晰，给人一种清丽飘逸、苍茫无垠的气息，笔墨重心远在山川之上。对绘画中神韵、笔墨、沟壑的探讨，反映了他这一阶段的追求。这幅画可以作为龚贤早期画风初步形成的标志。龚贤早期的绘画走的是极简主义的道路。简单不是指构图的简单，而是用笔的简单，以至于画面上只有一些线条，然后一点点揉染。整幅画似乎以轮廓著称，这种风格的作品直到晚年才偶尔出现。“白工”风格的作品丰富而充满波动，笔墨趋于润泽完美。无论是笔墨、布局构图、意境还是风格确立，都相当成熟。“白公”式作品更倾向于研究“笔”。这类作品，笔触线条外露，一览无余，为以后更好的从“墨”向“黑宫”转化做好了充分的准备。中后期的绘画完善了早期“白公”的风格，龚贤创造了“墨”的意境，这是最需要积累和努力的课题。

中国画的笔墨不是简单的技法，而是一种境界。它有独立的生命。所以，任何一种成熟的笔墨，都能让我们看到画家笔墨的传承和知识背景，以及他的个性、品位、艺术追求和审美倾向。没有成熟的笔墨，没有生动，再好的作文也无济于事。由此看来，龚贤选择的道路是他山水画风格走向成熟的必由之路。——改进“黑公”山水画的笔墨风格。

山水画《黑宫》是用聚墨的方法画的。画面色彩斑斓，浓淡不一，苍劲润泽，开始呈现出天地无垠的气息。这一时期的巩县山水画很多，有《西藏山水画轴图》，《重山烟雨》，《秋溪书店》。龚贤“黑龚”墨法的确立，是对水墨相互变化的独特认识，显示了他对黑白画面的敏感。他的山水画，从简单到复杂，从白到黑，从生动到神秘，深不可测，都是经过长期艰苦的探索形成的。《宫现》在传统黑白的基础上，引入了各种神秘微妙的灰度层次的黑白，这是由笔墨的深浅和积淀的次数决定的。比如龚贤画了一块石头，“上白下黑”。石下端多次堆积，墨色浓黑。累计次数为inc

古典美与现代美并存的水墨画旗袍裙，我驾驭不了，它对身材的要求比较高，一般身材很难穿出美感，只有图中**姐这种身材高挑且身段匀称的女生才能驾驭得了它。旗袍裙作为我们的国服备受女生欢迎，它是最能展现出女生们体态美的服装，当女生们穿上旗袍之后，举手投足之间都会带着优雅的韵味，图中**姐就是一个很好的例子，当她穿上这条水墨画旗袍裙之后，整个人的气质都变得不一样了，再配上她优秀身材与高颜值的加持，整个人美的360度无死角，惊艳了无数路人。

**姐身穿的这条旗袍裙其实是经过改良的版型，不过它在大致的版型上仍旧保留了旧版的款式，因此呈现出了的美感也较为古色古香，我们先来看它的布料，先前的旗袍一般都是采用丝类的材质，以此来凸显高雅的风韵，而这条旗袍裙则采用了比较现代化的成品布，米白色的布料上点缀着黑色的花朵枝叶图案，打造出了水墨画的既视感，凸显出了旗袍裙特有的古典美，也彰显出了**姐的衣品。它的衣领没有采用立领的设计，而是在立领的基础上进行了削减，这样的设计突破了常规立领对脖子的束缚，衬得**姐的脖子十分修长，盘扣是旗袍裙特有的设计，但是它在盘扣的周边做了一圈白色的花边，将小巧的盘扣放大了起来，使得裙子多了几分现代气息。

这条旗袍裙还运用了很多蕾丝进行点缀，无袖的袖口与开叉的裙摆上都做了波浪形的蕾丝花边，这样的设计既提升了旗袍的精美程度，又使它多了几分浪漫气息，它的版型仍旧比较修身，腰部也做了收腰的设计，将**姐优秀的身材曲线完美地勾勒了出来，裙摆的长度超过了**姐的膝盖位置，一来遮盖了腿部的小缺点，二来还在视觉上拉长了身形，衬得**姐的身形高挑曼妙，优雅的气质也凸显了出来。

旗袍本身就是端庄古典的服装，因此在发型上与妆容上也应该与之匹配，但是**姐却化了红唇浓妆，虽然不会影响整体的美感，但是我觉得化成淡妆效果会更好，你们觉得呢？

墨梅是中国传统的绘画题材，梅花寓意着冬季的坚韧和春季的细节，也是中国文化中的一个非常重要的象征。墨梅是中国文化中的一个非常重要的绘画作品，是中国绘画艺术中的一部分，具有欣赏、收藏价值，深受广大爱好艺术人士的喜欢。那么，墨梅怎么画简单又好看呢？一、选择合适的画布

画墨梅时，应选用少量水分的宣纸或毛笔纸，这样可以保持墨色的深浅变化，也可以使画面更加质感细腻。同时，宣纸含有一定的吸墨性，能够让墨色自然地渐变，更加符合中国画的要求。

二、准备好工具

画墨梅需要使用毛笔，选择合适的毛笔是非常重要的。需要用到的笔有小、中、大三种，选择时应根据画面的大小和要求来决定。同时，毛笔也需保养得当，以免造成画面质量下降。

三、熟练掌握毛笔技巧

毛笔是中国画的重要工具，掌握好毛笔的使用技巧是画出好的墨梅的关键。在使用毛笔时，注意调节笔的湿度，掌握好墨色的深浅，这可以通过在毛笔中加入适量的水或调墨水来实现。同时，保持手腕稳定，这是画出精美墨梅的基础。

四、绘制墨梅的步骤

1、先画花瓣，从下至上，由粗到细，保持笔锋的变化。

2、画枝条和叶子，一般先画大叶，再画小叶。

3、在花瓣和叶子上勾画纹理，突出墨色层次。

4、描绘梅花的特点，如梅子、梅蕊等。

五、注意事项

1、墨梅在画时要注意总体效果，避免某个部位过于突出，导致画面失去平衡。

2、墨梅画好后一定要进行修整，将一些不必要的细节删去，强调画面的主题。

3、墨梅的色调以黑白为主，需要合适的色彩搭配才能更好地表现出画面的深度。

总之，绘制墨梅需要细心、熟练、耐心和实践。随着学习的不断深入，画墨梅的技巧和水平会逐渐提升，创造出更加出色的墨梅作品。

画法如下：

1、花苞画法

画花苞时，先用毛笔调白粉，笔肚含水分要饱和。笔头蘸曙红调匀，笔尖略加胭脂。然后笔尖向下，笔肚朝上，从左至右落笔，三两笔即可画出。再加浓色点出花苞顶部，以显示花苞的体积感，增加层次。最后用赭石或汁绿，笔尖调墨画出花萼和花托。

2、半开及全开牡丹画法

调色同花苞一样。先画出花瓣亮部，用笔要有微妙变化，果断画出，留飞白。画开放式花瓣应有变化，形成内紧外松，外部花瓣向中心靠拢。中心部位颜色要重一些，表现其立体感。最后要点出花萼和花托。

3、花头画法

（1）粉红牡丹画法：

调白粉加淡曙红，用侧锋画出亮部，注意用笔要大小兼用，笔痕要有变化，有节奏。画花的中心部位时，笔尖扫一点胭脂，点出层次。使颜色自然渗化，见笔触，用心收拾外形，干后点花蕊。

（2）紫牡丹画法：

紫色用胭脂和花青调和而成。偏红或偏青，偏浓或偏淡，应根据喜好而定。白粉量多为淡，反之为浓色。

（3）墨牡丹画法

画墨牡丹有三种调色法：一是用清水调墨，自然渗化；二是用粉调墨，增加厚度；三是用胶调墨，增加亮度。每种调墨法，要多实践，多试验，从中体会不同的笔墨情趣。

在中国传统山水画中，主要有白描法和线描法。近代以来，许多画家在传统的基础上进行创新，或将传统技法与西方绘画方法相结合，形成了自己独特的画水、瀑布、海浪的技法。下面举几个例子：3360。

黄君璧(1898-1991)，台湾重量级画家，与张大千、溥心畲并称“渡海三侠”。他的山水传统，勇于借鉴西方绘画技法，以明暗塑造造型，求真写实，表现山水的神韵，尤其是云的气象、水的肌理、云水的运动。他画的白云和瀑布是最著名的。

鲁(1909-1993)是艺术大师，是鲁派山水画的重要特征。水墨画中的白点表现的是云与泉，白点要用墨来衬托，这样用墨块来形成墨厚的块。他还擅长用长线描水、描云，水线刻画出各种波浪。

孔仲奇(1934-2015)，山水苍劲奔放，追求真趣，善画云水，爱画江海波涛。他发明了云法、孤钩法、短线法等技法，以表现江河湖海不同的真实动态和意境。他特别爱画钱塘江潮。艺术界有句话，看孔家超不如看钱江潮。

欣赏一幅中国画作品，对于一般人来说，常常是能否“看懂”作为评判标准。欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实的，属于看得懂范畴。

但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏中国画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅中国画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。

就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。

那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，看画一般是看画面的整体气势，用中国画术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。这种抓“神韵”的欣赏方法，就是抓住了画的实质，因为“神韵”是一种高层次的艺术审美享受，常常是中国画家们追求的目标。

当然，要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的国画基本知识，特别是通过“画”而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏国画，还得具备多方面的才能和艺术修养。

艺术欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，中国画也是如此。

审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。

第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。

我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。

到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。

这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏中国画才获得了真正的意义。朋友不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。

要欣赏中国画，掌握了解中国古代品评绘画的基本原则——

“六法”是很有必要的。

“六法”是南北朝时期生活在南齐时代的著名人物画家和美术理论家谢赫提出来的，谢赫擅长肖像画和仕女画，据载他训练有敏锐的观察力和深厚的默写功夫，但是，他在中国画史上的地位，主要还是取决于他在理论方面的贡献，他的著作《古画品录》，初步奠定了中国画理论的完整体系，提出了品画的艺术标准——“六法论”。

“六法论”有哪些内容呢？它包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写六个方面：

气韵生动：气韵指什么呢？就是画面形象的精神气质，也就是以前东晋人物画家顾恺之称为的“神”。气韵生动就是指画面形象的精神气质生动活泼，活灵活现，鲜明突出。也就是“形神兼备”，中国画的要求，不仅要描绘出对象的外形，而且还要表现出它的精神。人物有精神，山水、花鸟也有精神。达到神似，就能气韵生动。许多画家认为，没有气韵的作品是不能称之为画的。当然，要表现出艺术形象的生动性、真实性，即气韵，也与其他五法分不开的。气韵生动也离不开构图立意、笔墨技法的，因此，它和其余五法是一个整体。其他五法同时也离不开气韵生动，否则，也就成为了缺乏灵魂的纯技术性的东西。

骨法用笔：骨法原来是指人物的外形特点，后来泛指一切描绘对象的轮廓。用笔，就是中国画特有的笔墨技法。骨法用笔总的来说，就是指怎样用笔墨技法恰当地把对象的形状和质感画出来。如果我们把气韵生动理解为“神”，那么也就可以简单地把骨法用笔理解为“形”了，囵此，气韵生动和骨法用笔又有着密不可分的内在联系，“形”的描写借助于笔墨写出来，而写形又不过是手段，其目的是表现“神”，这与顾恺之的“以形写神”的表现客体的法则是一致的。

应物象形：就是画家在描绘对象时，要顺应事物的本来面貌，用造型手段把它表现出来。也就是说，描绘事物要有一定的客观事物作为依托，作为凭借，不能随意的主观臆造。也就是客观地反映事物，描绘对象。但是，作为艺术，也可以在尊重客观事物的前提下进行取舍、概括、想象和夸张。这可以说是指一种创作态度和方法。

随类赋彩：则是指色彩的应用了，指根据不同的描绘对象、时间、地点，施用不同的色彩。中国画运用色彩同西洋画是不同的，中国画喜欢用固有色，即物体本来的颜色，虽然也讲究一定的变化，但变化较小。

经营位置：则是指构图。经营是指构图的设计方法，是根据画面的需要，安排调匿形象，即通过所说的谋篇布局，来体现作品的整体效果。中国画也是历来重视构图的，它要讲究宾主、呼应、虚实、繁简、疏密、藏露、参差等种种关系。

传移摸写：就是指写生和临摹。对真人真物进行写生，对古代作品进行临摹，这是一种学习自然和继承传统的学习方法。

六法对于画家和绘画作品来说，是全面的最高的要求，一般都是很难完全达到的，各擅一节足矣。我们了解掌握六法，便于理解古人品评绘画的标准和着眼点，从而客观地对待祖国的美术遗产，以及在我们欣赏传统的中国绘画时，会从中获得某种启示。

能不能欣赏中国画，是衡量中国人有没有艺术鉴赏力的标准之一。鉴赏中国画，要求鉴赏者具有一定的学养、才识和格调。

一幅中国画，先观大概，布局要和谐，是否有作者的个人风格，意境、意趣要深远。意境或意趣是鉴赏者对一幅画的最初印象，好的意境或意趣，让鉴赏者想细细看下去。任何好的笔墨技巧是为了表达意境或意趣服务的。而风格是一个国画家有别于另一位国画家的特色所在，也是检验一个画家成熟与否的标准。中国画大师的作品无一不有个性鲜明的艺术风格。

布局是作画的战略，是一幅画在表现上最关键的部分。假如左边画一块巨石，右边画一只小鸟，加些小草，在下面题上几个字，盖上印，画是完成了，即使笔墨精妙，颇有意境，可布局不当，画面失去平衡，让鉴赏者难受，就不算成功的中国画。大师潘天寿的画，极重意境，一山一石，一虫一鸟，无不展现着万物的生机与自然界的诗意。他的画多险，多奇，多重，通过各种物象，在激烈的冲突中一一化解，最后画面归于平衡与和谐。他的大画雄伟奇逸，常常给鉴赏者震憾般的审美感受。

其次看造型与线条。造型过于失当，人不象人，山不象山，树不象树，即使布局好，线条好，仍不入妙品。造型要不失情理，线条要自然生动。但是，自然生动的线条有各种风格，有的秀美，有的苍老，有的古朴，有的厚重，有的飘逸，这些线条通过表现不同的物象，会产生不同的审美感受。在这些线条中，都要书法美感。概括性地说，吴昌硕的线条古拙，齐白石的线条苍老，潘天寿的线条凝重，范曾的线条俊逸。

没有书法功力的中国画作者，线条常常软弱、油滑、稚嫩，这些线条所表现的物象内涵就大为贫泛。这种画在旅游景点或工艺品商场常见，为数不少的画品低下的中国画作者，制造了大量低劣恶俗的中国画，极为恶劣地败坏了中国画的声誉与市场。

再看墨色的变化。有的劣画，常常局部一片死黑，没有任何变化，淡墨散淡而不空灵。好的中国画，讲究黑分五采：焦、湿、浓、重、清。焦墨画只宜于写生的便利，作为山水素材收集是可行的，任何人的焦墨山水都不可能成为中国画的上品，作为完整的中国画，焦墨画在神韵上大打折扣。象张仃的焦墨山水画，让人感到口渴。齐白石的小品花鸟写意画，意趣绵长，他极精于用墨、用水与用色，他手中的毛笔在生宣上变化无穷，让鉴赏者数十年后仍感觉到画面的湿润。湖南乡下曾经有一个农民花鸟画家王憨山，作画气势大，布局佳，笔力也很刚健，但变化过少，直来直去。他不善于用水与用色，画面有火气。他说“作画墨与色要给足”，可他给得太足了，常常见他的画面墨黑一片或大红一片，他的画有强烈的风格，但画品不高。

中国画以用墨为上，用色次之。好的中国画，要做到色不碍墨，墨不碍色。由于中国画不以写实为能，用色不能过于写实，不能与黑线表达的物象不谐调。一般色中少许加一些淡墨，使色彩沉着高古。范曾画人，脸上的色彩不全是粉红色，加有淡花青，衬景用色也是花青加朱磦，甚至加些淡墨，都是为了色调高古沉着。如果人脸用白粉加曙红，背景的草木用绿色，山石单用花青或赭石，那就俗气了。工笔花鸟与人物画，同样要讲究轮廓的线条与物象的设色。好的中国画的设色，或沉着，或高古，或典雅，大体上不能象油画或水彩画那样用色。要设色的中国画，墨笔部分不能画得太过，要留些东西给颜色去表达，而单纯的水墨画则要尽情挥写，加色便成多余。

最后看题款与盖章的章法。题款看书法功夫与文字内容是不是高妙，盖章极有讲究，盖的位置恰当，是锦上添花，盖的位置不当，是佛头著粪。

如果画装裱了，还要看装裱的工艺，绫纸的搭配，画幅是否平整，长短宽窄是否和谐。画装了镜框，则鉴赏镜框材料是否精致，做工如何。好画却装裱拙劣，毕竟是一件遗憾的事，好象高人韵士穿一身烂衣服，风神是要大为逊色的

外表：

初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看下列各项是否精美。

画工：

画家的作品，可表现出作者的成就。画面的形象，就是画工的具体， 我们往往主观批评该画的优劣，就是受画工的影响很大。

书法：

中国画和西洋画不同之处，其中一项就是书法。中国画画面上常伴 以诗句，而诗句是画的灵魂，有时一句题诗，如画龙点睛，使画增色不少。而画中的书法，亦影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署，亦可窥其良莠。

印章：

画面上常见的印章有各方面：画家的印鉴，题字者私章，衬托用闲 章，收藏者印章，欣赏者印章，鉴证者印章等。而各种印章的雕工，印文内容，盖印位置等，都在评价之列。尤其古画，往往有帝皇，名家，藏家和鉴赏家的印鉴，可佐真伪。

装框：

中国画的装裱更别具一格，常见的有纸，绫两大类。 今呀洗 ，绫 裱较精。裱边的颜色，阔窄，称边，接驳，裱工等，都十分讲究。日本近代的裱工另有风味，对现代的裱画方式具影响力。好的装裱，能把一幅画衬托得更为精美悦目，名贵大方。

框饰：

如用压镜方式将画藏在玻璃框下，其采用的框边质料、颜色、大小对画的美观影响极大。近年北美画家多采用西式框饰代替中式装裱，亦颇有可观。

内涵：

中国人欣赏字画不独欣赏表面工夫，更着重与作品有关和作者个人相互关系。

功力：

从事书画修养越久的人，他表现出的功力，是初学者无法掌握。尤其是书法，老手多苍劲有力，雄浑生姿。在国画方面，其线条，设计，意境亦表现出作者的工力。所以人生经验丰富的艺术家，其作品往往较年轻画家有不同的表现，这表现就是功力。

布局：

布局看来似是画面的设计，其实是作者胸怀中的天地，从画面布局中表现出来。中国画与西洋画不同的地方甚多，最明显之处就是“留白”。国画传统上不加底色，于是留白甚多，而疏、密、聚、散，成为留白的布局。在留白之处，有人以书法，提诗，盖印等来补白，亦有让其空虚，故从布局中可见作者特到之处。

学养：

工力及布局，可于画面窥其一二，至于作者的学养，对其作品影响至大。故中国有“文人画”之称。著名文人，其作品与众不同者，就是一种“书卷气”。画家与画匠之分别，学养是条件之一。

人品：

西方画家，往往以浪漫不羁，游戏人间为乐。而欣赏者只观其画而不理画家的私德。中国人不同，画家或书家如行为不检，道德败坏，声名狼藉，大奸大恶者，即使其书法美术如何精美，亦无人问津，试问谁家高悬曹操，秦桧等奸臣作品，而岳飞的“还我河山”，孙中山的“天下为公”，成为人尽皆知的好匾额，就是这个原故。

诗句：

字画中的诗文词句，往往代表主人的心声。其一句好诗，亦能表现 作者的内涵和学养。一句好句，亦把书题画龙点睛。最难得的，就是作者能为自己的画面题诗，不抄袭他人旧作，更见特出。至于书法亦然，抄一首古人诗章，别人看来，只观其字，因为内容不是作者心声，而是古人翻版而已，到底欠缺了作者的灵魂。

印文：

无论字或画，常有“压角”的闲章出现。所谓压角，就是画面或书法留白的角落。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中亦可见作者的心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。

人们会在制好的墨块上绘上精美的图案，在墨块上绘图有多难？作为一种绘画技巧，许多古人在丝绸上作画，这是不容易的。即使画了几个月，我也不觉得累。因为喊累是没有用的，就是关于中国的传统绘画，最有文化的就是水墨和纸，水墨特别重要，怎么把水墨用好，关键在于水，这个问题可能你有一些想法，所以容易跟你沟通，为什么说水墨用好关键在于水，因为水墨分五色，怎么调整它主要是通过加水。

水量大了，墨就变淡了，水量小了，墨就变浓了。那么，如何在正确的地方使用正确的感觉呢？古代人写书法。书法中使用的墨水与我们今天使用的墨水不同。当然，在古代主要是用墨，所以他们对墨和水的关系有比较清楚的认识。但在现代，墨水出现了很多。当人们在绘画时，墨水和水的混合已经发生了这样那样的变化，因为它不再是墨水了。因此，不是每个人都就是关于中国的传统绘画，最有文化的就是水墨和纸，水墨特别重要，怎么把水墨用好，关键在于水，这个问题可能你有一些想法，所以容易跟你沟通，为什么说水墨用好关键在于水，因为水墨分五色，怎么调整它主要是通过加水。能很好地控制水，水成为绘画的关键。

古代水墨画，具有很高的历史、绘画、书法、雕塑艺术水平。古代人写书法。书法中使用的墨水与我们今天使用的墨水不同。随着现代生产技术的便利，使用的是瓶装墨水，当然，墨水也有好坏之分。墨块可以分为两类：一类是松烟，一类是灯黑。普通的是灯黑，灯黑墨画和书法都适合。松烟墨只适合写字，但墨色深但无光泽，而且容易用水溶解。